En las redes sociales ya está viralizándose el trailer de “El Santos Contra La Tetona Mendoza”, la versión animada del director Alejandro Lozano basada en el mítico cómic de Jis y Trino, con un enorme elenco de voces que incluye a Julieta Venegas, Irene Azuela, Daniel Giménez Cacho, José María Yazpik, Andrés Bustamante y Los Bichir, producida por Fernando de Fuentes, José Carlos García de Lotana, Lynn Fainchtein y Francisco Arriagada, este proyecto fue realizado por Ánima Estudios.

Con el mismísimo “Santox”, La Tetona Mendoza, El Peyote Asesino, El Cabo Valdivia y Los Cerdos Gutiérrez, la cinta llegará a los cines a finales del 2012, aquí el trailer:

Parece que a los brasileños les da un poco de vergüenza que José Mojica Marins sea internacionalmente conocido –y más como su paisano–, y supongo que han de sentir una cosa similar a la que sentimos los mexicanos cuando nos hablan del Chavo del 8 en Sudamérica. Cuesta decirlo, pero seguramente, ellos nos dirían una cosa similar a la que nosotros les decimos, a ellos: Mojica, a estas alturas, debería ser un héroe nacional.

Pero, dejemos ese tema a parte, José Mojica es uno de los cineastas más retorcidos y obscuros de la filmografía global. Autor del papá de Freddy Krueger, y un sin fin de películas de horror de bajísimo presupuesto, muchísima mala suerte y una desbordante genialidad, con las que ha cautivado a un público nada modesto de fanáticos alrededor del mundo. Ese es José Mojica Marins, un cineasta brasileño que poco a poco fue fundiéndose con una de sus más grandes obras: el personaje de Zé do Caixão, un temible hombre de uñas largas que aterrorizaba a sus víctimas a través de los sueños. Sí, si les suena es porque de ahí agarraron la referencia.

Hoy que es martes 13 es un día perfecto para celebrar la vida de José Mojica, quien cumple 76 años. Para unirnos a la celebración aquí les dejamos la “Sambinha do Zé do Caixão”

y un clip introductorio:

Gracias a Julio Pillado por el dato del aniversario. 

Crónica del Festival de Música Popular Brasileña de 1967 transmitido por TV Record, el documental Una Noche en el 67, presenta entrevistas y material de archivo del concierto que cambió la historia de la música brasileña para definir lo que hoy conocemos como el Tropicalismo o Tropicalia. Con distintas personalidades, pero todos igualmente irreconocibles en la actualidad, Chico Buarque, Caetano Veloso, Roberto Carlos, Gilberto Gil con Os Mutantes, Edu Lobo y otros concursantes mostraron su destreza, algunos rindiéndose ante el abucheo y otros coronados por el éxito.

Pero esta película abarca más allá del fenómeno musical, el contexto social y político de Brasil en los años sesentas, cuando utilizar una guitarra eléctrica, escuchar a los Beatles o formar parte de un grupo de rock no era sólo una cuestión de gusto, sino alzar una bandera que atentaba contra la cultura tradicional de Brasil, en una época inicial de la dictadura militar brasilera. Este documental es divertido y enriquecedor para los curiosos y fundamental para fanáticos del movimiento musical del Tropicalismo, acá el trailer:

Con las bandas chilenas sonando por todo el mundo, no es de sorprender que el cine que se produce en este país actualmente venga con todo. Compitiendo el año pasado con cintas como Post mortem, de Pablo Larraín, para llegar a los Oscares y con una gran recepción en los Goya, “Violeta se fue a los cielos” de Andrés Wood (Conocido mundialmente desde el 2004 por la excelente cinta “Machuca”) llega a Sundance 2012 en la categoría de WORLD CINEMA DRAMATIC COMPETITION.

Con una producción digna de semejante homenaje, la película narra la historia desde la infancia hasta los episodios más intensos de la vida de la artista multidisciplinaria Violeta Parra, probablemente la chilena más apasionada y popular del siglo pasado. Ya hacía falta una cinta biográfica de su vida, en hora buena.

Aquí el tráiler:

Para tener un poco más de pistas, y desarrollar mayores sinapsis entre el cartel y el concierto, Austin TV nos hizo un Top 5 de las películas que más los influenciaron durante el proceso de creación de su álbum Caballeros del Albedrío, editado este año por Terrícolas Imbéciles. Todos los textos son de su autoría.

Para más información sobre el próximo concierto de Austin TV pueden dar click aquí.

01. Los Olvidados (1950). Dir. Luis Buñuel

Una pieza básica para comprender mejor la vida en una ciudad enorme como la de México.
El sampler con el que abrimos el disco Caballeros del albedrío es la síntesis de lo que nosotros proponemos como cambio radical humano, “esta película no es optimista y deja la solución del problema a las fuerzas progresivas de la humanidad” el cambio está en nosotros y nosotros somos parte de él.

02. Viaje a la luna (1958). Dir. Fernando Cortés

Llegamos a ésta película buscando la filmografía de Tintán y fue un grato descubrimiento desde el inicio, pues aparecía, en primer plano, este enmascarado hombre conocido como el “Caballero del Crisantemo”, que conquistaba a la audiencia con su habilidad para bailar y no con su rostro; eso nos cautivo desde el primer instante. Claro que no podemos dejar de mencionar que también nos atrae mucho el cine mexicano de la Época de Oro, hay una nostalgia oculta que se nos revela a través de estas piezas.

03. The Life Aquatic with Steve Zissou (2004). Dir. Wes Anderson

Una de las películas favoritas de Totore e inspiradora del nombre del tema: “Nosotros le pusimos radio” track que forma parte del disco Séeb de Caballeros del albedrío. Esta película la vimos un par de veces durante el proceso de composición de este disco, junto con otras películas increíbles de este director: Wes Anderson se preocupa por cada detalle en sus producciones, y eso hacemos nosotros también con todo lo que hacemos, eso nos atrae mucho.

04. La Montaña Sagrada (1973). Dir. Alejandro Jodorowsky

Esta película la vimos unas cuatro veces, una de ellas con comentarios en audio de Alejandro Jodorowsky, comentarios que nos hicieron ver que no habíamos entendido nada previamente.
Una historia compleja, llena de símbolos, de surrealismo, de casualidades y con un mensaje final fundamental para la base conceptual de este disco: cuando al final de la película Alejandro dice: “This is not a movie, this is real life…zoom back camera…”

05. Dear Wendy (2005). Dir. Thomas Vinterberg

Esta película le da nombre a una de nuestras piezas más experimentales del disco: “Despierta Wendy”, frase que le dicen los personajes de esta película a sus pistolas antes de usarlas en contra de un ser vivo. Nos encanta la idea del club de amigos “ñoños” que se juntan todos los días a hacer algo que parece no tener sentido para nadie más que ellos, y eso es el encanto pues supongo que aveces así nos sentimos cuando hacemos música.

Durante 20 años estuvo en un tiradero el disco perdido de la agrupación Botellita de Jerez, famosa desde 1983 por la invención del Guaca Rock y el concepto de “Naco es Chido”. Durante la filmación de un videoclip, una banda joven encuentra la preciada reliquia y la llevan a Mexican Records, quienes buscan explotar el material inédito y sentencian a la Botellita a un “arrejunte”. Tras reunir al Cucurrucucú en un hospital psiquiátrico, al Mastuerzo en un bunquer y al Uyuyuy vagando en Los Ángeles, es descubierto un complot para que no toquen.

La película “Naco es Chido” de Sergio Arau duró años en gestación para evolucionar de las ideas dispersas a la pantalla, bajo el título tentativo de Plan B. Conseguir presupuesto para una ambiciosa producción independiente puede ser una pesadilla, pero también obliga a imaginar recursos narrativos poco usuales (como ocurre en el mismísimo caso del Rock en México). Encontramos referencias de momentos históricos de México armados con chistes visuales de material de archivo y locaciones mezcladas que van desde el Vive Latino hasta el Circo Volador para lograr una parodia de los rockumentales con final feliz de reunión de la banda como el caso que remite al maletín perdido de Robert Capa.

En este falso documental basado en “hechos más o menos reales” aparecen personajes de la historia del rock mexicano como Rubén Albarran, Jaime López, Lino Nava, Lalo Tex, miembros de Molotov, El Gran Silencio y hasta el mítico periodista Chava Rock. El guión fue estructurado en distintos sketches que mezclan las retorcidas mentes de los tres integrantes de Botellita: Por un lado tenemos las firmes posturas políticas anticapitalistas de Francisco Barrios “El Mastuerzo” y la propuesta sincera de Sergio Arau, multi-talentoso y multi-indisciplinado pintor-músico-caricaturista-director, quien no busca hacer otra cinta exitosa como “Un día sin mexicanos”, sólo busca ser naco, echar desmadre y que todo fluya en un solo proyecto.

Estas dos mentes se aderezan con secuencias que recuerdan a los extraños episodios del libro Diario íntimo de un Guacarróquer (Ed. Toukan, México, 2002) de Armando Vega Gil en donde el llamado “Armiados Güeva Vil” devela el misterioso origen y éxito de “La Maquinita de Pachuca”, nombre clave de Botellita, y explica los símbolos de su propio universo.

Haciendo alegorías a lo prehispánico, en un silogismo básico, Botellita de Jerez deja claro su pensamiento: “Si lo mexicano es Naco y lo mexicano es chido, entonces -verdá de Dios- todo lo naco es chido”. Es así que nace el concepto de Guacarock, la apropiación del Rock mezclada con el guacamole mexicano con todo y barbas de nopal espinado, el guacarock es un mestizo que se burla de todo.

Para conseguir la cinta es necesario acudir a las presentaciones de la banda, cuyo calendario se encuentra en su página oficial, mientras tanto encontramos en Internet el Trailer oficial:

En Panamérika hemos hablado ya de la importancia de la música chilena de avanzada, desde Los Jaivas hasta Adrianigual. Este año llegó a México el documental “Electrodomésticos: El frío misterio” y con él vieron la luz archivos inéditos sobre la cultura subterránea chilena durante el periodo de la dictadura de Pinochet de más de una década. En estos años, los medios de comunicación ni siquiera sabían de la existencia de una escena que se alimentaba poco a poco de la escasa información que llegaba en forma de viniles desde el extranjero, mezclada con las ansias de libertad de una juventud chilena oprimida en los ochentas.

Quienes lo vivieron nunca esperaron que esta época tuviera tantas repercusiones en el futuro. Dividido por periodos de tiempo, el documental reconstruye distintos contextos en los que el grupo Electrodomésticos se vio envuelto con varios personajes. Periodistas, músicos y artistas visuales como el director y fotógrafo Gonzalo Donoso acompañaron este camino y algunos son actualmente miembros importantes del circulo cultural chileno.

Sergio Castro San Martín, director de la cinta, es un joven que revaloriza el pasado para comprender que pasa hoy en día. Habiendo trabajado con en grupo ! N T E R M ! T E N T E S y con un largometraje de ficción en su currículum, este trabajo de Sergio comienza como una investigación sobre la contracultura que abarcó desde el cómic hasta la música y termina como un rockcumental de estructura más cotidiana en la que la banda se reune, pero siempre mostrándonos como el riezgo y la experimentación fueron único recurso expresivo de una época en la que la realidad de la opresion superaba a cualquier ficción.

Con extractoras de jugo, casettes sobregrabados para generar loops análogos, frases atonales y compases fuera de lo común, Electrodomésticos pasó de ser un proyecto de chicos que usaban máscaras de latón en el escenario, a ser uno de los grupos más influyentes del Rock chileno. Comenzaron con críticas a la dictadura y a los medios oficiales y terminaron con una compleja propuesta artística de música progresiva que dio temas increíbles como “Ligerezza” o “Yo la Quería”, no se resignaron ante la represión juvenil y aprovecharon su contexto al máximo. Como menciona un miembro del grupo Pinochet Kids de aquella época: “Somos producto de la dictadura, no conocemos otra cosa”.

DOCUMENTAL “ELECTRODOMESTICOS” (WIP) from Sergio on Vimeo.

“Juan de los muertos, matamos a sus seres queridos ¿En qué puedo servirle?” Esta es la respuesta telefónica de Juan, un peculiar héroe cubano que pasa del negocio de matar zombis a la defensa de su patria.

Hace algunos meses comenzó a circular en Youtube un curioso anuncio cubano sobre una peculiar actividad: matar zombis. Poco a poco los rumores se esparcieron por Internet y gracias al impresionante buen recibimiento de la crítica en Cannes y el estreno europeo en el Festival de Cine Fantástico de Sitges en el 2011 (El más importante del género), Juan de los muertos es una de las películas underground más esperadas este año.

Escrita y dirigida por el cubano Alejandro Brugues y protagonizada por Alexis Diaz de Villegas, esta es la primera película de terror hecha en Cuba. En coproducción con España, esta película es un salto impresionante del cine cubano que desde los años noventas comenzó a girar la mirada hacia lo comercial debido a la filtración de películas piratas y el acceso a la información satelital, con comedias ligeras y agringadas, y dejó atrás el pilar institucional de las épicas historias sobre la Revolución, herencia del cine soviético para reafirmar al Estado.

La cultura audiovisual cubana es riquísima, y cómo no va a ser así, si ir al cine es todavía una de las actividades más populares y económicas que existen en la isla; y el estudio de las artes plásticas y visuales una de las áreas educativas más apoyadas por el gobierno. Poco a poco se ha quitado el peso de producir sólo lo que apoya el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica) y en la actualidad, Cuba le enseña al mundo cómo la tecnología rebasa a las instituciones, el ejemplo más claro es la producción de una película como esta, a cargo de La Zanfoña Producciones y Producciones de la 5ta Avenida.

Definitivamente esta película busca un público extranjero, será interesante saber qué es lo que los propios cubanos opinen de ella cuando comience su distribución y se vean reflejados. En septiembre se hará un estreno oficial en el festival de Toronto pero la fecha de llegada a México y el resto de América Latina es incierta y ya se nota en las redes sociales de todo el mundo el ansia por verla. Por ahora sólo tenemos la información del sitio oficial y este tráiler:

Chris Weitz, director de cintas hollywoodenses super-taquilleras como “The Twilight Saga”,
“American Pie” y “About A Boy”, nos presenta UNA VIDA MEJOR (“A Better Life” Summit Entertainment, 2011) película protagonizada por personajes que son migrantes mexicanos en Estados Unidos.

Por lo que se puede apreciar en el tráiler, la estructura recuerda al clásico del cine italiano “El ladrón de bicicletas” (Vittorio De Sica, 1948), la historia trata la relación de Carlos (Demián Bichir) y Luis Galindo (José Julián) padre soltero que trabaja como jardinero e hijo estudiante cercano a las pandillas, cada uno busca mejorar su vida a su manera en la condición de migrantes. Cuando le roban a Carlos la camioneta con la que trabaja, le es imposible llamar a la policía por ser indocumentado, esta crisis lo hace acercarse a su hijo, a quien dedica todos sus esfuerzos.

El tema de los migrantes se ha convertido en un mercado del interés de Hollywood, historias que antes sólo se veían en el cine independiente latino se vuelven blockbusters, es así que la música Angelina (De los habitantes de la Ciudad de Los Ángeles, California) también ha acaparado un mercado importante y en esta cinta se buscó un soundtrack adhóc con el tema “Jardinero” compuesto por Ozomatli mientras que el score, disponible en Nacional Records, fue compuesto por el maestro Alexandre Desplat (“Twilight: New Moon”, “The King’s Speech”, “Fantastic Mr. Fox”), nominado al Oscar en múltiples ocasiones. Wildog Abers, bajista de Ozomatli, comenta al respecto: “Al escribir la canción, nos pusimos en el lugar de los caracteres de la película.”

La cinta todavía no tiene fecha de estreno en México pero estaremos pendientes. A continuación el tráiler:

“En un principio, La abuela de los Ayoreos era un grillo llamado Direjná. Ella era la dueña del agua, y donde sea que ella estaba, también estaba la lluvia. Sus nietos le pidieron que se vaya, eso hizo, fue cuando los días de calor y sequedad empezaron. La abuela Grillo decidió vivir en el segundo cielo y desde ahí es capaz de enviar lluvia cada vez que alguien cuenta su historia.”
–Cuento Ayoreo.

Hace poco más de un año se estrenó el bellísimo cortometraje animado “Abuela grillo“, una coproducción entre Bolivia y Dinamarca que trata el tema del daño que causan al medio ambiente los abusos de recursos por parte de las sociedades modernas.

La abuela es una metáfora que representa a la tierra, pero también al pueblo boliviano, es así que la mujer que pone voz a los cantos de este personaje es nada más y nada menos que Luzmila Carpio, cantante boliviana denominada “La voz de los Andes”, quien fuera además embajadora de su país en Francia durante el proceso creativo del corto.

Esta versión animada está basada en un cuento de los Ayoreo, pueblo indígena de la región llamada Chaco Boreal, en frontera de Paraguay y Bolivia, un pueblo que ha sufrido la exclusión de la globalización pero que ha sabido adaptar sus tradiciones a la cultura moderna, no hay mejor prueba que el éxito de este cortometraje, cuya realización fue posible gracias al apoyo de la beca The Animation Workshop en Viborg, Dinamarca, bajo la tutela de Denis Chapon.

La pregunta de “¿qué pasaría si a una banda de metal le metemos una marimba?”, estamos seguros que varios se la han hecho, desde músicos y melómanos hasta pachecos en trance. Pero, hasta ahora, jamás lo habíamos visto con este humor.  Las Marimbas del Infierno es una ficción que cuenta la historia de cómo las carencias de los individuos en una sociedad llevan algunas veces a imaginar proyectos que parecen imposibles. A través de las tragedias de Don Alfonso, marimbero de profesión, personajes muy particulares —como un ahijado que le mete a la mona y un ex-satánico metalero—  se envuelven en una aventura musical para salir de la pobreza.

La película es dirigida por Julio Hernández Cordón,  guatemalteco egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica, en México, y es una cooproducción entre es país, Guatemala y Francia. Ha sido laureada en algunos festivales relevantes en los circuitos cinematográficos, como el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Con un un bajo presupuesto, y una estética que evoca al documental, las situaciones de la película resultan por momentos hilarantes por su ironía, pero sobre todo porque parecen sacadas de la vida real latinoamericana: un tratado sobre desavenencias e infortunios del subdesarollo que dan espacio a los más incovenientes destellos de creatividad. Pero también es una historia de la vida en Centroamérica, y de su música, las marimbas, como las conocemos, son un elemento enclavado en el acontecer diario de la cultura popular chiapaneca y guatemalteca, así que es una historia de sincretísmo recubierta de crudeza y dialécticas culturales. Si alguien está relacionado con nuestro concepto de “bastardización”, Las Marimbas del Infierno es una buena oportunidad para verlo vivo, con toda la inocencia con la que se hacen este tipo de proyectos cuando son genuinos. Mucho hardcore y muchas marimbas cristalizadas en imágenes y personajes entrañables.

reseña de Claudia Jiménez y Rodrigo Jardón

El director Beto Gómez nos presenta una comedia de acción ambiciosa como pocas: Salvando al Soldado Pérez (2011). Con locaciones que van desde el desierto de Coahuila hasta Turquía, esta es una cinta llena de clichés y pastelazos pero con un discurso sobre la importancia de la familia para los mexicanos. Si uno espera una película seria o un análisis sobre la violencia en la actualidad mexicana, esta no es la indicada, hay que estar preparado más bien para un humor simplón y relajado.

La cinta narra, en simetría con la película Rescatando al soldado Ryan (Steven Spielberg, 1998), la historia de un grupo de valientes hombres cuya misión es el rescate de un soldado en tierras lejanas, sólo que en este caso, los valientes no son soldados, sino sicarios a sueldo y amigos. Es así como Chema (Jesús Ochoa), Chalío (Joaquín Cosío), el indio Carmelo (Gerardo Taracena) y “El Puma” (Rodrigo Oviedo)vuelan de México a Turquía para contactarse con el excéntrico Sasha (Alexander Minchenko) y así llegar por tierra a Irak para buscar al soldado Juan Pérez (Juan Carlos Flores), quien pertenece al ejército estadounidense y es hermano del narcotraficante más importante de México, Julián Pérez (Miguel Rodarte).

La cultura del narcotráfico es ya cotidiana en nuestro país, y no iba a tardar mucho para que saliera a flote un punto de vista cómico como el que presenta esta película. Las actuaciones nos ofrecen a personajes ridículos, caricaturas que reflejan este estilo de vida de excesos como una moda: La opulencia de los sombrerudos, sus camisas de gallos y caballos, botas de reptiles, joyas, y camionetas blindadas en donde suenan la banda y los narcocorridos.

Todo este collage cultural necesita de un gran trabajo musical. Por un lado, la banda sonora compuesta por Mark Mothersbaugh, líder de la legendaria agrupación Devoy encargado de la música de cintas de Wes Anderson. Por el otro lado tenemos el soundtrack con la aparición de Chavela Vargas cantando “Corazón negro”, del compositor mexicano Horacio Palencia, así como el ¨Corrido del Soldado Pérez¨ de los Tucanes de Tijuana que viene a continuación:

Sitio Oficial.

Sábado 19 de febrero, 8:30 PM

Teatro Julieta

Pasaje Porta 132, Miraflores (Lima, Perú)

Cuando la banda Franz Ferdinand visitó la ciudad de Lima, su vocalista Alex Kapranos deleitó desde twitter a sus seguidores presentándoles punk peruano ¡de 1965! El gusto por este curioso tesoro se repitió la noche del concierto cuando la banda interpretó algunos acordes de ese punk rock tan alejado del país y el tiempo del CBGB’s.

No, no estamos escribiendo mal nada. Y para colmo, la rareza punkperuana también ha sido celebrada por Iggy Pop (eso dicen), al tiempo que grandilocuentes coleccionistas la califican como el origen universal de aquel salvaje género cultivado por ramones, viciouses y strumers. Y para que no quede duda, en el Distrito de Lince, al centro de Lima, se levantó una placa que lo recuerda: allí nació el punk por el año 1964 de la mano del grupo Los Saicos.

El lugar de ese desconocido milagro no podía ser otro que Lima, ese gran hervidero de vida underground donde un fin de semana de visita podemos enterarnos que en un bar canta Rob Halford o que luego en otro lado resulta que el DJ es Peter Hook. Allí, en la aurora de esa cultura, aparecieron Los Saicos por corto tiempo, ya que se disolvieron rápido, en 1966.

Los Saicos (nombre que aun no se sabe si fue eufemismo de “los sádicos” o guiño a la cinta Psycho) sólo dejaron seis discos sencillos en dos cortos años de existencia y teniendo como principales influencias a los grupos de la invasión británica, nada de garage ni psicodelia. Aun así contaban con una originalidad que los inmortalizó y se adelantaría una década a los sonidos obreros que revolucionarían el rock en Chelsea y Lower East Side.

‘Echemos abajo la estación del tren’, fue el primer grito de ese vandalismo sonoro (así lo describió recientemente el diario español ABC) traducido en canciones como “Fugitivo de Alcatraz”, “Camisa de fuerza”, “Cementerio” y por supuesto, “Demolición”. El ambiente abierto que vivía la sociedad peruana en los años 60 hizo lo suyo y nuestros Saicos tuvieron audiencias cautivas y entretenidas que los llevaron a salir en TV con una frecuencia nunca después vista para una banda ‘punk’.

El sueño saico terminó en 1966 sin posibilidades de reencuentro. Sus discos, más allá de la nostalgia de los rockeros peruanos, cayeron al olvido, jamás fueron oídos por los iniciadores ‘oficiales’ del punk y su guitarrista Erwin Flores andaba tocando cumbias cuando salió al mercado Never Mind the Bollocks. Pero en 2000, la melomanía hizo de las suyas, empezaron las ediciones en CD, los coleccionistas y los sellos independientes arrancaron su imparable culto y renació la Saicomanía.

Precisamente con ese nombre se ha titulado el documental Héctor Chávez, realizador peruano radicado en Amsterdam, en el que se cuenta la fiebre que ayer y hoy despertó esta banda. El trabajo incluye los respetables veredictos de impulsores del punk como John Holstrom y Don Letts o sus contemporáneos Trashmen (si, los de Minneapolis). También insinúan que hay un testimonio concluyente de Iggy Pop sobre ese presunto origen del punk.

Y así, en proyección-concierto (como en los matinales de los 60) Saicomanía se estrenará por fin en Lima, el próximo 19 de febrero, con entrada a 20 soles en el movido sector de Miraflores. Para la ocasión, Los Saicos se juntarán de nuevo y tocarán sus canciones. La expectativa es grande y la muestra esta nota hecha por el diario El Comercio. A la manera de su propio fanatismo, el documental se ve desde hace dos años en algunos circuitos de Europa; por fin en su tierra, los saicómanos originarios lo verán en este 2011.

Los dejamos pues con el trailer de ese homenaje a lo que ha sido llamado “el secreto mejor guardado de los 60″.

Alejandro Otaola está por estrenar su álbum El hombre de la cámara, basado en el score que realizó en el 2009 para musicalizar en vivo la proyección de la película de Dziga Vertov durante el ciclo “Bandas Sonoras” en la Cineteca Nacional. Su segundo álbum solista será lanzado gratuitamente gracias a una estrategia de patrocinios y será presentado el próximo 11 de diciembre en la Cineteca.  Ahí mismo nos platicó de su proyecto, cómo fue realizado, las trayectorias que ha recorrido y cómo será distribuido. Esta es la primera de dos partes en  las que presentaremos esta charla con él.

La idea la venía masticando Rodríguez desde la aparición de Trejo como mártir del sicariato en la taquillera y morbosamente absurda Desperado (1995). La cosa era tan ingeniosa como estereotípica: hacer una sucesión de películas de acción tipo Charles Bronson, pero a lo mexicano (o más bien, a lo mexicano según Hollywood); es decir, con un héroe de bigote “taquerou” y escasos modales tal vez limitados a tratar bien a la “chaparrita”. Así se nos contaba desde el falso trailer que de esta película se incluyó en la cinta Planet Terror (2009).

Esa es la sustancia de Machete. Así es el nombre de un agente de policía mexicano tan eficiente como sanguinario que ha caído en desgracia y ha tenido que huir al otro lado de la frontera. La historia inicia con escenas perturbadoras que explican con claridad lo que será esta película: una operación policial en la que, entre otras gracias, nuestro Machete cercena con un ídem la mano de un hampón que le va a disparar (porque con machetazos se puede hacer eso), recoge la mano armada y con ella dispara a otros tantos que van a su ataque; llega a un cuarto, rescata a una carnosa hembra encuerada y cuando la toma entre sus brazos, ésta aprovecha un momento de distracción y lo inmoviliza. Como está desnuda no sabemos cómo llamará al enemigo; fácil, se saca un teléfono celular del coño y da aviso a su jefe, el temible narco mexicano Torrez, interpretado por Steven Seagal (!), quien lo termina de doblegar.

Estando al otro lado, llega el segundo acto en el que Rodríguez le da “visos de profundidad” a su cinta al meterse en el espinoso tema de la migración ilegal. Los mojados entran por millares y a ellos se enfrenta la promesa de mano dura por parte de un despreciable senador llamado John McLaughlin (Robert De Niro). Por cierto, no sabemos si con doble intención le pusieron ese nombre.

Así, alguien contrata a nuestro Machete para matar al senador y ahí fue Troya. Y lo fue como disculpa para iniciar una matazón tanto de extras como de criterio: el héroe ratificando su estatuto de “cabrón duro y grueso“, permanentes deja vus de (cómo no) Desperado y sus secuelas, dos morritas (Michelle Rodríguez y Jessica Alba) que se ganan la amistad del héroe, una como agente migratoria y la otra como ilegal, dos sensualonas enfermeras gemelas que les basta inmortalizarse con un papel secundario, dos gringas güeras bien buenotas (una es Lindsay Lohan) que también merecen ser encueradas en una escena piscinera que desde hace un año circulaba (ilegal, como los mojados) por internet. Claro, también hay un cura (¿no ve que somos católicos?), decapitados a sable, lesionados con una podadora, heridos con una pica, crucificados, tuertos a balazos, colgados de las tripas…

En esta suma de las presuntas obsesiones de Rodríguez por el gore y el soft porn, nos encontramos con una de las formas más superficiales (y dolorosamente taquilleras) para tratar el agudo tema de la discriminación migratoria. Entre los muchos que la verán desde esta semana en México, seguro varios se encontrarán reivindicados por recursos narrativos “justicieros”, porque el exploitation “mexicano” existe (y no es Alonso Sayas) o porque se creó un sangriento y cachondo mundo de fantasía en el que un ilegal se propone salirse con la suya.

Los populares recursos del sexo, la violencia y la política sirvieron entonces para tocar un tema sensible y polémico. Si de eso se trataba, entendamos las contradicciones y conflictos de la migración a Estados Unidos viendo mejores películas. Recomiendo la que empezó hace una semana que aborda el asunto por ahora desde la política: un tal Marco Rubio, católico de “sangre” mediterránea, entró a la lista de presidenciables del fundamentalista Tea Party Movement. Y también es senador como el McLaughlin. Y también puede salirse con la suya como el Machete.

Café Tacvba es un grupo que no necesita presentación. Ya sea que nos lean en el Distrito Federal, Monterrey o en cualquier estado de la República Mexicana, en Estados Unidos, Europa o incluso en Japón, todos conocen a Café Tacvba. Una banda que ha dejado huella de su paso por ciudades tan lejanas como Tokio o tan cercanas como Ciudad Satélite. Se han presentado en venues de todas las dimensiones, en festivales alrededor del globo y en el garage del vecino. Café Tacvba ya no es un grupo de rock, después de 20 años se ha convertido en una institución y un referente obligado de la música hecha en México. Todo lo anterior necesitaba ser documentado (y homenajeado) no sólo con entrevistas, videos y fotos en vivo, singles en la radio y un sin fin de parafernalia, el fenómeno Café Tacvba tenía que documentarse “como lo hacen los grandes”: en el cine.

El proyecto surgió hace casi tres años cuando Café Tacvba se fue de gira por la hermana república de Japón. La idea era documentar las fechas y sacar un breve testimonio sobre esta experiencia. Al momento de buscar footage para acompañar las imágenes tomadas en el continente asiático, el director Ernesto Contreras (Párpados Azules) se dio cuenta de que había una gran cantidad de material sobre los tacubos: desde sus primeras apariciones en televisión abierta hasta los detrás de cámaras de sus múltiples conciertos. Al ver todo esto, Ernesto y Café Tacvba decidieron que el documental debería ser un largometraje con un análisis mucho más completo y profundo de lo que significa hoy en día el nombre Café Tacvba para que la gente comprenda (y comparta) el por qué Café Tacvba es tan importante en la historia musical de México.

El nombre de la película es Seguir Siendo: Café Tacvba (Agencia Sha, 2010) y cuenta con el apoyo para la distribución de Canana Films (productora cinematográfica propiedad de Pablo Cruz, Gael García Bernal y Diego Luna). Para su realización contó con el apoyo de: Fondo para la producción cinematográfica de calidad México (FOPROCINE-MÉXICO), Canal 22 y Entertainmex. El director de fotografía es Tonatiuh Martínez y los directores son Ernesto Contreras y J.M. Cravioto.

Seguir Siendo: Café Tacvba se presentó en la edición de este año del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) y verá la luz en salas comerciales el día 12 de noviembre del 2010. Por lo pronto les dejamos el trailer de este gran documento periodístico, histórico y artístico sobre una de las bandas de mayor importancia y trasendencia para la  música mexicana.

Lo destacado de Alborada carmesí no es necesariamente un guión o actuaciones impecables, sino que participa en ella la cantante cubana Telmary, más conocida en su fasceta como MC. Telmary radica en Canadá, al lado de una importante y numerosa comunidad cubana en el exilio. Aunque la película juega con el drama y el misterio, el humor no está peleado y Telmary, como actriz, en Alborada carmesí representa un duelo de tú a tú con el diablo, un duelo, desde luego, musical, a la usanza de esta cubana, representante jazz-poet.

Dirección: Luis Hernán Reina
Producción: Casa Roja Producciones S.A./Fundación Cuatro Caminos
Guión: Luis Hernán Reina
Música: John Harvey Ubaque, Juan Carlos Taboada, El Cholo Valderrama, El Cachi Ortegón, Telmary Diaz, Naif
Esteban Louis
Sonido: Diego Figueroa
Editor: Hernando Asúrdez
Fotografía: Raúl Rodríguez
Vestuario: Helena Uttima
Reparto: Ruddy Rodríguez, Telmary Díaz, Constanza Camelo, Martha Restrepo, Zharick León, Tatiana Rentería
Juan Rafael Restrepo, y más.
Duración: 94 minutos

Desde los entonces edificios en obra negra de la avenida El Dorado, llegó un ejército de bandidos autómatas, dirigidos a distancia por la sexy pero mortífera Karla. La malvada y rubia Karla cuenta con la más avanzada tecnología para hacer el mal. No hay esperanzas para la seguridad bancaria de la ciudad.

Pero la salvación llegará de México, llegará con los secretos de la lucha enmascarada. Así nos encontramos con la fuerza de los Jaguares motorizados, quienes asistidos por la joven María Eugenia Dávila, “seguirán la pista de Karla hasta llevarla ante la justicia”. Gracias a youtube, hoy podemos ver completa esa heroica hazaña.

¡Gracias, Jaguares enmascarados por liberarnos de la temible sensaluadidad de Karla y sus no menos espeluznantes autómatas!

También gracias a Black Sabbath por ambientar el suceso.

Karla vs. Los Jaguares
Dirección: Juan Manuel Herrera
Estreno: 1974
Nacionalidad: Colombia/México
Género: Ficción
Duración: 92′
Productor: Víctor Films
Elenco: Marcela López, Gilberto Puentes, María Eugenia Dávila, Wayne Gerolaman, King Bryner, Franco Portilla, El Jaguar de Colombia.

Las buenas hierbas es resultado de una investigación profunda a través de aquellas plantas que curan el alma; un compendio de la herbolaría mexicana, tan desdeñada y desconocida por gran parte de la medicina alópata. Pero no sólo eso, es también una historia de solidaridad y amor, principalmente, entre mujeres.

La trama parte de la relación entre Dalia (Pruneda) y su madre Lala (Medina), una bióloga etnobotánica que, poco a poco, irá perdiendo la memoria,  a causa del Alzheimer. El proceso degenerativo por el que atraviesa el personaje toca las fibras del amor entre una madre y una hija, y entre las amigas, como Blanquita (Munguía), sin importar generación o condición social.

Al transcurrir los minutos, las hierbas (flor de manita, toloache, y cia) tejerán las historias de cada personaje femenino; sus inquietudes en torno a la sexualidad, a los hijos, a la melancolía y la pérdida. Las hierbas descubrirán en el espectador la cura para el miedo, para el amor y la gama de emociones que nos constituyen. Así, conoceremos a Dalia, madre de Cosmo, quien trabaja como la voz más sensual de una estación de radio alternativa (Radio Zapote, en la vida real, una frecuencia transmitida desde la ENAH). La historia de Blanquita, quien vive rememorando a su nieta fallecida el día que cumplió 15 años, y la verdadera historia de Lala, quien, en alguno de sus delirios, entre pasos de tango y chistes, confiesa que el verdadero padre de su hija es un guerrillero uruguayo.

La película no sólo cuenta con sacudidas y conmociones; también está plagada de un humor sutil e inocente, afinado por la música, una rica curaduría de composiciones de La lengua, un dueto formado por Santiago Chávez y Judith de León, quienes también actúan en el filme como personajes incidentales, lo mismo que Rodrigo Solís, conductor de la Ké-Huelga y escritor mexicano (textos de él, como de La lengua  —así como .mp3— pueden descargarse en el sitio del proyecto La tortillería editorial). Además de la música e instrumentalización de La lengua, en la película se usó “El club verde”, de Rodolfo Campodonico, interpretada por Pedro Infante, así como el tema “Por qué”, del uruguayo Eduardo Mateo.

El guión de la película, la fotografía y el reparto son una muestra del buen cine que en México se está produciendo. La música es, además, un excelente pretexto para disfrutar de Las buenas hierbas, y, como plus, si algún lector está interesado en la etnopoética, descubrirá imágenes poco difundidas de María Sabina, así como los cantos que en vida se le grabaran. La música original de la película puede escucharse y descargarse gratuitamente aquí.

Nacional nos rola este clip que documenta parte de la creación del disco más reciente de Clorofila, Corridos Urbanos. Es un pedacito de un micro-documental titulado Nicole ya no baila aquí (como una de las canciones del disco y la primera basada en guitarra) con imágenes recolectadas por Jorge Verdin, el hombre detrás del proyecto que fuera parte del colectivo Nortec. Se retratan procesos creativos, de composición, parte de la grabación y la incorporación del acordeón y trompeta sobre el track. El álbum llega a iTunes y se lanza en CD justo estos días.

Documental: Bostich+Fussible y la música del Nortec
Parte 1 de 8
Después de una década de haber creado el sonido que definió a la frontera, el colectivo Nortec muta. De esta metamorfosis aparece hoy la producción Tijuana Sound Machine, de Bostich y Fussible. Si Nortec fusionó la electrónica con la música popular del norte mexicano, para conseguir un sonido único, que ya se convirtió en emblema musical no sólo de la frontera y de una generación entera. En Tijuana Sound Machine, Nortec da una vuelta más mediante la experimentación con nuevas tecnologías, la consolidación de un ritmo y la densidad emocional característica de Fussible y Bostich. Tijuana Sound Machine más que un nuevo album es una nueva urbe. Una ciudad hecha de puros sonidos.

Como parte de la sección “Son de Cine”, curada por Joselo Rangel, Enrique Blanc, y Carlos Sosa, el domingo 14 de marzo Andrea Echeverri, vocalista de Aterciopelados, hará una aparición en tierras tapatías para presentar una curaduría propia sobre las películas que la han inspirado en los últimos años. Estas incluyen Los viajes del viento de Ciro Guerra, La princesa Mononoke de Hayao Miyazaki, Los niños invisibles de Lisandro Duque, Coraline de Henry Selick, Mirror mask de Neil Gaiman y Dave Mckean y Kirikou y las bestias salvajes de Michel Ocelot y Bénédicte Galup. Además, el día martes 16 de marzo presentará la película colombiana Los niños invisibles merecedora de varios premios en los circuitos de cine colombianos y de cine infantil.

La presencia de Andrea Echeverri llega a enriquecer la oferta, de entrada jugosa en cuanto a propuestas panameriKanas, para esta sección de música y cine en el festival. En “Son de Cine” se encuentran programados documentales como Son de Gaita, de Pablo Burgos— cuyo guión e investigación fueron realizados por el músico colombiano Urian Sarmiento—; Check point rock: canciones desde Palestina de Javier Corcuera y Fermín Muguruza, la cual será presentada por el propio director, y también se incluye Mercedes Sosa – Cantora, un viaje íntimo de Rodrigo Vila.

El 17 de Marzo los asistentes a dicho festival podrán disfrutar un concierto ofrecido por Julio de la Rosa —crooner español, frecuentemente comparado con Nick Cave y Tom Waits— así como la presentación de dos bandas locales: los Yo-yo breakers y Troker, quienes están próximos a sacar un nuevo disco.

Para consultar más información sobre el Festival de Cine de Guadalajara pueden visitar el sitio oficial

Muchachos!

Estamos muy contentos en anunciarles que la película “Seguir Siendo: Café Tacvba” tendrá su premier mundial en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara el próximo 14 de Marzo de 2010!

Después de un largo camino, donde esta película que en un principio sería sobre el viaje a Japón, se transformó en un relato sobre la vida del grupo en el que todos pusieron mucho trabajo y esfuerzo para que se lograra.

La película está dirigida por Ernesto Contreras (Parpados Azules) y José Manuel Cravioto (El Último Héroe De La Península).

Este proyecto ampliado se verá por primera vez en un par de semanas. Así que ya saben… Quedan dudas de si será un documental, o algo más artístico. Intrigas, quizás. Por lo pronto no hay un trailer ni detalles de su estreno en salas en toda la república, pero los mantendremos informados con más detalles conforme los vayamos obteniendo.

¿Una película? Aparentemente sí. Se dice que tiene una gran pero gran cantidad de momentos de su grupo Mars Volta videograbados, pero además Omar Rodriguez no dejó de lado su proyecto de hacer algo de cine. Este hombre máquina del rock abstracto —alto en jazz y más alto aún en psicodelia— no para. Se puso en el anaquel el proyecto de la película anterior, que si tuvo un par de bandas sonoras (A Manual Dexterity Vol. 1 y 2) pero ahora tiene otro ‘as bajo la manga’ y se titula The Sentimental Engine Slayer. El trailer cuenta con sonidos altos en texturas como acostumbra en sus trabajos solistas e imágenes recortadas; la película se estrenará el próximo mes de febrero en el Rotterdam Film Festival.

Ficha Técnica

Dirección y producción: MARC DE BEAUFORT

Fotografía y edición: ALEXANDRA POSADA

Narración: RENÉ PÉREZ

Producción ejecutiva: RENÉ PÉREZ / LA PRODUCTORA

Ya que estamos platicando de cine, les traemos los cortos de otra nueva película mexicana llamada Paradas Continuas. Presentada por Altavista Films, es una comedia de dos carnales llamados Perico & Emilio (Ramón Valdez, nieto de Tin Tán y Luis Arrieta) que inspirados por su calentura adolescente deciden emprender en el negocio del alquiler de una combi para… ponerle Jorge al niño. Sí, así como se oye: “…Al rato mandamos la escuela a la ‘verch’ y nos volvemos empresarios“.

Paradas Continuas es dirigida por Gustavo Loza y como pueden escuchar en el trailer, incluye la participación de Los Gatos en su soundtrack. Su estreno en salas mexicanas está programado para el 16 de octubre.

Enlace: www.paradascontinuas.com.mx

Ayer 17 de septiembre, Sergio Arau presentó la película pseudobiográfica de su grupo Botellita de Jerez.

La historia cuenta como unos estudiantes encuentran una cinta en la cajuela de un taxi, que resulta ser el mítico disco perdido de la Botellita, grupo perdido y desaparecido después de un pleito a golpes.

La cinta llega 20 años tarde a una ejecutiva de una disquera trasnacional que, como buena fan del guacarrock convence para que se edite, pero la disquera pone como condición que se encuentren a sus integrantes El Mastuerzo, el Cucurrucucú y el Uyuyuy para que den un concierto como parte de la promoción.

Naco es Chido se acaba de estrenar en salas mexicanas. Visita su sitio oficial para ver toda la información de la película.

Vía: Guacamole Project

Éste es el trailer de la película Voy a Explotar, para que se den una idea de que va: es la historia de Román y Maru, quienes en Guanajuato se revelan contra lo establecido, la vida que les tocó y la mentalidad de los adultos. Es el nuevo filme de Gerardo Naranjo (Drama/Mex) que se acaba de estrenar en su natal México.

Pero además, el soundtrack y su curaduría son una joyita que está lleno de propuestas latinoamericanas -en algunos casos muy subterráneas- y que definitivamente deben checar. Entre los artistas incluídos están Javiera Mena, Aléxico, Jóvenes y Sexys, Afrodita, Juan Son, Childs, Jessy Bulbo, Álbum, Bam Bam, Hello Seahorse! y algunos otros. El blog Club Fonograma lo lanzó hace un tiempo como descarga digital, ¡chéquenlo!

Pronto tendremos una sorpresa panamerikana. Mientras tanto, Voy a Explotar está en cines mexicanos a partir de este fin de semana.

Sleep Dealer es una película -recién estrenada en Estados Unidos- de ciencia ficción dirigida por el novel Alex Rivera. Una historia que mezcla temáticas de poder militar y corporativo con cuestiones migratorias bajo una óptica futurista.

Ha hecho ruido desde hace tiempo, siendo ganadora en el Festival Sundance y obteniendo excelentes impresiones en screenings previos, con buenos comentarios de gente notoria como Guillermo del Toro.

Más en el sitio oficial de Sleep Dealer.