En las redes sociales ya está viralizándose el trailer de “El Santos Contra La Tetona Mendoza”, la versión animada del director Alejandro Lozano basada en el mítico cómic de Jis y Trino, con un enorme elenco de voces que incluye a Julieta Venegas, Irene Azuela, Daniel Giménez Cacho, José María Yazpik, Andrés Bustamante y Los Bichir, producida por Fernando de Fuentes, José Carlos García de Lotana, Lynn Fainchtein y Francisco Arriagada, este proyecto fue realizado por Ánima Estudios.

Con el mismísimo “Santox”, La Tetona Mendoza, El Peyote Asesino, El Cabo Valdivia y Los Cerdos Gutiérrez, la cinta llegará a los cines a finales del 2012, aquí el trailer:

Para la gente que anda por Cali Pachanguero (donde Panamérika suena en los 94.5 FM de Radiónica) les damos el dato del lugar: Cra 4 Oeste #2-02 Barrio el Peñon. Más información, pueden consultar el link del evento aquí.

“Las imágenes son más capaces de explicar la verdad que las historias. Las historias son, potencialmente, mucho más capaces de mentir… Naturalmente, las imágenes también son susceptibles de ser manipuladas… Sin embargo, en las imágenes está latente la verdad, mientras que en las historias, para mí, está latente el embuste.”

-Wim Wenders, El acto de ver. Textos y conversaciones, Barcelona, Paidós, 2005, p.62.

Yvonne Venegas, hermana gemela de la cantante Julieta Venegas, presenta un proyecto muy interesante y rara vez visto en México: un ensayo fotográfico sobre el grupo de pop RBD con un enfoque muy especial, mucho más íntimo. INÉDITO es el nombre del libro que esta fotógrafa se ha tenido guardado casi 6 años desde que conoció a Pedro Damián, productor de telenovelas, y que ahora busca publicar con apoyo de la agente a través de Kickstarter.

La foto de prensa es fundamental para que todos puedan ver el mundo, pero un mundo según los intereses de los propietarios de la prensa: la industria, la finanza y los gobiernos; en este caso: Televisa, y no porque sea algo malo, simplemente es el mercado al que se dedican. En este tipo de trabajo, normalmente el ser fotógrafo tiene una consideración inferior, sin poder de iniciativa, ahí radica el esfuerzo de Venegas, el mostrar las emociones, los cambios de los indivíduos y un “otro lado” de la realidad, haciendo énfasis no sólo en la vida interna de un grupo de individuos, sino en el fenómeno social que generaron.

Por los adelantos podemos ver imágenes de una Anahí solitaria al lado de una alberca en un hermoso pero desolado paisaje (Pool, 2006), fans mexicanos vestidos como sus ídolos y retratos detrás de cámaras de estos jóvenes que se convirtieron en personajes de la televisión y regresaron a la vida real como estrellas.

En este video la autora explica el proyecto, su proceso e importancia; vale la pena prestarle atención:

En Panamérika nos sumamos al dolor de su pérdida y celebramos su vida con dos aporte latinos lanzados por los Beastie Boys en 1996 en su álbum The In Sound From Way Out!, con la colaboración, en estudio, de Eric Bobo en las percusiones. Acá hay un video en vivo de “Sabrosa”  y “Bobo on the Corner” en su versión original.

Del nuevo disco de Armando Palomas, celebrando 15 años de estar chingando y chingando, de cantarle a una botella de tequila, de besar los pies de la madrugada, simplemente palomas, simplemente un chingón de la música…Disfrútenlo

Para celebrar el día de la Santa Cruz, este es “El Blues del albañil” de Armando Palomas:

y por si ustedes están buscando algo que ver hoy en la noche, aquí les dejamos la película del día: El Día del Albañil, con Alfonso Zayas, Angelica Chain, Luis de Alba, Rossy Mendoza, Maribel Fernandez “La Pelangocha”, Joaquin Garcia “Borolas”, Gerardo Zepeda “Chiquilin”, Oscar Fentanes.

Luego de horas de susto, se nos dio un parte de tranquilidad al anunciarse que la caravana de músicos estaba fuera de peligro y que el cantante apenas se sentía un poco adolorido. Dichosa noticia para los seguidores que han disfrutado de su música durante cinco décadas.

Nacido en el barrio obrero de Trastalleres, en San Juan, Montañez se dio a conocer en el mundo musical como vocalista de El Gran Combo de Puerto Rico, la llamada “Universidad de la salsa”. Allí por catorce años compartiría voces al lado del gran Pellín Rodríguez bajo la dirección del pianista Rafael Ithier, el “Hombre de las patillas blancas”. ‘Un verano en Nueva York’, ‘Vagabundo’ o hasta una versión de ‘Milonga sentimental’ sería parte del saldo de éxitos que recordamos en su voz. Como muchos salseros de la edad de oro, supo cultivar el bolero como en este bello ejemplo titulado ‘A mi manera’:

Tras salir del Gran Combo, realizaría un paso breve por La Dimensión Latina, la misma orquesta venezolana que vio nacer a Oscar D’León. Ya en 1980 despegaría con su propia orquesta, a la cual le debimos éxitos como ‘Payaso’, ‘Casi te envidio’ o una encendida versión de ‘Milonga para una niña’, una de las más bellas composiciones del poeta uruguayo Alfredo Zitarrosa. Precisamente ese tema queremos que escuchen, en esta versión reciente para el carnaval de Barranquilla de 2009:

Una dicha que ya pasó el susto. Pronta recuperación y  muy felices setenta años al Niño de Trastalleres.

Aquí dejamos el cartel del festival:

“Echale! Latino Music Estyles”  es una fiestota que de cuando en cuando destroza el parque tejano de la Perla Histórica con una dosis de los mejores ritmos de Hispanoamérica. En la última emisión, Toy Selectah y el Instituto Mexicano del Sonido partieron plaza y por unas horas el territorio vecino se sintió a la par de la chilanga banda del otro lado del Muro de la Vergüenza.

Panamérika no se podía perder el regreso del IMS a Tierra Bonita, Texas, así que nos trajimos el chou hasta acá para que lo escuche con todo el lujo de detalle (por ahí viene un adelanto de su nuevo disco Político).

Let’s do some dancing people!! ¿O qué?…

En medio de tan respetables cifras, la música también tiene un buen espacio en la Ciudad Teatro, en el escenario denominado “Carpa Cabaret”. Este año, la oferta musical estuvo encabezada por diferentes lecturas a los sonidos afro y del litoral: los Corraleros de Majagual, Tótó La Momposina, la Orquesta de Lucho Bermúdez, Bomba Estéreo y los  Gaiteros de San Jacinto presidieron un cartel local al que se sumó el admirable proyecto peruano Novalima.

A estas figuras se unieron propuestas de formación más reciente, algunas de las cuales hemos seguido en Panamérika: Monsieur Periné, Zalama Crew o Pulenta con el hip hop que de Medellín traen Crew Peligrosos, las distintas remembranzas a la costa Pacífica con La Revuelta y Kartel Pacífico o la energía rumbera de Atlantic Soul Machine, Audiotrópico o La Sabrosura Dura. Toda una invitación para acceder a la permanente renovación de la música alternativa que se produce en diferentes regiones de Colombia.

Para conocer de cerca estos proyectos, la revista Shock nos invita a descargar completamente gratis un compilado con los nuevos sonidos colombianos que en estos días deleitaron en Bogotá a los seguidores del teatro mundial. La gente de Shock  nos ha recomendado a 16 bandas e igual número de temas, para que las conozcamos también por fuera del Festival.

El playlist y el enlace para bajar las canciones lo encuentran AQUÍ.

El primer día de actividades musicales en el Vive Latino 2012 es ya otra página más escrita en su amplia historia, y como siempre, uno nunca sabe con qué se va a topar más allá del cartel anunciado. El verdadero folclor viene comúnmente de parte de los asistentes que traen bien puesta la camiseta y que toman como pretexto estos días de rock para simplemente dejarse ser. Eso inevitablemente siempre nos roba varias sonrisas.

Por el lado musical he aquí lo que aconteció con  las 5 agrupaciones que observamos para uds. el día de ayer:

Antoine Reverb – La banda oriunda de Guadalajara se presentó por primera vez en el marco de este festival y fue un gran chance para que muchos les escucharan y quedaran atrapados. Si bien no había mucha gente al principio, poco a poco algunos individuos se incorporaron al escuchar ese espléndido juego de voces que se conjunta en tres de sus cinco integrantes. Quizá un entorno nocturno hubiese favorecido más su atmosférica gama de colores musicales, pero sin duda todos los asistentes nos fuimos satisfechos y con ganas de escuchar más. Apenas tienen un LP en su haber, pero algo nos dice que su historia puede escribir muchas más páginas en este festival y en la escena mexicana.

Bunbury (o Bumbury, como le dicen sus fans) es una religión. Asistir a un concierto sin ser adepto de El espíritu del vino, te puede dejar como en misa, cuando todos se dan golpes de pecho y recitan el “Padre Nuestro” con los ojos en blanco. Con un fervor papal, Bunbury saluda su querido México, adelantándoles que les va a tocar música cantinera y romántica, y con ello, se mete en la bolsa a todos aquellos que crecieron con la tradición familiar de escuchar boleros y rancheras, pero que por dogmas rockeros, suelen renegar de su herencia. Sobre el escenario, Bunbury es una salamandra de fuego. El sotaco de Zaragoza encarna una especie de Rey Lagarto con ojos viperinos y aretes gitanos que empuña un micrófono adornado con calaveritas à la Steven Tyler. Sus músicos, una impecable banda de zombies del viejo oeste que sostenía el tono lastimero de cada uno de los himnos del Licenciado Cantinas y discografía anterior.  Julio Iglesias, Raphael… ¿qué tienen los crooners españoletes, cuyo romanticismo de alubias con fabada, tanto gustan por acá, en la tierra del chilaquil?

Hoppo! – La Carpa Intolerante albergó a ésta peculiar alineación de individuos que en conjunto confoman una gran combinación. Sin duda muchos tuvieron oportunidad de escuchar y conocer su sonido por primera vez en ésta ocasión por dos razones: Una porque pocas veces ellos se pueden juntar a tocar en vivo, ya que unos son mexicanos y otros chilenos y cada quien hace su vida en su país. La otra, porque la peculiar tesitura de voz de Rubén Albarrán (vocalista de Café Tacvba), hacía voltear a varios que pasaban y acababan quedándose. Este proyecto se acerca mucho más a la personalidad y al profundo discurso espiritual y de conciencia social de Rubén y sus compañeros que mediante su música buscan crear entornos armónicos y en conexión con la tierra, que van desde cantos de la tradición guaraní, canciones populares como del gran Víctor Jara, hasta composiciones propias que dejaron ganas de más en muchos que se identificaron… otros a veces no dejan ir el hecho de la historia de su vocalista como tacvbo, pero la sorpresa fue para todos, pues su música tiene, sin duda, calidad.

Caravana –  Nadie imaginaba el supergrupo que compone la alineación original de Caravana, el proyecto de Rodrigo Santis, el acá y acá del sello chileno Quemasucabeza. Pedro Piedra, Gepe, Fernando Milagros, y Felicia (multi-instrumentista que es algo así como arroz de todos los moles de los proyectos en Chile) lo acompañaron ayer en vivo en su primera presentación en México. Caravana en vivo suena atmosférico, melancólico, muy potente y con un tinte folk sureño y absolutamente embelezante, con bases rítmicas que galopan y lo traen a uno de un lugar a otro como el cóndor en la cordillera andina. Pocos fueron los asistentes que tuvieron la suerte de darse este tremendo caprichito para exquisitos.

Catupecu Machu – Ya son más de 13 años de historia los sonorizados por la agrupación Argentina y quedó claro que para muchos son un gran recuerdo latente. Siempre ha sido difícil definir su sonido pues puede rayar desde riffs poderosos y oscurones hasta un toque de pop extrañamente sazonado para no dejar de sentirte rudo. La gente que disfrutó ayer de este reencuentro con la banda estaba totalmente sumergida en sus canciones, coreando, brincando y dejándose contagiar por la gran actitud que tienen sus integrantes, a pesar de sólo conservar a algunos de su alineación original, pero sí tocaron varios de sus clásicos, aunque recién el año pasado sacaron una nueva poducción. Éste fue un claro ejemplo de cómo el Vive Latino tiene la magia de adentrarte en lo que invade la escena actual, pero también recuperar de tu memoria, como de tu estante de discos empolvados, enormes emociones guardadas que se detonan al instante al reencontrarte con partes tuyas que habías dejado atrás y creías haber olvidado.

Dënver -Ya varios lo habían advertido: aguas con los chilenos, porque no sólo traen discos muy buenos, sino que este Vive Latino, tocarán con sus alineaciones más fieles. Así salió Dënver a defender por segunda vez en México su exitoso disco Música, Gramática y Gimnasia, pero ahora, en el monstruo que es este festival. Una actitud timida pero concentrada mostraba a una Mariana de voz finita, contenida, se antojaba un poco más potente, pero su vestido y su manera de desenvolverse en el escenario lo eclipsaba todo, menos la impecable ejecución de los músicos que hicieron su papel como pocos pueden hacerlo sobre el escenario. Quizás es porque Dënver traía consigo a los músicos con los que están acostumbrados a tocar, Lego Muoustache (de Astro) entre ellos. La juventud mexicana se dio una buena dosis de himnos generacionales como “Los Adolescentes”, la más coreada.

Los Esquizitos – Justo tras la presentación de Catupecu vino la esperada presentación de los Esquizitos y sus locuras. Sin duda un tiempo adecuado pa comprar una chela y tomártela y después aventar su contenedor (sin residuos de nada, aclaro), pues la conjunción de estos peculiares personajes en ésta banda hacen que la gente recuerde que el rock es también cuestión de querese divertir y burlarse un poco de la vida, el entorno local y uno como persona. Justamente el nombre de ésta agrupación resulta siempre muy atinado pues demuestran que no se necesita exquisitez, ni virtuosismo, ni licenciatura musical para expresar a través de rolas lo que ronda por tu mente. Los puristas podrán odiarlos o menospreciarlos, pero lo más chido es que a ellos les vale absolutamente madres.

The Sconek-T: Algunos preferimos pasar de Zoé y hacer la travesura de refugiarnos en la Carpa Intolerante, en busca de encontrar algo bizarro. Y sí que encontramos un yacimiento de extravagancia. Sí, el nombre es terrible: The Sconek-T. Si se llamaran The Churubusco String Quartet o algo por ahí, chance implicaría un acto glamoroso… pero son lo que son: Cuatro chavos matudos y flacos, vestidos como si recién hubieran salido de su clase de violín en el CNA. ¡Ah, pero qué pose y qué manera de empuñar los instrumentos eléctricos de cuerdas, con todo y vapor de hielo seco a contraluz! Comenzaron con unas terribles piezas finas como porcelana en casa de la tía, que remitían a la colaboración que André Rieu y Vanessa Mae jamás han hecho. Luego, se pusieron muy Kusorawa, con unas piezas llamadas “Anime II” y “Anime III”, tomadas de su nuevo álbum (de material original), llamado Corriente Alterna (¡¡¡Llamen a un asesor de mercadotecnia, por favor!!!). Ya se imaginarán a unos otakus en el público, haciendo headbanging. Lo mejor vino cuando se fueron urbanizando y sacar a relucir la raza de bronce, con el mejor repertorio de su álbum debut: en el clásico cameo de Vive Latino, Rubén Albarrán (Café Tacvba) se subió a cantar “Las Flores” ante decenas de cámaras horizontales que captaron el momento y gente coreando animosamente esta rola inmortal. Y luego, estos geniecillos impecables en su técnica, ya se soltaron el chongo con un cover en metal-polka a “Bésame Mucho”, otra rola muy de boda (que nos puso a bailar en círculos), luego otra bien cumbiera y finalmente, con un popurri inspirado en Los Fabulosos Cadillacs que puso a la banda a brincar como barra futbolera. Nuestra dosis de bizarres, quedó servida con cuchara copeteada.

Zoé – Si alguien dudaba aún que tan grande es ésta banda en nuestra escena, ayer quedó demostrado que “muy grande” es la respuesta. Esta fue su quinta presentación en el festival y ciertamente se demostró que ellos han ido creciendo junto con él. El escenario principal del Foro Sol lucía abarrotado, en donde miles de personas coreaban todas y cada una de las canciones que sonaban; ahora un poco cambiadas debido a los buenos arreglos e invitados que las han mutado a partir del Unplugged que realizaron el año pasado y al cual le han sacado mucho jugo.

Tropikal Forever
Soy muy fan de Tropikal Forever, si alguien ha convivido conmigo en una fiesta animada por una computadora para poner videos en Youtube se habrá dado cuenta. Tropikal Forever llevan el concepto de “bastardización” a niveles nuevos, haciendo de este concepto su sello, no con una o dos buenas versiones, sino con un repertorio de joyitas, reinterpretaciones de rolas gringas ochenteras y noventeras con las que no puedes dejar de reír y menear el cuerpo. Nunca los he visto pero todos los que me lo han recomendado lo describen como “cuando vas a una boda y ya todos están super super borrachos bailando con globos al ritmo de La Vibora de la Mar” (¿A qué tipo de bodas van mis amigos?).

Monareta
Continuando con el ambiente de boda, puedo decir que Monareta ha sido una de las bandas con las que más me he divertido en mi vida. En su presentación en Guadalajara durante la FIM 2011 armaron un desmadre increíble con su mezcla de ritmos electrónicos poperos con ritmos caribeños y un sabor latino durísimo en un pequeño bar jalisciense abarrotado, en el que todos, todos, estaban bailando. Me quedé con muchas ganas de verlos prender a la gente en un festival y parece que ahora es cuando.

Pedro Piedra
He reseñado un par de videos de “El Pedropiedra” y todavía no he tenido la oportunidad de verlo. Con la oleada de chilenos que han visitado recientemente México para dar shows (Alex Anwandter, Adrianigual, Dënver, Astro), este joven es indispensable en la re-configuración que se ha dado de la música moderna latinoamericana ya que aunque todas las bandas chilenas suenan distinto, representan en la actualidad un bloque de talento geográfico que no se había visto desde el Grunge de Seattle.

Suave as Hell
“Los Suaves”, como les llaman por ahí, fueron una de las primeras bandas con las que trabajé, les hice una pequeña sesión de fotos en el 2007 para una revista cuando acababan de mudarse al DF. Para bandas como Suave as Hell cuyo material no es completamente en español es más difícil conseguir el éxito en México, ha sido muy lenta la trayectoria de esta gran banda y, a decir verdad, hace varios años que no los veo en un show. Supongo que serán muy distintos ahora con dos discos ya en su historial y miles de fans que poco a poco se han ido juntando, así que es momento de que esta banda llegue a un festival del tamaño del Vive.

Hueco
El vocalista de Hueco era maestro de inglés en la secundaria en donde yo iba, a los 14 o 15 años los fui a ver al Hard Rock Café cuando no te pedían identificación en todas partes para entrar. José Hernández-Riwes me regaló un boleto y el disco Invierno, sus looks, su música y la portada de su disco no me llamaban nada la atención porque se me hacían como de puesto de góticos del Chopo…claro, yo en ese tiempo estaba enganchado con Nirvana. El Hueco de Hernández-Riwes lleva más de 15 años en la escena darketona del país, hablando de la obscuridad en el ser humano y haciendo referencias literarias, considerada ya una banda de culto, la experiencia de estos músicos sobre el escenario debe de enseñarnos algo.

Jinetes Eléctricos
No me gusta la música de las Víctimas del Dr. Cerebro ni el proyecto alterno del Abulón “Abominables”, quienes con su música le hacen honor al nombre.
Tal vez sea porque no he prestado atención realmente a la música, ni siquiera sé que es lo que tocan: ¿ska? ¿metal?, lo que sí tengo muy claro es que cuando he visto a estos gueyes he presenciado actos llenos de energía, con disfraces elaborados, luces y uno de los mejores actos en vivo que tenemos en México. Jinetes Eléctricos es el proyecto alterno de “El Ranas”, guitarrista de las Víctimas, quien al lado del gran frontman que es el Abulón, logran un show inolvidable en cada presentación. Le toca el turno a este anfibio de presentar su proyecto para probar su poder en un festival masivo, promocionando su sencillo “Ciudad sin Pecado”, Jinetes Eléctricos es garantía de diversión.

Lost Acapulco
La primera vez que fui aun Vive Latino perdí mi calzado deportivo derecho (O como diría Torreblanca: “Un teni”) en un slam, a pesar de las advertencias de que me amarrara bien las agujetas. Tuve que andar todo el día sin mi Converse, de un escenario a otro hasta que mi padre me recogió a la media noche mientras todavía tocaba Ill Niño en el escenario principal. El slam ocurrió mientras tocaba Lost Acapulco frente a una manada de fanáticos con máscaras de luchadores, chicas con flecos bailaban con pasos sexosos de surf y había en el ambiente un duro olor a marihuana. Lost Acapulco, traen en esta ocasión temas de su disco Los Obligados Racing Team y quiero ver qué tanto puedo revivir ese recuerdo del 2004 que parece ya tan lejano, cuando yo todavía no me rasuraba e ir a este festival era probablemente lo más divertido del año.

Llevamos 5 años celebrando la entrega de premios de los Indie Music Awards, o Los IMAS para los compas, 5 años en el que el formato de la celebración se ha ido modificando para lograr una mejor logística y una representatividad mayor de la escena de la música independiente mexicana, (hay que decirlo, y reconocerle a los organizadores que esa es su intención, lo demás es otra historia).

“Quien no conoce el Salón Los Ángeles, no conoce México”, y tal vez sí, nos hacía falta hacer una parada en un lugar tan emblemático de la ciudad. Afuera, un taxi cocodrilo se mostraba como marcando territorio. Esta vez no estábamos en el Polyforum, ni en el Teatro de la Ciudad, parece que estamos  como una época de resesión en la que no nos alcanza para irnos a Bellas Artes, pero con ingenio pachuco nos regresamos al Barrio y sostenemos el caché. El Salón Los Ángeles, aunque acogedor, no dejaba de mirarnos como intrusos.

El siguiente texto, además de incluir la lista de ganadores de los IMAS 2012, expondrá algunas de nuestras preocupaciones sobre estos premios ¿Habríamos escrito esto si hubieramos ganado en la categoría de Mejor Radio por Internet? Nadie lo sabrá, porque no ganamos, pero nosotros creemos que sí, porque es una preocupación previa, que además, seguramente, compartimos con muchos de los que asistieron ayer. Y aunque el evento es hecho por amigos y colegas (y premia a otros tantos queridos de nuestro círculo), lo inmediato sería apechugar y dedicarnos a lo que sigue: cubrir el Vive Latino en esta semana de exaltación al rock hispanoamericano. Pero vale la pena detenerse. No queremos ser los invitados ingratos que van a una boda, comen, chupan y luego hablan de lo mal que se ve la novia.  Buscamos hacer una crítica constructiva, al igual que lo hicimos con los Grammy’s Latinos o con la Feria Internacional de la Música en Guadalajara.

• Motivos para festejar hay varios:

• El esfuerzo de Kontrabando al hacer estos premios es muy noble, es una lucha por la causa que les consume recursos en una empresa poco lucrativa (en lugar de modelo de negocios, quizás fructificaría más inscribir los premios y buscar un fondeo de Conaculta).

• Todo lo que rodea a los premios es cada vez más articulado: Desde un programa de radio semanal o newsletters puntuales, hasta un blog bien atendido.

• El objetivo por reconocer a los más destacados actores de la escena independiente mexicana (e hispanoamericana, por el premio UFI).

• El intento por registrar la historia de la música independiente y evitar la intermitencia creativa y falta de memoria.

• Vincular y dar una razón de pertenencia a esfuerzos heterogéneos que, sin proponérselo, son parte de una manera de operar autónoma, independiente, no-del-todo alineada a los poderes tradicionales y establecidos.

• Hay premios otorgados que en verdad dan gusto: Es evidente que, en el caso de esta 5ª entrega, las Plumas ganadas por Bam Bam, Juan Cirerol, Puerquerama, Los Esquizitos -por nombrar unos cuantos- son justos reconocimientos al esfuerzo, a la calidad y a la originalidad. Ya no se hagan, quien se la lleva, sí que lo celebra. Como dijo Chente de Mercado Negro (90.9) al recibir su premio: “Se siente bien chingóooooonnnnn”.

• Indie no significa chafa:

• La ceremonia fue demasiado austera. Y aunque sólo fue evidente el sponsoring de J&B, los premios sí bajaron la calidad en su ejecución. Es evidente que esta vez, se trataba de hacer los premios bajo estas condiciones, o de plano, no hacerlos (bajo riesgo de perder la continuidad) ¡Pero hay que cuidar la propiedad! Y mantener la dignidad de la escena independiente. El slogan en el póster justificaba ‘5 años de existencia ininterrumpida’, pero en el sentido negativo, esto asemeja al estilo superviviente del rock nacional (como El Tri), donde no importa la calidad, sino el hecho de que “seguimos rockeando”, cual reptil que logra sobrevivir en un clima árido, pero sin mucho lujo.

• Nomás no le dan al clavo con el formato: A base de ensayo y error, la escena de promotores independientes ha consolidado normas para la producción de conciertos y festivales. Sin embargo, los premios aún son un animal difícil de domesticar, más si el encuentro con éstos es raro y ocurre una vez al año. Cada año significa un experimento, que sabemos, eventualmente llevará a la maestría. Pero al cambiar las reglas del juego cada vez, se da una impresión de inseguridad, más que de fortaleza. Se ha sufrido en otras ediciones con presentadores siempre bien intencionados -pero con pocas tablas en la conducción de eventos-, que resultan en intervenciones alargadas, ridículas, sosas, choreras o con mala química: ha sido difícil dar con un rostro que represente a los IMAS. En este 2012, Andrés Almeida (Songs for Eleonor) y María Daniela no lo hicieron mal. Sólo estaban ceñidos a un formato muy temeroso de alargarse y perder la atención del público. Pero en esa manera precoz de llevar la ceremonia, se perdió la esencia, el humor, la espontaneidad. Tenían prisa por llegar al final, y en buscar la meta, se olvidaron de disfrutar el camino. Sí faltaron los interludios musicales u otro tipo de amenidades o plataformas de comunicación. Y sobretodo, los videos introductorios a cada terna que, en términos semióticos (a según Hollywood y MTV nos han acostumbrado), nos introducen al lenguaje y a los códigos de una premiación.

•  Y los premios, en sí. Lo más polémico.

• Nada les gusta, nada les parece. A nadie dejas contento. Lo más delicado es criticar, siendo que nosotros mismos estábamos nominados, y en otras ocasiones nuestros integrantes han ganado premios (Uriel Waizel en Clickaporte, programa de Ibero 90.9), o proyectos cercanos ganaron en esta ocasión (Mercado Negro y Buenos Días Santa Fe también de 90.9). No obstante esto, reiteramos que ser críticos tiene un fin más de retroalimentación, que de “ardidez” por no ganar. Vaya una llamada de atención tanto a los organizadores como a los que conformamos el capital humano de nuestra escena, a los jurados, medios y especialistas que están involucrados en el proceso de selección de los ganadores, que son los mismos miembros de la comunidad. Todos somos parte de estos premios y si son chidos o no, no sólo es responsabilidad de Kontrabando sino de todos, desde el artista que recoge un premio con apatía hasta el que emite un voto sin saber por lo que está votando.

• El sistema de votación carece de suficientes filtros: No es sencillo conjuntar a jurados de diferentes índoles y latitudes. Parece que un voto limpio, sencillo e impersonal por medio de Internet, sería la manera más práctica para ejecutar el voto. Sin embargo, esto sólo arroja estadísticas cuantitativas, mas no cualitativas: No siempre el más popular es el mejor. A pesar de que los IMAS brindan suficientes datos e información sobre los participantes, a través de un blog –cada vez mejor logrado e integral–, los jueces -en su apuro y poca especialización- parecen irse por los primeros nombres que les llegan a la mente, más que por la calidad de cada acto.

• La democracia no está en la dispersión, revirtiendo un poco el dicho: entre más burros menos olotes. Tal vez nos la tomemos demasiado en serio, pero hace falta una segunda vuelta que de lugar a lo cualitativo en las obras nominadas, posteriores a la ronda de votos. Hacen falta voces, comités o consejos específicos, especializados en cada género, que con conocimiento de causa, pongan a debate a los nominados y apliquen un último filtro. Hay que asumirlo, no todos tenemos conocimiento de todos los discos mencionados, o de las bandas, o géneros, o medios.

• Es positivo que cualquiera pueda registrar su obra, pero al momento de votar, existen ternas con más de 20 opciones, lo cual confunde y diluye los votos.

• En específico, esto se refleja en aspectos poco favorables en los premios, que le restan credibilidad a Los IMAS:

• Los Músicos de José ganan en la categoría de Mejor álbum de HipHop/Rap con un disco que es una colección de remixes con raperos invitados. Nosotros tampoco somos especialistas en el género, pero sí sabemos que Los Músicos de José no son hiphoperos, y de que hay raperos en México, los hay. ¿Por qué estamos suscribiendo que una banda de jazz, hace mejor rap que Golosinomano, Lico Loco, o Forte Realta (los otros nominados en la terna)? ¿En realidad es así de árida la escena del hip-hop en México o más bien nuestros conocimientos de ella son nulos? Tal vez este sea uno de los casos más críticos de esta entrega: si éste fuera el Maratón de GC, la ignorancia avanza tres casillas.

• Agrupación Cariño gana como Mejor canción del año. Sabemos del impacto de aparecer en una serie televisiva tan exitosa como Soy tu fan, pero, seamos honestos, ¿en qué lista de algún medio salió “Espero que te acuerdes de mí” como una de las mejores canciones del 2011? Una breve búsqueda en los contenidos en línea no nos ha arrojado, hasta ahora, a ningún medio que la haya mencionado. ¿Es acaso representativo?

• Lost Acapulco, Mejor disco surf con Los Obligados Racing Team. Disco perfectamente tocado, con un arte muy elegante, pero: ¿es el mejor disco surf, o Lost Acapulco es el top of mind de los jurados y al momento de votar, no arriesgan por otra obra? ¿saben los jurados acerca de surf? ¿O metal? ¿O reggae?

• Queremos muchísimo a Los Esquizitos pero su capacidad de ser comodines esta vez fue extralimitado y su álbum aparecía igualmente nominado a Punk/Garage y Surf/Rockabilly ¡No sean gachos, no apañen! O, entonces, hay que fusionar esas cuatro categorías en algo que el Warpig definiría como “Rock para hommmbresss”.

• Artistas que monopolizan los premios año con año, hasta convertirlos en algo tedioso: respetamos a Paté de Fuá, creemos que son hábiles en su arte, constantes en sus presentaciones y astutos para conseguir espacio en medios. Su música es única en esta región y los IMAS han sido justos en reconocer sus logros. Pero a Paté de Fuá le ocurre un fenómeno parecido al de México en la CONCACAF: No tienen rivales en su categoría y son el gigante de la zona. Si se hicieran otros 3 IMAS, seguro que Paté de Fuá los volvería a ganar… en la categoría de Jazz/Fusión o Género incierto. Insistimos en lo peligrosa que es la política del top of mind al momento de votar.

• Y algo similar ocurre con los medios: Tema igual de delicado en nuestro caso porque es nuestro rubro e insistimos en que no estamos enojados: sólo queremos cuestionar, con el fin de mejorar; no hay nada personal contra los colegas de Me Hace Ruido, Marvin o Grita Radio, pero el hecho de que sumen más de tres premios, aparenta que su labor es excelsa, como de Spielberg en los Oscares. De nuevo, respetamos mucho su trabajo, pero todo parece indicar que para el jurado ahí no hay competencia. Da gusto que Club Fonograma se haya llevado un premio al fin, después de varias nominaciones.

Después de esta intensa catársis, casi de diván, aquí les presentamos a los ganadores de la quinta edición de los IMAS

Ganadores 5ta edición
Disco Electrónica

Panoptica Orchestra – Panoptica Orchestra

Disco Folclore Popular

Haciendo Leña – Juan Cirerol

Disco  Jazz / Funk / Fusión

Boquita Pintada – Paté de Fuá

Disco  Jazz / Funk / Fusión

La Internacional Sonora Balkanera – La Internacional Sonora Balkanera

Disco Metal 

Regresa al Vértigo – Agora

Disco Punk / Garage 

Tú Quieres Ser Como Yo – Los Esquizitos

Disco Rap / Hip Hop

Different Sounds (Remixes) – Los Músicos de José

Disco Reggae / Ska 

La Historia de los Puercos – Puerquerama

Disco Rock

Futura Vía – Bam Bam

Disco Surf / Rockabilly 

Los Obligados Racing Team – Lost Acapulco

Disco Solista 

Haciendo Leña – Juan Cirerol

Arte Empaque del Año 

Bella Época por Dorian – Torreblanca

Medio Electrónico con Contenido Musical

Club Fonograma 

Publicación con Contenido Musical 

Marvin

Artista Nuevo 

Hey Chica!

Radio por Internet 

Grita Radio

Programa de Radio 

Mercado Negro 

Disquera Independiente o Netlabel 

Terrícolas Imbéciles 

Video del Año 

Hipnódromo– Bam Bam

Canción del Año 

Espero que te acuerdes de mí– Agrupación Cariño

Acto en Vivo 

Austin Tv 

Banda del Año 

Bam Bam 

Premio UFI 

Diamantes - El Columpio Asesino

Premio de la Gente

Torreblanca

Medio de la Gente

Buenos Días Santa Fe

Sin más preambulo, aquí les dejo las bandas que -según yo- valen la pena checar en este Vive Latino. Digo, poquitas pero contundentes.

DESCARTES A KANT

Hace poco me dijeron que el sonido de Deskartes A Kant se veía claramente influenciado por el proyecto de Mike Patton, Mr Bungle. La verdad es que yo no sabía ni de uno ni de otro, pero la cosa es que ya sea Sonic Youth, Mr Bungle -o que se yo- ver a esta banda interpretar rolas tan complejas, extravagantes y sobretodo únicas (todo aunado a que en su show combinan una teatralidad y dramatismo que ofrece mucho más que otros proyectos) no me las quita ni Kasabian, que se empalma en la misma hora. Además traen nuevo disco, material que, escuché por ahí, se viene bien bueno. ¡Chequen su nuevo video aquí!

 THE WOOKIES

Que a The Wookies les fue re bien en el festival de Cholula 72810 y que además son parte de la elite, secta, crew de Sicario y demás colectivos modernos, no es factor para que yo ya les compre todo el paquete. A pesar de que en sus grabaciones se les escuchan muy finos beats, quiero ver, con mis propios ojos, qué tal le mueven a las consolas -y ahora sí- comprobar si son tan buenos como dicen. Además cuenta la leyenda que sus peludos looks no son obstáculo para que se vayan acompañados todas las noches después de tocar, ver para creer, ver para creer.

 RITMO MACHINE

Sí usted piensa que el cartel del Vive Latino no es particularmente bueno, y que no encontraremos nada que nos levante los pelos de la emoción, ¿por qué no aprovechar la Carpa Danup y ver a Ritmo Machine?, el proyecto de Eric Bobo (Cypress Hill) y – entre el guetto y de los suburbios-, DJ Latin Bitman. Aún no sé como llegaron al cartel, pero se agradece, y aunque no sea asiduo del scratch y el rap este es un dúo que le aseguro no lo va a defraudar.

FLEMA

Supongo que nadie en esta lista (y en ninguna otra lista) le emociona que Flema va a venir al Vive Latino. Probablemente nadie sabe quien es Flema, además admito que si hubiera conocido los gemidos de Flema a esta edad, ni loca le hubiera entrado a su punk rock, pero dado que fueron una de las bandas que marcó mi “rebelde” adolescencia de patinetas y guitarrazos, son ahora uno de los grupos que más, si no el que más, me emociona ver en el cartel. Flema es una banda icónica de punk argentino que se formó en el 87, y les aseguro que a muchos como yo, aunque ya no estén en estas ondas locas y autogestivas, les emociona también ver a los personajes que marcaron una etapa importante de su vida.

Este año, México no exporta tantas bandas como años anteriores (gran parte afectados por el éxodo norteño a D.F.), pero sí va bien representado. Para ejemplo: Andrea Balency, dulce compositora y participante del Red Bull Music Academy 2011, Juan Cirerol el nuevo profeta del folk mexicano, el reggae/drone de White Ninja, Antoine Reverb; los editados en E.U, Lorelle Meets The Obsolete; 3 Dudes & Mullet, Joe Volume, Dirty Karma, Turbina; a los producidos por Joselo Rangel: Candy, los bien ponderados Bam Bam o Lila Downs, la única mujer que se le ha visto hablarle de tú a Chavela Vargas.

México lleva poco pero con interesante rango de calidad, me gustaría ver la reacción de la gente al ver a Juan Cirerol, quien ni de broma interpretaría algo en inglés, al folklore de Lila Downs o sintiendo en los huesos la finura y potencia de Torreblanca y Balency.

Parece que a los brasileños les da un poco de vergüenza que José Mojica Marins sea internacionalmente conocido –y más como su paisano–, y supongo que han de sentir una cosa similar a la que sentimos los mexicanos cuando nos hablan del Chavo del 8 en Sudamérica. Cuesta decirlo, pero seguramente, ellos nos dirían una cosa similar a la que nosotros les decimos, a ellos: Mojica, a estas alturas, debería ser un héroe nacional.

Pero, dejemos ese tema a parte, José Mojica es uno de los cineastas más retorcidos y obscuros de la filmografía global. Autor del papá de Freddy Krueger, y un sin fin de películas de horror de bajísimo presupuesto, muchísima mala suerte y una desbordante genialidad, con las que ha cautivado a un público nada modesto de fanáticos alrededor del mundo. Ese es José Mojica Marins, un cineasta brasileño que poco a poco fue fundiéndose con una de sus más grandes obras: el personaje de Zé do Caixão, un temible hombre de uñas largas que aterrorizaba a sus víctimas a través de los sueños. Sí, si les suena es porque de ahí agarraron la referencia.

Hoy que es martes 13 es un día perfecto para celebrar la vida de José Mojica, quien cumple 76 años. Para unirnos a la celebración aquí les dejamos la “Sambinha do Zé do Caixão”

y un clip introductorio:

Gracias a Julio Pillado por el dato del aniversario. 

Si usted todavía no se ha tronado al ritmo de “Hijos de José” en alguna fiesta NAAFI, o con algún DJ escenoso en un estado mental “elevado”, no sabe de lo que se ha perdido. Y es que este tema del regio Daniel Maloso, se ha vuelto un referente para las tocadas de quienes dicen saber pitchear con los ritmos que están a la vanguardia de la electrónica alternativa más glam (o, “más acá”).

De la mano de Matías Aguayo, Gary Pimiento y Rebolledo, Daniel Maloso forma parte de la subdivisión “con onda” de la disquera alemana Kompakt, Cómeme. No aptos para cualquiera, los temas que conforman este catálogo se caracterizan por sonidos erótico-norteños, con el sabor del dancefloor para satisfacer a las necesidades más elementales de la libido.

Así que ya se imaginará por donde va el style de Daniel Maloso, un chamaco que por cierto acaba de estrenar tema en el compilado más reciente de Plásticos y Etéreos.

Muy a su manera –conceptual, y eso-, Daniel Maloso en “Balas de Plata” nos da su visión de una guerrilla, recreándola al ras de retadores beats, o quizá sólo se estaba divirtiendo haciendo música como acostumbra. En fin, Daniel Maloso se presentará el 10 de marzo en el Festival Nrmal y si usted pertenece a esta nueva y fina comunidad electrobit no se lo puede perder.

¿Qué tienen en común la “lechita de Blur”, el robot del Shuffling, Wolverine, Depredador, un Chinelo y la muerte herself?

En la parte sur-orientar de la capital mexicana todavía conservamos la parte rural de Tláhuac y es aquí en donde las tradiciones de pueblo se mezclan con la cultura urbana. Entre superhéroes, travestidos, sicarios, payasos, borrachos y niños con miradas penosas se desarrolla el Carnaval de Tlaltenco. Durante más de un mes de fiestas todos los domingos, distintos grupos se organizan para montar carros alegóricos y bailar por horas al ritmo de las bandas por las calles del pueblo.

A días de que el metro llegue a esta zona y la ciudad la devore, y en previa época de festivales primaverales (SXSW, Vive Latino, NRMAL, 72810), les traemos unas alternativas imágenes de San Francisco Tlaltenco (Que significa “A la Orilla de la Tierra”) y su fiesta colorida e inusual, una celebración prehispánica para conmemorar el cambio de estación y agradecer a la naturaleza por las cosechas:

Y este año aspiramos que no sea la excepción con la presencia de un cartel de artistas tan prometedor como heterogéneo. De catorce propuestas que han sido anunciadas desde enero, seleccionamos a nuestros recomendados:

Mr. Bleat. Refrescante propuesta de indie rock y electropop que nos llega desde Medellín. Apenas el año pasado nos presentaron su primer larga duración y ya se ganaron el derecho a participar en los carteles de los festivales Altavoz (en su ciudad) y Centro (el pasado enero en Bogotá).

Bambarabanda. Han puesto con honores a la ciudad de Pasto, en el sur, en el mapa rockero del país. Su combinación de sonidos andinos, gitanos y eléctricos ya la tuvimos en nuestro programa 132. Presentando nuevo álbum y nuevo videoclip con un fuerte mensaje social, así están sonando:

Canalón y Ancestros. Dos de las muchas propuestas folclóricas de la costa pacífica que los medios independientes han empezado a prestar merecida atención. Para quienes quieran adentrarse en la riqueza de los sonidos afrocolombianos, que van más allá del Caribe y la cumbia. La percusión cadenciosa y el alegre sonido de la marimba harán presencia en tarima desde la tradición con los primeros y la experimentación con los segundos.

Monsieur Periné. Ya no sabemos qué más decir de este proyecto que ha arropado el veterano swing en las calles bogotanas a punta de una genial puesta en escena y la incorporación de instrumentos tradicionales colombianos. Acá los tenemos tocando en vivo para nuestros amigos de Radiónica.

Y cómo no, también hay que prestar atención en Austin a lo que entre muchas otras propuestas nos mandan desde México Antoine Reverb, Juan Cirerol, Andrea Balency, Lila Downs; desde España Xoel López, Canteca de Macao, Dorian o Vetusta Morla; Quantic desde Inglaterra vía Colombia, Gabriel Santiago Quintet desde Brasil o Sudakaya desde Ecuador.

El maestro Sierra fundó a finales de los años 70 la banda Kaka de Luxe, donde al lado de Alaska, Nacho Canut y Carlos Berlanga ayudaron aforjar el movimiento punk de España. Poco después, Kike Sierra sería guitarrista de la legendaria banda española Radio Futura. Este recordado proyecto nació en 1979 en el marco de la Movida Madrileña, ese movimiento cultural que tanto aportaría a la madurez y a la proyección internacional del rock y el pop del país ibérico.

Ocho producciones discográficas en trece años sería el saldo de Radio Futura en los estudios, donde Sierra hizo historia al lado de los hermanos zaragozanos Luis y Santiago Auserón. En su legado se destacan trabajos como La canción de Juan Perro, álbum de 1987 considerado uno de los máximos referentes en la consolidación del rock latino, en una época en la cual el maistream del continente volvió a darse cuenta (un poco tarde, eso sí) que en español también se cantaba rock.

Y para cerrar esta semana de homenajes que hicimos a la obra de Enrique Sierra, los dejamos con “No tocarte”, toma extraído de De un país en llamas, tercer álbum de Radio Futura. Esta versión fuepresentada en vivo para la televisión en 1987 al lado de otro grande, Miguel Ríos.

Este tema hace parte de ‘Vestidas y emplumadas’, nuestro programa número 182. Y recuerden que en este sitio web también tenemos un sentido homenaje a cargo de nuestro columnista invitado Pablo García.

Crónica del Festival de Música Popular Brasileña de 1967 transmitido por TV Record, el documental Una Noche en el 67, presenta entrevistas y material de archivo del concierto que cambió la historia de la música brasileña para definir lo que hoy conocemos como el Tropicalismo o Tropicalia. Con distintas personalidades, pero todos igualmente irreconocibles en la actualidad, Chico Buarque, Caetano Veloso, Roberto Carlos, Gilberto Gil con Os Mutantes, Edu Lobo y otros concursantes mostraron su destreza, algunos rindiéndose ante el abucheo y otros coronados por el éxito.

Pero esta película abarca más allá del fenómeno musical, el contexto social y político de Brasil en los años sesentas, cuando utilizar una guitarra eléctrica, escuchar a los Beatles o formar parte de un grupo de rock no era sólo una cuestión de gusto, sino alzar una bandera que atentaba contra la cultura tradicional de Brasil, en una época inicial de la dictadura militar brasilera. Este documental es divertido y enriquecedor para los curiosos y fundamental para fanáticos del movimiento musical del Tropicalismo, acá el trailer:

Por Pablo García

El musicassette estaba fundido, nomás. “Escuela de calor” sonó sofocada, en instantes parecía que se había magnetizado, llegó al final, apenas. De “Han caído los dos” salió un redoble aparente y adiós. Dejó de correr la cinta. La saqué del walkman, le di los golpecitos habituales con el canto de la mano y noté que la parte central del cuerpo estaba reblandecida. Lo que sostenía era en realidad un pedazo de plástico deformado, vendido por un marroquí media hora antes sobre uno de los puentes que cruzan el Guadalquivir. Él, con su manta de música pirata bajo el sol a plomo, y yo, fuimos los únicos idiotas que comparecieron en la calle, 4 de la tarde, 45 grados (a la sombra). Lo más fastidioso fue que ni tiempo me dio de voltear el cassette para agarrar la última de la cara B: “La estatua del jardín botánico”.

Muy aparte de que ese verano sevillano a principios de los 90 me diera varias lecciones en mi particular escuela de calor, yo tenía ya muy sobada la canción emblema de Radio Futura, ese riff maníaco, esas chicas que en las piscinas privadas desnudan sus cuerpos al sol. Claro, como muchísimos adolescentes en los 80 viví pendiente de las recetas de “Rockolé” en WFM, la mezcla indiscriminada de píldoras: una broma pija de los Hombres G, seguida de un pasodoble masturbatorio de La Trinca, seguido de Miguel Mateos y tal. Mi ánimo en aquel verano tenía que ser distinto, gracias, suficiente “Negra flor” (curioso, por cierto, que a raíz de esa canción muchos pensaran que la banda era catalana). Pero sin querer metí la naríz en un tipo de nostalgia poderosa, esa que añora lo que casi acaba de suceder, y la presencia del jardín botánico se me cruzó con frecuencia anormal. Conversaciones sobre la Movida madrileña que lo señalaban como el himno absoluto generacional; cómics indie (tres, al menos) que hacían referencias rebuscadas a él; elogios varios, sobre todo a su versión en directo, la que estaba en Escueladecalor, el cassette derretido que compré…

Una canción lánguida. ¿Cómo podía eso, tan poco vigoroso, ser un himno? ¿Cómo pudo enamorar a tantos esa letra llena de imágenes vagas (“esperando un eclipse/dibujando una elipse me quedaré”)? Al single con el que nació Radio Futura (1982) en su forma definitiva se le toma como un golpe de inspiración genial de Santiago Auserón. Sin embargo, en mi escucha tardía sucedió algo que en plenos años 80 resultaría impensable: el gigantesco carisma de Juan Perro se difuminó un poco y dejó ver la silueta del hombre que contemplaba el camino musical entero del cuarteto. No la posición teórica, no la estética que fue virando poco a poco hacia el “rock latino” (“Semilla negra”), no la justificación en palabras… Simplemente el buen gusto. Apareció Enrique Sierra, el guitarrista que brillaba más cuando tocaba armonías sencillas que cuando se apuntaba un solo. Resulta que el punky con cara de colgado que aparecía en las fotos promocionales de la banda era el del hilado fino, el que dibujaba elipses, el que inspiraba al resto desde un lugar hierático. Esa ha sido, nada más, mi impresión desde el oído amateur y en frío, con la banda disuelta. Pero Santiago Auserón no tuvo empacho en reconocer algo muy parecido en una entrevista de radio, horas después de la muerte de Enrique el pasado 17 de febrero.

Si te preguntas por qué tantas lamentaciones por la muerte del “segundo” en un grupo instaladísimo en el añejo “rock en tu aroma”, quizá la respuesta tiene algo que ver con lo que digo, si se amplían las impresiones al conjunto de la música en español de los últimos 25 años.

- – - – -

Videos

 Videoclip de “La estatua en el jardín botánico”

Entre la literalidad (Auserón ES metálico) y las escenas artsy de bajo presupuesto. Imperdible.

Videoclip de “Enamorado de la moda juvenil”

Qué cosa tan rara. La primera versión de Radio Futura, con Herminio Molero, una especie de Andy Warhol castizo al fondo, en lo teclados. Enrique Sierra parece casi apenado por lo que está haciendo.

Videoclip “Escuela de calor”

Enrique Sierra se dedica a tirar dados. Y ya.

Entrevista televisiva a ex miembros de Kaka Deluxe

Enrique fue uno de los fundadores de este grupo, especie de colectivo fundacional del punk español.

Berbetronik con Chocquibtown

Sí señores, nos llena de orgullo saber que gracias al apoyo de Red Bull, Panamérika hará presencia en una tradicional y veterana celebración del Caribe colombiano: el Carnaval de Barranquilla. Así son las cosas con Panamérika Stage, nuestra presencia en las más destacadas fiestas alterlatinas que por primera vez tedremos en Colombia.

El Carnaval de Curramba, esa fiesta carnestoléndica, que hace parte del Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, se celebrará este año entre el sábado 18 de febrero y el martes 22 (antes de iniciar la relajadora y sagrada Cuaresma). En la noche del domingo, luego de la tradicional jornada de la Gran Parada, el público de Barranquilla podrá ir en la noche a la Plaza de la Aduana a disfrutar de los mejores sonidos alterlatinos en la tarima Berbetronik -en ese mismo lugar tuvimos hace un año el gusto de presentarles a Toy Selectah y Bomba Estéreo-.

El gran aporte de Red Bull a esta noche estará a cargo de Chocquibtown, la reconocida agrupación hiphopera de la costa pacífica que se encuentra presentando Esto es lo que hay, su más reciente trabajo discográfico. Con ellos también estarán en tarima figuras alternativas colombianas ya conocidas en esta casa como Quantic y Monareta.

Seguiremos informando sobre este coctel de sonidos tradicionales y vanguardistas, electrónicos, champeteros, cumbieros y callejeros. Ese día la página de redbull.co les traerá la transmisión del evento a través de nuestro blog y además nosotros, por nuestra parte, les publicaremos pronto material de ese prometedor concierto. Dénse una vuelta por el Streaming a partir de las 10 pm (COL) o  9 pm (MEX).

[Foto: Red Bull Colombia]

He aquí los horarios del Vive Latino 2012. Para más información visite la página oficial.

Viernes 23/Escenario Indio Vl

Entre 14:45 y 15:00 Atto & The Majestics

Entre 15:30 y 15:45 Maskatesta

Entre 16:30 y 16:45 Vetusta Morla

Entre 17:30 y 17:45  Jumbo

Entre 18:30 y 18:45 DLD

19:45 TV on the Radio

21:00 Zoé

Entre 22:30 y 22:45 Enrique Bunbury

Escenario Indio Palillo

14:45 – 15:00 Jinetes Eléctricos

15:30 Boxer

16:00 – 16:15 Los Drama Queers

16:45 – 17:00 Furland

17:30 Dënver

18:15 – 18:30 Caramelos de Cianuro

19:00 – 19-15 Catupecu Machu

19:45 – 20:00 Los Esquizitos

20:45 The Volture

21:30 – 21:45 Voltax

22:15 – 22:30 Black Tide

Carpa Danup

14:15 – 14:30 Zaide

15:00 Vesspa

15:30 – 15:45 Los Kung Fu Monkeys

16:15 – 16:30 Estirpe

17:00 URSS Bajo el Árbol

17:45 Antoine Reverb

18:30 Mexican Dubwiser

19:15 Disidente

20:00 – 20:15 Forasterio Manicomio Clan

20:45 – 21:00 SFDK

21:45 Kapanga

22:30 – 22:45 Niña

Carpa Intolerante

14:00 – 14:15 Capo

14:45 Los Mefisto

15:15 – 15:30 Shokora

16: – 16:15 GG Bross

16:45 Hueco

17: 30 Caravana

18:15 – 18:30 Hoppo!

19:15 – 19:30 Vicente Gayo

21:15 – 21:30 The Sconek-t

22:15 Screaming Headless Torsos

Sábado 24/Escenario Indio VL

14:15 Sekta Corte

15:15 El Columpio Asesino

16:15 Lost acapulco

17:15 – 17:30 Los Caligaris

18:15 – 18:30 Instituto Mexicano del Sonido

19:30 – 19:45 Foster the People

21:00 – 21:15 Kasabian

22:30 – 22:45 Café Tacvba

Escenario Indio Palillo

14:45 – 15:00 Wrokk

15:30 Tanke

16:15 El Brujo

17:00 Jauría

17:45 Puerquerama

18:30 – 18:45 Rod Levario

19:15 – 19:30 Haragán y Compañía

20:15 Def Con Dos

21:15 Descartes A Kant

22:15 Hocico

Carpa Danup

14:00 Siddhartha

14:30 – 14:45 Phito torres

15:15 – 15:30 Amandititita

16:00 – 16:15 Comisario Pantera

16:45 – 17:00 Astro

17:45 Napoleón Solo

18:30 Francisca Valenzuela

19:15 – 19:30 Carla Morrison

20:15 – 20:30  Javiera Mena

21:00 – 21:15 The Wookies

22:00 – 22:15 Toy Selectah

Carpa Intolerante

14:00 Mal’akh

14:45 Dedo Caracol

15:30 Perrosky

16:15 – 16:30 Dr. Fanatik

17:00 – 17- 15 Tamales de Chipil

18:00 Juan Cirerol

18:45 – 19:00 Los Infierno

19:30 – 19-45 Riesgo de Contagio

20:30 – 20-45 Monareta

21:15 – 21:30 Jazztec

22:15 Ricardo “Zanate” Rodríguez

Domingo 25/Escenario Indio VL

14:00 Paté de Fuá

14:15 – 15:00 La Lupita

15:45 – 16:00 Hello Seahorse!

17:00 – 17:15 Gogol Bordello

18:30 – 18-45 Illya Kuryaki and the Valderramas

19:45 – 20:00 Madness

21:15 – 21:30 Molotov

22:45 – 23:00 Fatboy Slim

Escenario Indio Palillo

14:00 Selectro-on

14:30 – 14:45 V for Volume

15:15 – 15:30 Adhesivo

16:00 Sr. Flavio

16:45 – 17:00 Monocordio

17:30 – 17:45 Alfonso André

18:30 El Personal

19:15- 19:30 Jaime López y su chilanga banda

20:00 – 20:15 The Horrors

21:00 – 21:15 Austin Tv

21:15 Kinky

Carpa Danup

14:15 – 14:30 Eddie y los Grasosos

15:00 – 15:15 Tropikal Forever

15:45 Los Patita de Perro

16:30 Suave as Hell

17:15 – 17:30 Ritmo Machine

18:00 – 18:15 Mamastróficos

19:00 La Vida Boheme

19:45 – 20:00 Manos de Topo

20:30 – 20:45 Triciclo Circus Band

21:30 Systema Solar

22:15 – 22:30 Nonpalidece

23:15 – 22:30 Antidoping

Carpa Intolerante

14:00 Esperantho

14:45 Sol Pereyra

15:30 – 15:45 Skampida

16:30 Flema

17:15 – 17:30 Robota

18:00 – 18:15 Sonido San Francisco

19:00 QBO

19:45 – 20:00 Pedro Piedra

20:45 – 21:00 Manel

21:45 – 22:00 Brainkiller

22:45 Telephunken

Pocas cosas son causa de alegría cuando se habla de la Guerra contra el Narco en México, afortunadamente Pedro Pardo, fotógrafo de la agencia AFP, logra a través de su talento y valor contarnos la historia, cruda, como es, de la violencia en México con su trabajo “Guerra de los Cárteles de Drogas”, una serie de fotografías que buscan una bella composición sin intentar ser explícitas, pero no pueden evitar la verdad, estas cosas horribles son ya parte de la vida cotidiana en México y el World Press Photo, concurso encargado de premiar lo mejor del fotoperiodismo contemporáneo a nivel mundial, le otorgó en esta edición el tercer lugar a en la categoría de “Historias Contemporáneas”.

Y es que estas imágenes no son sórdidos primeros planos como portadas de discos de Brujería o periódico amarillista y su valor no recae solamente en el riesgo que el fotógrafo tuvo que pasar para obtenerlas, sino en su capacidad narrativa: Militares, gente curiosa, peritos del gobierno más ocupados que hace una década, mensajes del narco y cadáveres de inocentes.

El eurocentrismo característico de esta competencia mostraba en muchas ediciones pasadas imágenes de África, el Medio Oriente y algunas veces Sudamérica, cuando se trataba de historias de violencia. Sin caer en un conflicto moral de la naturaleza del de Kevin Carter, es pertinente reconocer que desde que México se volvió zona de guerra, los medios internacionales han volteado hacia este país, y es inevitable que el fotoperiodismo mexicano sea reconocido por esto.

Tan sólo en el World Press Photo 2011 fueron otorgados tres premios a este tema: el mexicano Fernando Brito ganó el mismo premio en la categoría de “Noticias Generales” por una serie de hermosos paisajes que incluían narco-cadáveres en su composición, mientras que Javier Manzano (mexicano-estadounidense) ganó también el tercer lugar en fotos individuales por una imagen que muestra una cabeza degollada,
y hasta en la categoría de “Artes y Entretenimiento” el italiano Fabio Cuttica recibió un galardón con una fotografía sobre el “Narco Cinema”.

Pero como dice el dicho, vale más la imagen que mil palabras, mejor visiten la galería AQUÍ.

Bogotá, 1998. Yo ya llevaba tres años haciendo esos “hallazgos”. Entre casetes y CD que llegaban a casa aparecían las estrellas del rock argentino. Y por allí se filtraba el nombre de un desconocido cuya voz y guitarra aparecía por ahí, entre los guiños que un Charly, un Fito o unos Illya Kuryaki hacían a modo de reverencia. Amigo, padre o maestro, al sonido de las mañanas llegaba a robarles el brillo un tal Luis Alberto Spinetta. Algo grande habrá hecho y sido, algo grande que se hacía sentir en esos cameos que escuchaba por accidente. En una indómita luz, en este sol que ayer pareció tan extraño. Quiero ver tu foto en los diarios…

Bogotá, 2004. Por fin iluminaron la vidriera de tu amor… tu corazón no te mentiría. Casi lloro, los diez años de Rock al Parque no podían celebrarse mejor. La noche del segundo día estaba a cargo de un ilustre conocido: Luis Alberto Spinetta en el escenario de la plaza. Inusualmente despejado para un concierto de cierre, el parque se estaba desocupando. Unos lo hacían por la tentación soñada de ir a ver al lado los Skatalites, otros por desconocer al que subiría pronto, otros por el desdén fundamentalista que tantas veces ha contagiado al gran festival. Buena noticia, podíamos acercarnos más, podíamos tener más cerca a aquel cuyo concierto esperábamos por años, a aquel ya bien conocido pescado rabioso, a aquel cuya música aunque a medias y entre descargas gratis, nos llegaba. Hace mucho tiempo, comés lo que yo di…

México, 2008. Nadie viene hasta aquí a cebarme unos amargos como en mi viejo umbral ¿Dónde habrá una ciudad en la que alguien silbe un tango? ¿Por qué habré venido hasta aquí? Los versos de esa sublime canción de Invisible sonaban tan propios como duros. Pero hay que sentar cabeza, hay que quedarse, hay que crecer y dejarse querer por el nuevo espacio. Hay que enamorarse de nuevas fotos y banderines para poner sobre el comando. Mientras, Spinetta aparecería una noche en un bar de Polanco. Allá llegamos con nuevos y caros amigos a registrar el toque en unos videos dañados por nuestras fanáticas y destempladas voces. Pero qué gran y grata coincidencia de la vida, justo que pensaba en vos…

La incertibumbre, 2012. Como sorpresa y haciéndolo púbico por la presión, en diciembre se informó lo trágico: Spinetta tiene cáncer. Antes que el oprtunismo y la necrofilia mediática se acuerde de él, es justo recordarlo. Nunca será lo ideal, pero así somos a la hora de homenajear al que lo merece. Honrémoslo en vida y escribámosle un post no para recordar al que se fue, hagámoslo para señalar por qué aquel merece tanto que le enviemos nuestra fuerza. Y entonces rezamos y se nos dijo que salía del hospital. Como a niños aún esperanzados frente a lo inevitable, no entendimos que salía desahuciado. Se nos dijo que ayer murió, incluso lo dicen medios que en vida jamás se interesaron en programar sus canciones. Total, no los necesitamos nunca. Y menos él, él que que es hoy amo entre los amos del aire. Él que hoy ya se está volviendo canción…

Hasta pronto Maestro, nos vemos donde siempre. Sólo déjeme ponerme los audífonos y darle play a su guitarra.

Sabemos que todavía hay uno que otro despistado que no topa muy bien de que va este taller internacional para músicos y productores, y si ese es su caso deje de “boicotearse” y mejor vea estos videos del antes y después de Andrea Balency, una de las representantes mexicanas que participó en la última edición realizada en Madrid.

Primero lo primero, en esta producción patrocinada por Panamérika aparece la artista franco-mexicana antes de partir con los profesores internacionales más fregones. Y de paso cheque la toma de los Tacvbos entrándole duro a la ensayada con Andrea.

Y como le prometimos, cual informercial, acá puede checar el después de Andrea tras vivir la experiencia Red Bull Music Academy.

¿Le gustó? Si, sí cheque las bases y los formularios de inscripción aquí, y acuérdese que Red Bull Music Academy acepta productores, vocalistas, instrumentalistas y DJs, de todos los géneros, que tengan al menos 21 años de edad.

Ya mero sale la recopilación anual de  Red Bull Music Academy, Various Assets, un material con 35 temas todos grabadas durante la última experiencia madrileña. Y por último, y como sabemos que se quedó con las ganas, le dejamos la presentación completa que Andrea dio antes de regresar a México.

¡Chin chin!

El primer contacto que muchos tuvimos de su música, sería con la aparición de su voz en los populares compilados que desde los 80 empezaron a editar de las Estrellas de Fania; recuerdo que allí aparecía “Salchicha con huevo”, una pícara guajira grabada para su debut solista de 1969. Pero ese no sería su primer sacudón al mundo musical caribeño, ya que para entonces contaba con quince años de actividad musical.

Se formó como percusionista escuchando a los maestros que vivían en su propia ciudad (y a veces en su barrio): Tito Rodríguez, Machito, Tito Puente o su maestro Willie Rodríguez.  En 1953 ya lo llamaban Jimmy Sabater y así figuraba como timbalero en la orquesta de Joe Panamá; al poco tiempo haría parte de la nómina inicial del Sexteto del gran Joe Cuba, donde conocería en las voces a otro gigante: Cheo Feliciano, con quien alternaba en los temas bilingües haciendo Sabater la parte en inglés. De esos años el más grande recuerdo fue “El pito (I’ll Never Go Back to Georgia)”.

Como ya dijimos, al finalizar los sesenta vendría una carrera solista que no le impediría grabar también con varias de las grandes orquestas de la edad dorada de la salsa: Charlie y Eddie Palmieri, Ray Barreto, Bobby Cruz, Louie Ramírez, Eddie Torres y con las orquestas élite de los sellos Fania, Tico y Cesta. En todas esas alianzas nuestro ídolo ratificaba su talento como percusionista, cantante y compositor.

En medio de la nostalgia de esa edad de oro, Sabater regresaría a la difusión mundial desde 1998 con Son Boricua, proyecto en el que estuvo al lado de José Mangual Jr, otro de sus grandes compañeros se viejas batallas. Sus nuevas versiones de  “Cuando cuando” y “Volaré” fueron tal vez los éxitos más recordados de esta etapa.

Para homenajear al ídolo, los dejamos con diferentes y no muy conocidos ejemplos de su talento y versatilidad. Esto es “Times are Changing”, guiños al sonido afro del país que lo acogió y al momento histórico que se vivía cuando Sabater debutó como solista.

Y acá va “Descarga Son Boricua”, una ducha de golpes al timbal expresada con todo el sabor del caso, recordando la era de la salsa brava y los grandes soneros que hace diez años acababan de irse de este mundo.

Descanse en paz, maestro. Allá lo esperan Ray, Tito, Cuba, Cortijo, Maelo y otros inmortales que como usted, nos pusieron a bailar.

Con las bandas chilenas sonando por todo el mundo, no es de sorprender que el cine que se produce en este país actualmente venga con todo. Compitiendo el año pasado con cintas como Post mortem, de Pablo Larraín, para llegar a los Oscares y con una gran recepción en los Goya, “Violeta se fue a los cielos” de Andrés Wood (Conocido mundialmente desde el 2004 por la excelente cinta “Machuca”) llega a Sundance 2012 en la categoría de WORLD CINEMA DRAMATIC COMPETITION.

Con una producción digna de semejante homenaje, la película narra la historia desde la infancia hasta los episodios más intensos de la vida de la artista multidisciplinaria Violeta Parra, probablemente la chilena más apasionada y popular del siglo pasado. Ya hacía falta una cinta biográfica de su vida, en hora buena.

Aquí el tráiler:

Este año ocurrirá la tercera emisión del Festival Nrmal en Monterrey. Y aunque dichen por ai’ que será difícil superar el estado Zen que se logró el año pasado, quien quita y se arma un pachangón de la altura de las pointy boots del 3Ball Mty, en esta edición que incluye enormes celebridades internacionales como Girls y Grimes, y artistas que nos encantan como Adrianigual y Davila 666.

El festival Nrmal será el 10 de marzo en el municipio de Nuevo León, San Pedro Garza García a la 1 p.m. Le dejamos el cartel oficial y si hay alguna banda que no le suene, ¡pues píquele! Para que escuche un poco de cada uno.

Para más información entre a la página oficial del Festival.

Cartel

• Girls
• D.D.A.
• Tony Danza
• Coasting
• Greatest Hits
• Los Mundos
• Dive 
• Widowspeak 
• Prince Rama 
• Unknown Mortal Orchestra 
• Ratas del Vaticano
• Pictureplane 
• Teengirl Fantasy 
• Javelin
• Adrianigual
• James Ferraro  
• Friends
• Gatekeeper
• Grimes
• Liturgy 
• Juan Cirerol
•  Astro
• Los Rakas 
• Bam Bam
• Davila 666

Se trata de una escena de la película Mi papá tuvo la culpa (1953), una historia de amor en el mundo de la televisión dirigida por José Díaz, con las actuaciones de Meche Barba y Antonio Aguilar. Su rodaje coincidiría con la presencia en México de dos estelares orquestas del Caribe: la de Bebo Valdés, desde Cuba, y la de Lucho Bermúdez, desde Colombia, quienes acabarían aportando su talento a la cinta.

En la siguiente escena, debuta en la pantalla Pilar Rey, la bailarina que interpreta Meche Barba. La música la aporta la orquesta de Valdés, dirigida para la ocasión por Lucho Bermúdez; y la voz cantante de Meche, en realidad es de Matilde Díaz, esposa y gran complemento artístico de las composiciones de Bermúdez. El tema es todo un clásico de la música afrolatina: “Prende la vela”, danza en ritmo de mapalé que evoca un tradicional género folclórico traído por los esclavos negros en la época colonial.

Y este mismo tema ya había visto la luz en el cine mexicano en 1946, en esta versión cubanizada de María Antonieta Pons y Kiko Mendive.

Cien años en los que hay que honrar al máximo referente de los sonidos tropicales colombianos, el iniciador de una edad de oro de la música bailable en los años cuarenta y cincuenta que después y por diferentes vías alimentaría un suceso trascendental que este sitio web celebra: la popularización de la cumbia en todo el hemisferio.

Lucho Bermúdez nació en la histórica población del Carmen de Bolívar, el 25 de enero de 1912. El Lucho era un genio que en la adolescencia ya dirigía una banda familiar y componía canciones en los ritmos tradicionales del Caribe colombiano; luego viviría de la música entre Santa Marta, Chiriguaná y Cartagena perfeccionando la ejecución del clarinete y formándose como director de orquesta. Luego llegarían los años treinta, una época de auge de la música tropical en toda Colombia, gracias a la influencia de artistas cubanos y de la costa colombiana. La circunstancia era favorable para que nuestro Lucho empezara a hacer fama, en una grata combinación de la tradición fiestera de la Costa y el éxito arrasador de las bing bands norteamericanas. Esa suma le imprimiría a sus temas una “denominación de origen” y un fuerte arsenal de improvisación y virtuosismo.

En la radio cartagenera llegarían las primeras grabaciones y la oportunidad de identificar su nuevo sonido. Así, el reconocimiento de su talento pronto lo llevaría a conformar su propia orquesta que llevaría a Bogotá el sonido del Caribe. En la capital conocería a Matilde Díaz, una cantante de la región que se convertiría en su gran amor y el fabuloso complemento vocal de sus temas.  Luego la fama lo haría recorrer con su orquesta el resto de Colombia y luego a grabar en países como México, Argentina, Estados Unidos y Cuba.

El resto de la historia es contado vivo por la tradición y la vanguardia que evocan sus canciones: “San Fernando”, “Tolú”, “Fiesta de negritos”, “Carmen de Bolívar”, “Salsipuedes”, “Plinio Guzmán”, “Colombia tierra querida”, composiciones que no sólo recuerdan a su orquesta sino que también se atrevieron a grabar Benny Moré, Pacho Galán, Tito Rodríguez, La Sonora Matancera, Leonor González Mina, Guayacán, la Billo’s Caracas o en años más recientes, La 33, los DJs griegos Palov & Mishkin, la Mojarra Eléctrica o hasta Juanes y Tego Calderón.

La gaita, las improvisaciones del clarinete, los juegos de percusión y la poderosa voz de su Matilde en boleros, cumbias, porros y fandangos , quedaron para el ilustre recuerdo tras la muerte del maestro el 23 de abril de 1994. Y para dejar las pruebas del talento de su orquesta los dejamos con dos joyas. La primera es “Diana María”, una gaita o ritmo derivado de la cumbia, en una presentación de 1962 para la TV colombiana. La segunda es “Tolú”, emblemática interpretación instrumental que para la ocasión hizo parte de un show también para la pantalla chica, pero en 1987.

Se cumplen cien años de sabor y talento que la gratitud de los bailadores aún sabe seguir honrando.

Consentidotes de esta casa como Carla Morrison, Anita Tijoux, João Brasil, Nacho Vegas, Papaya Republik e Isa GT, entre muchos otros, se darán cita en el pequeño auditorio de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Teniendo en cuenta que muchos nos quedaremos por fuera, para esta edición el Festival, en asocio con Terra ha abierto una señal para ver en vivo las presentaciones de nuestra preferencia.

El cartel completo y la programación pueden consultarse aquí.

Nuestras recomendaciones van por este enlace.

Y, cómo no, la señal en vivo del Festival estará por acá.

“Start spreading the news”, como diría Frank Sinatra, que la Red Bull Music Academy ya tiene sede para el 2012 y sí, será en Nueva York. La gran manzana acogerá este año a una generación de músicos, productores y DJs dispuestos a aprovechar la oportunidad de codearse con grandes figuras de la música durante dos semanas de Talleres, ejercicios y encuentros sociales.

Los interesados deberán manternerse pendientes pues la forma de aplicación estará disponible desde el 2 de febrero y podrán enviarla hasta el 2 de abril de este mismo año. Para más información entren al sitio oficial de la Red Bull Music Academy.

Luis Alberto Spinetta, “El Flaco”, ha sido una figura imprescindible del rock argentino durante las últimas cuatro décadas. Debutó en estudios en 1970 al frente de la banda Almendra (con la que dejó el clásico “Muchacha ojos de papel”) y pronto inició una carrera solista con el álbum Spinettalandia y sus amigos (RCA, 1971). Mientras en su país las tensiones políticas iban y venían, el movimiento rockero local se llenaba de vitalidad con sus aportes, especialmente con las bandas Pescado Rabioso (orientada al blues rock) e Invisible (rock progresivo). “Me gusta ese tajo”, “Como el viento voy a ver”, “Cristálida”, se hicieron clásicos con la primera banda; la otra, la recordamos con “Durazno sangrando” y “El anillo del Capitán Beto”, una inolvidable aventura sideral imaginada con iconos porteños.

Con los años 80 llegaría Spinetta Jade, dejando de legado temas como “Alma de diamante” y “Bajo Belgrano”. Mediando la década se unió a otro grande, Charly García, para componer a cuatro manos la recordadísima “Rezo por vos”. Mientras, seguía con su banda transitando entre el progresivo, el jazz rock y el pop y dejaba también un inolvodable dueto con el entonces novel cantautor Fito Páez (una fabulosa versión del tango “Gricel” salió de esa unión). Las últimas dos décadas ha seguido con una fecunda discografía, no sólo propia sino también en compañía de otros grandes de su país, como Calamaro, de nuevo Fito o su hijo Dante Spinetta. Serían los tiempos de “Seguir viviendo sin tu amor”, “Luna de abril” o “Buenos Aires, alma de piedra”.

Los dejamos con algo de su etapa con Invisible: “El anillo del Capitán Beto”. Un increíble collage de iconos de la cultura popular argentina llevados en la valija de un astronauta porteño. Una nave espacial hecha en el barrio Haedo, una foto de Gardel y un banderín de River sobre el tablero de mando, la soledad de estar lejos de aquel lugar donde sirven mate y silban tangos…

Como debe ser, lo homenajeamos hoy, a pesar del díficil momento. Le rendimos los merecidos honores y quedamos a la espera de que su salud mejore pronto, para seguir más años haciendo grande la música del continente. Y entonces rezamos, rezamos por vos.

Los premios IMAS han dado el banderazo de salida: el 19 de diciembre se abrió la convocatoria para que cualquier banda o artista que haya producido una obra durante el 2011 la registre sin costo a través de su página de internet. Los Indie- O Music Awards una vez más se ponen guapos y le dan voz a las producciones independientes publicadas a lo largo del año.

Apriétele que la convocatoria termina el domingo 22 de enero. No se limite, puede registrar discos, sencillos y videos (en caso de inscribir un LP o EP, es necesario enviarlo físicamente a las oficinas de los IMAS ubicadas en Masarik 157 n.4 Col Polanco).

Y aquí no acaba la cosa porque además la categoría de Mejor Banda participará también en la edición número cuatro de los premios españoles UFI 2012.

Para que no lo agarren de bajada léase primero el reglamento pues si no cumple con todos los requisitos su obra no podrá participar.

Para más información pueden visitar el sitio oficial de los IMAS.

Hace dos años la fiesta fue, entre otros, con  Russian Red, Cienfue, Chinoy, Toy Selectah, Kumbia Queers, Doctor Krápula y Pernett. En 2010 tuvimos el orgullo de cubrir un evento donde se pusieron cita personajes como el Frente Cumbiero, Wendy Sulca, Noel Petro, Chicha Libre, Javiera Mena, Daniel Melero o Mexican Dubwiser (acá la reseña que en su momento hicimos y las fotos que dejamos).

Para 2011 aun no se publica la programación, pero ya nos andan antojando con un atractivo cartel local: el folclor urbanizado de Victoria Sur, el revelador swing de Monsieur Periné, nuestra consentida Isa GT, el sabor de Papaya Republik y dos sorpresivos golpes generacionales: las Hermanitas Calle, leyendas de la música campesina de cantina, y Los Golden Boys, veteranísima orquesta tropical que experimentó con la cumbia y el rock and roll hace más de medio siglo. La cuota folclórica también es impresionante, con la presencia de Cimarrón, virtuoso conjunto que cultiva los sonidos de la llanura colombo-venezolana.

En cuanto a los visitantes extranjeros, las propuestas son tan variadas como talentosas. De nuestras recomendaciones panamerikanas destacamos a Anita Tijoux, João Brasil, El G, Tremor y Carla Morrison (lista a la que este servidor agrega al cantautor español Nacho Vegas) Toda una invitación a conocer los sonidos que hoy están revolucionando las escenas independientes del continente, como hace un año, con una fuerte cuota de ritmos que alguna vez nacieron en Colombia.

La cita es entre el 18 y el 22 de enero en el Centro Histórico de Bogotá y el cartel completo pueden consultarlo aquí, y aquí hay un buen playlist del cartel internacional. Nosotros, por el momento, seguiremos informando.

Ha llegado el momento en que todos aquellos demócratas tendrán lo que les gusta, nos hemos dispuesto a compilar todas las portadas de los artes de nuestras emisiones, diseñadas todas por Óscar Reyes. Algo haremos con ellas, desde una playera, un póster, un calendario o así. Pero requerimos de su ayuda, queremos que el público de Panamérika nos ayude a elegir cuáles de todas estas chuladas serán las candidatas a convertirse en un preciado objeto. La dinámica es la siguiente: Las hemos puesto todas en una galería de fotos en Facebook, cada uno de los interesados en participar deberá “Megustear” o “Darle like” a sus favoritas y aquellas con más likes serán las que nos darán una sorpresa. Para entrar a la galería pueden dar CLICK AQUÍ (miren qué chulas se ven juntas). ¡AYÚDENOS!

Para tener un poco más de pistas, y desarrollar mayores sinapsis entre el cartel y el concierto, Austin TV nos hizo un Top 5 de las películas que más los influenciaron durante el proceso de creación de su álbum Caballeros del Albedrío, editado este año por Terrícolas Imbéciles. Todos los textos son de su autoría.

Para más información sobre el próximo concierto de Austin TV pueden dar click aquí.

01. Los Olvidados (1950). Dir. Luis Buñuel

Una pieza básica para comprender mejor la vida en una ciudad enorme como la de México.
El sampler con el que abrimos el disco Caballeros del albedrío es la síntesis de lo que nosotros proponemos como cambio radical humano, “esta película no es optimista y deja la solución del problema a las fuerzas progresivas de la humanidad” el cambio está en nosotros y nosotros somos parte de él.

02. Viaje a la luna (1958). Dir. Fernando Cortés

Llegamos a ésta película buscando la filmografía de Tintán y fue un grato descubrimiento desde el inicio, pues aparecía, en primer plano, este enmascarado hombre conocido como el “Caballero del Crisantemo”, que conquistaba a la audiencia con su habilidad para bailar y no con su rostro; eso nos cautivo desde el primer instante. Claro que no podemos dejar de mencionar que también nos atrae mucho el cine mexicano de la Época de Oro, hay una nostalgia oculta que se nos revela a través de estas piezas.

03. The Life Aquatic with Steve Zissou (2004). Dir. Wes Anderson

Una de las películas favoritas de Totore e inspiradora del nombre del tema: “Nosotros le pusimos radio” track que forma parte del disco Séeb de Caballeros del albedrío. Esta película la vimos un par de veces durante el proceso de composición de este disco, junto con otras películas increíbles de este director: Wes Anderson se preocupa por cada detalle en sus producciones, y eso hacemos nosotros también con todo lo que hacemos, eso nos atrae mucho.

04. La Montaña Sagrada (1973). Dir. Alejandro Jodorowsky

Esta película la vimos unas cuatro veces, una de ellas con comentarios en audio de Alejandro Jodorowsky, comentarios que nos hicieron ver que no habíamos entendido nada previamente.
Una historia compleja, llena de símbolos, de surrealismo, de casualidades y con un mensaje final fundamental para la base conceptual de este disco: cuando al final de la película Alejandro dice: “This is not a movie, this is real life…zoom back camera…”

05. Dear Wendy (2005). Dir. Thomas Vinterberg

Esta película le da nombre a una de nuestras piezas más experimentales del disco: “Despierta Wendy”, frase que le dicen los personajes de esta película a sus pistolas antes de usarlas en contra de un ser vivo. Nos encanta la idea del club de amigos “ñoños” que se juntan todos los días a hacer algo que parece no tener sentido para nadie más que ellos, y eso es el encanto pues supongo que aveces así nos sentimos cuando hacemos música.

Mexican Institute of Sond Hip Hop No Pares Live at Rennes by MexicanInstituteofSound

En punto de las 10:30 pm, miles de personas estuvieron listas en el ‘English Night Club’ (Cholula, Puebla) para presenciar una batalla musical entre techno banda y rock pop. Motel abrió el evento interpretando algunos de sus principales éxitos (‘Olvídame’, entre ellos) y luego cedió el micrófono a su rival jalisciense… Desde este primer momento, el aplausómetro dejó en evidencia que la competencia sería más reñida de lo imaginado.

El Gran Karim fue el DJ encargado de elegir los ritmos que conducirían la competencia, y para el primer round eligió el tema de ‘El Rey’ con el fin de que cada banda interpretara su propia versión.

Banda Machos cantando ‘Somos Aire’ o Motel ejecutando su propia versión de ‘Al gato y al ratón’, sin duda hizo que el segundo round fuera uno de los más ovacionados por los fans de ambas bandas. Posteriormente, tanto el quinteto chilango como los 13 integrantes gruperos mostraron su gran talento musical al improvisar algunos de sus temas pero al estilo electro, balada, reggaeton y hasta ska. Para el cuarto round, el invitado sorpresa de Motel fue Gil Cerezo (integrante de Kinky), mientras que el as bajo la manga de Banda Machos fue el gran compositor Iván Díaz.

La batalla fue cerrada y, aunque los dos grupos se ganaron el corazón del público, la ‘Reina de las Bandas’ fue la que más decibeles alcanzó gracias al aplauso de los presentes. El evento cerró con broche de oro cuando Motel subió al escenario de los Machos, al tiempo que juntos interpretaron ‘Dime ven’ y ‘La Culebra’.

Las dos bandas pelearon entre ellas y a su vez contra el frío, con el fin de sorprender a un ejército de admiradores de géneros antagonistas… Pero al fin y al cabo todos fanáticos de la música.

El directo se antoja interesante pues, además de la música, la descripción del evento en Facebook promete: danza, palmeras gigantes, proyecciones con mapping e invitados como Gepe, Pedro Piedra, Manuel García y Sonido Ácido. Así que aquí lo tienen para que se pongan un  agasajo diurno con el directo de una de las mejores bandas de la escena chilena.

El streaming del evento comienza a las 17:20 pm (hora de México) y 20:20 (hr de Chile)

Tanto @Astrosonidoespa como @TImbeciles, informan que el concierto iniciará a las 18:00hrs (México), 21:00hrs (Chile). Los mantendremos informados.

Durante 20 años estuvo en un tiradero el disco perdido de la agrupación Botellita de Jerez, famosa desde 1983 por la invención del Guaca Rock y el concepto de “Naco es Chido”. Durante la filmación de un videoclip, una banda joven encuentra la preciada reliquia y la llevan a Mexican Records, quienes buscan explotar el material inédito y sentencian a la Botellita a un “arrejunte”. Tras reunir al Cucurrucucú en un hospital psiquiátrico, al Mastuerzo en un bunquer y al Uyuyuy vagando en Los Ángeles, es descubierto un complot para que no toquen.

La película “Naco es Chido” de Sergio Arau duró años en gestación para evolucionar de las ideas dispersas a la pantalla, bajo el título tentativo de Plan B. Conseguir presupuesto para una ambiciosa producción independiente puede ser una pesadilla, pero también obliga a imaginar recursos narrativos poco usuales (como ocurre en el mismísimo caso del Rock en México). Encontramos referencias de momentos históricos de México armados con chistes visuales de material de archivo y locaciones mezcladas que van desde el Vive Latino hasta el Circo Volador para lograr una parodia de los rockumentales con final feliz de reunión de la banda como el caso que remite al maletín perdido de Robert Capa.

En este falso documental basado en “hechos más o menos reales” aparecen personajes de la historia del rock mexicano como Rubén Albarran, Jaime López, Lino Nava, Lalo Tex, miembros de Molotov, El Gran Silencio y hasta el mítico periodista Chava Rock. El guión fue estructurado en distintos sketches que mezclan las retorcidas mentes de los tres integrantes de Botellita: Por un lado tenemos las firmes posturas políticas anticapitalistas de Francisco Barrios “El Mastuerzo” y la propuesta sincera de Sergio Arau, multi-talentoso y multi-indisciplinado pintor-músico-caricaturista-director, quien no busca hacer otra cinta exitosa como “Un día sin mexicanos”, sólo busca ser naco, echar desmadre y que todo fluya en un solo proyecto.

Estas dos mentes se aderezan con secuencias que recuerdan a los extraños episodios del libro Diario íntimo de un Guacarróquer (Ed. Toukan, México, 2002) de Armando Vega Gil en donde el llamado “Armiados Güeva Vil” devela el misterioso origen y éxito de “La Maquinita de Pachuca”, nombre clave de Botellita, y explica los símbolos de su propio universo.

Haciendo alegorías a lo prehispánico, en un silogismo básico, Botellita de Jerez deja claro su pensamiento: “Si lo mexicano es Naco y lo mexicano es chido, entonces -verdá de Dios- todo lo naco es chido”. Es así que nace el concepto de Guacarock, la apropiación del Rock mezclada con el guacamole mexicano con todo y barbas de nopal espinado, el guacarock es un mestizo que se burla de todo.

Para conseguir la cinta es necesario acudir a las presentaciones de la banda, cuyo calendario se encuentra en su página oficial, mientras tanto encontramos en Internet el Trailer oficial:

Este sábado 26 de noviembre se llevará a cabo en la Ciudad de México la nueva edición de Zombiewalk México, un evento que según su página web “fomenta valores familiares a través de una reunión organizada de personas caracterizadas como zombies“. Así mismo se recomienda “sorprender a los incautos que se encuentran en los alrededores” y “mantenerse en el personaje de zombie y comunicarse como tal”. El punto de reunión será la Plaza de la República a las 9 horas.

El pop en castellano tuvo su contribución zombie, al menos en el nombre de uno de los grupos más representativos de la movida madrileña. La banda estaba liderada por Bernardo Bonezzi, que era amigo de Alaska, y gracias a la cual pudo frecuentar a Nacho Canut, Carlos Berlanga y Álex de la Nuez –que después estuvo con Christina Rosenvinge en Ález y Christina. De esta manera se colaron a la primera plana del pop madrileño. Su éxito más notorio fue “Groenlandia”, que salió en el verano de 1980. Parece que han pasado siglos.

Vía http://www.redbullmusicacademy.com/

“Chico Unicornio aspira a “grabar, producir y cantar, con espíritu y luminosidad” y sus canciones —inspiradas en los Beach Boys y el Tropicalismo— lo han llevado en dirección correcta.  Ya sea a través de melodías pop lúcidas o paisajes de beats abstractos, Chico Unicornio sustenta todo su aprendizaje y amor por el charango, en su LP del 2010 Boy Scouts. El charango es un instrumento de cuerdas, que data de inicios del siglo XVIII, utilizado durante el virreinato peruano, tradicionalmente fabricado con el caparazón de un armadillo. Chico, a rebotar!”

Chico Unicornio – Iti, El Demasiado by PanamériKa

Chico Unicornio – Volver by PanamériKa

Vía http://www.redbullmusicacademy.com/

“Dorothy habrá dicho “No hay lugar como el hogar”, pero para la cantautora de origen francés, Andrea Balency, no hay sitio como el camino abierto. Después de una educación de concertista en Paris, y una enseñanza sobre todo tipo de sonidos after-dark en Buenos Aires, Andrea actualmente radica en la Ciudad de México, donde se mantiene ocupada en giras con Andrea Balency Trío, la banda en vivo de Torreblanca, y componiendo música para cine. En su trabajo, combina el folclore francés y mexicano, en una paleta de rock-indie electrónico. Acordeón y arpa reproducen su sonido, que ella describe como “elegante, melancólico y mágico”, que le mereció el premio al Mejor Artista en los Indie Music Awards 2011 en México.”

Andrea Balency Trio – Petepre (DPB Remix) by PanamériKa

Andrea Balency Trio – El Desorden by PanamériKa

El Soundclash es uno de los eventos más morbosos, entretenidos y atractivos que tiene Red Bull. Dos bandas de géneros aparentemente adversos se enfrentan una a la otra en un combate, como en lucha libre pero musical en donde el réferi es un DJ.

La noche se compone de varios rounds y diferentes retos para cada una de las bandas que habrá de defender las gracias de su estilo en una batalla sobre el escenario. Por cada round, la banda se lleva una cantidad de puntos otorgados, desde luego, por “el respetable”.

• Para calentar se aventarán cada uno 3 canciones propias.
• Primer Round: Cada banda se revienta un cover, como si estuvieran en un bar de Coyoacán.
• Segundo Round: Una de las bandas comienza una canción propia y el contrincante tiene que apañarla a la mitad y tocarla.
• Tercer Round: Cada una de las bandas tocará 3 de sus canciones bajo un género distinto al suyo.
• Cuarto Round: Cada una de las bandas toca una canción con un compa que invitaron.
• Al final, el que ganó se lleva un trofeo y se sube al escenario para tocar lo que quiera con el invitado que lo ayudó a llevarse el premio.

Motel y Banda Machos son los valientes que se enfrentarán para esta ocasión: Pop vs. Banda, Carita vs. Potencia, Cachetito vs. Arrimón… ¿De qué cuero saldrán más correas? Vaya y juzgue usted mismo, la cita es este 1° de Diciembre en el English Nightclub de Cholula, Puebla. Los boletos ya pueden ser adquiridos en Ticketmaster. Los boletos ahora pueden ser adquiridos en www.albino.mx o en este correo electrónico: albinomx@gmail.com

El Gas – Pellejos from Terricolas Imbeciles on Vimeo.

Pellejos

Pellejos

(Terrícolas Imbéciles, 2011)

Pellejos es una agrupación conformada por cuatro chilangos con un alma puramente oscura y citadina, detonada como efecto de vivir en una gran urbe en donde la locura es parte de la rutina. Es justamente eso lo que en esencia conforma su música y su cambiante discurso, canción tras canción y presentación tras presentación.

Su pasado artístico se centra primordialmente en las artes visuales, pero de manera muy natural y con el único interés de ampliar sus espacios y formas de expresión frente a su crítica y visión social, estos hombres se han entregado de lleno a la música con un primer álbum que resulta incluso un fenómeno antropológico muy llamativo para escuchar.

Música apocalíptica que en tan sólo 8 cortes va “de los pellejos hasta el tuétano”, terminando por contagiar una reflexión acerca de lo que nos está acercando al fin de una era, que nos hace vivir en la podredumbre y que quizá aún seguimos cargando, a pesar de ya estar mórbido. Un vistazo crudo y cercano a lo habitual dentro de lo decadente y lo insano, pero a la vez plasmado con un humor negro que resalta lo que amamos de nuestro lenguaje y cultura popular mexicana.

Quique Rangel, conocido miembro de Café Tacvba, fue el encargado de pulir el sonido de estos hombres que van desde un rock pesado, hasta algo bluesero, luego atmosférico e incluso western, usando todo elemento a su mano para dejar caer por su propio peso las verdades de nuestro entorno colectivo, bañando en concreto.

Otra de las apuestas aplaudibles de Terrícolas Imbéciles, que pone al alcance de los escuchas lo que otros considerarían falto de atractivo comercial. Es aún tiempo de acercarse a lo que Pellejos está exhibiéndonos (en su amplio sentido) en la escena.

Por lo demás, la verdad es que no la pasamos mal la noche de ayer, pero hubiera sido así si no hubieramos permanecido envueltos en el morbo absoluto que es inevitablmente generado por todas esas luminarias del starsytem del entretenimiento intentándo hacernos “pasar un buen rato” con refritos de chistes y situaciones que ya hemos visto tantas veces en otras entregas de premios gringos como los MTV Awards (los de antes del 2004), por ejemplo. Tal vez le vendría bien a esta ceremonia ser menos Miami y más Latinoamérica, o tal vez los latinos de Latinoamérica deberíamos dejar de aspirar a que esos premios celebran algo (real o ficticio) de nuestra región.

Y bueno, estos fueron los ganadores en algunas categorías que nos ocupan en este blog:

Álbum del año: Entren los que Quieran, Calle 13

Productor del año: Rafael Arcaute, Calle 13 Entren los que Quieran

Canción del año: “Latinoamérica”, Calle 13

Mejor álbum de música norteña: Los Tigres del Norte and Friends: MTV Unplugged, Los Tigres del Norte

Grabación del año: “Latinoamérica”, Calle 13

Mejor álbum de Rock: Drama y Luz, Maná

Mejor canción urbana: “El Baile de los Pobres”, Calle 13

Mejor álbum de música urbana: Entren los que Quieran, Calle 13

Mejor canción de Rock: “Labios Rotos”, Zoé

Mejor álbum de música alternativa: Música de Fondo: MTV Unplugged, Zoé

Mejor canción alternativa: “Calma Pueblo”, Calle 13

Mejor video musical versión corta: Calle 13, “Calma Pueblo”

La fiesta fue el pasado 2 de noviembre en el Palacio de los Deportes de Bogotá y hay que decir que este año la sacaron del estadio: una permanente sesión DJ a cargo de De Juepuchas y la modelo Natalia París y destacadas presentaciones en vivo de Monsieur Periné acompañados del maestro cumbiero Lisandro Meza, un homenaje jazzero de Hotel Mama a Amy Winehouse y un retorno a los escenarios de Sidestepper con su nómina clásica (incluyendo a Goyo y Andrea Echeverri).

Entre las “celebridades” que entregaron premios, vale la pena destacar a Los Tigres del Norte (a distancia desde México) y a La Tigresa del Oriente (quien luego en backstage rasguñó a nuestro corresponsal). El fabuloso cierre estuvo a cargo de Chocquibtown al lado de un conjunto de marimbas interpretado por destacados maestros del folclor del Pacífico.

Acá una lista de los ganadores más panamerikanos de la noche.

Mejor DVD: Corazón bombea vivo, de Doctor Krápula
Mejor Artista Rock: La Derecha, por Polvo eres
Mejor Nuevo Artista Pura Sabrosura: Papaya Repúblik, por Papaya Republik Vol. 1
Mejor Artista Pura Sabrosura: Puerto Candelaria, por Cumbia rebelde
Mejor Nuevo Artista: Monsieur Periné por “La muerte”
Mejor Disco de Folclor: Carranga sinfónica, de Jorge Velosa y los Carrangueros con la Orquesta Sinfónica de Colombia
Mejor Artista Ska/Reggae: Alerta Kamarada por Historias de pueblo
Mejor Videoclip: “La reina del swing”, de La 33
Mejor Artista Alternativo: Hotel Mama por “La corriente”
Grabación del Año: Tambó, de Herencia de Timbiquí
Boom del año: Son Batá, por Mi identidad
Artista Shock del Año: ChocQuibTown, por “Tu canción”

Este noviembre, el venezolano Cheky visitará tierras mexicanas por primera vez como solista presentando La Lucha Constante (Lefse Records, 2011) y no viene con las manos vacías, a través de su proyecto Algodón Egipcio, nos regala un disco descargable AQUÍ, que contiene remixes de proyectos mexicanos como She’s a Tease, Ceci Bastida, María y José, de su amigos de Torreblanca para el tema “Parece Navidad”.

El egipcio estará girando por las ciudades más grandes del país, comenzando por Monterrey el día 19 en el festival Norte Sonoro al lado de DJ /Rupture, Helado Negro, Chancha Vía Circuito, Mumdance y White Rainbow. Continuará en Guadalajara el día 24 en el Salón Púrpura y finalizará el 26 en el Distrito Federal en una presentación gratuita en la Terraza del Centro Cultural España.

19/11 Salón Excalibur, Monterrey
24/11 Salón Púrpura, Guadalajara
26/11 Terraza del Centro Cultural España, DF

Checky adelanta también una próxima remezcla a Andrea Balency Trio de su nuevo EP “Lover”, mientras tanto les dejamos un video de la presentación en el festival Viva la Canción (Madrid) en mayo del presente año:

“¿Es como trova, no?” Me pregunta una neófita, una recién convertida al johanismo. Cómo molestarse. Algo hay de cierto, aunque los puristas declamen: “cumbias flamencas, celtic, sambarera, hip pop…”.

Kevin, nacido en Alaska, absorbió muy bien los ritmos, géneros y, sobre todo, las dos lenguas que ha usado a lo largo de su vida para presentar un producto que más que ecléctico resulta integrador. La música de Johansen es sudamericana pero resulta innegablemente universal. Es un ciudadano, un city-zen del mundo.

Hay mucho más en su música que lo lúdico de la superficie. Existe una inteligente crítica americana. Su localismo argentino, salpicado de voces inglesas, se convierte en un mensaje que refleja realidades de toda América Latina. “Sur o no sur”, le pertenece por igual a un argentino que a un mexicano: “Me voy porque aquí no me alcanza, / me vuelvo porque allá me echan”. Parece que para Johansen el sur comienza del río Bravo hacia abajo.

Hay tres claras vetas en la música del argentino: la romántica, liderada por “Desde que te perdí”, “No voy a ser yo”, “El palomo” o “Ni idea”; la humorística con ejemplos como “La falla de san Andrés”, “Guacamole” o “Amistad de borrachera”, y la contestataria o de contenido social como: “McGuevara o CheDonanld’s”, “Milonga subtropical” y “Sur o no sur”.

Todos estos ejes creativos confluyen en “La cumbiera intelectual”, una suerte de himno adolescente, de crecimiento, de unión de los dos ingredientes que a Johansen más le importan: la música regional y lo cosmopolita. El tema se convirtió en su poética, en la llave de sol para comprender su demás producción. Habrá temas mejor logrados o más trabajados, pero ninguno dice más acerca de él.

Kevin Johansen es un palomo en celo, su desvelo lo causa el amor ideal y también la utópica idea bolivariana de América Latina. Autor imprescindible de la música hispana que borra fronteras. Es gemelo de Claudio el Piojo López y tiene el cantadito rioplatense, pero siempre pasa por paisano.

Se presentará en la Ciudad de México el 2 y el 3 de noviembre en el Lunario del Auditorio Nacional.

Las dosis de Javiera Mena comienzan el próximo sábado 15 con su presentación en el Corona Capital, luego vendrá el 20 el lanzamiento para discotiendas de la edición mexicana de Mena (por si acaso, el álbum ya se consigue en el sitio web de su discográfica). Y en noviembre sigue presente en México con una presentación en el acogedor Lunario del Auditorio Nacional el día 11.

Para seguir la promoción también se nos recuerdan algunas canciones. La primera, “La vida no es eterna”, con la cual Javiera participa en el segundo volumen de Nos vamos juntos (EMI, 2011), tributo a Caifanes y Jaguares. La segunda es “Luz de piedra de luna”, el que sería su tercer sencillo promocionado en México. Aquí una muestra de ese tema en una reciente presentación en Bilbao.

Javiera Mena – Luz de piedra de luna Directo… por lasrutasdelamusica

La sensual agresividad de su puesta en escena vendrá con el detalle de la promoción de La liberación (Cooperative/Universal, 2011), último trabajo discográfico de la banda lanzado el pasado mes de agosto. Las buenas dosis de synthpop y la actitud punk se ratifican en este nuevo trabajo.

Y para el recuerdo, el antojo y la advertencia, los dejamos con más registros en vivo que muestran lo que este sábado podrá sentir el público chilango. Aquí en una de sus más recientes presentaciones multitudinarias, el pasado mes de abril en la edición chilena de Loolapalooza. Pronto nos interpretarán esta “Beautyful Song”.

En Panamérika hemos hablado ya de la importancia de la música chilena de avanzada, desde Los Jaivas hasta Adrianigual. Este año llegó a México el documental “Electrodomésticos: El frío misterio” y con él vieron la luz archivos inéditos sobre la cultura subterránea chilena durante el periodo de la dictadura de Pinochet de más de una década. En estos años, los medios de comunicación ni siquiera sabían de la existencia de una escena que se alimentaba poco a poco de la escasa información que llegaba en forma de viniles desde el extranjero, mezclada con las ansias de libertad de una juventud chilena oprimida en los ochentas.

Quienes lo vivieron nunca esperaron que esta época tuviera tantas repercusiones en el futuro. Dividido por periodos de tiempo, el documental reconstruye distintos contextos en los que el grupo Electrodomésticos se vio envuelto con varios personajes. Periodistas, músicos y artistas visuales como el director y fotógrafo Gonzalo Donoso acompañaron este camino y algunos son actualmente miembros importantes del circulo cultural chileno.

Sergio Castro San Martín, director de la cinta, es un joven que revaloriza el pasado para comprender que pasa hoy en día. Habiendo trabajado con en grupo ! N T E R M ! T E N T E S y con un largometraje de ficción en su currículum, este trabajo de Sergio comienza como una investigación sobre la contracultura que abarcó desde el cómic hasta la música y termina como un rockcumental de estructura más cotidiana en la que la banda se reune, pero siempre mostrándonos como el riezgo y la experimentación fueron único recurso expresivo de una época en la que la realidad de la opresion superaba a cualquier ficción.

Con extractoras de jugo, casettes sobregrabados para generar loops análogos, frases atonales y compases fuera de lo común, Electrodomésticos pasó de ser un proyecto de chicos que usaban máscaras de latón en el escenario, a ser uno de los grupos más influyentes del Rock chileno. Comenzaron con críticas a la dictadura y a los medios oficiales y terminaron con una compleja propuesta artística de música progresiva que dio temas increíbles como “Ligerezza” o “Yo la Quería”, no se resignaron ante la represión juvenil y aprovecharon su contexto al máximo. Como menciona un miembro del grupo Pinochet Kids de aquella época: “Somos producto de la dictadura, no conocemos otra cosa”.

DOCUMENTAL “ELECTRODOMESTICOS” (WIP) from Sergio on Vimeo.

Caifanes @ Plaza Condesa. Foto cortesía de OCESA

El regreso de una banda que se reintegra se ha convertido en una noticia recurrente. Es una estrategia muy socorrida y lamentablemente, la mayoría de esas ocasiones está relacionada a intereses económicos en lugar de necesidades creativas. Estas mismas reuniones se vuelven el pretexto ideal para lanzar reediciones de sus álbumes exitosos o simplemente, revivir una marca que ya estaba vencida. Por el lado positivo, cuando estos músicos vuelven a trabajar juntos regresa también la ilusión y emoción de incontables adeptos a la banda y todos aquellos que se agregaron en el tiempo de su separación; y cuando el conjunto se trata de un ícono para el rock nacional, volver a verlos juntos es un acto casi obligado. Esta situación ocurrió con el regreso de Caifanes y su legendaria reaparición en el Foro Sol el pasado mes de abril.

Con motivo de los conciertos que Caifanes ha ofrecido en fechas recientes, el quinteto otorgó una entrevista a Panamérika donde hablaron sobre su historia, la presentación ya mencionada, el malinchismo, los fans y demás instantes de nostalgia. Esta es la transcripción:

PANAMÉRIKA: Es un gusto poder platicar con ustedes. El día que hicieron soundcheck en el Vive Latino, la gente instalaba su pit tras el escenario. Mientras ustedes ensayaban, la gente que estaba atrás los escuchaba con mucha atención. Todos mostraban gran expectativa y en el momento en que ustedes salieron al escenario dos días después, la situación fue igual. Ustedes llegan, se suben al escenario y ven un Foro Sol lleno, ¿Cuál fue su primera impresión?

 DIEGO HERRERA: Pues, muy emocionante, ¿no? realmente. O sea, vaya, desde que me comentas ahorita lo del soundcheck y todo eso, me empecé a acordar de mi experiencia en ese momento, me pongo “chinito”, en buena onda. Porque se me hace como muy emocionante realmente, pues hay muchas memorias, muchos recuerdos, muchas sensaciones, muchas experiencias que de alguna manera confluyen en ese momento que salimos al escenario, ¿no? Muy bonito.

SABO ROMO: Son bien diferentes, porque cada quien seguramente podría hablarte de una sensación distinta. Yo pensaba en el 11 de abril de 1987 que fue el día del primer show de Caifanes en Rockotitlán y lo que había transcurrido en esos 24 años para llegar al 9 de abril del 2011 y estar juntos y estar tocando y estar celebrando y estar recreando y estar descubriendo y desde luego ser parte del karaoke más impresionante del que haya sido parte en mi vida y ver al Foro Sol lleno hasta las lámparas. Algo te pasa por supuesto y te mueve, y además me parece que tuvimos un concierto artística y musicalmente muy bueno; pero además en términos como de intercambio de emoción con la banda, fue absolutamente increíble y nos quedamos con ganas de más, entonces ahí viene más.

PANAMÉRIKA: Justo, hablando de toda esta experiencia de volver al escenario y que otra vez estén tocan juntos, ¿Qué les regresó a la memoria? ¿Qué clase de manías o costumbres que ya habían olvidado que alguno de ustedes tenía, les regresó a la mente? Alguna forma de tocar, algún talismán, algo que les identifique y que les regresó en el momento en que volvieron a tocar juntos.

ALFONSO ANDRÉ: La frase de “Alejandro bájale al ampli” se volvió a oír en el ensayo.

DIEGO HERRERA: Hay una parte de las miradas en las partes, o sea, hay de repente momentos en los que hacemos acentos unos con otros o ciertas partes de las rolas tocábamos, digámoslo, no escrito, pero hay una parte como que la rola te dicta una serie de acordes, una serie de cosas; entonces esta parte de la comunicación con ciertos brakes, con ciertos momentos, con aciertos acentos, con ciertos cambiecitos que le hacemos a la rola, muy chido.

PANAMÉRIKA: En el concierto del Vive Latino, el show porque estaba repleto y a lo lejos se vio como Saúl voltea a ver a Alejandro durante “Ayer me Dijo un Ave” y como si, sin la necesidad de decir una sola palabra, con una mirada, se comunican algo. Es ahí cuando tú (Alejandro) empiezas con el solo. ¿La comunicación sigue igual de fluida o perfectamente cuadrada como ya la tenían desde hace mucho tiempo?

ALEJANDRO MARCOVICH: Hay una parte súper romántica en esta relación que inició, en este caso entre Saúl y yo hace 27 años más o menos, y por otro lado… contrastando con ese romance musical y celestial seguimos siendo los mismos cretinos de toda la vida; entonces también hay como una complicidad muy fuerte porque cuando dos personas o tres o cuatro o cinco se conocen de esa manera por dentro y por fuera pues la complicidad ya es total, ya sabes quién es la otra persona. Ya sabes con qué cuentas para bien y para mal y yo creo que lo bonito de este reencuentro que nos permitimos hacer entre todos, es que es precisamente eso, atesorar ese romance y cuidarlo. No como antes que, que en un tris lo descuidamos y se fue al carajo.

PANAMÉRIKA: ¿Cómo fue el tiempo en que Caifanes estuvo separado y que el recuerdo mantenía vivo el sonido de la banda? ¿Alguna vez llegaron a escuchar a alguna banda que en algún lugar hiciera algún cover suyo?

SABO ROMO: Incluso cuando Caifanes estaba activo en esos primeros años había bandas que tocaban rolas de Caifanes más chido que nosotros. Me acuerdo de una en particular, no me acuerdo si fue en Tecate o en alguna parte del norte, cerca de Tijuana, que llegamos, en Rosarito, y entramos a un bar y estaba tocando una banda otra canción y en cuanto entramos dejaron de tocar esa canción y empezaron a tocar “Viento”; y pues sí les salía tremendamente bien y ese fenómeno se ha repetido a lo largo de todos estos años. Entonces, la onda es que esta misma gente es la que no ha permitido que Caifanes se fuera nunca en todos estos años, la única diferencia es que no tocamos juntos, pero ahora estamos tocando juntos otra vez. Es como la corona, entonces, ser parte de eso, ser parte del subconsciente colectivo, ser parte como de la memoria recurrente de mucha gente, pero sobretodo, después de tantos años seguir estando AHÍ como si hubiera pasado anteayer o como si estuviéramos en 1989, pues también es un… no sé si llamarle… situación motivacional, pero sí es un aliciente; para que entendamos o para que asumamos que seguimos haciendo las cosas correctas por los motivos correctos y que las vamos seguir haciendo hasta que nos dé la gana igual que siempre.

PANAMÉRIKA: En 1989 había una esfera donde el malinchismo afloraba y ustedes llegaron con una propuesta musical donde justamente viene un enorgullecimiento de la música desde sus raíces. Ustedes la hacen dándole este factor de cool y de culto, además, todo ese tipo de cosas inspiró a que muchísimas bandas ahorita tuvieran esta trascendencia y sobretodo que a ustedes les dieran el peso que la historia musical de México, que se vio estancada en mucho tiempo, llegara a donde están ustedes. ¿Qué tanto ven que hay todavía ese interés por resaltar los sonidos nacionales y que lo hagan de una manera digna como ustedes lo hicieron?

SAÚL HERNÁNDEZ: El hecho de que un grupo se forme en México ya como automáticamente tiene una esencia particular nacionalista, -no nacionalista- pero tiene su origen… pero hay que pensar que nosotros y muchos, parte de las generaciones, crecimos con música en inglés y siempre se ha valorizado un poco más ese culto “a lo de afuera”. Ha habido una, de repente un olvido a nosotros mismos y yo recuerdo en Guadalajara cuando tocamos con Rod Stewart fue uno de los primeros conciertos, bueno, fue el primero concierto masivo que tocamos…

SABO ROMO: Segundo… el primero había sido el de Matías.

SAÚL HERNÁNDEZ: Y justamente comenté en el escenario, ¿no?, que chingara a su madre el malinchismo, directamente, porque quizá había toda esa imagen de ver a Rod Stewart que, -no es nada personal y me gusta mucho-, pero quizás ahí empiezas a analizar muchas cosas. Dices ¿por qué no vienen 60 mil personas a ver a Memo Briseño?¿por qué no hay 60 mil personas viendo a otro artistas?

SABO ROMO: (A Saúl) Además la circunstancia de cómo llegamos a ese concierto, ¿te acordarás? Perdón por la interrupción, pero es que me parece importante porque va muy de la mano con lo que Saúl está comentando y va a comentar. Nos habían invitado a abrir el primer concierto de Rod Stewart en el Estadio Corregidora en Querétaro y en algún momento, pues nos querían cobrar por tocar en ese concierto, así de sencillo; y entonces, no solamente a chingar a su madre el malinchismo, a chingar a su madre los empresarios de esa situación porque finalmente era totalmente irregular y nos negamos a hacerlo y entonces se armó ahí como… tocó Neón, tocó Bon y los Enemigos del silencio, fue un concierto muy accidentado este de Querétaro y posteriormente vino el de Guadalajara que es el que está comentando Saúl; entonces Saúl hace este comentario con respecto a los malinchistas y… y ya.

SAÚL HERNÁNDEZ: Empieza a haber una búsqueda de valorizar las… simplemente las acciones. También el primer concierto que hicimos con Soda Stereo que fue en el Palacio de los Deportes. En esa época, el Palacio no era un foro para tocar, pues había más otro tipo de eventos o por lo menos no para los grupos rock. Estaba en ese momento todo vetado y fue un gran ejercicio de reubicación, fue un gran concierto, yo me acuerdo que fue inolvidable el concierto y también como mandar un mensaje, decir mira nuestra música en español es igual de grande, igual de importante, igual de poderosa que cualquier grupo inglés o americano o checoslovaco y… yo creo que también ahí empezaron a gestarse muchas cosas. Hay otros artistas antes que nosotros, hay muchos grupos antes que nosotros, también hay que dejarlo muy claro: nosotros NO inventamos nada, nosotros somos parte de un movimiento que ya se fue gestando desde antes. Avándaro, es un ejemplo, insisto. Memo Briseño –que me parece uno de los grandes músicos…- Los grupos nuevos suenan muy bien, mi único comentario es que suenan muy bien, son agrupaciones que tienen ya una evolución sónica bien poderosa; pero algunos –me gustaría- que se ensuciaran un poco más, que no fueran tan limpios, no tan perfectos, como que también el tocar en la calle, el vivir de una manera subterránea, también te curte, te hace ver las cosas de otra manera, te hace valorizar la música. Inclusive, de otra manera, te nace el sentido de protección y de lucha. Siento que se ha perdido eso un poquito eso, ya no hay ese sentimiento contestatario, o por lo menos de confrontación contigo mismo. No tiene que ver nada con la política, pero extraño eso, como que los grupos tenían, por los menos con los que crecimos y los de antes de nosotros, esa hambre de existir, de ser y ahorita siento un poquito como adormilado un poco la situación… aunque son grupos muy buenos y qué bueno que existan, porque es muy importante.

PANAMÉRIKA: ¿Cuál creen ustedes que fue la canción que cuando una vez que ya se reunían y volvieron a tocar todos juntos dijeron “ok, esto vale la pena volver a pasarlo”, con una radical diferencia de circunstancias a como empezaron.

SABO ROMO: Yo creo que podríamos coincidir en que fue “Cuéntame tu vida”. Creo que fue la primera rola que tocamos en el primer ensayo de la historia… o la segunda y salió a la primera, prácticamente. Y ahora, 24 años después, fue la primera o segunda canción que tocamos y salió a la primera y sin bronca. Fue emocionante, realmente fue bien emocionante, digo al margen de que sea una canción fácil de tocar y esto, pues tiene como sus chanfles. Y entonces, esto que ha comentado Diego, el cabezazo y la cosa y salió increíble; entonces fue bien chido, fue bien aleccionador y sobre todo fue un indicativo de que pues la media neurona nos funciona bien o medianamente bien.

PANAMÉRIKA: Como última pregunta, los fans han tenido una cantidad enorme de gestos tanto de agradecimiento, pero seguramente hay unas respuestas encontradas ¿Cuál ha sido el gesto que ustedes pueden recordar como el más significativo? Para bien o para mal.

SABO ROMO: Hace menos de una hora estaba aquí una vecina muy querida con un papel que decía “esta casa está bendecida por…” y nos pidió que le firmáramos ese papel para enmarcarlo y colgarlo al entrada de su casa y eso yo no me acuerdo haber firmado algo así nunca en la vida y realmente me conmovió. Es nuevo, te puedo hablar de 25 mil historias conmovedoras a lo largo de 24 años de Caifanes y esta pasó hace menos de una hora; entonces estamos abiertos a las sorpresas.

DIEGO HERRERA: Yo les admiro mucho –valga la redundancia- la capacidad de sorpresa, la capacidad de admiración, la apertura que yo creo hemos perdido mucho los seres humanos, nos hemos convertido en muy mamones. En “todo lo conozco” y en “todo lo sé y nada me llena” y “todo es una hueva” y yo creo eso tiene jodido al mundo y nos tiene jodidos a todos porque de eso no se trata la vida; entonces algo que yo admiro mucho de los fans es eso, es este chance de dejar que la emoción fluya, y de repente abrazas a alguien para tomarse una foto y ves que está temblando. Me parece una cosa gloriosa y que le hace una falta bestial a la humanidad. Regresar al corazón y no estar en la pinche cabeza, diciendo “no, a mí nada ya, yo conozco todo, yo sé todo, ya no hay nada que me… no, eso para mí”. Es una cosa súper admirable de los fans que me gustaría tenerla más en mí, mira que me he dedicado en mi vida a trabajar hacia eso, a estar menos en la cabeza y mucho más en el corazón y eso me parece admirable. Admirable que realmente emociona, se dejan emocionar, y creo que todos nos emocionamos, pero nos hacemos güeyes o nos hacemos los mamones o cerramos ese sentimiento y eso, lo admiro muchísimo y me gustaría tener más de eso porque finalmente somos seres humanos. Eso se los admiro, se los agradezco y que me enseñen como hacerlo, por favor.

-SALUDO-

SABO ROMO: Hola, somos Caifanes, estamos en Panamérika, mandamos un saludo a toda la raza, que los bendiga, muchas gracias.

En esta semana de nominaciones a premios de la música, los nuevos sonidos de Colombia se hacen presentes al anunciarse los candidatos a ganar en este 2011 los Premios Shock, iniciativa promovida desde hace algunos años por la revista del mismo nombre.

La premiación será el 2 de noviembre luego de abrir las votaciones al público en el sitio web shock.com.co hasta el 30 de octubre. Con los eventuales riesgos que impica una selección abierta a votación de los internautas, la revista ha abierto una campaña para evitar la presión de intereses particulares con eslóganes como Elige el camino de la música y No vendas tu voto por un autógrafo.

La lista de nominaciones es una oportuna ventana para identificar algunos de los más destacados trabajos musicales colombianos en la actualidad, incluyendo un recomendado homenaje a los nuevos sonidos de la Costa Pacífica. Además, y como hace un año, varios de los candidatos de 2011 han hecho parte de las recomendaciones de Panamérika en programas, publicaciones del blog o recomendaciones de nuestro Music Alliance Pact. Otros han hecho parte de la selección musical de este corresponsal para la Radio Pocajú de Ibero 90.9.

Acá van los nuestros y una mirada general a nuestras categorías favoritas. Recuerden que para conocer y, como no, escuchar todas las nominaciones, pueden visitar el sitio web de los Premios.

Artista o agrupación de la década
ChocQuibTown
Aterciopelados
Doctor Krápula

Artista o grupación del año
Jiggy Drama, por “Me vale”
ChocQuibTown, por “Tu canción”

Mejor nuevo artista
Monsieur Periné, por La muerte
Son Batá, por Mi identidad

Mejor canción radio
“La muerte”, de Monsieur Periné
“Me vale”, de Jiggy Drama

Grabación del año
Tambó, de Herencia de Timbiquí
Cumbia rebelde, de Puerto Candelaria
Egippto: Reqien raspa pa’ Cielito, de Velandia y La Tigra
Ácido trópico, de Malalma
Clásicos Café la Bolsa, de Chabuco

Mejor disco de folclor
Cantaoras, de Ale Kumá
Tambó, de Herencia de Timbiquí
Joropo Music from the Plains of Colombia, de Cimarrón
Mulataje, de Bahía
Carranga sinfónica, de Jorge Velosa y Los Carrangueros con la Orquesta Sinfónica Nacional

Mejor nuevo artista “Pura sabrosura” (fusión tropical)
Frente Cumbiero, por Frente Cumbiero meets Mad Professor
Pulenta, por Mañana sí juiciosos

Mejor artista “Pura sabrosura” (fusión tropical)
Puerto Candelaria, por Cumbia rebelde
La Mákina del Karibe, por La Mákina del Karibe
Malalma, por Ácido trópico
Sidestepper, por Sidestepper 15 años
La Mojarra Eléctrica, por Poder para la gente

Mejor artista “Urban Style”
Colombiafríca-The Mystic Orchestra, por Voodoo Love inna Champeta-Land
Profetas, por Baila

Mejor artista alternativo
Hotel Mama, por La corriente
Milmarías, por Tentempié

Sobre los ocho o diez hombros del popular Cuarteto Imperial ha recaído el honor de ser unos de los grandes difusores de la cumbia por todo el hemisferio en las últimas cinco décadas.

Formados en Colombia, sus integrantes no imaginaban que al emprender un viaje en Argentina en 1964 ayudarían a forjar un movimiento en el que los músicos populares del Cono Sur se apropiarían de los ritmos del Caribe colombiano y les darían un nuevo rostro. En esa carrera, ayudaría la fama conquistada en toda Sudamérica con sus extensos mosaicos de clásicos de la cumbia, siendo Supermosaico Imperial (CBS, 1978) el más difundido de ellos.

Pasados los años, el Cuarteto aun sobrevive con dos generaciones de integrantes anclados entre Buenos Aires, Manizales y Pereira. Como muestra de esos guiños binacionales, nos hemos encontrado con esta joya musical en la que los imperiales interpretan “No voy en tren”, el popularísimo tema que Charly García grabara en 1987, en plena edad de oro del rock argentino.

Y como siempre, Panamérika termina honrando a los ídolos expresando sus más hondos gustos culposos. No voy en tren, voy en cumbión…

Sucedió entre el 30 de junio y el 1 de julio en el Festival Chico Trópico 2011. Allí se citaron proyectos que llevan ya su tiempo cautivando la escena alterlatina, abriendo “un mundo ancho más allá de la escena de música latinoamericana comercial, o del rock en español, o del Indie y de los cantautores y músicos tradicionales”, como lo afirma el propio Festival. Allí se rindió culto a las raíces, al tiempo que las mismas mutaron en siete formas distintas de trasgredir las fronteras musicales.

Se presentaron así, la aclamada fórmula psico-amazónica que desde Nueva York llevó Chicha Libre, el frenesí aeróbico y electro-retro del guatemalteco Meneo, una serenata a punta de órgano Hammond a cargo del mexicano Igor Stepanenko, el folclor digitalizado de los argentinos de Tremor, la sabrosa y explosiva erudición del Frente Cumbiero y las furiosas cuotas locales a cargo del dueto granadino Caballito y del encuentro mexicano-colombiano-barcelonés de Sudacateca.

Para el deleite de los que nos pudimos asistir al evento, la Casa de América nos ha dejado un excelente video con los mejores momentos del Festival:

Para profundizar en estos experimentos, también tenemos un par de clips con las presentaciones de Sudacateca Djs (remezclando “El bigote” de Miami Band y “Dilema” de Papi Sánchez) seguido por el muy consentido de esta casa Frente Cumbiero (interpretando “Jaley Jaley” y “Bestiales 77″).

“Juan de los muertos, matamos a sus seres queridos ¿En qué puedo servirle?” Esta es la respuesta telefónica de Juan, un peculiar héroe cubano que pasa del negocio de matar zombis a la defensa de su patria.

Hace algunos meses comenzó a circular en Youtube un curioso anuncio cubano sobre una peculiar actividad: matar zombis. Poco a poco los rumores se esparcieron por Internet y gracias al impresionante buen recibimiento de la crítica en Cannes y el estreno europeo en el Festival de Cine Fantástico de Sitges en el 2011 (El más importante del género), Juan de los muertos es una de las películas underground más esperadas este año.

Escrita y dirigida por el cubano Alejandro Brugues y protagonizada por Alexis Diaz de Villegas, esta es la primera película de terror hecha en Cuba. En coproducción con España, esta película es un salto impresionante del cine cubano que desde los años noventas comenzó a girar la mirada hacia lo comercial debido a la filtración de películas piratas y el acceso a la información satelital, con comedias ligeras y agringadas, y dejó atrás el pilar institucional de las épicas historias sobre la Revolución, herencia del cine soviético para reafirmar al Estado.

La cultura audiovisual cubana es riquísima, y cómo no va a ser así, si ir al cine es todavía una de las actividades más populares y económicas que existen en la isla; y el estudio de las artes plásticas y visuales una de las áreas educativas más apoyadas por el gobierno. Poco a poco se ha quitado el peso de producir sólo lo que apoya el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica) y en la actualidad, Cuba le enseña al mundo cómo la tecnología rebasa a las instituciones, el ejemplo más claro es la producción de una película como esta, a cargo de La Zanfoña Producciones y Producciones de la 5ta Avenida.

Definitivamente esta película busca un público extranjero, será interesante saber qué es lo que los propios cubanos opinen de ella cuando comience su distribución y se vean reflejados. En septiembre se hará un estreno oficial en el festival de Toronto pero la fecha de llegada a México y el resto de América Latina es incierta y ya se nota en las redes sociales de todo el mundo el ansia por verla. Por ahora sólo tenemos la información del sitio oficial y este tráiler:

Bien es famosa la anécdota de Todd Storz, el creador del Top 40: El señor se fue a tomar unos tragos con otro colega dedicado a la radio, a un bar de Omaha, Nebraska. En el lugar había una rockola que, en el transcurso de la noche, repitió varias veces la misma canción de rock’n roll -realmente no importa nombrarla-. Hacia la medianoche, era la hora del cierre, con todo y sillas levantadas sobre las mesas. En ese momento, una mesera se acercó  a la rockola y depositó una moneda para elegir… ¡ésa misma canción! No sólo eso, la hizo sonar tres veces seguidas.  El placer de la repetición, o la pulsión… o la compulsión, añadiría Freud. Así nació el Top 40, y de ahí que los programadores de radio generen éxitos a base de repetir sólo 40 canciones, día y noche.

Yo no estuve en Omaha, sino en Londres (que fue como un Hanoi, Vietnam, para mí). A los 17 había terminado la prepa y me fui de sabático con otros imberbes amigos: No me fui en una ajshará zionista, sino en una punk; me fui a la tierra prometida por The Cure, Depeche Mode, The Smiths, Siouxsie, The Fall, James y los Happy Mondays. Chance y me encontraba a alguno de ellos en la calle y me les hincaba. Sí, me fui a Londres, de mojado, a vivir la vida, a quitarme lo inútil. A demostrar que podía ganar una lana y mantenerme por mí mismo. Ser libre, fumar hashish y conocer chicas. Y regresaría a México para apantallar a otras tantas con un quesque acento británico.  Era Agosto de 1991, 20 años ya.

Para sobrevivir en Londres, había que buscarse un “curro”, como decía Pep, un flatmate catalán. Tras tocar muchas puertas, llenar aplicaciones, esperar y empobrecer, hasta la desesperación. Un kebab al día, comprado en el Bosphorus, llenaba la tripa. Sumado a la nostalgia por haber dejado el nido y afrontado por la enormemente anónima y hostil capital británica, el panorama se tornaba nebuloso. Una tarde de desempleo en octubre, acompañaba a un amigo colombiano, Carlos “El Abuelo” Ramírez, a una diligencia cualquiera. En el autobús Double-Decker, un ángel de la guarda había dejado un periódico local que, en su última página, anunciaba la apertura de un restaurante: Nachos Mexican Restaurant. Qué mejor que un lugar de paisanos, para conseguir chamba.

Llegué al Nachos en su noche de apertura. Un amable canadiense llamado Neill me contrató de inmediato por el solo hecho del Mexican-Curious (aunque yo no tuviera las facciones): “You’re starting right away: We’re opening tonight”. Luego me presentó a los locales. El dueño era de alguno de esos países en el Golfo Pérsico— Yemen, me parece—, se llamaba Mr. Ramm. Parecía Jaime Maussan. No había mexicanos. Eso sí, había fauna multiculti… un negrito optimista en la barra (era de Clapham Junction, al Sur de la ciudad), uno que otro cockney pirata en la cocina, unas gordas africanas -indocumentadas y sin hablar inglés- lavando platos, y unas desabridas vacas inglesas como meseras. En la cocina había un cheff árabe de nombre Ahmed, muy malencarado y sudoroso, pero con algo de nobleza en el fondo. Y también un colombiano (otro más en mi saga londinense) que parecía bigotón de Monterrey y que cocinaba arroz con sazón paisa (era de Medellín) y platos Tex-Mex de libre interpretación: Burritos, Chimichangas, Chilapitas (sic.), Jericallas. Y qué decir de las ‘Frozen Margeritas’ (sic.): yo soy mexicano, y, a mis 17, nunca me había cruzado con tales platos de nuestra gastronomía. Tuve que ir a Londres para probarlo.Y no sabían mal, los comí durante los 10 meses que “curré” ahí.

La primera noche no trabajé como mesero: hay que ganarse el “derecho de piso”. Y conocí el término busboy (“garrotero”, le dicen por aquí). Mi misión: recoger y vaciar ceniceros, limpiar y “resetear” las mesas; subir y bajar, bajar y subir a la cocina y llevar charolas rebosantes de las ‘sizzling’ fajitas, espectacularmente escandalosas y de platos peligrosamente chispeantes, desde la húmeda y caótica cocina (casi un barco pirata en plena batalla), hasta las mesas del Nachos, donde la burguesía británica quería probar un poco de la exótica comida mexicana.

Y fue en aquella noche, mágica noche, donde tuve mi primer y único encuentro con la música de Joe Arroyo. El lugar solamente tenía un cassette y no era de música mexicana, sino de salsa colombiana. Y yo que escuchaba grupos posmodernos y que me había culturizado británicamente con 120 Minutes en MTV, cargaba con el estigma de la música que escuchaba la servidumbre. La salsa sólo era para las muchachas que se iban a “gatear” en los prados del Metro Chapultepec o Tacuba, en espera de que algún galancete las enamorara, las llevara a bailar al California Dancing Club de la Colonia Portales, luego a un hotel de Tlalpan, las embarazara y las abandonara. Para mí, eso significaba la salsa, y mientras tanto, los clientes, con sus narices y acentos posh, me preguntaban que si lo que sonaba era “Mexican Music”, y que cómo se llamaba la canción. Algunas vacas inglesas levantaban sus codos blancos y contoneaban sus anglosajonas caderas, mientras fruncían la boquita como aparentando candor latino, aprendido en alguna película. Posiblemente la de los Three Amigos.

Y yo recogía ceniceros. Cargaba las charolas con ‘sizzling’ fajitas entre la multitud. “Careful, it’s hot. Coming thru… Excuse Me.”. Bajaba a la cocina. Subía. Bajaba. Los cocineros enjetados (visualicen a Ramsey). El colombiano no, ése tiraba onda de hermandad sudamericana-amo-al-Chavo-del-Ocho. Subía, bajaba. Bajaba, subía. Y de pronto, encontré una cierta sincronía con la sección de alientos en aquella canción salsera, en sus glissandi deslizantes de arriba a abajo, de abajo hacia arriba. Una canción frenética, histérica, candorosa y rimbombante: ideal para describir aquella noche inaugural, y las que siguieron durante el otoño, ultra-gélido invierno y prometedora (pero aún fría) primavera londinense.

“Tambó, tambó, tambó”. La voz tropicalosa y nasal de Joe Arroyo se fue convirtiendo en el soundtrack de una serie de Días de la Marmota. Significaba rush, propinas, empujones y resbalones en la cocina, quemaduras, meseras coquetas, cómplices africanos, pláticas triviales con los clientes acerca del México turístico (“Oh yeah. I’ve been once. To Tijuana”). Para el Día de Muertos, yo ya había metido a 5 cuates mexicanos al restaurante. Toda mi prepa estaba metida en el Nachos: Pablo Cruz en la barra, el “Pelos” en el prep de la cocina y mi BFF, Don César, como mesero estelar. También había unos vatos de Guadalajara y un curioso guatemalteco, al que bulleabamos… sólo por ser de Guatemala. Ya vendrá el Karma Police por nosotros. Y todos aprendimos a padecer tanto la comida Tex-Mex como la música de Joe Arroyo. Bueno, la padecíamos y la gozábamos, como la mesera de la historia de Todd Storz. ¿Quién no ha sido mesero y sueña que está “mesereando”? Aún ahora puedo soñar con que estoy en el Nachos cual veterano de Vietnam. Y cual Inception, es posible escuchar música dentro del sueño. Y no es Édith Piaf, sino Joe Arroyo.

Para finales de noviembre, en un viaje relámpago que hice a México para venir a la boda de mi hermano Enrique, el manager del restaurante —Neill, el canadiense—, me dio £30 con la misión de comprar música mexicana. Al llegar a mi hometown, Echegaray, le pedí a Gloria —la muchacha— que me acompañara a un Discolandia a comprar música. Su experiencia en el California Dancing Club me sería buena guía. Fue ahí que compré una cinta con éxitos de la Sonora Dinamita, y el Este Mundo, de los Gipsy Kings (1991). No era mexicano, pero los compré. Y yo pensé que la Sonora era mexicana: ¿Qué iba a saber un burguesito judío-sateluco sobre el origen de la cumbia? Y Gloria tampoco era muy docta, pero eso sí, me enseñaba a bailar en la cocina, mientras trapeaba por las tardes. Y de regreso a Londres, donde al fin la dulce tiranía de Joe Arroyo encontró alternancia con otros dos cassettes, cuya música también tiene un efecto pavloviano en mí y en otros veteranos de Vietnam. Pónganme “La cadenita” de La Sonora Dinamita en un karaoke y me pongo feliz-melancólico-acelerado-rumbero. Todas las emociones mezcladas al mismo tiempo, cual comida Tex-Mex preparada por un colombiano que parecía regio, en un restaurante supuestamente mexicano, con un manager candiense y un dueño árabe (olvidé decir que él estaba casado con una ex modelo francesa), en una elegante zona de West London.

Y así, como la mesera en la historia de Todd Storz, hoy le rindo tributo a un músico del que conocí poco, pero que definitivamente me abrió la percepción hacia la sabrosa música latina, material que nos ocupa, en gran parte, aquí en Panamérika. Joe Arroyo murió en el pasado martes 26 de julio del 2011. 20 años después de todo aquel trip a Londres. Y como ocurre en estos casos, enterarme de su muerte, es morir también un poquito. Muere él, pero no mueren los recuerdos que provocó en mí, “La noche”.

La única foto que tengo del Nachos es ésta, con David Gilmour (Pink Floyd), en un día que fueron a grabar un material para incluir en su video de La Carrera Panamericana. El de la derecha soy yo, y en medio, mi amigo César.

Completando ya su edición 17, bueno es indagar entre el público veterano y nuevo, local y foráneo, sobre las expectativas que les genera el Festival, las bandas que fueron a ver y la convivencia que se vive entre las miles de personas que asisten a contagiarse de música.

En esta primera parte también les hemos querido presentar fragmentos de shows en vivo. En cuanto a bandas colombianas les presentamos el tremendo pogo que armó Velo de Oza al son del folclor del altiplano; Pulenta nos llevó dosis de hip hop, tango y reggae;  Voodoo Souljah’s y Dub Killer Combo le agregaron una enérgica puesta en escena a ese coctel y Doctor Krápula nos mostró un público encendido en un Parque Simón Bolívar que acababa de llenarse.

De cierre, los dejamos con una muestra de la impresionante afluencia de público en las horas finales del festival, mientras de fondo actuaban los genios de Fischerspooner.

La música de fondo va por cuenta de Buraka Som Sistema, Toreros Muertos, De Juepuchas y Black Uhuru.

Álvaro José Arroyo nació en Cartagena en 1955 y creció en el popular barrio Antonio Nariño, uno de los tantos refugios de las comunidades afrodescendientes que poco después darían origen a la champeta. En la histórica ciudad desde niño cantaba en tiendas de música bailable, burdeles y en el coro de una escuela católica. Por los años de su niñez, a la cumbia y las danzas tradicionales del Caribe colombiano, se sumaban los sonidos antillanos que llegaban desde Nueva York de la mano de Johnny Pacheco, Richie Ray y Joe Cuba. Rápido nuestro Joe cantó e integro los sonidos de su tierra con la salsa, el hermano género de moda.

Próximo a cumplir 17 años, en 1972, ya se hacía llamar Joe Arroyo y cantaba en fiestas populares junto con la orquesta La Protesta. En una de esas fue descubierto por el gran Julio Ernesto Estrada, “Fruko” –ex Corraleros de Majagual–, quien lo vinculó a la nómina del prestigioso sello Discos Fuentes, donde contribuiría al despegue de la salsa colombiana. Allí se haría gigante cantando “La cara de payaso” (1972), “El ausente” (1973), “El cocinero mayor” (1978), “Tania” (1974) y “El caminante” (1974), al lado de Fruko y sus Tesos y las dos últimas de su autoría; sumados a “Patrona de los reclusos” (1976) y “Las cabañuelas” (1979) con The Latin Brothers.

Los años ochenta serían los del difícil despegue del Joe dirigiendo su propio proyecto musical, aunque fuertes recaídas de salud producto de los excesos prolongaron ese sueño. De los rumores se saltó al morboso error de anunciar su muerte por la radio en 1983. Reestablecido, apareció con su agrupación La Verdad, nombre que respondía a aquellos detractores que no lo creían ver al frente de una orquesta. Un mainstream salsero en mayoritaria crisis creativa respiraría tranquilo con éxitos como “Mary” (1987), “La rebelión” (1987), “Echao pa’lante” (1988), “La noche” (1989), “A mi Dios todo le debo” (1989) y ”La guerra de los callados” (1992), todas composiciones suyas.

Pero más allá de la salsa, La Verdad era un complejo laboratorio de ritmos caribeños: cumbia, bullerengue, son montuno, champeta y el experimental joesón, creaban en clave colombiana unas canciones dedicadas tanto a la alegría como a la histórica opresión del pueblo afrodescendiente. Así sus temas se complementaban con el diálogo ancestral propuesto en grabaciones como “Yamulemau” (1988), del gambiano Laba Soseh, y “El centurión de la noche” (1990) de Ángela González, madre del artista. Cada vez más compleja, esa insistencia se hacía evidente en sus últimos éxitos cada vez más alejados de la salsa: “Te quiero más” (1991), “Tal para cual” (1996), “Mosaico lo de la Chula” (1999) y “La tortuga” (2000).

Lo bueno y lo malo de su prematura grandeza le ha pasado cuenta de cobro en la última década. Tragedias familiares y graves recaídas de salud contrastan con merecidos homenajes que incluyen una histórica aparición en Rolling Stone o presentaciones con la Filarmónica de Bogotá. Y aunque menos explícitos, los homenajes no paran al amparo del excelente momento por el que han pasado tantos músicos colombianos en los últimos años: el legado del Joe se ve en el rock colombianizado de El Bloque, el relevo discotequero de Bomba Estéreo, las profundas investigaciones del Frente Cumbiero o hasta en el ingenuo pop de Juanes.

Ahí está el Joe, vivo, como vivo lo queremos, como vivo le expresamos nuestra gratitud.

El Joe con la Orquesta Filarmónica de Bogotá en Salsa al Parque, Parque Simón Bolívar, Bogotá 23 de agosto de 2009.
Cámara: Javier Egas.

Ese rasgo convirtió a la andina Cali en una ciudad del Pacífico, con las implicaciones que aquello tuvo para su vida cultural. Allí brillaron la marimba del currulao, los bailaderos del barrio Juanchito, los goles de Willington y Rincón, los sabores del sancocho de pescado, las canoas que algún día recorrían el Cauca… Se trata de esa misma sociedad que hoy parte del mundo ha identificado en las canciones de Leonor González Mina, el Grupo Niche, Guayacán o Chocquibtown.

Con esa certeza, en 1997 se le daría forma al Festival Petronio Álvarez, un encuentro musical que honra la memoria de un compositor homónimo nacido en el puerto de Buenaventura (1914-1966). Allí se encuentran las más tradicionales y vanguardistas expresiones del folclor del Pacífico colombiano, representadas en danzas con un vivo lenguaje corporal, ritmos virtuosos que en sus nombres reflejan el cruce de tiempos y continentes: currulao, aguabajo y bunde son los términos africanizados; juga (apócope de fuga), jota y mazurca evocan respuestas a la opresora convivencia con Occidente.

Por la fuerza de atracción entre el público, en catorce años el Festival ha tenido que trasladarse a escenarios cada vez más grandes, por lo que este año la fiesta será en el Estadio Pascual Guerrero (mismo que recibirá al Mundial de Fútbol Sub 20). Así es como la municipalidad de Cali ya preparó estas imágenes que ilustran bien el gran evento que nos espera entre el 24 y el 28 de agosto.

Uno de los eventos más agradables y originales dentro del Latin Alternative Music Conference (LAMC), es la ya tradicional noche acústica, que en esta ocasión, fue orgullosamente presentada por RedBull Panamérika, y cuyas canciones podrán escuchar muy pronto en esta misma página.

La locación para el evento fue el ya legendario SoB’s (o Sounds of Brazil), ubicado en la muy bohemia zona del West Village, Manhattan. Un lugar plenamente dedicado a dar espacio a cualquier sonido comprendido dentro de la diáspora afro-latina, desde lo más clásico y bossa-novero, hasta expresiones más complejas de clasificar, como lo comprendido por la LAMC, y por nuestro medio. El lugar, en sí, es una evocación intermedia entre el Cotton Club, un cabaret de La Habana y un antro iluminado con neones verde-amarela que invitan a pedir, impulsivamente, una caipirinha.

Con 10 presentaciones anunciadas en un mismo show, la dinámica resulta en un buen modelo a seguir: Cada acto debe subir al escenario para tocar sólo dos canciones, en versión acústica, con los instrumentos con los que pueda entregar la mejor versión posible. Para los que hacen la música, un reto. Para el público, una noche íntima y con gran repertorio. Para la crítica, un muestrario artístico puntual y genuino.

La sesión fue iniciada por una siempre-elegante Ely Guerra, guitarra en mano, transformándose en el tipo de mujer con una sensibilidad tapatía a flor de piel, a medio camino entre Chavela Vargas y diva del Rock en Español: El highlight, su versión de “Tengo frío”. Siguieron al banquillo los españoles de Napoleón Solo, quienes despreocupadamente se lanzaron a tocar su estandarte, “Lolaila Carmona”, con harta gracia y frescura. Recién salidos de un restaurante donde estaban viendo cómo Uruguay le propinaba 3 goles a la selección brasileña en el Mundial Sub-17, los charrúas de No Te Va Gustar, subieron para introducir al público a un rock muy catchy, que juega bajo las reglas heredadas por los grandes argentinos y chilenos de los 80, añadido de sus propios ritmos: la murga y el candombe.  Más adelante fue el turno para la onda rasta-venezolana de One Chot: Lo más sobresaliente, sus dreadlocks hasta las rodillas, sus rimas raggamuffin y el combo que lo acompañaba: Un baterista muy diestro, un tecladista afro-americano que bien podría ser un extra en Shaft, y sobre todo, un saxofonista con dotes de Afrobeat, ataviado estrafalariamente como una mezcla de ninja enmascarado, gaitero y one-man-band de kiosko.

En Panamérika ya escogimos a nuestra banda revelación de la LAMC: Ya desde la noche anterior en el Mercury, La Vida Boheme de Venezuela nos había sorprendido gratamente con un dance-rock de estridentes bríos juveniles. ¿Qué harían estos imberbes panitas pintarrajeados sin sus amplificadores ni sus teclados? Hacer una grata presentación absurda con cowbells, melódicas y guitarras desenchufadas: “Radio Capital”, obviamente, la más memorable. Los chicos continuaron sobre el escenarioy funcionaron como backing-band, para las agrestes rimas de Cuarto Poder, una especie de Public Enemy latino, quienes salen al escenario con 4 MC’s y dos B-Boys/Guaruras vestidos de amarillo (uno de ellos, enmascarado, también).

Hacia la recta final de este maratón acústico, celebrado para la comunidad panamerikana, tocaron los veteranos Superlitio, de Colombia: Una banda con mucho oficio, sentido del rock-pop y de cómo enganchar a un público que no había dejado de hacer barullo, en las periferias del SoB’s. El escenario fue ocupado después por el ex Elefant, Diego García quien interpretó dos piezas de su solista, Laura, acompañado por un guitarrista y un cellista: Música muy emocional, romanticona -por momentos sus falsettos son dignos de Julio Iglesias-, pero que logra contactar a una audiencia norteamericana: No tanto latina, sino anglosajona y teen. No será sorpresa si sus canciones figuran en un soundtrack de Grey’s Anatomy.

Una linda sorpresa fue la de ver a la guatemalteca (ahora angelina), Gaby Moreno, interpretar las canciones de su Illustrated Songs, cual gran señora del jazz vocal: Sus inspiración de Ella Fitzgerald o Nina Simone, no es mero namedropping; en verdad la chica tiene un vozarrón y un tremendo sentido del soul/blues, acompañado por armonías antiguamente ensoñadoras. Worth lookin’ for. Y para cerrar esta noche de acústico en el LAMC, tuvimos a los queridos Hello Seahorse quienes también ingeniaron una vía para retratar canciones del Lejos. No tan lejos. y del Bestia, con sencillez y una LoBlondo -¡muy delgada!-, pero un tanto molesta por el ruidajo natural que hace el público, cuando ya está algo saturado. Los mexicanos tuvieron un digno papel como banda encargada de cerrar el cartel.

Como nota curiosa, al salir del SoB’s a la realidad de Manhattan, algunos futboleros mexicanos corrimos a ver el resultado de la semi-final Sub-17 del Mundial jugado en México y que se estaba jugando justo durante el horario de los acústicos: Para sorpresa, los ahora llamados “Niños Héroes”, habían ganado a la poderosa Alemania con un gol olímpico y un gol de chilena, éste último de “La Momia”, Julio Gómez: Situación gloriosa que lo llevó a ser Trending Topic mundial en Twitter. Buena música y buenos resultados en el futbol = memorias inolvidables de este verano 2011 en Nueva York.

Galería de entrevistas, fotografías de Jesse Untracht-Oakner:

Galería de Acústicos, fotografías de Jesse Untracht-Oakner:

1931 – 2011

Con profunda tristeza les participamos que el legendario guitarrista Manuel Galbán sufrió un ataque al corazón y falleció en un hospital de La Habana el 7 de julio de 2011.

Manuel Galbán nació en 1931 y creció en Gibara, pequeño pueblo de pescadores, en la provincia de Holguín de Cuba occidental. Tras tocar la guitarra con varios grupos jóvenes locales, Manuel comenzó a tocar en la Orquesta Villa Blanca a la edad de catorce años. En 1956 se fue a La Habana, donde pasó siete años tocando en bares y clubes y haciendo frecuentes apariciones en la radio.

En 1963 Manuel entró al legendario grupo vocal Los Zafiros. Con la mezcla sin precedente de música cubana con rhythm & blues, calypso, bolero y bossa, llegaron a ser uno de los grupos cubanos más populares de todos los tiempos. Generaron una cadena continua de éxitos en los estudios EGREM de La Habana, empezando con la virtuosa “La caminadora”. Un momento cumbre fue el concierto en el teatro Olympia de Paris. Entre el público se encontraban los Beatles, quienes quedaron tan impresionados con Los Zafiros que cambiaron su propio itinerario para quedarse en Paris una semana más y ver al grupo tocar de nuevo. Manuel abandonó Los Zafiros en 1972, tras trabajar arduamente durante años para resolver los problemas personales de sus distintos miembros. El grupo se desbandó poco después.

Los siguientes tres años Manuel trabajó con el ensamble Dirección Nacional de Música, y posteriormente pasó otros tres años con el grupo Batey como guitarrista, vocalista y pianista, en constantes giras por cuatro continentes, con dos discos muy aplaudidos.

Galbán trabajó abundantemente en varios proyectos del Buena Vista Social Club. Aparece en el álbum donde debuta como solista Ibrahim Ferrer, disco que ganó el Grammy Latino. A continuación Manuel participó en los dos discos de la diva del Buena Vista, Omara Portuondo, que a su vez ganaron los Grammy Latino. Galbán también fue un músico clave en el grupo seleccionado para el asombroso álbum como solista de Cachaíto López.

Durante el tiempo que pasó grabando para World Circuit, Manuel cultivó un rico intercambio musical con Ry Cooder, y el diálogo creativo entre ellos resultó en las sesiones de grabación en La Habana que se convertirían en el álbum ‘Mambo Sinuendo’, que ganó el Grammy en 2004 como mejor álbum de pop instrumental.

En 2004 Manuel Galbán participó en dos álbumes más, con una aparición en el debut como solista de Guajiro Mirabal y como parte del grupo de Ibrahim Ferrer que ganó el Grammy por el álbum ‘Buenos hermanos’.

Manuel hizo extensas giras por escenarios de todo el mundo con la orquesta del Buena Vista Social Club a lo largo de los años. Sus giras internacionales, que se agotaban completas con anticipación, eran alabadas por “llevar la atmósfera a grados que robaban el aliento” (The Independent), y “mantener al público verdaderamente asombrado” (Financial Times).

 “Absolutamente único. Un tesoro de la música cubana. Insustituible”.

Nick Gold, World Circuit Records

Sábado por la noche. Por la necesidad de un espacio de mayor capacidad, se movió el evento del 28 de mayo del Museo Británico al bar H20 en la Roma, y con toda razón pues el desfile de miles de obscuros se apreciaba desde los vagones del metro, la Glorieta de Insurgentes y las calles aledañas, hombres y mujeres con el pelo pintado, pupilentes extravagantes, envueltos en mallas y redes.

Con tres espacios distintos que incluyen Dj´s, presentaciones en vivo y un Gothic & Alternative floor, el Viva Glam es el equivalente a lo que ansían cada año muchos asiduos al Vive Latino, pero en una versión más glamorosa. Según su página oficial, este evento comenzó como una simple reunión de amigos, que ha derivado en “la fiesta Underground más grande de Latinoamérica.”

En este desfile de heterogeneidad encontramos desde amantes del género industrial con máscaras de gas y tubos alrededor de la cabeza, hasta vestidos victorianos y travestis, pasando por espectros cubiertos de maquillaje blanco y punks. Chicos que habían cumplido 18 hace un par de semanas bailando ritmos ochenteros al lado de vampiros de más de 50 años, electrónica de sintetizadores, Joy División y Bauhaus, todos en una actitud de convivencia entre grupos y dispuestos a posar para las fotos. La mayoría no fueron a beber hasta morir o fanfarronear sus atuendos, fueron a bailar, a exhibir una identidad que los une basada en la música y la ropa.

Aquí las imágenes:

Aquí, el video que documenta el viaje carretero, el folklor tapatío, y claro, nuestro objetivo principal: la Feria y las mesas de discusión, algunos showcases y varios darlings panamerikanos. Entre ellos, encontrarán Desde Ceci Bastida, hasta Thomas Cookman -Nacional Records- o Arturo Tranquilino -Yokozuna- y Juan Manuel Torreblanca, pasando por Jaime López, los Tacvbos y Andrea Balency (que dieron un gran revival a Jaime López -protagonizado por él mismo-, reseñado aquí), y claro, algunos cameos del propio equipo de Panamérika.

Y aquí unas foticos de nuestro fotógrafo, Rodrigo Jardón:

Más allá de lo visible en este mini-documental realizado (también por Jardón), les podemos dar algunos puntos de vista sobre esta primera edición de la FIM:

Chido:

• Siempre será bienvenido un foro en donde el gremio pueda convivir, compartir y aportar en pos de un mejoramiento colectivo. Conocer y reconocer a los protagonistas en la escena, resulta en una actividad industriosa.
• El solo hecho de pertenecer a la familia de otras ferias culturales importantes, como la Feria Internacional del Libro (FIL) o la Feria Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), hacen de su filial musical, una de grandes expectativas a mediano plazo. Una referencia regional.
• El formato híbrido entre LAMC y SXSW: Es decir, de día ocurren mesas, exhibiciones, entrevistas e intercambio de tarjetas entre los activos. De noche, diversos showcases desperdigados en una bella y pulsante ciudad que ama las artes.

No-tan-chido:

• Las mesas fueron pobres, dispersas y de un nivel poco profesional: Los ponentes caían en la egolatría y la auto-referencia, más que en proponer escenarios de construcción, profesionalización y optimización de la música en la escena. ¿Qué se puede esperar de una mesa de ‘Músicos del S.XXI’, conducida por Pacho y con un ponente como Sabo Romo (Caifanes). Con todo respeto a la carrera de los mencionados, no son ellos los adecuados para hablar de la ‘punta de la ola’, del presente siglo. O pláticas sobre Internet, centradas básicamente en el trillado tema de la desaparición/transformación de las disqueras o el download ilegal, como si estuviésemos en las épocas de Napster. Al final, faltó focalizar y filtrar las actividades. Traer a Thomas Cookman desde Los Ángeles o a Kevin Arnold (del agregador IODA), para que un estudiante con demo en mano -que pagó $2,500 por entrar-, les pregunte que  cómo se puede hacer famoso, es francamente un desperdicio. Proponemos talleres y mesas de trabajo para especialistas, y conferencias magistrales, de acceso general. Honestamente, el equipo de Panamérika salió de las mesas sin un aprendizaje o un reto profesional. Abundó el cliché.
• La Feria Internacional de la Música debe apuntar a universalizarse. No hubo presencia de esferas musicales distintas al Indie, al Rock (levemente se sintió la música más “cultural”, con la presencia del sello Intolerancia y actos como el de Jaramar o Paté de Fua. Pero, por nombrar a los más generales ¿dónde estaba el HipHop, la Electrónica, el Pop, lo Grupero, el Jazz y lo Clásico? Hubo poquísima presencia de actos internacionales, Monareta de Colombia, de los pocos (sino es que el único) destacables ¿Alan Parsons, cuenta? El cartel abundaba en conciertos de bandas poco atractivas, o sobrexpuestas. De nuevo, faltó destacar a quienes realmente están avanzando musicalmente en México e Iberoamérica. Habría que revisar mínimamente las apuestas en line-up de la LAMC, SXSW (área latina) o bien, del Vive Latino (Carpa Intolerante) o incluso, el festival Marvin 10 (en DF).

En fin. Para Panamérika fue un viaje agradable, lleno de convivencia, chistes, buena atmósfera y  grandes memorias entre Valerie Miranda, Jorge Pedro Uribe, Rodrigo Jardón y un servidor, Uriel Waizel. Y en la medida de lo posible, regresaremos en la edición 2012, para emancipar y ser parte del proceso de profesionalización de nuestra música. Por cierto, comimos delicioso: Recomendamos los mariscos y aguachiles del Negro Ponte Trucha y el desayuno orgánico-socialité en La Cafetería. Ocuparíamos regresar a Guanat’s sólo por comer nuevamente allí.

El grupo de Belén y Luis, uno de los consentidos de Elefant Records recientemente, visitará la Ciudad de México este domingo tres de julio para ofrecer un concierto gratuito en la terraza del Centro Cultural de España, a las 19 horas. Por este motivo los entrevistamos. Si no los conoces échale un vistazo a esto.

Panamérika: ¿será que en México todos los descubren tarde y mal, como a Portugal?

Bla: precisamente en México siempre nos han tratado muy bien. Al menos con L Kan, nuestro otro grupo, las dos veces que hemos tocado ha habido muy buena acogida. Nos encanta el público mexicano, esperamos que Bla tenga buena respuesta también. Y que el público sea comprensivo con nosotros, pues vamos a tocar con mucho jet lag.

P: ¿qué tan bien conocen la Ciudad de México?

B: creemos que bastante bien. Hasta nos hemos perdido de noche en la colonia Doctores. Conocemos todo el Centro, la Zona Rosa etc, la Roma, la Condesa, Chapultepec. Hemos estado en Xochimilco, Coyoacán, San Ángel, etcétera.

P: ¿hay sitios que todavía no han podido conocer y que les gustaría  ver?

B: claro. No hemos estado en Tepito ni en Polanco ni en Plaza Garibaldi. Todo el mundo nos dice que son sitos peligrosos. Polanco yo sé que es fresísima, pero por eso, porque no se puede ir sin chofer. ¿Es cierto?

P: ¿qué recuerdan de su visita al Parque de los Venados Acariciables, en Amecameca?

B: pues fue un día muy curioso. El nombre del parque en sí mismo nos llama mucho la atención. Nos pareció un lugar raro, pero estupendo. Luego comimos me parece que en Chalco, y montamos en un montón de ¿furgonetas?, no me acuerdo como se llaman, ¿colectivos? En algún momento pasamos un poco de miedo en la carretera por la velocidad y el apretujamiento. Fue emocionante.

P: ¿todavía existe el tontipop?, ¿alguna vez existió? ¿Es justo que haya quien los catalogue así?

B: es como las meigas, unas brujas gallegas: “haberlas haylas, pero nadie las ve”. Esto igual, haberlo debe haberlo, pero nadie dice serlo. Existe un tipo de música al que algunos llaman o llamaron tontipop. Habría que preguntarles a ellos. En esta vida no hay nada justo, ni en la música ni en otras cosas, así que lo mejor es centrarse en lo de uno y no preocuparse de las etiquetas ponen otros.

P: ¿cuál es su rango de aforo? Me refiero al menor y al mayor número de que personas ante las que ha tocado Bla.

B: el menor unos 15 en Mallorca, el mayor unos mil teloneando a Fangoria.

En Panamérika vamos a tener boletos para todos aquellos hijos de la vida calurosa y salvaje. Estén pendientes durante esta semana y mientras tanto, topense estos remixes de cada uno de los participantes en el cartel. ¡A gozar!

Hangover (BABABA) by burakasomsistema
Javier Estrada – Dark Dance by djjavierestrada

Chris Weitz, director de cintas hollywoodenses super-taquilleras como “The Twilight Saga”,
“American Pie” y “About A Boy”, nos presenta UNA VIDA MEJOR (“A Better Life” Summit Entertainment, 2011) película protagonizada por personajes que son migrantes mexicanos en Estados Unidos.

Por lo que se puede apreciar en el tráiler, la estructura recuerda al clásico del cine italiano “El ladrón de bicicletas” (Vittorio De Sica, 1948), la historia trata la relación de Carlos (Demián Bichir) y Luis Galindo (José Julián) padre soltero que trabaja como jardinero e hijo estudiante cercano a las pandillas, cada uno busca mejorar su vida a su manera en la condición de migrantes. Cuando le roban a Carlos la camioneta con la que trabaja, le es imposible llamar a la policía por ser indocumentado, esta crisis lo hace acercarse a su hijo, a quien dedica todos sus esfuerzos.

El tema de los migrantes se ha convertido en un mercado del interés de Hollywood, historias que antes sólo se veían en el cine independiente latino se vuelven blockbusters, es así que la música Angelina (De los habitantes de la Ciudad de Los Ángeles, California) también ha acaparado un mercado importante y en esta cinta se buscó un soundtrack adhóc con el tema “Jardinero” compuesto por Ozomatli mientras que el score, disponible en Nacional Records, fue compuesto por el maestro Alexandre Desplat (“Twilight: New Moon”, “The King’s Speech”, “Fantastic Mr. Fox”), nominado al Oscar en múltiples ocasiones. Wildog Abers, bajista de Ozomatli, comenta al respecto: “Al escribir la canción, nos pusimos en el lugar de los caracteres de la película.”

La cinta todavía no tiene fecha de estreno en México pero estaremos pendientes. A continuación el tráiler:

Si algo hacía falta en nuestra escena nuevamente, y bajo las circunstancias que padece nuestro país, era un poco de irreverencia y pasadez de lanza sobre un escenario para transmutar la frustración y malestar social, en creatividad musical y unas buenas carcajadas. En estos momentos no han sacado a la luz ningún nuevo material discográfico. Pero con todo su catálogo de antaño es importante reencontrarnos con esa identidad musical, esperando que detone nuevas manifestaciones, como en su momento lo lograron al contagiar a otras bandas con su guacarrock.

El próximo 10 de junio se estarán presentando en el Teatro de la Ciudad con invitados estelares de la segunda etapa de “La Botellita” como Santiago Ojeda y el Sr. González redondeando un show que suele ser muy jocoso y divertido, y que seguramente ofrecerá reliquias unicas dignas de ser apreciadas en vivo.

De los responsables del Art Nacó, el nacimiento de la meca rockera de Rockotitlán y la premisa “Lo Naco es Chido” siempre se podrá esperar un nuevo rostro al fenómeno como ha sucedido con su traslado a terrenos como la literatura, la ilustración (con un  libro en conjunto llamado La Ventana y el Umbral que está a la venta actualmente) y el cine (esperan pronto la segunda parte de “Un día sin mexicanos” llamada “Otro día sin mexicanos”).

Larga vida a la Botellita de Jerez y su amplio legado, que esperemos siga en construcción y con nuevas sorpresas.

Explicar a qué suena este grupo de la Ciudad de México puede resultar difícil. Es una mejor idea escuchar sus canciones. Hazlo aquí al tiempo que lees la bitácora que sus siete integrantes conformaron para Panamérika tomando en cuenta el fin de semana de hace 15 días, cuando tocaron en el Pasagüero, en Iztacalco y en el Colegio Madrid.

Jueves 26 de mayo

18:00. Último ensayo para preparar las canciones de los conciertos del fin de semana. Jalil se ausenta, pues tuvo que hacer reparaciones al DL4-Line6 que se averió en el toquín pasado.

Viernes 27 de mayo

18:00. A descargar la artillería en Motolinía para el concierto en el Pasagüero con Sonido Landón y Torreblanca. Estos últimos cierran su prueba de sonido con “Lobo”. Andrea (manager) luce particularmente contenta. Jalil prueba los nuevos efectos para su violín, la M9 Stompbox modeller es su nueva compañera de viaje.

19:10. Termina nuestra prueba de sonido. Rompemos filas con distintos propósitos: unos a llenar la muela a Madero, otros a pasear por la Alameda y algunos aplican el famosísimo power-nap. Dos horas más tarde nos encontramos de nuevo para echar la baraja, la chela y el cigarrín. De entre la muchedumbre que ya se da cita en el lugar aparece David (guitarra) muy elegante y peinadito tras su recital para cello y piano, en donde tocó divertidas notas de Vivaldi en la Escuela Nacional de Música. Ahora sí, la alineación completa.

23:30 Subimos al escenario. En el escenario el sudor empieza a encharcar el suelo cuando repentinamente los monitores dejan de sonar, situación que La Hora de la Hora resolvió con gallardía para que nadie lo notara.

Sábado 28 de mayo

00:30. ¡Buenísimo el show! ¡Cumplidor! Nos pedían otra, pero era tiempo de cederle el escenario al grupo estelar de la noche: Torreblanca, que da un concierto a la medida de sus fans.

02:30. Noche sabrosa, cerveza y buenos momentos, pero es hora de decir adiós, pues nos espera el colchón.

08:30. Octavio se enteró en la madrugada del fallecimiento de su abuelo, el doctor Albino Macchetto Adame. Llega sin haber dormido al Colegio Madrid acompañado de Oscar y Sales para descargar el equipo que usaremos para el toquín de la noche. Samuel llega con la almohada en la cabeza y se suma a la caravana en un solo auto hacia Iztacalco. Afortunadamente para este toquín no hay que llevar amplificadores ni bataca ni percusiones.

10:30. Llegamos a la plaza de la delegación Iztacalco. “¿Y cómo le hacemos para entrar, poli?”, “¡Por aquí no, joven! Hasta la otra entrada”. Tres vueltas olímpicas a la plaza y por fin entramos por la primera en la que preguntamos. Tijuana No en el escenario haciendo prueba de sonido.

12:15. Prueba de sonido. Probamos con “Cumbia Bruja”, “Gypsi Core” y “L’Abandoné”. La final de la Champions y el examen único para el bachillerato del IPN, ¡todo hasta la madre! Encontramos por fin un oasis en las escaleras de un lugar con aire acondicionado y olor a pan horneado. ¡Barcelona campeón indiscutible!

16:00. ¡Por fin suenan los primeros ritmos! Puerquerama encabeza el festival, seguido por DJ Blacky y su moderno electro-balkan. Liber Terán, maestro de ceremonias, da la bienvenida a Nortec con su excelsa fusión electro-norteña que pone a bailar a cualquiera.

17:45. ¡Toca el turno para La Hora de La Hora! Ya se había juntado la gente a plena quemazón del Sol. Las pipas de la delegación se hicieron presentes a los costados de la alameda y comenzó el pachangón. No terminaba ni la primera canción y ya empezaban los slams por aquí y por allá. ¡No cabe duda de que Iztacalco rockea a morir!

18:20. “Regálame tu playera”, le gritaban a Octavio. “Mi reino por tus chones, Jalil”  y demás flores para que regresáramos al escenario. Todo un éxito. Entrevista, fotos y venta de playeras. Un “hola” de pasada a Pato Machete, Charlie Monttana y a los Infierno. Recogemos el changarro para partir rumbo al Colegio Madrid.

19:20. De camino Octavio y Óscar pasan al funeral del abuelo Macchetto para dar el pésame y un fuerte abrazo a toda la familia.

20:30. Los señores de barbas blancas y castañas, de pie ante las mesas entre habanos y vino tino. Sus mujeres sentadas en pleno auge de conversación ya entradas las copas y la sobremesa. Llegamos al Colegio, es la comida anual de ex alumnos y la fiesta está cogiendo carácter.  En el menú figuran hamburguesas, taquiza y choripanes. Al otro lado el whisky, ron, vino tinto, tequila y vodka. ¡Sírvanse, señores!

21:30. Preparamos todo y el DJ pone a prueba el taconazo, con las agradecidas cumbias, salsas y el rock timbirichero para aclimatar al público que no paraba de bailar. Ansias y nervios de punta, pues aunque no lo pareciera el público podría tornarse difícil de convencer. Con más determinación que nunca nos trepamos a la tarima y comenzamos con lo guapachoso. El baile no se hizo esperar y la adrenalina amenizó el goce, que finalmente coronó nuestro esfuerzo tras una larga jornada de pura y auténtica fiesta.

23:45. Nos piden otra. Ni siquiera el Caballo Dorado lo hubiera hecho tan bien. Nos entregamos desmedidamente al baile, a la bebida y a la comilona hasta que el DJ no pudo más, nos dieron las gracias y nos barrieron los pies.

Domingo 29 de mayo

03:00. ¡A descansar, que ya llegó el domingo!

“En un principio, La abuela de los Ayoreos era un grillo llamado Direjná. Ella era la dueña del agua, y donde sea que ella estaba, también estaba la lluvia. Sus nietos le pidieron que se vaya, eso hizo, fue cuando los días de calor y sequedad empezaron. La abuela Grillo decidió vivir en el segundo cielo y desde ahí es capaz de enviar lluvia cada vez que alguien cuenta su historia.”
–Cuento Ayoreo.

Hace poco más de un año se estrenó el bellísimo cortometraje animado “Abuela grillo“, una coproducción entre Bolivia y Dinamarca que trata el tema del daño que causan al medio ambiente los abusos de recursos por parte de las sociedades modernas.

La abuela es una metáfora que representa a la tierra, pero también al pueblo boliviano, es así que la mujer que pone voz a los cantos de este personaje es nada más y nada menos que Luzmila Carpio, cantante boliviana denominada “La voz de los Andes”, quien fuera además embajadora de su país en Francia durante el proceso creativo del corto.

Esta versión animada está basada en un cuento de los Ayoreo, pueblo indígena de la región llamada Chaco Boreal, en frontera de Paraguay y Bolivia, un pueblo que ha sufrido la exclusión de la globalización pero que ha sabido adaptar sus tradiciones a la cultura moderna, no hay mejor prueba que el éxito de este cortometraje, cuya realización fue posible gracias al apoyo de la beca The Animation Workshop en Viborg, Dinamarca, bajo la tutela de Denis Chapon.

Rock al Parque, la gran fiesta del rock en Bogotá, regresa con su edición número 17. El sueño comenzó en 1995 cuando se encontraron la voluntad política y el despertar de una brillante generación de rockeros colombianos. Tras casi dos décadas de historia, esta tarima ha llegado a congregar entre 200 mil y 400 mil asistentes, convirtiéndose en el festival gratuito de mayor asistencia en América Latina. Su continuidad y su importancia como plataforma para difusión rockera, también han hecho que Rock al Parque se ubique en el circuito de los principales festivales latinoamericanos, al lado del Vive Latino en México, Cosquín Rock, Pepsi Music (ambos en Argentina) o el Nuevas Bandas de Venezuela.

Para 2011, la fiesta se prolongará por cuatro días: del 1 al 4 de julio. En cuanto al cartel, se ha anunciado la presencia de más de ochenta bandas locales y extranjeras (una de las cifras más altas en la historia del Festival), al tiempo que se dispondran tres escenarios en el Parque Simón Bolívar y una jornada adicional en La Media Torta (tradicional anfiteatro del Centro Histórico).

De los artistas de amplio reconocimiento internacional, las propuestas son variadas y de peso: el reggae de los boricuas Cultura Profética y las leyendas jamaiquinas de Black Uhuru; la fusión punk desde Brasil con Naçao Zumbi; desde Estados Unidos el sonido de D.R.I. (una de las piedras angulares del thrash metal) y Dead Kennedys (o lo que queda hoy de esa legendaria marca punk); junto con recuerdos recompuestos del “rock en tu idioma” con Fobia y Toreros Muertos. Ellos comparten prensa con los locales de Bomba Estéreo, Chocquibtown, Doctor Krápula y La Pestilencia.

(Nota: también se ha confirmado la grata y seductora presencia del new wave electrónico que desde Estados Unidos nos trae Fischerspooner).

En ese Festival, hay que recomendar la visita de artistas consentidos de la programación de Panamérika como los chilenos de Astro, la electrónica portuguesa de Buraka Som Sistema, el indie vasco de Delorean y el sonido ecléctico que Descartes a Kant trae desde México.

En cuanto al cartel local, vale la pena mencionar un merecido homenaje al metal bogotano a través de once bandas que han hecho historia en este género durante el último cuarto de siglo. A ellos se unen recomendaciones de esta casa como La Derecha (leyenda del rock alternativo que regresa tras trece años de separación), Parlantes (proyecto integrado por figuras de peso en el rock de Medellín), Velo de Oza (de reciente aparición, fusiones de rock con folclor de la zona andina), Skampida (una de las bandas colombianas que pasaron por SXSW), De Bruces a Mí y Voodoo Souljahs (dos consolidados y exitosos proyectos de reggae).

Durante todo junio estaremos informando sobre actividades previas al Festival, sorpresas con artistas del cartel y por supuesto, entre el 1 y el 4 de julio les haremos una cobertura bien panamerikana a tan importante evento.

El cartel completo lo pueden consultar aquí. Nosotros les seguiremos informando.

Ceci Bastida es guapa, agraciada, talentosa y será grabada para las sesiones en vivo de la Red Bull Music Academy. Se presenta en la ciudad de México el próximo 3 de junio en el Imperial y todos pueden asistir pagando una entrada de 150 pesos o poniendo atención al twitter y Facebook de Panamérika pues tendremos pases para regalar. Mientras tanto chéquense el video que Ceci grabó para nosotros.

La gente en Estados Unidos podrá bailar y aprender de aquí hasta el 2015 con una exposición de incalculable genialidad. El Museo Alameda a través del Instituto Smithsoniano ha curado una ambiciosa exposición denominada “American Sabor: Latinos en la música popular de E.U” un recopilatorio sobre la historia de las migraciones latinas hacia ese país a partir de la música y los sonidos que generaron sus figuras.

La exposición abarca la historia de cinco ciudades que han constituido centros de creación de música latina: Nueva York, Miami, San Antonio, Los Ángeles y San Francisco; comienza su recorrido desde los años 40 y abarca figuras, objetos, cancioneros y biografías de grandes ídolos: desde Los Texas Tornados y Ritchie Valens, hasta los Tigres del Norte, Willie Colón y Celia Cruz. Pasando por figuras icónicas como Lydia Mendoza, Mongo Sanamaría, Cal Tjader y muchos, muchos más.

“American Sabor: Latinos en la música popular de E.U”, será una exposición itinerante que incluye una pista de baile y recorrerá varias ciudades de los Estados Unidos exclusivamente, pero sería un tremendo acierto traerla a Latinoamérica también. Para más información pueden consultar la entretenida página de la exposición, que tiene un acervo sonoro en linea con piezas de algunas de estas leyendas de la música latina, así como una mezcladora mediante la cual el visitante puede experimentar con una serie de sonidos e instrumentos propios de los géneros latinos acompañados de una explicación museográfica.

(vía eluniverso.com)

Los finalistas de la tercera edición de esta importante entrega de premios en España han sido anunciados. El Guincho, Los Delinqüentes, Pony Bravo, Makovski y Triángulo de Amor Bizarro son los actos más nominados. Entre el primero y el 15 de junio se puede votar en la página web de esta iniciativa de UFi. Este año el incremento de las candidaturas inscritas respecto a 2010 fue de 60%. Otras novedades son la participación de Chile como país invitado –Javiera Mena compite en la categoría Mejor Artista Chileno– y la inclusión de cuatro nuevos rubros: Mejor Álbum de Música Electrónica, Mejor Directo, Mejor Manager y el Premio IMAS al Mejor Artista Mexicano –los nominados son Disco Ruido, Los Negretes, Panoptica Orchestra, Rey Pila y Suave As Hell. El 20 de junio se llevará a cabo la ceremonia de premiación y nos enteraremos de los ganadores. A continuación algunas apuestas.

Álbum del Año: Año Santo, Triángulo de Amor Bizarro.

Artista Internacional del Año: Adanowsky.

Mejor Directo: Astrud & Col.lectiu Brossa.

Mejor Sello Independiente: Elefant Records.

Mejor Videoclip: “Oso Panda”, Papá Topo.

Lustros antes de nuestro nacimiento algunos de nuestros padres ¡o abuelos! ya cantaban la letra de este temazo de 1966: “¿Qué es el mundo, qué soy yo? ¿la bomba atómica, la onda sónica, la lógica, lo cómico, lo mágico?”. Urgente que nos echemos un clavado en la psicodelia mexicana más comercial. Aquí una buena manera de comenzar.

Sobre las categorías musicales en la premiación, Manuel García resultó ganador en la categoría Pop; Los Tres resultaron ganadores en la categoría de Rock: el premio de la categoría de Música Tradicional o Raíz Folclórica fue para Patricio Manns; y en la categoria de Música Alternativa-Jazz, Luis Le-Bert se llevó la mención.

(vía Revista Fauna)

El sábado pasado se dieron cita decenas de bandas de diversos géneros y de distintas partes del país (y algunos grupos extranjeros) para conmemorar el aniversario de la revista Marvin en un peculiar festival que abarcó distintos puntos de la Roma-Condesa.

Movus, Suave as Hell, Juan Cirerol, el IMS (DJ Set), Rey Pila y otros favoritos de Panamérika lograron convocar a cientos de asistentes y en algunos casos abarrotar los lugares, pero con tantas opciones era imposible asistir a todas las locaciones: Caradura, Sátiro, Mexinaco, Tokyo Pop, Cinespacio, Broka, Foro Casa Hilvana, Cantina La No.1, La Capital y El Imperial.

Holy Fuck y Fujiya & Miyagi fueron los grupos encargados de cerrar el día en distintos escenarios con presentaciones que hipnotizaron al público. Con una buena cantidad de asistentes, fue un evento memorable y divertido pero sobre todo, inusual en nuestro país.

A continuación, algunas fotos de este evento que ojalá se repita:

¿cómo se llama la entrega de PanamériKa en el que programamos su sencillo “Lobo”? (pista: está entre el 130 y el 140 de nuestas ediciones)

envíen la respuesta en un mail con su nombre completo a promos@panamerika.fm

EL pasado 7 de mayo Las Robertas tocaron a nombre de PanamériKa On the Floor y Folk Magazine. El cartel, exitoso en todos los sentidos, ofreció una gama ensordecedora de talento local en el Gran Hotel, en Guatemala. Acompañando a las Robertas se presentaron los surferos de Las Mojarras, Barroco Knights (una espacial tropicalización de Joy Division en el 2011 centroamericano), y como cereza en el pastel el DJ Panchis. Acá pueden ver el video producido por Folk Magazine sobre el evento y también pueden checar las fotos de lo ocurrido.

Atención todos, el sello Quemazucabeza tendrá un streaming del lanzamiento oficial de Cripta y Vida el nuevo álbum del chileno PedroPiedra, quien, recién esta tarde, fue entrevistado por el agudo Juan Carlos Bodoque del informativo programa de TV 31 minutos. El lanzamiento será transmitido desde el Cine Normandie en Santiago de Chile y está planeado para comenzar al rededor de las 21:OO PM hora del cono sur, 20:00 horario de México. Para checar el streaming visiten este link.

Por MTV a las 7 PM (Méx/Arg/Col) y a las 8 PM (Chile)

Por VH1 a las 8 PM (Méx/Arg/Col), 9 PM (Chile) y 12 AM (Arg)

Por Tr3s, MTV, Música y Más a las 8 PM ET en Estados Unidos

Tanto el DVD como el álbum saldrán a la venta el 24 de mayo. Por mientras, y por si aún no tienen plan para ese domingo, aquí les dejamos un adelanto de lo que esto nos ofrecerá (en buena calidad, claro):

Existen muchas guerras de bandas y muchas bandas en nuestro país, pero pocas son capaces de lograr el gran sueño de muchos: Tocar en el festival más importante de su género en el mundo.

El sábado pasado comenzó la W:O:A Metal Battle México 2011, la guerra de bandas que por tercera ocasión se presenta como una de las más importantes oportunidades para los músicos mexicanos de metal. Durante el mes de mayo bandas de todo el país competirán para llegar a la gran final el día 29 y que sus músicos obtengan los pases que los identificarán como artistas los primeros días de agosto en el Wacken Open Air 2011, festival alemán que ha presentado a las más importantes agrupaciones del metal mundial en sus más de 20 años de existencia.

Los ganadores de las anteriores ediciones Split Heaven (2009) y Orcus O Dis (2010) han sido recibidos con los brazos abiertos en Alemania, tanto que el sello Pure Steel Records de este país decidió firmar con la primera banda para lanzar su disco “Street Law” (Pure Steel Records, 2011).

Este es un fenómeno que busca exponer lo mejor de lo mejor de distintos subgéneros del metal, encontramos bandas que van desde lo extremo de la violencia del Brutal Death como Zamak, el Power Metal de Sirius hasta el progresivo de The Arkitecht, todo desde el lobby del Circo Volador, punto de encuentro para la contracultura de la Ciudad de México. El responsable de ensamblar esta estructura metálica de patrocinios y bandas es el Chico Migraña, autor del blog SANGRE DE METAL y experto reconocido de este género en nuestro país.

Para los metal-heads, vale la pena darse una vuelta este mes para conocer la Next-big-thing de la escena metalera nacional. A continuación, algunas imágenes de la primera eliminatoria:

Para información actualizada visita: http://batallademetal.blogspot.com

El pasado 8 de mayo hubo una fiesta en Los Ángeles para celebrar el Cinco de Mayo. PanamériKa fue el host de la Fiesta Broadway, aquí las fotos de lo acontecido mientras tocaban Ozomatli, Chico Mann, El Instituto Mexicano del Sonido y Toy Selectah.

La pregunta de “¿qué pasaría si a una banda de metal le metemos una marimba?”, estamos seguros que varios se la han hecho, desde músicos y melómanos hasta pachecos en trance. Pero, hasta ahora, jamás lo habíamos visto con este humor.  Las Marimbas del Infierno es una ficción que cuenta la historia de cómo las carencias de los individuos en una sociedad llevan algunas veces a imaginar proyectos que parecen imposibles. A través de las tragedias de Don Alfonso, marimbero de profesión, personajes muy particulares —como un ahijado que le mete a la mona y un ex-satánico metalero—  se envuelven en una aventura musical para salir de la pobreza.

La película es dirigida por Julio Hernández Cordón,  guatemalteco egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica, en México, y es una cooproducción entre es país, Guatemala y Francia. Ha sido laureada en algunos festivales relevantes en los circuitos cinematográficos, como el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Con un un bajo presupuesto, y una estética que evoca al documental, las situaciones de la película resultan por momentos hilarantes por su ironía, pero sobre todo porque parecen sacadas de la vida real latinoamericana: un tratado sobre desavenencias e infortunios del subdesarollo que dan espacio a los más incovenientes destellos de creatividad. Pero también es una historia de la vida en Centroamérica, y de su música, las marimbas, como las conocemos, son un elemento enclavado en el acontecer diario de la cultura popular chiapaneca y guatemalteca, así que es una historia de sincretísmo recubierta de crudeza y dialécticas culturales. Si alguien está relacionado con nuestro concepto de “bastardización”, Las Marimbas del Infierno es una buena oportunidad para verlo vivo, con toda la inocencia con la que se hacen este tipo de proyectos cuando son genuinos. Mucho hardcore y muchas marimbas cristalizadas en imágenes y personajes entrañables.

reseña de Claudia Jiménez y Rodrigo Jardón

Los tapatíos de Radaid están en un buen momento de su carrera. No sólo han logrado consolidar un público fiel a su proyecto, sino que han hecho colaboraciones importantes. Quizás uno de los momentos más interesantes es la colaboracion que hicieron con el documentalista Everardo González para el soundtrack de sú último documental: Cielo Abierto. Esta exitosa agrupación se presenta en el Lunario del Auditorio Nacional este viernes 6 de mayo. En PanamériKa tenemos pases para todos los que gusten asistir. Para llevarse una entrada doble deberán enviar un mail a promos@panamerika.fm, con su nombre completo y la respuesta a la siguiente pregunta:

¿Qué canciones tocaron los miembros de Radaid para la colaboración con el proyecto de la Blogotheque?

La comunidad mexicana en Estados Unidos está por celebrar una de sus más divertidas y pintorescas fiestas: Cincou de Mayou, el día de la Batalla de Puebla no tiene la debida relevancia en México, pero en “el otro lado” la cosa siempre se pone candente. Ese día, en 1862, el ejercito mexicano derrotó a uno de los ejercitos más poderosos, pero no era el ejercito gringo, sino el francés… anyways, se terminó con una monarquía impuesta en México en aquellos años, y nosotros le vamos a entrar al festejo. Agárrense muy bien todos los que estén en L.A. porque tenemos una fiesta alocadísima el próximo 8 de mayo: ¡FIESTA BROADWAY! El cartel lo conforman: Ozomatli, Instituto Mexicano del Sonido, Toy Selectah, Chico Mann y unos invitados muy especiales. Que no le digan, que lo cuenten, este es un evento organizado y recomendado por Red Bull PanamériKa.

El 3 de mayo es el día de la Santa Cruz, la fiesta patronal de las construcciones. Este día, en México, todos los oficios relacionados a la construcción —arquitectos, albañiles, ingenieros civiles, etc— organizan bailes y comidas en celebración a nivel nacional. Pero hoy tambien se celebra otra fiesta, de corte pagano, que desde hace años en México ha adquirido fuerza en cuanto a su culto. Esta es la fiesta de Jesús Malverde, un figura popular originaria de Sinaloa cuya leyenda lo ha situado entre la gente como “el santo de los pobres”. Aunque no es reconocido como tal por la Iglesia, es considerado por muchos como “el santo de los narcos”. Sus seguidores se encomiendan con gran fé y le aseguran una cantidad nada modesta de milagros realizados. Malverde se ha insertado de lleno en varios estratos de la cultura popular mexicana, incluso se han nombrado cervezas y bares con su nombre… no podía faltar un corrido en su honor.

Estamos en los valles del Cesar y el sur de la Guajira, cercanos al mar Caribe. La historia toda se remonta al siglo XIX, cuando la tradición campesina formada en los cantos de vaquería creó a los juglares. La estructura de las canciones que acompañaban las faenas de las haciendas terminó usándose por correos humanos que iban cantando las noticias de pueblo en pueblo; uno de ellos sería el legendario Francisco el Hombre, fallecido en 1953 pasando el siglo de vida y luego convertido en personaje de Cien años de soledad. Mientras tanto, en la lejana Europa central sucedían dos hechos que harían posible la carrera de los juglares: el vienés Kiril Demian inventaba en 1829 el acordeón diatónico (el de botones) y en 1857 Mathias Hohner fundaba en Wurtemberg la Hohner Musikinstrumente GmbH & Co., casa de instrumentos musicales. Desde las valijas de los marineros, ese invento invadió el Caribe; siglo y medio después, la Hohner destina a Colombia el 80 por ciento de su producción de acordeones.

De los juglares campesinos se pasó a los conjuntos, donde al acordeón europeo se integraba la guacharaca (instrumento indígena de rascado) y para la percusión un tambor pequeño denominado caja (asociado tradicionalmente a la cultura africana). Ya en este momento se han dado a conocer los grandes maestros: Emiliano Zuleta o Lorenzo Morales en Valledupar; Abel Antonio Villa o Pacho Rada en el bajo Magdalena. También aparecieron intérpretes como Guillermo Buitrago, quienes incorporaron la guitarra a los conjuntos y cuyas grabaciones serían los primeros vallenatos en escucharse en el centro del país. De la mano del fenómeno, Rafael Escalona se convirtió en el más reconocido de los compositores. Así acaba la primera mitad del siglo XX.

En los años 60 el vallenato invadió el gusto de la elite costeña, se tomó los medios masivos, la radio, las tornamesas y hasta la política y de ahí se proyectó el consenso de que éste era un género identitario. El Festival Vallenato fue creado en 1968 y posteriormente aparecieron otros eventos similares en toda la región Caribe, donde se disputan honores los acordeoneros noveles que mejor ejecutan los cinco aires musicales del vallenato: paseo, merengue, son, puya y tambora (este último hasta hace poco en extinción y recientemente recuperado).

En el festival de Valledupar, por supuesto, brillan los intérpretes más destacados al coronarse cada año con el título de “Rey Vallenato”. Alfredo Gutiérrez tiene el registro de haberlo sido tres veces y desde 1987 se corona cada diez años al “Rey de Reyes”: Colacho Mendoza, “El Cocha” Molina y Hugo Carlos Granados lo han sido en ese orden. Otros ganadores reconocidos internacionalmente han sido Calixto Ochoa (junto con Alfredo Gutiérrez, parte de Los Corraleros de Majagual), Egidio Cuadrado (luego en la banda de Carlos Vives) u Omar Geles (autor de “Los caminos de la vida” que luego recorrió Vicentico). Con los años han ido apareciendo subcategorías como Rey Aficionado, Juvenil, Infantil, Canción Inédita y compretencia de Piqueria (copla o repentismo).

Y no podía faltar Alejo Durán (1919-1989), el primer Rey y el que es considerado el músico vallenato más importante de la historia.  En las imágenes interpreta unos versos de Juan Polo Valencia: “Como Dios en la tierra no tiene amigos, como no tiene amigos anda en el aire”.

La importancia del Festival es innegable y se ve reflejada en la amplia cobertura que le dan medios de comunicación, instituciones estatales, discográficas y empresas promotoras (este año hasta Google lo festejó en su buscador para Colombia). Entre sesenta y setenta acordeoneros suelen postularse en cada categoría, uniéndose a las 262 canciones inéditas que se inscribieron este año. Con esos pergaminos, el pasado martes arrancó la edición 2011 con discurso del Presidente de la República, Himno Nacional tocado con acordeones y la Danza del Pilón (baile folclórico que imita los oficios campesinos que nos devuelven a donde empezó esta historia).

Y en medio de la fiesta, la polémica no se hace esperar. Controversias recientes por la exigencia de hacer públicas las actuaciones del comité organizador, conflictos en un evento organizado por instancias privadas con recursos públicos, eventuales presiones en el pasado para la elección de ganadores, discusiones permanentes sobre el rumbo tomado por el vallenato ante los desafíos de la industria musical. Al fin se trata de un Festival que se considera patrimonio del país, un país que oscila dramáticamente entre disputas e ilusiones. Ya lo decía la primera canción inédita ganadora: “Vivimos siempre entre pleito y querella, y hasta el folclor ya no encaja ni entona”, y eso lo escribió Gustavo Gutiérrez en 1969…

De Pala hablamos a finales del año pasado, un personaje cuyo talento como compositor y poeta es tan grande como su desconocimiento en los circuitos masivos de su natal Colombia. Aun así, su talento le ha valido colarse en reconocimientos como el que le otorgó la prestigiosa revista Semana al considerar su último trabajo dentro de los diez álbumes del año en Colombia (donde también apareció nuestro consentido Frente Cumbiero).

Pala vuelve a ser noticia al regresar a Bogotá para celebrar un decenio de trabajo musical, como parte un ciclo de presentaciones que lleva como nombre 10-5-4, donde se resumen diez años tocando, cinco álbumes y cuatro ciudades de residencia (Medellín, La Habana, Bogotá y Buenos Aires).

Al evento se unirá el chileno Javier Barría, un joven cantautor que ha llamado la atención en su país por el uso que ha dado a las redes sociales para darse a conocer (“rockero de la generación MySpace”, ha sido llamado) y por su sonido indie-folk que entre otros músicos del hemisferio, llamó la atención de Xoel López durante su Caravana Americana.

Un muy íntimo pero también fauloso doblete de cantautores tendremos esta semana. Es también la oportunidad para conocer el trabajo que desde hace unos años viene haciendo la fundación Barrio Colombia para dar a conocer una nueva generación de cantautores iberoamericanos.

La noche de ayer se entregaron los premios IMAS 2011 a la industria mexicana independiente, en una celebración dirigida por Jaime López (al parecer, un poco pasado de copas) y Ceci Bastida. La ceremonia estuvo acompañada por una serie de actos en vivo que homenajearon a los músicos que fallecieron en lo que va de este año, así como covers de los maestros de ceremonias. Una noche de melodrama afrancesado en el que hubieron halagos, pedradas, porras, y relaciones de amor/odio entre los presentadores y los ganadores y hasta empates. A continuación la lista de ganadores por categoría (para ver algunas de las listas de las votaciones pueden dar click aquí):

Disco Dance/Electro: Off The Record – Dapuntobeat

Disco Reggae/Ska: Actitud Calle – Los de Abajo

Disco Folclore/Popular: Mientras tú dormías – Carla Morrison

Disco Rock: Suave as Hell – Suave as Hell

Disco Género Incierto: El hombre de la cámara – Alex Otaola

Disco Solista: Rey Pila – Rey Pila

Disco Jazz/Funk/Fusión: El rey del camino – Troker

Disco Surf/Rockabilly: Sesión en el Alicia – The Cavernarios/ Telekrimen

Disco Metal: Recolector – Recolector

Disco Rap/Hip Hop: Resonante – Lengualerta y Yeah Boy! – Eric el Niño

Disco Punk/Garage: Mexico City Blues- Los Negretes y Not For the Faint of heart -Hong Kong Blood Ópera

Canción del año: “No longer fun” – Rey Pila

Banda del Año: Enjambre

Artista Nuevo: Andrea Balency Trío

Productor Nuevo: Natalia Lafourcade – Mientras tú dormías – Carla Morrison

Disquera Independiente: Terrícolas Imbéciles

Video: Chicle y Napoleón Habeica – Why – She’s a Tease

Arte Empaque: Dorian López – Defensa- Torreblanca

Acto en Vivo: Paté de Fuá y Sussie 4

Premio UFI: Triángulo de Amor Bizarro

Programa de Radio: Clickaporte

Medio Electrónico con Contenido Musical: Me Hace Ruido

Radio por Internet: Grita Radio

Publicación con contenido musical: Marvin

El Matadero de Madrid, un antiguo centro industrial que ahora es la sede de un proyecto urbano que pretende ser un hervidero creativo para los diversos campos artísticos. El proyecto está pensado como un laboratorio para el desarrollo multidisciplnario enfocado en proyectos de performance, artes visuales, diseño, música, danza, arquitectura, planeación urbana, diseño de paisaje, moda, literatura, cine, etc.

Y este año será el punto de encuentro en donde los alumnos de la Red Bull Music Academy tendrán un espacio de aproximación a la creación y el desenvolvimiento de sus carreras como músicos.

No se olviden de enviar sus aplicaciones, recuerden que el plazo de inscripción se ha extendido hasta el 26 de abril.

Las fechas de la Academy permanecen igual que antes:

Primer taller : 23 de octubre – 4 de noviembre de 2011

Segundo Taller: 13 de noviembre – 25 de noviembre de 2011

Para mayor información visiten el sitio de la Red Bull Music Academy.

Fotografías de Juan Carlos La Madrid