Hoy se cumplen dos años de aquel 15 de mayo de 2010 en el que el camino de Gustavo Cerati dio un giro de incertidumbre. A partir de esa fecha, la isquemia cerebral que invadió al ex líder de Soda Stereo lo sacó de los escenarios y el medio para colocarlo en una cama de manera indefinida. En ese estado se ha mantenido constante y con noticias pseudo alentadoras, pero con una realidad poco optimista y cuya esperanza es sostenida por alfileres.

Las noticias sobre su reacción a estímulos y reflejos activos no parecen ser muestras de mejoría, sino un aliciente de esperanza por ver la pronta recuperación de uno de los grandes ídolos de la música. Los comentarios y respuestas que revelan sus doctores no son alentadoras y lo único que parece mantenerlo con vida es rezar por el milagro, o aguardar su muerte. Lamentablemente, en caso que Gustavo se recupere, la situación propiciada por esta condición señala que habrá un daño irreversible. Sea la situación que sea, el panorama para Cerati se antoja imposible.

Es difícil no inferir que a partir de este texto, que la posición más humana sería la eutanasia; sin embargo, meternos en un debate incansable sobre lo que es bueno y malo rebasa la opinión de cada uno. Todos esperamos que Gustavo Cerati se recupere, que vuelva a los escenarios y que nos comparta más de ese enorme talento para disfrutar más de su música. Fanáticos y detractores saben que su legado representa una parte relevante en los sonidos que le han acompañado a lo largo de su vida y resulta complejo admitir que esta parte de nuestras vidas, acalló ese mayo de 2010; sin embargo, no sabemos si la posición que mantiene con vida a Cerati es la negación, el amor, la admiración o simplemente, una situación de creencias.

Es inevitable pensar si la mejor opción para este entrañable y adorado músico es darle el derecho de morir en paz. También es complejo saber que en caso de recuperarlo, podríamos no volver a ver a la lúcida figura que nos entregó tantos himnos y momentos de satisfacción con su música.

Lo cierto es que pese a todas las posibles consecuencias que la isquemia le pueda acarrear, esperamos que se recupere y por supuesto, que ocurra el milagro de regresar como lo recordamos hasta este momento.

Mientras tanto, sólo queda agradecer ese extraordinario legado así como mantenerlo en el lugar consagrado que merece. Las opiniones que pueda acarrear la inminente decisión ante el estado de Gustavo –sea cual esta sea-, sólo está en las manos de quienes sí tienen el poder para decidir sobre su vida. En el fondo, seguiremos en espera de ese milagro inédito que pueda regresar a Gustavo Cerati íntegro y con ganas de volver a emocionar a ese público devoto que aún reza por su salud.

Tuvimos el placer de encontrarnos con Manu Sánchez, mejor conocido como Anntona y guitarrista de Los Punsetes, en la segunda fecha de la banda madrileña en Buenos Aires. Conversamos un poco acerca de sus comienzos en la música, la formación de Anntona, su sello Gramaciones Grabofónicas, Los Punsetes, y su muy probable próxima visita a México.

Panamérika: Hola, Manu, muchas gracias por concedernos la entrevista. Comencemos por el principio: ¿Cuál fue tu primer acercamiento con algún instrumento musical?

Manu: Hola. En Ávila, ciudad donde nací y crecí, tocaba los teclados porque era algo que podía hacer solo en casa, por ahí de los 13 años. Con la guitarra comencé bastante tarde, hasta los 17 años no cogí una guitarra. Luego estuve en una banda donde toqué teclados y después guitarra.

P: ¿Aprendiste rápido?

M: Bueno no he aprendido todavía (risas), toco fatal. No soy muy fino, sólo busco elementos que me ayuden a componer canciones.

P: ¿Cuáles fueron tus primeras influencias?

M: Cuando me fui a Madrid ya entré más en el mundo indie y demás pero lo que más se oía ahí eran grupos siniestros como Joy Division, The Cure. Era lo que me gustaba

P: ¿Cómo comenzaste el proyecto de Anntona?

M: Viene después de Los Punsetes, antes que sacáramos un disco. Empecé a tocar con ellos y cuando montamos el grupo había unas canciones que a ellos no les gustaban y a que a mí me gustaban mucho. A mí siempre me ha gustado hacer cosas en casa, aprender a grabar, mezclar, y empecé a hacer experimentos y pruebas con estas canciones descartadas, luego las colgué en Myspace y así empezó la cosa.

P: ¿Cómo fue el recibimiento de tu último EP Grandes males, remedios regulares?

M: Bueno, eh sí, dentro de la dimensión de Anntona que es chiquitica a tenido críticas buenas.

P: Ni tan chiquitica, si lo conocemos del otro lado del charco…

M: (risas) Bueno pero es que ahora va todo muy rápido. Pero bueno, no deja de ser una cosa que yo hago en casa. En fin.

P: ¿Tocas en vivo como Anntona?

M: En Madrid toco de vez en cuando e invito a mi amiga Cristina (Gran Aparato Eléctrico) que toca el bajo, y bueno es bastante transportable, a veces yo solo con la guitarra. Es más ligerito que el rollo Punsetes, puedo tocar donde me llaman y es más ameno. A veces llevo un sampler y un portátil. Me gustaría que fuera más orgánico pero es difícil; entre Anntona, trabajo, Punsetes, y tal no tengo mucho tiempo. Ahora toco más con la guitarra para evitar el coñazo del play.

Los Punsetes

P: ¿Cómo se formaron Los Punsetes?

M: Fuimos compañeros de facultad los 5 años que estuvimos estudiando Comunicación Audiovisual. Éramos muy amigos todos. Fue cuando acabamos y que no teníamos mucho qué hacer que se nos ocurrió montar el grupo, para pasar el rato sobretodo. Yo quería montar un grupo con Ariadna porque me parecía que tenía personalidad, con Jorge ya había grabado unas maquetas, tampoco nada serio pero nos habiamos llevado muy bien, entonces pensamos todo el rollo de Ariadna, a Gonzalo, que era muy amigo, le dije que tocara el bajo, a Chema que la batería y fue todo muy natural, vaya.

P: ¿Qué tal fue tener a El Guincho como productor en su nuevo disco?

M: Ha sido increíble. Ha sido muy guay porque ha coincidido en el tiempo poder trabajar con alguien con las inquietudes y el rollo de Pablo y que nosotros estuviéramos dispuestos a dejarle entrar, quiero decir que si lo hubiéramos ideado antes creo que no hubiera funcionado tan bien porque nosotros antes éramos muy nuestros y de la idea de grabarlo como lo estábamos tocando y de que fuera muy natural, muy fresco y tal, y ahora en este disco queríamos avanzar un poco más y estamos encantados con los resultados, la verdad.

P: ¿Cómo se sienten de tener un show en este continente?

M: Muy bien, son esas cosas que piensas que no vas a poder hacer en la vida, es genial. En Buenos Aires nos ha ido muy bien, el disco se editará en Argentina con Estamos Felices, nos están tratando muy bien, y bueno, se trata un poco de ponerle una pizca al flan; vamos, hacer un par de conciertos, que la gente te vea.

P: ¿Algún plan de ir a México?

M: Queremos ir a México también, me da la impresión de que el grupo ahí tiene cierta incidencia y nos apetece ir. Aparte todos los amigos que han ido a tocar vienen contando maravillas: Triángulo de Amor Bizarro, toda esa gente.

P: Leímos por ahí en su cuenta de Twitter acerca de un “Mega fan mexicano”. ¿Qué onda con eso?

M: Guau, es increíble. Es un chico que se vino a vernos al “Nasti“, que es una sala de Madrid donde hemos tocado toda la vida. Hicimos un concierto en Octubre para probar canciones nuevas y una cosa poco con amigos y el tío se vino desde México a vernos; se vino, nos vio y a los dos días se fue. Por eso con México estamos flipados, madre mía.

P: ¿Cómo fue compartir escenario con Daniel Johnston?

M: Fue genial, de hecho ha sido una mega paliza, hicimos ese concierto, grabamos un video al día siguiente en Madrid y esta semana siguiente nos hemos venido, estamos reventados. Pero lo de Daniel nos apetecía un montón hacerlo, somos muy fans de él y queriamos compartir eso. Tampoco es un tío del que te puedas hacer amigo, vaya, no es que puedas ir a decirle “Hey Daniel, me encanta lo que haces” sabes, a mí me da mucho respeto. Estuvimos ahí cerca viéndole cómo hacía las cosas y el concierto ha estado genial. Estuvo de puta madre.

Gramaciones Grabofónicas

P: ¿Cómo surge su sello independiente Gramaciones Grabofónicas?

M: Era un sello de Manu, un amigo que publicaba un fanzine y daba un vinilo. Entonces nosotros cuando decidimos sacar el primer disco le dijimos que lo sacábamos con su sello pero que automáticamente pasábamos a formar parte de ese sello. Así a partir del primer disco de Punsetes el sello lo llevamos entre Manu, Jorge Punset, un amigo llamado Oscar y yo. Nos da mucha ilusión sacar discos, sacamos poquitos y con los recursos muy justos pero es una cosa que nos encanta.

P: ¿Qué tal les va de ventas en estos tiempo de descarga?

M: Se vende muy poco y la mayoría se edita en vinilo. Nuestra filosofía es sacar un disco y con lo que sacamos de ese disco sacar otro y al final estamos hablando de costos de grabación limitados, pocas copias, o sea que intentamos no gastar mucha pasta para que vendiendo de 300 a 500 copias poder recuperar el dinero e ir a otra cosa, es lo que hacemos.

P: Podemos ver que su base es Bandcamp ¿Cómo les funciona esta superficie?

M: Bandcamp es lo siguiente. Yo era muy fan de Myspace pero se ha estropeado muchísimo, a Bandcamp le faltan algunas cosas que tenía Myspace que estaban muy bien, sobre todo el rollo de red social. Me parece una plataforma muy limpia e ideal para determinado tipo de cosas como vender tu música, funciona muy bien, es muy claro, sabes que es una cosa universal no como Spotify que en algunos sitios está y en otros no. Ahora todo lo hacemos por Bandcamp porque pensamos que está muy bien pensado.

P: ¿Cómo se dio la edición de Ataque de Caspa?

M: Los conocí por un amigo de Madrid que es un erudito llamado Miguel Stamp que es muy fan de Los Punsetes. Me dijo que había un grupo de los ochenta que Los Punsetes le recordaban muchísimo y por curiosidad me pasó las canciones y me fliparon. Aparte se da un hecho muy curioso; que ahora en día haya un grupo desconocido realmente es muy difícil. Nos encontramos con unas canciones muy buenas que si las ponías en internet eran muy dificiles de encontrar. Entonces nos vinimos arriba y pensamos que merecía poner esto en valor, que las canciones eran muy buenas y desconocidas y montamos todo el proyecto. Los contacté y les dije que nos apetecía hacer esto y se nos ocurrió lo de las reversiones, así logramos liar a la flor y nata del indie español como Linda Mirada, Klaus & Kinski y al final, estoy orgullosísimo de esto, me parece que es genial, sus canciones son increíbles y la cara B de versiones me parece una delicia. A raíz de esto se animaron e hicieron un concierto 25 años después de haberse separado. Y de hecho ahora están grabando alguna canción nueva, se lo pasaron tan bien que han seguido quedando.

P: Ya casi para terminar: ¿Qué escuchas actualmente? ¿Tienes alguna recomendación musical para nosotros?

M: Pues mira hay dos discos españoles que han salido hace muy poco que me encantan que es el de Lidia Damunt: Vigila el fuego, producido por Carlos y Genís (Hidrogenesse) que es increíble. El último de Joaquín Pascual es la hostia también. Luego estoy muy enamorado de un chico de aquí de Buenos Aires que se llama Diosque y tiene un disco que se llama Bote que lo descubrí hace tres meses y estoy muy muy fascinado, me parece increíble.

P: ¿Algún libro?

M: Pues no leo mucho últimamente eh (risas). Pues El Maestro y Margarita que me lo recomendó Chema y es flipante.

P: ¿Alguna película?

M: Chronicle. ¿Has visto Chronicle?

P: No. Pero sí una que se llama Los Cronocrímenes ¿sirve?

M: (risas) Ah bueno ya, yo también. Es de un amigo mío, Nacho. Chronicle es yankee está muy bien si les gustan los comics de superhéroes y Mark Millar, no se la pueden perder, es una genialidad, es del año pasado, fue muy vista en los Estados Unidos pero creo que no se ha visto mucho en el resto del mundo.

P: Bueno, muchas gracias por esta charla Manu.

M: Hombre, muchas gracias a ustedes, un saludo.

*imagen de feature por BonitoDisco.

Amiga y amiga de la Perla de Occidente ¿es vd. músico y le interesa saber qué hongo con los gajes del oficio? ¿Piensa que la arma pero le falta un empujoncito para que le hagan caso? Igual y le vendría bien llenar la aplicación para la Red Bull Music Academy, que en este otoño del 2012, ocurrirá en Nueva Yol’. Ya en otros años, otros jóvenes músicos mexicanos -entonces desconocidos, hoy ya medio famosos- se han hecho de un lugar entre los 60 elegidos a base de talento, carisma y suerte: Nomás pregúntenle a Andrea Balency, Hugo Rob0ta o Moi Macuano, entre otros.

El deadline para inscribirse  es este lunes 9 de abril. Bájese el apliqueishon form aquí.

Y mientras son peras o son manzanas, este viernes 30 de marzo habrá un InfoSession en Guadalajara, donde además de experimentar un ambiente similar al del Academy se resolverán en persona las dudas acerca de cómo inscribirse a la RBMA.

El cartel para este viernes se divide en dos:

• Production Workshop: Con Camilo Lara del Instituto Mexicano del Sonido y la super-duper-especial aparición de Mark Jones.

• ¿Quién es ese güey? -dirán por ahí-

• Mr. Jones fundó el sello Wall of Sound, casa de la electrónica, ritmos urbanos y big beats; y que desde los ’90, alojó a titanes como Les Rhythmes Digitales, The Wiseguys, Röyksopp, Mogwai y más recientemente Aeroplane. Mark también participó en el relanzamiento de la carrera de la diva de ébano, Grace Jones. Ha de venir cargado de historias pa’  compartir, el hombre.

• El taller ocurrirá en el Hotel Demetria, el viernes a las 6pm. Av. La Paz #2219

• Confirmar asistencia, plís, con Valerie Miranda a valerie.miranda@mx.redbull.com

• Clubnight

• A partir de las 11:30pm, Don Mark Jones recetará unas joyitas desde los platos del Bar Américas. Av Américas #959

Aquí el evento en Facebook, por si gusta compartirlo.

Por si  no ha quedao claro, aquí les va de nuevo el mantra sobre Red Bull Music Academy, nomás que en inglés:

The Red Bull Music Academy touches down in New York City for its 15th edition this fall, September 30 to November 2, 2012. Producers, vocalists, DJs and instrumentalists of all stripes are invited to apply for what will be the musical adventure of a lifetime: two weeks full of workshops, studio sessions, concerts and club nights with some of today’s most iconic music makers from all across the globe. Find more information and download the application form onwww.redbullmusicacademy.com

Llevamos 5 años celebrando la entrega de premios de los Indie Music Awards, o Los IMAS para los compas, 5 años en el que el formato de la celebración se ha ido modificando para lograr una mejor logística y una representatividad mayor de la escena de la música independiente mexicana, (hay que decirlo, y reconocerle a los organizadores que esa es su intención, lo demás es otra historia).

“Quien no conoce el Salón Los Ángeles, no conoce México”, y tal vez sí, nos hacía falta hacer una parada en un lugar tan emblemático de la ciudad. Afuera, un taxi cocodrilo se mostraba como marcando territorio. Esta vez no estábamos en el Polyforum, ni en el Teatro de la Ciudad, parece que estamos  como una época de resesión en la que no nos alcanza para irnos a Bellas Artes, pero con ingenio pachuco nos regresamos al Barrio y sostenemos el caché. El Salón Los Ángeles, aunque acogedor, no dejaba de mirarnos como intrusos.

El siguiente texto, además de incluir la lista de ganadores de los IMAS 2012, expondrá algunas de nuestras preocupaciones sobre estos premios ¿Habríamos escrito esto si hubieramos ganado en la categoría de Mejor Radio por Internet? Nadie lo sabrá, porque no ganamos, pero nosotros creemos que sí, porque es una preocupación previa, que además, seguramente, compartimos con muchos de los que asistieron ayer. Y aunque el evento es hecho por amigos y colegas (y premia a otros tantos queridos de nuestro círculo), lo inmediato sería apechugar y dedicarnos a lo que sigue: cubrir el Vive Latino en esta semana de exaltación al rock hispanoamericano. Pero vale la pena detenerse. No queremos ser los invitados ingratos que van a una boda, comen, chupan y luego hablan de lo mal que se ve la novia.  Buscamos hacer una crítica constructiva, al igual que lo hicimos con los Grammy’s Latinos o con la Feria Internacional de la Música en Guadalajara.

• Motivos para festejar hay varios:

• El esfuerzo de Kontrabando al hacer estos premios es muy noble, es una lucha por la causa que les consume recursos en una empresa poco lucrativa (en lugar de modelo de negocios, quizás fructificaría más inscribir los premios y buscar un fondeo de Conaculta).

• Todo lo que rodea a los premios es cada vez más articulado: Desde un programa de radio semanal o newsletters puntuales, hasta un blog bien atendido.

• El objetivo por reconocer a los más destacados actores de la escena independiente mexicana (e hispanoamericana, por el premio UFI).

• El intento por registrar la historia de la música independiente y evitar la intermitencia creativa y falta de memoria.

• Vincular y dar una razón de pertenencia a esfuerzos heterogéneos que, sin proponérselo, son parte de una manera de operar autónoma, independiente, no-del-todo alineada a los poderes tradicionales y establecidos.

• Hay premios otorgados que en verdad dan gusto: Es evidente que, en el caso de esta 5ª entrega, las Plumas ganadas por Bam Bam, Juan Cirerol, Puerquerama, Los Esquizitos -por nombrar unos cuantos- son justos reconocimientos al esfuerzo, a la calidad y a la originalidad. Ya no se hagan, quien se la lleva, sí que lo celebra. Como dijo Chente de Mercado Negro (90.9) al recibir su premio: “Se siente bien chingóooooonnnnn”.

• Indie no significa chafa:

• La ceremonia fue demasiado austera. Y aunque sólo fue evidente el sponsoring de J&B, los premios sí bajaron la calidad en su ejecución. Es evidente que esta vez, se trataba de hacer los premios bajo estas condiciones, o de plano, no hacerlos (bajo riesgo de perder la continuidad) ¡Pero hay que cuidar la propiedad! Y mantener la dignidad de la escena independiente. El slogan en el póster justificaba ‘5 años de existencia ininterrumpida’, pero en el sentido negativo, esto asemeja al estilo superviviente del rock nacional (como El Tri), donde no importa la calidad, sino el hecho de que “seguimos rockeando”, cual reptil que logra sobrevivir en un clima árido, pero sin mucho lujo.

• Nomás no le dan al clavo con el formato: A base de ensayo y error, la escena de promotores independientes ha consolidado normas para la producción de conciertos y festivales. Sin embargo, los premios aún son un animal difícil de domesticar, más si el encuentro con éstos es raro y ocurre una vez al año. Cada año significa un experimento, que sabemos, eventualmente llevará a la maestría. Pero al cambiar las reglas del juego cada vez, se da una impresión de inseguridad, más que de fortaleza. Se ha sufrido en otras ediciones con presentadores siempre bien intencionados -pero con pocas tablas en la conducción de eventos-, que resultan en intervenciones alargadas, ridículas, sosas, choreras o con mala química: ha sido difícil dar con un rostro que represente a los IMAS. En este 2012, Andrés Almeida (Songs for Eleonor) y María Daniela no lo hicieron mal. Sólo estaban ceñidos a un formato muy temeroso de alargarse y perder la atención del público. Pero en esa manera precoz de llevar la ceremonia, se perdió la esencia, el humor, la espontaneidad. Tenían prisa por llegar al final, y en buscar la meta, se olvidaron de disfrutar el camino. Sí faltaron los interludios musicales u otro tipo de amenidades o plataformas de comunicación. Y sobretodo, los videos introductorios a cada terna que, en términos semióticos (a según Hollywood y MTV nos han acostumbrado), nos introducen al lenguaje y a los códigos de una premiación.

•  Y los premios, en sí. Lo más polémico.

• Nada les gusta, nada les parece. A nadie dejas contento. Lo más delicado es criticar, siendo que nosotros mismos estábamos nominados, y en otras ocasiones nuestros integrantes han ganado premios (Uriel Waizel en Clickaporte, programa de Ibero 90.9), o proyectos cercanos ganaron en esta ocasión (Mercado Negro y Buenos Días Santa Fe también de 90.9). No obstante esto, reiteramos que ser críticos tiene un fin más de retroalimentación, que de “ardidez” por no ganar. Vaya una llamada de atención tanto a los organizadores como a los que conformamos el capital humano de nuestra escena, a los jurados, medios y especialistas que están involucrados en el proceso de selección de los ganadores, que son los mismos miembros de la comunidad. Todos somos parte de estos premios y si son chidos o no, no sólo es responsabilidad de Kontrabando sino de todos, desde el artista que recoge un premio con apatía hasta el que emite un voto sin saber por lo que está votando.

• El sistema de votación carece de suficientes filtros: No es sencillo conjuntar a jurados de diferentes índoles y latitudes. Parece que un voto limpio, sencillo e impersonal por medio de Internet, sería la manera más práctica para ejecutar el voto. Sin embargo, esto sólo arroja estadísticas cuantitativas, mas no cualitativas: No siempre el más popular es el mejor. A pesar de que los IMAS brindan suficientes datos e información sobre los participantes, a través de un blog –cada vez mejor logrado e integral–, los jueces -en su apuro y poca especialización- parecen irse por los primeros nombres que les llegan a la mente, más que por la calidad de cada acto.

• La democracia no está en la dispersión, revirtiendo un poco el dicho: entre más burros menos olotes. Tal vez nos la tomemos demasiado en serio, pero hace falta una segunda vuelta que de lugar a lo cualitativo en las obras nominadas, posteriores a la ronda de votos. Hacen falta voces, comités o consejos específicos, especializados en cada género, que con conocimiento de causa, pongan a debate a los nominados y apliquen un último filtro. Hay que asumirlo, no todos tenemos conocimiento de todos los discos mencionados, o de las bandas, o géneros, o medios.

• Es positivo que cualquiera pueda registrar su obra, pero al momento de votar, existen ternas con más de 20 opciones, lo cual confunde y diluye los votos.

• En específico, esto se refleja en aspectos poco favorables en los premios, que le restan credibilidad a Los IMAS:

• Los Músicos de José ganan en la categoría de Mejor álbum de HipHop/Rap con un disco que es una colección de remixes con raperos invitados. Nosotros tampoco somos especialistas en el género, pero sí sabemos que Los Músicos de José no son hiphoperos, y de que hay raperos en México, los hay. ¿Por qué estamos suscribiendo que una banda de jazz, hace mejor rap que Golosinomano, Lico Loco, o Forte Realta (los otros nominados en la terna)? ¿En realidad es así de árida la escena del hip-hop en México o más bien nuestros conocimientos de ella son nulos? Tal vez este sea uno de los casos más críticos de esta entrega: si éste fuera el Maratón de GC, la ignorancia avanza tres casillas.

• Agrupación Cariño gana como Mejor canción del año. Sabemos del impacto de aparecer en una serie televisiva tan exitosa como Soy tu fan, pero, seamos honestos, ¿en qué lista de algún medio salió “Espero que te acuerdes de mí” como una de las mejores canciones del 2011? Una breve búsqueda en los contenidos en línea no nos ha arrojado, hasta ahora, a ningún medio que la haya mencionado. ¿Es acaso representativo?

• Lost Acapulco, Mejor disco surf con Los Obligados Racing Team. Disco perfectamente tocado, con un arte muy elegante, pero: ¿es el mejor disco surf, o Lost Acapulco es el top of mind de los jurados y al momento de votar, no arriesgan por otra obra? ¿saben los jurados acerca de surf? ¿O metal? ¿O reggae?

• Queremos muchísimo a Los Esquizitos pero su capacidad de ser comodines esta vez fue extralimitado y su álbum aparecía igualmente nominado a Punk/Garage y Surf/Rockabilly ¡No sean gachos, no apañen! O, entonces, hay que fusionar esas cuatro categorías en algo que el Warpig definiría como “Rock para hommmbresss”.

• Artistas que monopolizan los premios año con año, hasta convertirlos en algo tedioso: respetamos a Paté de Fuá, creemos que son hábiles en su arte, constantes en sus presentaciones y astutos para conseguir espacio en medios. Su música es única en esta región y los IMAS han sido justos en reconocer sus logros. Pero a Paté de Fuá le ocurre un fenómeno parecido al de México en la CONCACAF: No tienen rivales en su categoría y son el gigante de la zona. Si se hicieran otros 3 IMAS, seguro que Paté de Fuá los volvería a ganar… en la categoría de Jazz/Fusión o Género incierto. Insistimos en lo peligrosa que es la política del top of mind al momento de votar.

• Y algo similar ocurre con los medios: Tema igual de delicado en nuestro caso porque es nuestro rubro e insistimos en que no estamos enojados: sólo queremos cuestionar, con el fin de mejorar; no hay nada personal contra los colegas de Me Hace Ruido, Marvin o Grita Radio, pero el hecho de que sumen más de tres premios, aparenta que su labor es excelsa, como de Spielberg en los Oscares. De nuevo, respetamos mucho su trabajo, pero todo parece indicar que para el jurado ahí no hay competencia. Da gusto que Club Fonograma se haya llevado un premio al fin, después de varias nominaciones.

Después de esta intensa catársis, casi de diván, aquí les presentamos a los ganadores de la quinta edición de los IMAS

Ganadores 5ta edición
Disco Electrónica

Panoptica Orchestra – Panoptica Orchestra

Disco Folclore Popular

Haciendo Leña – Juan Cirerol

Disco  Jazz / Funk / Fusión

Boquita Pintada – Paté de Fuá

Disco  Jazz / Funk / Fusión

La Internacional Sonora Balkanera – La Internacional Sonora Balkanera

Disco Metal 

Regresa al Vértigo – Agora

Disco Punk / Garage 

Tú Quieres Ser Como Yo – Los Esquizitos

Disco Rap / Hip Hop

Different Sounds (Remixes) – Los Músicos de José

Disco Reggae / Ska 

La Historia de los Puercos – Puerquerama

Disco Rock

Futura Vía – Bam Bam

Disco Surf / Rockabilly 

Los Obligados Racing Team – Lost Acapulco

Disco Solista 

Haciendo Leña – Juan Cirerol

Arte Empaque del Año 

Bella Época por Dorian – Torreblanca

Medio Electrónico con Contenido Musical

Club Fonograma 

Publicación con Contenido Musical 

Marvin

Artista Nuevo 

Hey Chica!

Radio por Internet 

Grita Radio

Programa de Radio 

Mercado Negro 

Disquera Independiente o Netlabel 

Terrícolas Imbéciles 

Video del Año 

Hipnódromo– Bam Bam

Canción del Año 

Espero que te acuerdes de mí– Agrupación Cariño

Acto en Vivo 

Austin Tv 

Banda del Año 

Bam Bam 

Premio UFI 

Diamantes - El Columpio Asesino

Premio de la Gente

Torreblanca

Medio de la Gente

Buenos Días Santa Fe

Por Mafe y rAt 

SXSW es una oportunidad para que artistas se den a conocer a una nueva audiencia, se relacionen con personas influyentes en la industria musical y busquen colaboraciones que lleven a la fama. Este festival es visto por muchos como una forma para que el mainstream vea la nuevas tendencias en la música underground, las adopten y comercialicen.

En la escena de la música electrónica tropical global, SXSW es uno de los pocos espacios donde DJs, productores y promotores de distintas ciudades estadounidenses se reúnen, hablan sobre colaboraciones, sobre la escena en sus respectivas ciudades, estrenan remezclas (como el son jarocho electrónico de Uproot Andy) y descubren las nuevas tendencias de este escena.

¿Quien dijo Li, de Bomba Estéreo, en un track de Moombahton? El año pasado vimos como el Moombahton empezó a cautivar los oídos de productores y DJs. Este año, este tipo de musica ya es aceptado y adaptado, representado por djs com Dave Nada, Munchi, Sabo entre muchos más.

Ahora lo que vemos en la escena música electrónica tropical global un discurso que diferencia entre la música basada en ritmos folclóricos –mezclados con bases de bass y batería eléctrica… y música totalmente electrónica con una base de dembow. Ejemplo: DJs como Orion, Chief Boima, Uproot Andy y Sonora diferenciándose a DJs con una base más hardcore como Nadastrom y Dillon Francis. Lo que se espera de este movimiento es una convergencia de estos dos discursos, empalmando el territorio en común, mezclándose cada vez más. Lo nuevo es un LP que sera distribuido por el label de Sabo: Sol Selectas donde encontraran remixes de los mejores productores y más de estas dos escenas.
http://c460282.r82.cf0.rackcdn.com/SOLSEL019.4.B2.Orion_&_King_Louie_-_Tin_Tin_-_Peligrosa_Remix.mp3

Unos de los actos más energizantes en esta escena de DJs fue 3ballMTY. Estos muchachos siguen sorprendiendo en todos los espacios, con su estilo particular infectante y bailador. En el showcase de Nacional Records, la gente no paró de saltar y zapatear durante una hora de música tribal.

En la escena de música en vivo se vio una representación variada de bandas fusión, con mezclas de ritmos tradicionales con rock, Hip Hop y música electrónica. Nuestras bandas favoritas fueron Bambarabanda desde Pasto Colombia, con su sonido peculiar, donde sus 8 integrantes mezclan música andina, cumbias, rock y ska con una presentación teatral completamente energética. Otras bandas que llamaron la atención fueron Master Blaster Sounds System una agrupación de ex integrantes de bandas como Grupo Fantasma, y La Conquista. Esta banda sorprendió al público poniéndolos a bailar ritmos de música norteña, cumbia, dembow y una guitarra super heavy de rock. Otras bandas que valen la pena mencionar en esta escena son Sonido San Francisco, Kali Mutsa, claro no puede faltar Bomba Estéreo.

Lo que se solidificó durante SXSW es la importancia de Peligrosa, un colectivo de DJs radicados en Austin, los cuales abren sus puertas durante SXSW a una gran variedad de DJs para que toquen lo mejor de su repertorio en fiestas gratis y abiertas al público. Aunque a veces un poco mal atendidas durante SXSW, ya que la competencia es feroz, estas fiestas le dan un espacio a DJs como Lamin Fofana, un DJ set de Spoek Mathambo, DJ Dus y Sonora para que muestren lo mejor de sus producciones y nuevos mixes.Los que hizo Peligrosa fue crear un espacio de comunidad creativo tropical,dentro del gran ámbito comercial de SXSW.

Se vieron tambien grupos de todos partes del los EEUU que pretenden integrar la música nueva tropical a un proyecto cultural, como Sol Collective en California que integran la educación popular, agricultura comunitaria, conciertos gratis y talleres musicales como parte de su misión de cambio social.

Las preguntas que deja esta conferencia hablan sobre la representación de diversas comunidades en los djs y artistas. De por lo menos 20 djs solo se vieron 3 mujeres, JustJubiee, la cual nos puso a bailar con sus Miami Bass y Jen Lasher y su hardcore Moombathon. No pudo faltar MC Zuzuka Poderosa la cual pone a su audiencia a saltar y bajar hasta mas no poder.
Escuchen el EP de JustJubilee acá

SXSW deja entender las interacciones de personas en las diferentes escenas, las conexiones necesarias para ser reconocido en un circulo bastante pequeño de DJs y productores de la escena electrónica tropical global, y claro es la oportunidad de escuchar lo nuevo e innovador de una escena joven que está cautivando a una audiencia global, inmigrante, en busca de una identidad musical.

Mafe y rAt son DJs y promotoras parte del Maracuyeah DJ crew en Washington DC

Por Almendra Hernández y Claudia Jiménez

A las 9 de la mañana llegamos a la ciudad de Monterrey que nos recibió con un amabilísimo clima de 9 grados que combinaba perfecto con nuestras chanclas y nuestras gafas de sol. La ciudad, medio desértica y medio apagada, nos ayudaba a levantar el ánimo que se enfriaba cada vez más, acentuado por la grávida belleza del Parque Fundidora. Monterrey, así tan industrial, es encantadora. A los pies del Cerro de la Silla que todo el tiempo manifiesta quién es el jefe.

Llegamos al Festival Nrmal a las 2 pm, o sea a barrer. Dani Shivers lanzaba conjuros a un par de incautos seguidores que se dieron cita para verla tocar. El Festival Nrmal es uno muy modesto, la extensión de su terreno no es más grande que la del parque de la esquina y aún así dio módico espacio a tres escenarios,  una rampa para los skaters, unos carritos chocones, la infaltable zona de comida para hanguear a gusto, un mercadito hipster para que los güeritos –que llegaron super bien vestidos– se pimpearan a lo largo del día (Ahí nos compramos unas chamarras y mayones para aguantar el frío) y unos tee pees indios para los enamorados.

Casi casi que nos sentíamos en Kermesse, o en una feria quita-pon. Pero hay algo en esto que le imprime al Nrmal un carácter único frente a otros festivales: que es cómodo y es íntimo y sus bandas también son el público y pueden chupar con sus fans y ver los toquines desde abajo del escenario, así que esta vez pudimos acosar a los músicos sin perseguirlos.

Ante los ojos chilangos este sería un festival amateur. Estamos acostumbrados a aproximarnos a las cosas con un ojo monumental: un Castillo de Chapultepec inmenso, un segundo piso sofocante, un Tlaloc enorme en Reforma, un Vive Latino o un Corona Capital ostentoso en su cartel;  una Pirámide del Sol gigante e imponente, pero que al final no es más que un conjunto de viejas piedras, ni tan brillosas ni tan resplandescientes. El Nrmal sería como Palenque, un espacio pequeño, pero cuidado, modosito y repleto de detalles. Está servido a la medida, es la porción adecuada para disfrutar el pastel.  Que, por cierto, permite degustar puras novedades sin atragantarse. ¿Que cuál es su secreto? Su cartel aprovecha estratégicamente la locación de la ciudad para agendar a aquellas bandas emergentes que están por tocar en SXSW, así que para los que no podremos ir, acá nos pudimos dar una buena dosis de frescura. Algo que facilita la ciudad de Monterrey es que puede darse el lujo de recopilar tres regiones: las bandas anglofonas más hype, la crema y nata de la escena chilena y las bandas mexicanas emergentes más chic. Gracias a esto pudimos ver gente como Adrianigual, Alex Anwandter, Javiera Mena o Dávila 666 (aunque son de Puerto Rico) contra Grimes, Girls y  Unknown Mortal Orchestra, pero también intensear con Soledad, ver a Los Mundos, Bam Bam o Antoine Reverb. Nos moríamos de frío, pero ah, cómo lo apreciamos.

El paisaje general del Nrmal mostraba las largas piernas de las morras en shorcitos frente a las chamarrotas de sus novios, que las arropaban mientras se avecinaba la lluvia que nomás siscaba pero que nunca se dejó venir del todo. Con el transcurso del cartel también avanzaban los grados de alcohol y las pericias de la gente por mantenerse en pie y caminar recto. Los escenarios del Nrmal son pequeños y modestos pero cumplidores. El escenario Panamérika tenía detrás una serie de lienzos de manta pintados a mano, con 5 colores, todo muy hippie pero adaptado a las circunstancias.  Un círculo pequeño al centro del escenario hablaba de nuestra casa presentando nuestro logo. La verdad los horarios se ‘cuatrapearon’ y al final ya no sabíamos ni que seguía, ni quién era quién, pero eso sólo lo hacía más emocionante. Estar en el Nrmal es entender el corazón de las escenas musicales gestándose desde su inicio, con poco presupuesto, con pocos recursos pero con muchas buenas intenciones.

Entre la confusión de horarios resaltamos las participaciones de bandas en el escenario de Panamérika,  como Uvi.lov que se aflojaron el cinturón y presentaron su set más atrevidos y amarrados. Andrea Balency en su nueva etapa con secuencias y loops; el ímpetu cortavenas de Soledad, dueto al cual le sentó muy bien un escenario así de pequeño para lograr invadir todo el espacio con un sonido expansivo y machado. Alex Anwandter que puso a bailar hasta a los que ni lo conocían, los punks de Los Negretes que arremetieron hasta contra los escépticos, Sonido San Francisco que, cual sonidero, logró llenar la casa con su cumbia electrónica de sabor colombiano; y Mentira Mentira con su versión grunge de “Hey Ho, Lets Go!“. La verdad es que le debemos  una disculpa a todas las bandas que tocaron después de las 10 pm, pero nos moríamos de frío y tuvimos que correr por nuestras vidas.

Así, acatarrados terminamos nuestra jornada con las ganas de tener más de estos festivales cercanos a nuestra casa. El Nrmal es una muestra clara del talento de nuestros músicos y del talento de los músicos y promotores independientes emergentes que le dan actualidad y nuevos bríos a nuestras escenas, que a veces tienden a permanecer algo estáticas.

De hecho el atasque sonoro bautizado como moombahton surgió por algo así: resulta que por ahí del 2009 un disque dj de Washington –eso sí, con raíces mestizas– de nombre Dave Villegas, a.k.a Dave Nada, se las vio negras pues en la fiesta a la que lo habían invitado a mezclar todos estaban “perreando” (por no poder llamarlo de otra forma,) al ritmo del reggaetón y la bachata, y él en su repertorio sólo contaba con remixes de electro house y dutch. Astutamente la libró al bajar a 108BPM un tema de nombre “Moombah” de un tal Dj Chuckie que ya traía la base reggaetoniana que todos conocemos. Pues la cosa tuvo tanto éxito que tiempo después muchos DJ’s gabachos y latinos copiaron y modificaron la fórmula aplicando a canciones, de por sí ya nefastas –como “El Gato Volador,”– ritmos de hip hop, reggaetón, house… Bueno, todo lo que se le ocurra que podría ser bailable.  

A pesar de que este pedo ya lleva mucho tiempo sonando, últimamente nos hemos topado con varias páginas como Mtv IGGY y Hive que dicen que el breakthrough del moombahton sucederá este año. Como siempre pasa, los ritmos posiblemente mezclables se encuentran y fusionan tarde o temprano con otros y este caso no es excepción: ya existe una combinación de moombahton con dubstep llamada moombahcore.

En fin, no queremos hacerlos bolas ni nada, lo que tratamos de decir es que el crossover de un estilo de raíces principalmente latinas está ocurriendo en lugares y con artistas que jamás hubiéramos concebido. El ejemplo más ilustrador es Sazon Booya, un dúo de DJ’s de nombre Joshua Vega y Stephen Vasquez que hacen las canciones de moombahton más irreverentes (digo, quién combina “Lick It” de 20 Fingers con “A mover el Culo” de los Illya.) Ellos le abrieron el primero de febrero de este año a Skrillex el dubstepero número uno del mainstream (o bueno, eso dicen.) ¿Cómo ve? De hecho este productor ya samplea moombahton en sus presentaciones.

Nos guste o no, estas combinaciones culturales (cheezies para algunos, joyitas para otros, pero hispanas a fin de cuentas) están traspasando barreras que muy pocos habrían apostado podrían romper. Y no sólo en el sonido, los elementos visuales también están presentes y esto lo puede ver en el video “i!!” de Nadastrom que fue grabado en Ecuador, lugar que ellos describen como “una tierra ancestral y de esplendor espiritual en Sudamérica.”

Y a usted ¿le gusta la idea? O hubiera preferido que este deal se quedara enterrado en la parte “naca” de Latinoamérica. 

Por Pablo García

El musicassette estaba fundido, nomás. “Escuela de calor” sonó sofocada, en instantes parecía que se había magnetizado, llegó al final, apenas. De “Han caído los dos” salió un redoble aparente y adiós. Dejó de correr la cinta. La saqué del walkman, le di los golpecitos habituales con el canto de la mano y noté que la parte central del cuerpo estaba reblandecida. Lo que sostenía era en realidad un pedazo de plástico deformado, vendido por un marroquí media hora antes sobre uno de los puentes que cruzan el Guadalquivir. Él, con su manta de música pirata bajo el sol a plomo, y yo, fuimos los únicos idiotas que comparecieron en la calle, 4 de la tarde, 45 grados (a la sombra). Lo más fastidioso fue que ni tiempo me dio de voltear el cassette para agarrar la última de la cara B: “La estatua del jardín botánico”.

Muy aparte de que ese verano sevillano a principios de los 90 me diera varias lecciones en mi particular escuela de calor, yo tenía ya muy sobada la canción emblema de Radio Futura, ese riff maníaco, esas chicas que en las piscinas privadas desnudan sus cuerpos al sol. Claro, como muchísimos adolescentes en los 80 viví pendiente de las recetas de “Rockolé” en WFM, la mezcla indiscriminada de píldoras: una broma pija de los Hombres G, seguida de un pasodoble masturbatorio de La Trinca, seguido de Miguel Mateos y tal. Mi ánimo en aquel verano tenía que ser distinto, gracias, suficiente “Negra flor” (curioso, por cierto, que a raíz de esa canción muchos pensaran que la banda era catalana). Pero sin querer metí la naríz en un tipo de nostalgia poderosa, esa que añora lo que casi acaba de suceder, y la presencia del jardín botánico se me cruzó con frecuencia anormal. Conversaciones sobre la Movida madrileña que lo señalaban como el himno absoluto generacional; cómics indie (tres, al menos) que hacían referencias rebuscadas a él; elogios varios, sobre todo a su versión en directo, la que estaba en Escueladecalor, el cassette derretido que compré…

Una canción lánguida. ¿Cómo podía eso, tan poco vigoroso, ser un himno? ¿Cómo pudo enamorar a tantos esa letra llena de imágenes vagas (“esperando un eclipse/dibujando una elipse me quedaré”)? Al single con el que nació Radio Futura (1982) en su forma definitiva se le toma como un golpe de inspiración genial de Santiago Auserón. Sin embargo, en mi escucha tardía sucedió algo que en plenos años 80 resultaría impensable: el gigantesco carisma de Juan Perro se difuminó un poco y dejó ver la silueta del hombre que contemplaba el camino musical entero del cuarteto. No la posición teórica, no la estética que fue virando poco a poco hacia el “rock latino” (“Semilla negra”), no la justificación en palabras… Simplemente el buen gusto. Apareció Enrique Sierra, el guitarrista que brillaba más cuando tocaba armonías sencillas que cuando se apuntaba un solo. Resulta que el punky con cara de colgado que aparecía en las fotos promocionales de la banda era el del hilado fino, el que dibujaba elipses, el que inspiraba al resto desde un lugar hierático. Esa ha sido, nada más, mi impresión desde el oído amateur y en frío, con la banda disuelta. Pero Santiago Auserón no tuvo empacho en reconocer algo muy parecido en una entrevista de radio, horas después de la muerte de Enrique el pasado 17 de febrero.

Si te preguntas por qué tantas lamentaciones por la muerte del “segundo” en un grupo instaladísimo en el añejo “rock en tu aroma”, quizá la respuesta tiene algo que ver con lo que digo, si se amplían las impresiones al conjunto de la música en español de los últimos 25 años.

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Videos

 Videoclip de “La estatua en el jardín botánico”

Entre la literalidad (Auserón ES metálico) y las escenas artsy de bajo presupuesto. Imperdible.

Videoclip de “Enamorado de la moda juvenil”

Qué cosa tan rara. La primera versión de Radio Futura, con Herminio Molero, una especie de Andy Warhol castizo al fondo, en lo teclados. Enrique Sierra parece casi apenado por lo que está haciendo.

Videoclip “Escuela de calor”

Enrique Sierra se dedica a tirar dados. Y ya.

Entrevista televisiva a ex miembros de Kaka Deluxe

Enrique fue uno de los fundadores de este grupo, especie de colectivo fundacional del punk español.

Bogotá, 1998. Yo ya llevaba tres años haciendo esos “hallazgos”. Entre casetes y CD que llegaban a casa aparecían las estrellas del rock argentino. Y por allí se filtraba el nombre de un desconocido cuya voz y guitarra aparecía por ahí, entre los guiños que un Charly, un Fito o unos Illya Kuryaki hacían a modo de reverencia. Amigo, padre o maestro, al sonido de las mañanas llegaba a robarles el brillo un tal Luis Alberto Spinetta. Algo grande habrá hecho y sido, algo grande que se hacía sentir en esos cameos que escuchaba por accidente. En una indómita luz, en este sol que ayer pareció tan extraño. Quiero ver tu foto en los diarios…

Bogotá, 2004. Por fin iluminaron la vidriera de tu amor… tu corazón no te mentiría. Casi lloro, los diez años de Rock al Parque no podían celebrarse mejor. La noche del segundo día estaba a cargo de un ilustre conocido: Luis Alberto Spinetta en el escenario de la plaza. Inusualmente despejado para un concierto de cierre, el parque se estaba desocupando. Unos lo hacían por la tentación soñada de ir a ver al lado los Skatalites, otros por desconocer al que subiría pronto, otros por el desdén fundamentalista que tantas veces ha contagiado al gran festival. Buena noticia, podíamos acercarnos más, podíamos tener más cerca a aquel cuyo concierto esperábamos por años, a aquel ya bien conocido pescado rabioso, a aquel cuya música aunque a medias y entre descargas gratis, nos llegaba. Hace mucho tiempo, comés lo que yo di…

México, 2008. Nadie viene hasta aquí a cebarme unos amargos como en mi viejo umbral ¿Dónde habrá una ciudad en la que alguien silbe un tango? ¿Por qué habré venido hasta aquí? Los versos de esa sublime canción de Invisible sonaban tan propios como duros. Pero hay que sentar cabeza, hay que quedarse, hay que crecer y dejarse querer por el nuevo espacio. Hay que enamorarse de nuevas fotos y banderines para poner sobre el comando. Mientras, Spinetta aparecería una noche en un bar de Polanco. Allá llegamos con nuevos y caros amigos a registrar el toque en unos videos dañados por nuestras fanáticas y destempladas voces. Pero qué gran y grata coincidencia de la vida, justo que pensaba en vos…

La incertibumbre, 2012. Como sorpresa y haciéndolo púbico por la presión, en diciembre se informó lo trágico: Spinetta tiene cáncer. Antes que el oprtunismo y la necrofilia mediática se acuerde de él, es justo recordarlo. Nunca será lo ideal, pero así somos a la hora de homenajear al que lo merece. Honrémoslo en vida y escribámosle un post no para recordar al que se fue, hagámoslo para señalar por qué aquel merece tanto que le enviemos nuestra fuerza. Y entonces rezamos y se nos dijo que salía del hospital. Como a niños aún esperanzados frente a lo inevitable, no entendimos que salía desahuciado. Se nos dijo que ayer murió, incluso lo dicen medios que en vida jamás se interesaron en programar sus canciones. Total, no los necesitamos nunca. Y menos él, él que que es hoy amo entre los amos del aire. Él que hoy ya se está volviendo canción…

Hasta pronto Maestro, nos vemos donde siempre. Sólo déjeme ponerme los audífonos y darle play a su guitarra.

No hace falta mentar más nuestro amor por el proyecto de Kali Mutsa, basta ver la cantidad de programas en la que la hemos tocado y la cantidad de contenidos que hemos resaltado. Es guapísima, es talentosa y su trabajo goza de un aura limítrofe, genuina, delirante y posiblmente incomprendida. Celine Reymond tiene algo en común con nosotros (o por lo menos nos gustaría que así fuera): una necesidad innata por proponer universos de sentido paralelos a este. Jugar a ser dios, o un creacionista (como Vicente Huidobro, su tío abuelo) y exprimir la imaginación propia y la de sus interlocutores. No cualquiera logra cohesionar estas aspiraciones y cristalizarlas en proyectos tan llenos de referentes. Celine Reymond sí. Kali Mutsa es un capricho exquisito en el que las gitanerías, la contemporaneidad y una lectura reivindicativa frente al universo Aymara, adquieren sentido en un solo jarrón. Logramos contactarla en diciembre para hacerle una entrevista, y estos son los resultados:

Panamérika: ¿Cómo se te ocurrió esto? ¿Cuál es el caldo de cultivo que dio origen a un personaje tan rico en imaginario?

Kali Mutsa: Fue mi infancia, tenía una nana que me cuidaba y era mágica. Ella venía del campo, me sacaba los espíritus, me llevaba con mujeres que le quitaban los espíritus malos a los niños, me contaba las leyendas de su pueblo. Ahí empezó todo, yo escribía de muy pequeña y mi papá me impulsó mucho para que yo lo hiciera, tenía siete años y escribía novelas mágicas de todo tipo en todo un cuaderno de colegio de 80 páginas.

¿Entonces retomaste esa parte para tu proyecto?

Lo que pasa es que el primo de mi abuelita era el poeta chileno inventor del creacionismo, Vicente Huidobro. Yo creo que algo de eso me tuvo que haber llegado, por algún lado tuvo que haber saltado una chispita de él hacia mi, yo creo que de ahí viene.

¿Entonces creciste con esos poemas?

Sí, su figura, lo que él fue, lo que hizo, no lo conocí hasta más grande, pero sí siento que cuando supe que era pariente mío me sentí muy cercana a él y sobre todo a su época. En los años 20, 30 en Chile se vivió mucho fervor poético y un imaginario muy rico, todavía no estábamos agringados. Era un país mucho más nuevo en el que la magia de nuestras etnias estaban ahí día a día y eso para mi es delicioso, es de lo que más me inspira.

En tu música hay elementos, andinos, gitanos, hay imaginarios incas, ¿nos puedes hablar de esto? ¿cómo los fuiste creciendo? ¿Cuál es el personaje central de tu imaginario por ejemplo?

Kali Mutsa es una mujer gitana. En 1920 sus papás murieron en un accidente de auto en el Altiplano Chileno y ella se crío en un valle selvático muy bonito por la región. Ella tiene un aspecto gitano por toda la mezcolanza que tenemos los chilenos, yo también tengo de gitana un poquito, mi cara es de gitana. De ahí que siempre me sentí muy cercana a eso, mi tatarabuelo era gitano entonces Kali es una mujer estilo María Félix, legendaria y con mucho carácter, pero que hizo de todo: fue diputada, estuvo en la cárcel porque fue muy revolucionaria en cierto periodo y también fue actriz de la época de oro que se hizo en el cine Nortino sobre las leyendas Aymaras, leyendas que ocupan mucho el oro y el sol, entonces esa era una época en la había mucha riqueza visual.

Hablando un poco de esta fusión de géneros, ¿cómo empezaste a hacer música, cómo empezaste a hacer todas estas cosas literarias en la parte  musical?

Siempre me interesó la música gitana, pero específicamente un tipo de género que se hace en Rumania llamado “etno-folk” o algo así. Es muy plástico hay sintetizadores, sonidos falsos de acordeón que logran una mezcla muy fresca y exótica. Pensé que a mi me gustaría hacer algo así pero combinando los elementos que tengo en Chile, después empecé a estudiar romané para poder añadirlo a mis canciones. Luego me encontré al productor Sandoje Catiri, lo conocí cuando yo trabajaba en el Pornógrafo, un teatro negro sobre mujeres que aparecían con su brasier y sus porta ligas y tenían un clarinetista que las alegraba. Él me presentó a Sandonje, “Cristobal Montes” es su nombre chileno, le llevé mis referencias y empezamos a trabajar. De ahí empecé a escribir con rimas y nunca más paré, me encanta. Hacemos los dos los temas turnándonos las tareas, es un trabajo en equipo.

En el vídeo “Tunupa” hay un extremo protagonismo del colibrí, ¿nos puedes hablar de este personaje?

El colibrí es un Dios, es un padre tutelar para los Aymaras y a Saray Tikuna

la violinista, quise darle la connotación de una Diosa colibrí bien fina, frágil, pero fuerte a la vez con su vestido medio barroco y medio boliviano y con su pelo negro. Pensé: qué lindo, ¡va a parecer una Diosa de Kurosawa! Eso quise proyectar en el video, porque Tunupa es el padre de los Aymaras, es el que les enseñó las tradiciones, era muy allegado al colibrí y el cóndor.

Desde México vemos una tendencia muy rara en Sudamérica, como de que se avecina el fin del mundo y están en un periodo transicional y de pronto empiezan a surgir pequeños destellos aludiendo a esta cultura Aymara como con referencias cósmicas. En tus vídeos aparecen elementos muy cósmicos, pero también una cosa que va hacia delante, ¿crees que haya alguna tendencia? ¿Hay algo general, social que haga que salgan este tipo de proyectos?

Chile está en un momento en el que está encontrándose a si mismo, encontrando su identidad. Con todas las movilizaciones estudiantiles y sociales, estamos encontrando nuestra identidad que se perdió hace muchos años. Y para mi nuestra identidad más fuerte viene de nuestra etnia, yo quise hacerle un homenaje a eso porque está en los libro y nada más ya. En Santiago no hay cultura ancestral no lo ves en ninguna parte, no existe. Quise obtener algunas frases de esas etnias pero no pude porque no hay representantes en ninguna parte, se está muriendo la cultura del sur de la Patagonia que es riquísima. La gente cree que no, pero es una riqueza espectacular en mitos, cosmovisión en maneras de ver la vida, se perdió todo. Eso no puede seguir pasando porque hay una manera de vivir, de sentir el mundo, que es muy refrescante para nosotros que ya venimos con mucha influencia de Europa. Esto para mi es una nueva era en la que vamos a volver al origen porque todo apunta para allá.

Sí sobretodo en esa parte de Latinoamérica se nota una caída de Occidente y un fuerte impulso de las partes locales por tomar identidades y cursos propios.

Sí y como no se tiene información sobre eso se inventa y de ahí nace una nueva mitología. Muchas cosas yo las he inventado y por lo tanto es más cultura aún, estamos reinterpretando, somos como eslabones que están perdidos en esta cadena de sabiduría. Y nosotros nos quedamos con el deber de imaginar los baches.

En 2010 el blog The Pop Cop fue cerrado por un supuesto de infracción de derechos, al igual que muchos otros blogs que se quedaron en el camino. Jason Cramwell, editor de dicho blog, recorrió un largo trecho para comprobar que las descargas que su blog ofrece están bajo toda norma y que cuentan con la autorización de los propietarios de dichos derechos. A Jason también le ha tocado recuperar y velar por los links del Music Alliance Pact que han sido eliminados en varias ocasiones bajo los preceptos de la ley DMCA (Digital Millennium Copyright Act), aún cuando todas las canciones de estos compilados cuentan con los permisos necesarios para ser liberados a descarga.

Jason Cramwell además de ser el editor y fundador de The Pop Cop, también es el coordinador y creador del proyecto del Music Alliance Pact (en el cual Panamérika representa a México). Recientemente Jason escribió un artículo que va más allá de la ley SOPA: ofrece una visión panorámica de cómo estos intentos de atacar la piratería generan confusiones que devienen injustas para aquellos que procuran hacer las cosas bajo un marco legal. Las discusiones sobre la ley SOPA han dado marcha atrás, pero falta discutir la ley PIPA, y así como estas, vendrán otras iniciativas que tendrán que ser debatidas.

El siguiente es una réplica del artículo publicado en The Pop Cop el 19 de enero por nuestro aliado Jason Cramwell:

Look at their cute wee faces. That’s the Music Alliance Pact team in the montage. I co-ordinate this lot, and each and every one of them are as passionate about the music scene in their countries as I am about mine.

The Music Alliance Pact (MAP) shares free music on the internet once a month through a network of blogs in more than 35 different nations. What we do is 100% legal. All the blogs obtain written permission from the copyright holder before they submit a track for inclusion in MAP and the mp3s are hosted by individual bloggers, which gives us full control over the links we upload. For each month’s edition, I collate these tracks into one zip file which is uploaded to MediaFire, giving readers the choice of downloading MAP songs individually or collectively.

This is a wholly transparent and legitimate process, yet three Music Alliance Pact compilations fell foul of a United States copyright law called the Digital Millennium Copyright Act (DMCA) last year.

The compilation for the March 2011 edition was removed by MediaFire under instruction from Seattle-based independent record label Tooth & Nail Records, who filed a DMCA takedown notice and complained that the copyright of Underoath, one of the acts (a “Christian metalcore band” according to Wikipedia) on their roster, had been infringed.

I checked the United States entry for that month’s MAP and was left puzzled when I saw that they had not chosen a song by them or any other Christian metalcore band. In fact, the only mention of Underoath was in the text that accompanied the Singapore submission, in which they were cited as an influence of Caracal, the Singaporean band chosen for March 2011.

Easy mistake to make…. IF YOU HAVE NOT BOTHERED TO LOOK AT WHAT IT IS YOU ARE ACCUSING OF BREAKING THE LAW.

Tooth & Nail Records ignored my email reply.

A few months later, two more MAP compilations were removed after MediaFire received DMCA takedown notices from a sinister-sounding company called DtecNet (“a market leader in supplying our customers with specialized software solutions to track and prevent piracy on their digital content and online business”), operating on behalf of CBS Corporation.

“We have a good faith belief that this material is not authorized by the Rights Owner, its agents or the law,” they warned MediaFire. So MediaFire removed the links. Hmmm, that’s strange, I could have sworn the Music Alliance Pact had permission from all the rights owners.

Here’s how it happened: the June 2011 compilation was removed because DtecNet thought the Danish band Why Don’t We Love Lucy was actually the CBS-distributed TV show I Love Lucy; the August 2011compilation was also deleted because DtecNet figured that South African band MacGyver Knife must in fact be the CBS television seriesMacGyver.

Easy mistake to make…. IF YOU HAVE NOT BOTHERED TO LOOK AT WHAT IT IS YOU ARE ACCUSING OF BREAKING THE LAW.

DtecNet also ignored my email reply.

Spot the difference #1

Spot the difference #2

If you think the furore about SOPA and PIPA is just a lot of fuss being made by piracy sympathisers then you couldn’t be more wrong.

SOPA (Stop Online Piracy Act) and PIPA (Protect Intellectual Property Act) are effectively souped-up versions of the DMCA copyright law, which was originally passed by Bill Clinton’s administration in 1998. DMCA has been abused to the extent that it’s now standard practice for companies to use robot algorithms to identify what it reckons are copyright-infringing links then send out thousands (there were 1,757 MediaFire links in the CBS complaint) of takedown threats at a time, safe in the knowledge that MediaFire, Blogger et al will instantly delete them, no questions asked.

In case you need reminding, it was a DMCA takedown notice filed by Columbia Records that caused The Pop Cop website to be taken offline and deleted in 2010 by Google’s Blogger service, its previous host. That DMCA complaint concerned an mp3 link that hadn’t been active for more than two years. Google, who have been vocal in their anti-SOPA stance, didn’t give a damn.

If you think the power of DMCA has been exploited, just remember that SOPA and PIPA – the two United States congressional bills intended to thwart the online piracy of copyrighted music, films and TV shows – will be a hundred times worse. This video explains why:

Hace algunos meses, Panamérika sostuvo una conversación con el músico de origen ecuatoriano Roberto Carlos Lange. Él personifica a Helado Negro, un proyecto basado en atmósferas musicales, loops y un homenaje al folclor sudamericano. Su estilo experimental hace que cada una de sus composiciones sean genuinas y por lo mismo, a veces resulten difícil de comprender; sin embargo, su talento lo ha llevado a ser reseñado y considerado en buen concepto por la exigente publicación en línea, Pitchfork, y que el sello de Sufjan Stevens –Asthmattic  Kitty- lo firmara como parte de la oferta musical que proponen.

Su personalidad es ligera, tranquila y devota a lo que hace. No es un gran conversador pero sí uno concreto y lo más importante, explica todo lo que necesita a través de su música. En la siguiente transcripción a la entrevista, podrán comprender desde la construcción de sus canciones, hasta el por qué compuso algunas de ellas. Cabe mencionar que la entrevista fue realizada en idioma inglés, pues aunque su ascendencia es latinoamericana, él fue criado desde muy niño en los Estados Unidos. ¡Disfrútenla!

Panamérika (Fo): ¡Hola Roberto! Me emociona mucho entrevistarte porque admiro mucho lo que has hecho en tus dos discos. Me parece que la gente que escucha Panamérika y te conoce, siente lo mismo, así como los que no lo hacen también lo harán cuando te pongan un poco mas de atención. Me gustaría saber un poquito mas de la historia de Helado Negro. 

Helado Negro: Empecé haciendo proyectos cuando me mude a NY, eso fue en el 2006. Siempre he hecho música y empecé a cantar en español, tenía melodías en la cabeza y también palabras que se mezclaron con melodías y así apareció. El grupo antes se llamaba ‘El Conjunto’ que por cierto, no le he dicho a nadie esto.

Panamérika: Algo que llama mucho la atención fue el salto tan evidente de tu primera producción Awe Owe a Canta Lechuza, en este salto siento que creas un sonido de naturaleza electrónica y a la vez, preservas lo orgánico en los instrumentos que sobresalía en tu primer álbum. ¿Cómo fue esa transición para ti?

HN: No lo pensé mucho, eran los instrumentos que tenía frente a mí, nunca planeé nada, las canciones sólo estaban en mi cabeza. Tenía una primera versión terminada de Canta Lechuza, y era un álbum elaborado donde había dos tonos y yo cantaba sobre ellos. Pensé que había terminado, pero luego lo escuché y me di cuenta que quería hacer algo diferente al álbum anterior, porque no sabía si quería hacer lo mismo dos veces, así que supongo que eso es lo que quiero decir cuando digo: “en realidad no era algo que ya había pensado”.

No soy bueno en hacer la misma cosas dos veces, así que sólo es un avance de lo que tenia frente a mí, así que, después de tomar el demo inicial en noviembre del año pasado, pensé que sería muy bueno volver a construir todo desde la base. Todo lo hice por mí mismo, con cosas mucho más electrónicas,  como mi computadora y sintetizadores. Es obvio que no suena como si una banda en vivo hubiera creado esos sonidos, pero la idea es que tú hagas todo por tu cuenta. La idea era poder hacer todo de una vez y en un sólo lugar.

Panamérika: Tu álbum suena realmente sincero, de hecho cuando dijiste que no podías repetir lo que habías hecho –eso es algo que más aprecio de un músico– pero sobretodo, Canta Lechuza es muy honesto y eso es algo que muchos músicos dejan de considerar después de trabajar durante mucho tiempo, incluso muchas veces desean una fórmula o quieren una crítica que los elogie. ¿Era esa la razón por la cual tu internado en Connecticut era el lugar perfecto para comenzar con Canta Lechuza?

*HN: Fui ahí como residente artístico, sólo había cuatro personas, todo el mundo era pintor, escritor o escultor y nos despertábamos e íbamos a nuestros estudios todos los días y en las noches nos reuníamos para cenar y hablamos acerca de las cosas mas extrañas, lo curioso es que yo hice algo diferente, nunca compartí el álbum con la gente de ahí, hice algo completamente alejado, como una composición de 20 minutos que presenté al final de la residencia para estar ahí reunido con ellos.  Alguien me dijo algo que realmente tuvo mucho sentido, en una especie de forma de resinado, ya sabes, vas a estas cosas y la idea es no volver a crear el espacio que ya vivimos, la idea es ver lo que ese lugar tiene y experimentar el lugar y no tratar de hacer tu lugar dentro de ese lugar, ¿sabes? no se trata de conquistar ese espacio con las cosas que ya tienes y volver a crearlos, más bien, ver lo que tiene para ofrecer, y teniendo eso responder, más que al igual que aterrizar allí y ser como “esto es mío”, así que por  eso creo que era el lugar perfecto, ya que me pusieron en un espacio físico para no ser capaz de recrear algo que ya se ha hecho, para mi, por lo menos.

Panamérika: Te puedes dar cuenta cuando prestas atención al álbum, que comienzas a preguntarte, ¿cuántas cosas pasaron por su cabeza mientras estaba haciendo el álbum? puedes darte cuenta que el álbum es personal, era algo que tenias en la cabeza y lo tuviste que expresar. ¿Lo puedes poner en palabras*

HN: Definitivamente lo más  difícil fue tratar de planificar el nombre del álbum y la obra de arte. Le pregunte a mi amiga Eve, hablar con ella me ayudó a terminar el disco; no hablo mucho de esto, pero me inspira mucho las cosas visuales, obras de arte visual y todo lo que veo. No tienes que estar en galerías o así, para saber de ello, siento que mis ojos y oídos están muy relacionados, así que siento que fue muy difícil poner mis palabras al álbum. Cuando se lo describía a Eve, ella realizó el arte del disco, no podía explicárselo, me pidió que tradujera las letras, y le dije que no eran tan literales, eran más algo poético, un poco abstracto, pero solo son pensamientos que tengo y los escribo. Luego tengo un pensamiento un mes mas tarde, luego un pensamiento coincide con el otro pensamiento, y resulta ser como dos o tres historias en una canción y es por eso que ha sido difícil explicar de lo que se trata el álbum. En términos de letras siento que hay cosas personales que solamente yo veo, pero también hay pequeñas historias que creo que la gente puede interpretar.

FO: Me acuerdo de “Lechugilla”, las líneas del coro, “lechugillame a tu lado”; realmente no tiene mucho sentido, pero cuando te metes en el estado de ánimo de la canción, es como “lechugillame a tu lado” algo que sucede en tu cabeza, así fue como yo lo interprete, al final era algo que tenía sentido, hizo click en mi cabeza y repetía la canción, no para entenderla, sino que la escuchaba una y otra vez en mi cabeza.

HN: Es chistoso, esa canción es probablemente la canción más literal, pero “Lechugilla” es como la tercera cueva mas profunda en E.U.A. y también significa lechuga, pero si rompes la palabra, significa ‘déjame guiarte’. Esa canción -puedes entenderlo- siento que la gente la puede entender, pero es como todas las cosas que pasan por tu mente mientras estás teniendo sexo.

Panamérika: (ríe) ¡Qué increíble!

HN: Y la idea literal es que es la cueva mas profunda, eso tal vez sea lo más narrativo.

Panamérika: Es una metáfora increíble la que mencionaste, es chistoso, de hecho “El oeste” es otra canción: “El oeste se está quemando”, entendí que tiene algo que ver con la cultura occidental y que se convierta en algo un poco más político y al final se puede traducir en una metáfora o muchas cosas, ¿qué tal si me lo explicas? no quiero que mi mente vuele tanto.

HN: No, esa es la idea, a veces es muy fácil obtener el punto de vista conceptual y profundizarse, y a veces, dependiendo de tu humor, puedes entenderlo como algo tonto, pero es agradable porque esa es la razón por la cual se hace música, cine y arte y la idea es pensar de una manera diferente, creo que todo el mundo hace eso todo el tiempo, algunas personas encuentran la manera de comunicarse, y “el oeste se está quemando” si significa eso tal cual, las letras fueron escritas por mí y un amigo, él escribió esa línea cuando estaba manejando por la autopista en Florida “y los habitantes de Everglades” se estaban quemando y se podía ver el humo, pero la frase es algo mucho más profundo que eso, ¿me entiendes?

Panamérika: Creo que empiezo a entender las interpretaciones mejor: tomas una pequeña pieza de una frase y empiezas a crear una canción, de repente suena como un sueño y tiene sentido, porque todo el álbum es perfecto para una noche de trabajo. Luego hay frases que realmente no tienen sentido, de una frase a la otra, todo se empieza a construir.

HN: Sí, exactamente, todo se empieza a unir, no es tan aleatorio, como tú dijiste, esas frases significan tres o cuatro cosas diferentes. En inglés, español o cualquier lenguaje, estoy seguro que hay muchos significados dentro de frases, por lo que me gusta mucho esa idea, puedes conjugar las ideas en tu propia mente, o hasta en las mentes ajenas e interpretas tu propia historia.

Panamérika: Hay un montón de mitos sobre los búhos, a veces puede representar sabiduría, o el animal, o un pájaro que está pendiente de todo y por otro lado, muchas culturas pueden interpretar el canto de una lechuza como mala suerte, ¿estabas consciente de todo eso cuando nombraste el álbum así?

HN: Si, busqué muchas mitologías detrás de los búhos; las lechuzas de advertencia, los búhos sabios o de desgracias, pero como dijiste, quedo en mi mente como una criatura realmente extraña que sale en las noches, mejor dicho, siempre pensé en el canto del búho, es un animal muy poderoso, lo interpreto como un animal que canta y te está llamando para que escuches, podría ser una advertencia, pero así es como yo lo interpreto.

Panamérika: Ahora veo que los búhos representan una figura especial en tu vida o en tus ideas y creación, ¿cómo ha cambiado tu vida el concepto de un búho?

HN: Creo que hay un montón de cosas, te acuerdas de la película “Furia de titanes”?

Panamérika: Si me acuerdo de ella, pero no recuerdo haberla visto.

HN: Bueno, en esa película hubo un búho mecánico y hacia divertidos sonidos electrónicos como ‘du du du du’ y fue como una advertencia. Por alguna razón siempre me gustó eso. También mi amigo David siempre utiliza animales en sus imágenes, supongo que hubieron muchas razones por la cual, no es que sea algo súper significativo en mi vida, pero como he dicho, lo veo como una criatura fascinante y misteriosa, no es algo con lo que estés súper familiarizado, es como un estilo de vida a menos de que veas The Nature Channel.

Panamérika: Claro, ¿por qué no hacemos la entrevista un poco más relajada?. Si pudieras recomendar algo a la audiencia de Panamérika, tres canciones o proyectos, ¿cuáles recomendarías?

HN: Oh, era más relajante antes, así está más difícil (ríe).

Panamérika: Bueno, o solamente una que merezca ser conocida.

HN: Ese es mi problema, mucha gente me pregunta eso y siempre tengo la misma respuesta, así que estoy tratando de responder algo diferente, es difícil porque cada vez que pienso en la música se me va la idea. Voy a contestarle al mundo lo mismo porque es más fácil. Hay un tipo, tal vez su música es como un reflejo de mi vida, lo admiro, no como si estuviera cerca de hacer algo como lo que él hace, su nombre es Abner Jay. Su música es genial, eso es música sincera, creo que eso es lo que busco cuando estoy escuchando música. Solía escuchar mucha música por los aspectos técnicos, y hubo un periodo de tiempo en la cual buscaba cosas nuevas y luego buscaba cosas sinceras, entonces, eso es lo que le recomendaría a todos. Ve a buscar música sincera, eso es lo que importa y la música que más permanencia tenga en lugar de la que gana el premio de mejor álbum o algo por el estilo. Creo que la música sincera siempre encuentra su luz, Abner es un tipo que viaja alrededor de Georgia, en su tráiler, tocaba el banjo eléctrico, el bombo, el platillo y la armónica, y canta al mismo tiempo, es más como blues, pero es algo increíble. Él solo lanzó sus álbumes, hizo todo solo, ¿sabes algo? años después es cuando la gente empieza a entender y eso es lo que pasa cuando haces música sincera.

Panamérika: Estamos a punto de terminar esta entrevista, ¿cuál de tus canciones consideras mas cercana a lo que Abner hacia?

HN: Oh, ninguna, bueno no lo creo, no estoy tratando de ser como él, si no fuera humilde ni nada de eso, considero que lo que él hace es completamente diferente a lo que yo hago, es como si él hablara un lenguaje y yo otro, no literalmente, solamente son dos cosas distintas, uno no tiene nada que ver con el otro y decimos las cosas de maneras diferentes.

Panamérika: ¿Te gustaría recomendar una de tus canciones? puede que tengas una historia divertida o algo así y ¿le puedes contar a la audiencia de Panamérika?.

HN: (ríe) Pienso que todos entenderán “Lechugilla” puedo pensar en algo, pero puede ser que me tarde (ríe).

Panamérika: No pasa nada, una canción que te gusta mucho y quieres que la gente la escuche?

HN: “Calcula” – esa fue la primera canción que terminé en el álbum. Esa canción fue el marcador, era la norma que establecía el álbum, pensé que eso era a lo que el disco iba a sonar “Calculas” y “Con Suerte” son dos temas grandes. De hecho, hace poco alguien me preguntó que  ¿de que se trataba “Globitos”?, pero eso es otra historia, esa canción se trata de la paranoia. (Ríe)

Panamérika: ¿Cómo pueden volverte paranoico los globitos?

HN: Paranoia es lo que es, es como mirar a los ojos de toda la gente sentada en una habitación, la gente te está mirando, casi como estar en un escenario, y los ojos se conviertan en “Globitos” flotando a tu alrededor y no sabes quién te está viendo, no sabes si sus ojos van a flotar hacia otro lado o van a explotar, así que es un delirio paranoico realmente agradable (ríe).

Panamérika: Muchas gracias Roberto por este tiempo y por compartir todas tus declaraciones, que hacen que -por lo menos en mi caso- entendamos un poco mejor lo que haces, se siente bien hablar con alguien que puede hacer música de esta manera.

HN: No, gracias a ti, gracias por dejarme cambiar de idioma, como dije, hablo español la mayoría del tiempo, es parte de mí, pero como vivo en EU no practico mucho mi español, no estoy cerca de mi familia ya que viven en el sur de Florida, y pues la entrevista en inglés se haría mucho mas rápido (r.

END – minute 30.59

No soy un gran fan de los discos instrumentales, la voz me parece esencial al momento de recibir la información que una canción transmite, pero eso no es enteramente cierto. La recomendación de esta semana demuestra que no estoy en lo correcto.

Proyecciones (fotogramas.bandcamp.com) by Fotogramas

Ha llegado el momento en que todos aquellos demócratas tendrán lo que les gusta, nos hemos dispuesto a compilar todas las portadas de los artes de nuestras emisiones, diseñadas todas por Óscar Reyes. Algo haremos con ellas, desde una playera, un póster, un calendario o así. Pero requerimos de su ayuda, queremos que el público de Panamérika nos ayude a elegir cuáles de todas estas chuladas serán las candidatas a convertirse en un preciado objeto. La dinámica es la siguiente: Las hemos puesto todas en una galería de fotos en Facebook, cada uno de los interesados en participar deberá “Megustear” o “Darle like” a sus favoritas y aquellas con más likes serán las que nos darán una sorpresa. Para entrar a la galería pueden dar CLICK AQUÍ (miren qué chulas se ven juntas). ¡AYÚDENOS!

Los Alguiens – “El Internet”

Parece que la clave para hacer un buen viral es no tener la certeza de que lo estás haciendo. Los Alguiens hicieron EL jingle del año para cualquier compañía de servicios de banda ancha y, de paso, una extraordinaria aportación de un mambo violento vanguardista; probablemente ni lo sepan. ¿De qué planeta habrán venido? ¿Cuál será su relación con Brasil (manifesta en trillones de comentarios en portugués en su canal de YouTube)? ¿Qué macabros planes han fraguado para nosotros? No tenemos las respuestas a estas preguntas, pero, por lo pronto nos taladraron la cabeza con este one hit wonder.

Blueshit – “Puedes Twittear, Puedes Hipstear, Puedes Postear”

Himno anti hipster, o sea himno hipster, de Chihuahua, ciudad en la que el narco, pero también el Twitter, está en boca de todo el mundo. El mensaje de la canción es directo: ¿de qué te sirve twitear y postear, si eres un inepto? Muchos aplausos. El video no tiene desperdicio.

Bondi Blaster – “Salchichón Primavera”

Picaresca, erotismo, cumbia, reggaetón y todo el kitsch posible a cargo de dos DJs que cuentan para la ocasión con el apoyo de la sensualona diva argentina Tami. Todo un retrato sonoro y eléctrico de la cultura villera a través de un nombre que evoca los populares bondis (autobuses) argentinos. La canción, por cierto, propició el nombre a nuestro programa No.153 ‘Salchichón con Salsa’

Chip Torres – “Te voy a dar un byte”

Quizá demasiado planeado. Se nota que detrás hay alguien muerto de la risa. Pero alguien con mucha idea, eso sí. Qué risa de canción, de video. Si a estas alturas todavía hay gente que no lo ha visto, atención con este personaje de la Plaza de la Computación que retrata un tema muy específico de la Ciudad de México desde una perspectiva graciosa, aunque también algo cínica.

Genki Sudo – “World Order 2012″

Burócratas japoneses viajan a México a filmar un videoclip con un tipo de coreografía nunca antes visto, que irrumpe pacíficamente en rincones absolutamente cotidianos del DF. ¿A qué vinieron? ¿Estaban realmente filmando un videoclip para una terrible canción de J-Pop? ¿O usaron ésta como una cortina de humo para esconder su labor de estudios geománticos en busca de los sitios mesoamericanos donde emanarán las fuerzas transformadoras del 2012?

¿¿¿Es la energía cósmica un recurso natural que pertenece a la Nación, a la Raza Cósmica y querrán los taka-takas explotarla ilegalmente??? Lo sentimos. La paranoia del 2012 nos invade y no podemos más que dudar de los extranjeros.

Lo que sí nos queda es que:

a) Esta inédita manera de coreografiar será copiada en anuncios de telefónicas y postales turísticas de Televisa o ‘Visit México’

b) Se refrenda la vocación ultra-detallista y perfeccionista de los japoneses

c) México tiene unos paisajes re-chulos y somos bien hospitalarios.

私は2タコスら牧師、高い水とセロリとパイナップル1チリの肉をしたいですか？ありがとう！どのくらい私は彼のポストにこの食品の通りしていただき借りているのですか？2012年に、用心、ギャップは、銀河系の街角とフンボルト第123条、コロニアセントロで開かれます！私はあなたが知らせておくと、より多くのデータは、豊富なソーセージのタコスに来る次の時間を明らかにする…

Los MasterPlus – “Sexo en Fuego”

Si hubiese que ejemplificar el concepto de ‘Bastardización’ en una enciclopedia para iPad, haríamos un paralelo entre las canciones y videos de los Kings of Leon y Los Master Plus para “Sex on Fire”. Con harta insolencia, el dúo paródico conformado por Larry Mon y El Comanche le faltan el respeto a un tótem de rock-pop gringo: desnudan la canción, textualmente la tropicalizan, al convertirla en una cumbia grupera cantada cual lancheros de Acapulco (vestidos como norteños en bling-bling). Y el video nos recordó a los estándares de música tropical de los 80 por ejemplo a “El Parasol” de Los Joao. Estamos en espera de que lo programen en la tele, en Ritmosón.

Nyan Cat Mexicanou

El fenómeno por antonomasia del ocio en internet deben ser los gatos (sobre todo para los gringos), y cuando tienen cola de arcoiris más, y cuando tienen cuerpo de Pop-Tart más…y cuando están dibujados estilo japoneses más… y cuando la canción es extraordinariamente pegajosa más… y cuando no sucede nada en el video, más… y cuando le hacen memes y referencias con grabaciones de las reacciones de los niños más… y cuando le hacen remixes sobre todo tipo de géneros y personajes más… y cuando despierta lo más obscuro de la creatividad de la gente más… y… y … y… el Nyan Cat es un adorable fenómeno de este año, y no podía faltar en nuestra lista de gustos culpables la versión en la que le pusieron cuerpo de taco.

La Ogra que Todo Lo Logra – “Te Borré de mi Facebuh”

Pues vaya que lo logra, con más de dos millones de visitas. Muy en broma, pero la canción es un temazo, divertido, nada forzado, y el video se vuelve adictivo. La música popular española y el Facebook, dos asuntos que urgía presentar entre sí.

Pablito Mix

El príncipe de los mixeos es también el inventor de la auto fama. Nacido en 1991 y “por siempre de las calles” Pablito sorprende a muchísima gente con sus mixeos, sus videos y una página web que lo hace parecer la persona más importante de la Ciudad de México. Después de dos cervezas y un buen reggaetón ¡lo es!

Panteón de Belén Soundsystem – “Garabato Colorado”

La moraleja musical de Chabelo en “Garabato Colorado”, siempre tuvo algo de enigmático: ¿Era el garabato un signo pintado con crayón rojo en el cuaderno del niño de preescolar, que lograba captar la aceptación de su profesora? ¿O era un rastro de lipstick rojo en el cachete del niño, lo cual había ocasionado en él un crush infantil por su maestra ochentera? La rola recibe un re-vamp generacional con el tremendo remix de Panteón de Belén Soundsystem: a partir de un housito al estilo del IMS, con tintes de acid jazz sampleado del original, que finalmente, tiene un aire a Luke Vibert. El video hace un collage de grandes momentos y personalidades de la televisión mexicana a final de los 70: Ahí está la Carabina de Ambrosio, con César Costa, Gina Montes, la Pájara Peggy y Chabelo en su rol de Titino. También aparece el “Loco” Valdez, grooveando sabroso.

Radiohead – “Lotus Flower (Thom Yorke baila Duranguense!!!!!)”

Habían transcurrido escasas horas desde el lanzamiento del video oficial de “Lotus Flower”, pista que presentaba al mundo el The King of Limbs, material 2011 de Radiohead, pero había una pequeña ranura en él. El provocativo baile de Thom Yorke inspiraba a mucho más que sólo quedarse a ver el video, sino intervenirlo: una cascada de memes que tropicalizan el baile de este ícono musical nos hicieron reir no una sino varias veces a lo largo de este año. Uno de los más atinados es el que puso a Thom Yorke bailando duranguense. ¡Quiébrele!

Tropikal Forever – “Los Ovnis”

Otro impacto que desde México traen estos cumbieros-merengueros que reciclan calientes clásicos del pop, ahora con “What is Love” de Haddaway. Una divertida fusión hecha con el derecho que da el origen de su autor: un trinitario que hizo eurodance en Alemania. Ya valió.

Textos de Felipe Arias, Claudia Jiménez, Jorge Pedro Uribe y Uriel Waizel. Arte: Óscar Reyes.

Para tener un poco más de pistas, y desarrollar mayores sinapsis entre el cartel y el concierto, Austin TV nos hizo un Top 5 de las películas que más los influenciaron durante el proceso de creación de su álbum Caballeros del Albedrío, editado este año por Terrícolas Imbéciles. Todos los textos son de su autoría.

Para más información sobre el próximo concierto de Austin TV pueden dar click aquí.

01. Los Olvidados (1950). Dir. Luis Buñuel

Una pieza básica para comprender mejor la vida en una ciudad enorme como la de México.
El sampler con el que abrimos el disco Caballeros del albedrío es la síntesis de lo que nosotros proponemos como cambio radical humano, “esta película no es optimista y deja la solución del problema a las fuerzas progresivas de la humanidad” el cambio está en nosotros y nosotros somos parte de él.

02. Viaje a la luna (1958). Dir. Fernando Cortés

Llegamos a ésta película buscando la filmografía de Tintán y fue un grato descubrimiento desde el inicio, pues aparecía, en primer plano, este enmascarado hombre conocido como el “Caballero del Crisantemo”, que conquistaba a la audiencia con su habilidad para bailar y no con su rostro; eso nos cautivo desde el primer instante. Claro que no podemos dejar de mencionar que también nos atrae mucho el cine mexicano de la Época de Oro, hay una nostalgia oculta que se nos revela a través de estas piezas.

03. The Life Aquatic with Steve Zissou (2004). Dir. Wes Anderson

Una de las películas favoritas de Totore e inspiradora del nombre del tema: “Nosotros le pusimos radio” track que forma parte del disco Séeb de Caballeros del albedrío. Esta película la vimos un par de veces durante el proceso de composición de este disco, junto con otras películas increíbles de este director: Wes Anderson se preocupa por cada detalle en sus producciones, y eso hacemos nosotros también con todo lo que hacemos, eso nos atrae mucho.

04. La Montaña Sagrada (1973). Dir. Alejandro Jodorowsky

Esta película la vimos unas cuatro veces, una de ellas con comentarios en audio de Alejandro Jodorowsky, comentarios que nos hicieron ver que no habíamos entendido nada previamente.
Una historia compleja, llena de símbolos, de surrealismo, de casualidades y con un mensaje final fundamental para la base conceptual de este disco: cuando al final de la película Alejandro dice: “This is not a movie, this is real life…zoom back camera…”

05. Dear Wendy (2005). Dir. Thomas Vinterberg

Esta película le da nombre a una de nuestras piezas más experimentales del disco: “Despierta Wendy”, frase que le dicen los personajes de esta película a sus pistolas antes de usarlas en contra de un ser vivo. Nos encanta la idea del club de amigos “ñoños” que se juntan todos los días a hacer algo que parece no tener sentido para nadie más que ellos, y eso es el encanto pues supongo que aveces así nos sentimos cuando hacemos música.

Bienvenidos al Cine Club Panamérika: ármense un buen sandwich, prepárense su chocomilk y recuenten con nosotros los 20 videos que más disfrutamos –en horario de oficina– durante este año.

Adrianigual – “Arde Santiago”

Cuando el video salió coincidió justamente con los acontecimientos del movimiento social en Chile a favor de la educación, este 2011. Inclusive el estreno del video fue postergado por días debido al paro nacional. Evocando los looks de los ochentas y con tomas de la ciudad de Santiago como una jungla imponente, Diego Andrés y Nacho Aedo aparecen con amigos como Alex Anwandter mostrando su talento para el baile hasta caer la noche. Este tema abrió las puertas del mundo a Adrianigual para su anhelado Éxito Mundial, colocándolo en los primeros lugares de las listas.

Andrea Balency – “El Desorden”

Hay dos momentos padrísimos: la nube sobre la cama y la llamada por teléfono. También el final gusta porque da la impresión de que ha pasado mucho, pero no ha pasado nada. Todo está en la cabeza de la guapa Andrea, que según la letra tiene algo que no la deja respirar. Tal vez le haga falta sonreír, eso ayuda.

Ainara LeGardon – “Thirsty”

Agresivo y directo como todo el disco We Once Wished (Aloud Music / Winslow Lab, 2011), este video parte de una idea sencilla: Ainara de cabeza en un árbol congelándose mientras le tiran agua. Como un buen riff punk, el video se ejecuta con maestría y violencia de manera tan rápida que uno no sabe qué lo atropelló. Con imágenes que dan un resultado, que impresiona y aturde, el video presenta y corresponde a esta faceta rabiosa de Ainara LeGardon.

Bam Bam – “Hipnódromo”

Caleidoscópico/Panóptico/Psicotrópico/Abismático. El video realizado por Proceso Inútil (MTY) logra con poco varo, un algoritmo de geometría divina y un efecto acá-bien-clavel, retratar a los cuatro miembros de Bam Bam cual jijos de su Pínfloy en Piper at the Gates of Dawn. Cual mapa del Cosmos dibujado con chakiritas huicholas, el concepto del clip engloba todo el trip del Futura Vía: una vuelta por el Universo de la mano de una entidad omnisapiente, a través de los clusters de galaxias que conforman una especie de tejido neuronal que a su vez se consolida en una inteligencia mayor, aún incomprensible por nuestros diminutos cerebros de cro-magnon, fritos por tanto LSD y indie-rock de Myspace. ¡Tsss! Este aceite sí nos hizo acelerarnos cuánticameeente…

Band À Part – “Una persona normal con gafas de metal”

Como salido de las más inocentes plumas de Hanna-Barbera, o dibujado por el más atinado artista de los Gold Key Comics, la Band À Part llegó este año con el video de uno de sus más atinados himnos generacionales; dibujado como un episodio de la Pantera Rosa. Entre motivos a go-gó, space age y guiños a la Audrey Hepburn, “Una persona normal con gafas de metal” caricaturiza, literalmente, el drama amoroso contemporáneo-intelectualoide por excelencia. Por acá también nos han aconsejado dejar al gafapasta y buscar a alguien normal.

Caravana  – “Despacio”

¿Quién es Rodrigo Santís? El patrón de Gepe, Pedro Piedra, Mostro y Fernando Milagros en el calificado sello chileno Quemasucabeza. Cual Ivo Watts-Russell, fundador del sello 4AD, quien fundara el proyecto This Mortal Coil para dar cabida a sus más íntimos revuelos, Santís encuentra en Caravana un remanso para ahondar personalmente en el sutil y sombrío tejido de las filigranas acústicas. En el video para la pesarosa “Despacio”, el realizador chileno Ginés Olivares -radicado en Berlín-, nos introduce en un recorrido invernal en ferrocarril a través de inquietantes y silentes pasajes de Zentropa y los Balcanes. El conjunto audiovisual no hace sino sentir la piel congelada, el vaho, la nostalgia de la naturaleza inerte y una rara memoria heredada, telúrica, emanada de los territorios que en algúna época, no muy atrás, fungieron como campos de concentración.

Dënver – “Los Adolescentes”

Este cortometraje con cara de video constituye un trabajo audiovisual digno, rítmico y que va con la época: créditos al final, cuicos en actitud preciosista, tonos cálidos, estivales. La estética de cinta casera y la edición caprichosa terminan de darle a este video un cariz de memorable.

DiscoRuido! – “Morfeo”

La música para dormir súper despierto de DiscoRuido! sólo puede estar acompañada de visuales sugestivos, trabajados. Es el caso de sus videos. “Morfeo”, uno de los temas más pegajosos de los defeños, tiene uno que fue filmado en el abandonado Cine Ópera. El fuego, los gestos de seriedad, los filtros de la cámara; todo empata, y gusta a los fans.

Hidrogenesse – “Moix”

Carlos y Genís, la pareja real del indie español, se dedican en este video a aprender el proceso para alcanzar la inmortalidad según El libro de los muertos del antiguo Egipto, y llevarlo a cabo con la ayuda de la tecnología actual. Esta canción, con contenido religioso, está basada en un poema de Terenci Moix.

Isa GT – “Pa’ las mamasitas”

Isa GT invitó a algunas de sus guapas amigas para sumarlas entorno a la franca protesta global que pone en manifiesto una tragedia moderna: la escasez de hombres. El video, dirigido por ella misma, es un paseo homoerótico con los aires del punk del Chelsea ochentero, junto con el sabroseo antillano con el que enciende los dancefloors en los que se para. Sí, señoras y señores, esta escasez se tiene que acabar.

Jessy Bulbo – “La cruda moral”

A Jessy no lo importa: le vale torta. Y este año nos regaló el disparatado Telememe, y ya de paso con sus comadres Azul Violeta Bermejo y Karen Ruiz, sacó esta especie de video-home, simulacro de absurdas ocurrencias que les emanaron cual peda de absenta entre Astrid Hadad, Paquita la del Barrio y Leonora Carrington. Si le añadimos el can-can ranchero-tortilla y humor grotesco à la Fadanelli, tenemos un video donde Jessy se siente tan cómoda como cada vez que se quita el brassiere. Por cierto ¿porqué no se ha puesto de moda aquello de usar sombra de color azul en un párpado y rojo en el otro?

Juan Cirerol y Martín del Prado – “Corrido Chicalor”

Sólo no nos gusta que dure tan poquito. Por lo demás es un video enorme, divertido, poderosísimo. La canción con la que Juan Cirerol cierra sus conciertos, a veces tocándola dos veces seguida, merecía un video a la altura, con fiesta, cerveza, ambiente norteño y chamarras.

Kali Mutsa – “Tunupa”

Estamos atados a Kali Mutsa en un embrujo gitano: cada cuadro en este video dirigido por Paul Felmer es un estudio sobre la Sudamérica que respira en lo hondo de los Andes y cuyas ánimas ya rompen el cascarón para resurgir en el 2012. Aquí, Kali Mutsa protagoniza en plan de pin-up-sacerdotiza, canalizadora de lo telúrico y lo cósmico en un yantra de lo kitsch. Con nahuales vestidos cual Cirque du Soleil, paisajes de realismo mágico como salidos de video de Empire of the Sun y una estética transgresora en partes iguales M.I.A. y Wendy Sulca, la Kali se ha logrado afianzar como diva en un dos por tres. ¿Cuál es su still favorito? A nosotros nos raya aquel donde ella sale con traje de moños, estirando un chicle y adoptando pose de b-girl en un trasfondo de majestuosas montañas. Se ve bien wena.

Marian Ruzzi & Sr. Amable – “Una pieza más”

Puro talento de Chihuahua en esta colaboración entre Marian Ruzzi y Sr. Amable, la inédita canción fue presentada recientemente con un video que bien podría ser una fábula sobre la vida, una historia de amor truncado o un melancólico microcuento al estilo Wes Anderson. Las ilustraciones son de Luis Safa de Caracrimen (talento chihuahueño también) y el estudio de animación BASA se encargó de darles vida ¿Quién dijo tercer mundo?

Modular – “Zapatófono”

En este año que se nos fue la traslúcida Trish Keenan, vocalista de Broadcast y ya que Stereolab, por ahora no existe más, no tenemos razón para deprimirnos: el mensaje del space-pop ha sido entendido, transcrito y reinterpretado por los Modular de Argentina, afortunadamente firmados por Elefant Records en España, donde han encontrado un hogar para explayar su gusto por lo retro. Con este video autodirigido en Microfilms Studios, los Modular se disfrazan en la onda Austin Powers para rendirle tributo a iconos de la TV sesentera: el Superagente 86, la 69 y el extraño celular diseñado para fines del espionaje: El Zapatófono. Las proyecciones de ácidos y moirée, nos ocasionaron un flashback a la era a go-gó donde reinaban los temas de Alan Hawkshaw; pero ante todo este clip nos trae de regreso a ver de nuevo “Papercuts” de Trish y Broadcast, a quienes siempre extrañaremos…

Mostro – “F”

Un profundo comentario sobre la industralización y la tecnocracia es acogido no sólo por las macabras armonías de “F”, sino por una agresiva y estimulante composición en los dibujos de Carlos Reinoso: un medio de Mostro, y gerente del departamento visual en el concepto de la banda. Qué bueno que es así. Entre vaquitas, leche, conejos tecnologizados y ballenas, el video nos lleva a recorrer los pesadillescos escenarios del desierto de Atacama en su relación prehistórica con el mar. Todo esto en un idilio con los procesos de producción entintados bajo colores apocalípticos.

Pedro Piedra – “Occidental”

Con ayuda de efectos especiales de rotoscopiado y composición –que remiten a la famosa secuencia de Forrest Gump cuando le dice al presidente Kennedy que tiene que mear–, material de archivo en cintas de cine en Super 8 aparecen como marco de un Pedropiedra que canta su canción y por momentos la actúa. Un video divertidísimo para el segundo sencillo del álbum Cripta y Vida en el que vemos cómo el artista aparece en cameos o protagonizando extrañas situaciones del pasado.

Pellejos – “El Gas”

Como la inocente historia del Globo Rojo (1956) un cilindro de gas parece tomar conciencia propia y pasa de dueño en dueño, de mano en mano, hasta llegar a un final fatídico -que recuerda la extinción de Londres en la satírica The Nine Lives of Tomas Katz (2000)-. Las barrancas y favelas de la Delegación Álvaro Obregón, así como los mercados residuales en Iztapalapa, son el marco para pasear por rincones non-gratos de la ciudad, poblados justamente por el bestiario de la canción. El director Miguel Calderón, sardónico crítico del status quo y la diferencia entre castas sociales que conviven en la sociedad mexicana, aprovecha el video para continuar el estudio de temas donde lo grotesco, lo naco y lo kitsch (y un poco de judaismo), shockean y dislocan al espectador desde el primer cuadro. Este video sólo podía ocurrir en el aquí y el ahora de un 2011 chilango, con todo y camisa Polo verde de “La Barbi”. Cuando usted vuelva a escuchar el llamado de el gas, no podrá sino pensar en el llamado de un ángel exterminador que viene a barrer con todo.

Single – “Dime quién eres, desconocido vecino”

Inquietante video de una canción que sorprendió a todos por lo bien hecha y porque a nadie se le había ocurrido reivindicar a Lucía Bosé. El video recuerda al de “Fotos”, pero esta vez la gracia no está en los cambios de vestuario, sino en el montaje que obligó a Teresa a grabar cuatro videos que al final se convirtieron en uno magnífico.

Toy Selectah feat. Rey Pila – “Villian Chilin (Don’t be Afraid)”

En continuidad con nuestros recuentos de lo más destacado del año, acá están las 30 canciones iberoamericanas que más cantamos en la regadera y bailamos en los fregaderos. El orden de las canciones es alfabético.

Adrianigual – “Arde Santiago”

Hace mucho que el término agridulce no encontraba una posición tan correcta como al describir el proyecto de Adrianigual. Música tiránicamente bailable que transgrede cuerpos aluzados por un inexplicable culto a los 80 y 90. Mientras se expresan los más profundos rencores hacia las urbes modernas, se dilucida un pop de extraordinaria confección en su estructura. Adrianigual es una ironía en toda su extensión, uno de esos locos o excéntricos que habrá que sacralizar antes que sean encapsulados por incomprendidos. “Arde Santiago” es el expediente que habrá que abrir al canonizar al baile.
Arde Santiago by adrianigual

Alex Anwandter – “Cómo puedes vivir contigo mismo”

Anwandter ostenta una certera habilidad para conformar hits instantáneos de sus canciones y flechar al escucha en una áspera atmósfera techno-pop- rockera que bien sabe a los Pet Shop Boys o a los cortos circuitos de Giorgio Moroder. “Cómo puedes vivir contigo mismo” es el track que abre la caja de pandora personal que resultó su álbum Rebeldes, un manifiesto profundamente pegajoso y bailable sobre amor, sexualidad y autodeterminación. El que no baile con ésta, no tiene pies.

Antoine Reverb – “You as a Fish”

¿Qué escucharía la pandilla de Scooby-Doo dentro del Mystery Machine? Probablemente el Everything is a Foreign Language to Me de Antoine Reverb. “You as a Fish” logra ser retro, espeluznante, divertida y ponedora. No sabemos si a Daphne y a Fred les latería, pero Wilma encontraría referencias a la voz de Thurston Moore y la instrumentación dream-barroca-chamber-pop de Broadcast; mientras que Shaggy y Scooby aullarían con el yodeling que reverbera al final. Pet Sounds y Scooby Snacks.

Astro – “Ciervos”

Los Niños Perdidos de Nunca Jamás envidiarían a Astro por haber crecido sin perder su infancia esencial. “Ciervos” fue el sencillo que vaticinaba un álbum más maduro, de melodías profundas y capas complejas… y se nos cumplió: el corte es parte de un álbum desbordado de giros psicotrópicos, líneas musicales pachecósmicas y letras onomatopéyicas defendidas con pueril ingenuidad. Bienaventurados los incautos que se atrevan a apreciar el increíble universo de Astro.

Bam Bam – “Hipnódromo”

El “Astronomy Domine” del Futura Vía. Así como se puede escuchar el Dark Side of the Moon contra escenas de El Mago de Oz para obtener un soundtrack alterno, se antojaría encontrar usos paralelos del Futura Vía, para ver 2001: Odisea Espacial. En el capítulo ‘“Jupiter and Beyond the Infinite”, el astronauta Dave Bowman trasciende esta dimensión a través de túneles de luces psicodélicas intensificadas por una ominosa pieza de György Ligeti. ¿Y si ponemos algunas piezas de Bam Bam? La sola mención de vórtices, tiempo condensado e inmortalidad, no hace sino remitir al viaje trans-astral de la novela/película y aquella frase pronunciada por el astronauta, cuando llega al final del infinito: “My God, it’s full of stars”.

Candy – “El Entierro”

El Horror-Trio más poderoso del Chopo, el Circo Volador y allende las fronteras del DF, ya prepara su sophomore álbum, producido por Joselo Tacvba. Para matar el blood-thirst entre discos, nos regalaron este pre-sencillo pseudo-gótico en pleno verano chilango (cual darkie vestido en terciopelo, afuera del Metro Zapata). Aquí, la Lily Munster del grupo –Valentina– cede el micrófono al Herman de la banda –Michael– (léase como en Gorbachov). El resultado: una épica de cuellos con olanes, pelucas que parecen estar hechas de rulos-de-flautas-con-crema y caras maquilladas dignas de los Volturi en Twilight.

El Columpio Asesino – “Toro”

Tomar el carro y manejar a Berlín toda la noche: carretera y espíd. Compañeros en fuga, coincidían en los baños, amantes en el precipicio. Son Bonnie & Clyde. O Bowie & Sarandon en El Ansia, montados en una road movie de yonquis. Álbaro con una voz atascada de pastas; ella, con una voz tiritante de cold-turkey. Los vascos de El Columpio Asesino tomaron las mejores ideas de “Ghost Rider” (Suicide), para convertirla en una balada industrial, que contagió demencialmente al 2011 y que nos regaló la frase con la que bautizamos al Panamérika No.129 “Gafas negras en la noche”.

DiscoRuido! – “Go Twisters”

Nueve minutos de canción atormentada, machacante, casi perturbadora, que se queda en la memoria de muchas personas y reproductores de MP3 este año gracias a bases rítmicas y arreglos difíciles de pasar desapercibidos. “Go Twisters” es como un after emocional –¿un huracán?– que parece no tener fin, y en el que súbitamente se aparece en la puerta una Jeanette cyberpunk.

The Echocentrics – “O Elefante (ft. Tita Lima)”

“O Elefante (ft. Tita Lima)” es la interpretación libre de una canción tradicional infantil verdeamarela, o una de las piezas avivadas por el fuego místico del ocote chicano del señor Adrián Quesada. Se desprende del álbum Sunshadows resultado del experimento más pop de su carrera: The Echocentrics. “O Elefante”, igual que el álbum, emprende una multicrómatica travesía desde la psicodelia peruana hacia la más coqueta esquina de la tropicalia brasilera sin dejar de lado el desértico sabor del sur estadounidense, mientras pasa una planta rodadora.

The Echocentrics- O Elefante ft. Tita Lima by iRieFicus

Los Esquizitos – “Chiggy Pop”

Los granfaders del púnk, garaje, surf –y todo lo que use máscaras de luchador y camisas floreadas– sentencian a sus hordas con un: Tú quieres ser como yo, larga duración que, cual regreso de Los Muppets, pone a prueba el entendimiento de los chicuelos, en busca de conseguir el revamp generacional. La rola, con un guiño a Iggy Pop en el título, marca un call and response entre Brisa –la Maureen Tucker del grupo, que muestra que toca la bateria y canta; y bonito– en papel de enfermera buenota, a dúo con el Güili Damage, quien encarna a un personaje Robert Crumb-esco, como un loco encamado que fantasea con que la enfermera le ponga Merthiolate en sus heriditas y Viagra en su juguito de zanahoria. Esquizito Delirium tremens.
Chiggy Pop by losesquizitos

Francisca Valenzuela – “Quiero Verte Más”

Que se preparen Angélica María, Lucerito, Libertad Lamarque y el resto de las “novias de América”. Puede ser que pronto el título le acomode mejor a esta estadounidense de padres chilenos que en 2011 sonó en varios países de América con “Quiero Verte Más”, un tema con mucho corazón del discazo Buen soldado.
Quiero Verte Mas by franciscavalenzuelamusic

Helado Negro – “Lechuguilla”

Imagínese en su posición predilecta en una noche pasional, mire a los ojos de su amante y establezca un juego fonético-visual entre la frase “Let you guide me”, la más profunda cueva en Estados Unidos y sus divagaciones eróticas (las más tiernas de ellas, claro). Ahora intente componer una canción bajo esa atmósfera sonora. Si no le convence el resultado, Helado Negro le regala “Lechuguilla”.

Instituto Mexicano del Sonido – “El Jefe”

Ya en el 2010, Camilo Lara realizó Suave Patria para musicalizar un segmento del desfile conmemorativo del Bicentenario. Las obras por encargo continúan y, parecería que, el Instituto Mexicano del Sonido ha encontrado una raison d’être al resignificar la música de los mayores emblemas patrios. Ahora, el canal A&E ha producido una serie llamada “El Luchador”, una suerte de docu-reality que retrata la vida tras-bambalinas de los enmascarados del Ring. Vengan los loops cha-cha-go-gó, sello de la casa desde el Méjico Mágico, para sacarle una sonrisa hasta al más rudo o cursi. Ya se nos cuecen las habas por escuchar Político, el 4º en la discografía del “Mexican Institutou del Sonidou”.
Instituto Mexicano del Sonido – El Jefe by Tape Music

Juan Cirerol y Martín del Prado – “Nomás sirvo pa’cantar”

Honesta declaración de principios de un bajacaliforniano que no ha cumplido los 25 años y que lo mismo toca su polka norteña en el Metro de la Ciudad de México que en una sala de conciertos como El Imperial, acompañado únicamente por su guitarra y, en el caso de este tema de sabia auto aceptación, también por Martín del Prado. Ambos se divierten, tosen y se dan aliento en una canción de auténtico punk que al principio parece triste.
02 nomas sirvo pa cantar by J.C y M.D.P

Kali Mutsa – “Jauja”

Kali Mutsa está loca como una llama andina. Su cuerpo está poseído por María Callas, Yma Sumac, Asha Bhosle, Anita Tijoux, Björk, M.I.A, La Tigresa de Oriente y Wendy Sulca, simultáneamente. La Diosa Kali tenía ocho brazos, por si saber esto sirve de algo. “La Gata Negra del Pachacuti” –como también se hace llamar la actriz gitana-chilena Celine Reymond– ha capitalizado de modo promiscuo el kitsch, el trash y el high-cult, la paganería y la alta espiritualidad en una comedia psicodélica del tercer mundo que suena a cobre y ayahuasca, a un corset de alpaca, charango, bombo y chicle-bomba.
Jauja by kalimutsa

Mexican Dubwiser – “Trouble in my Soul”

Sorprendente primer sencillo de su álbum de estudio, el cual contó con la voz de la leyenda viva Artwork Jamal. Un afortunado ejemplo de la integración sonora, cultural, generacional, nacional y étnica que puede dar Los Ángeles, ahora caminando entre el blues, la regional mexicana y la electrónica.
MEXICAN DUBWISER – TROUBLE IN MY SOUL by MexicanDubwiser

Mongosaurio – “Me gustan las hipsters”

“Folk pop de habitación”, según su sello Belafonte Melodías. Espejito generacional con forma de canción, según muchas personas que de pronto se identificaron con este himno a la frustración al estilo Woody Allen: “no sé ni madres de diseño y la Cineteca me da sueño, y no soy interesante, nadie importante”, con una melodía memorable y redonda. Más canciones así, por favor.
Mongosaurio – Me gustan las hipsters by Mongosaurio

Los Mundos – “Ni un segundo más sin música”

Del disco homónimo de Los Mundos, este track de cadencia dreampopera resume la propuesta del proyecto alterno de Chivo (En Ventura) y Luis (Piyama Party), como parte del reciente movimiento shoegazero con influencias de The Velvet Underground que viene del norte del país ¡Y lo mejor es que el álbum entero se encuentra disponible para descarga gratuita Aquí!

Los Músicos de José – “Sesiones de Azotea (Beat Buffet Remix)”

No importa cómo sonaban las originales de Los Músicos de José (eternos pandro-funkeros instrumentales-sureños-chilangos). La onda es que sacaron un álbum doble, el Different Sounds (Remixes), en el cual prestaron los elementos de sus rolas a una sarta de productores y DJs, para que “hicieran con ellas un papalote”, como dicen por ahí. La compilación acabó por funcionar como una foto de generación para los activos de la escena, por ejemplo Dapuntobeat, Sánchez Dub, Play + Movil Project, Mood Fu, Dr. Zupreeme y hasta un talentoso rimador, de nombre Charlot. En Panamérika nos súper-latió la versión de Beat Buffet, un trío de DJ’s que no sólo le mash-upean, sino demuestran que sobre los sampleos que comienzan por sonar a la música de cantina de Star Wars y terminan por ser una salsita de Miami, se sacan de la manga un flow chabacano con una labia geek-hoppera, que ablandaría a cualquier hipsterette. Malabaristas del choro seductor y del software para cortar-pegar un buffet de beats chiditos.
Los Músicos de Jose – Sesiones de Azotea (Beat Buffet Remix) by Beat Buffet

Neon Indian – “Polish Girl”

El cuero regio Alan Palomo, fue exportado a Texas a los cinco años. Su proyecto Neon
Indian logró gran apreciación de la crítica anglo, mérito que se aplaude; al final es
de sangre tricolor. “Polish Girl” suena al periodo más sintético de los 80 con ácidas
fórmulas bien clonadas. El video cuenta como “se crea la chica polaca perfecta” en un híbrido que combina Weird Science, con la película de ciencia ficción tipo Nortec, Sleep Dealer.
Neon Indian – Polish Girl by artsandcraftsmx

Oddó – “Déjame dormir”

Chileno de 24 años con un trabajo que, como sugieren sus ojos, difícilmente lo deja dormir: salir de gira con Francisca Valenzuela. Cuando tiene tiempo se dedica a su nuevo proyecto personal que ha gestado como primer producto el disco Déjame dormir. ¡Que no lo dejen dormir! Dan ganas de escuchar más de este pop sudamericano, noventero, poderoso y frontal.
Déjame Dormir by Oddo

Odio París – “Cuando nadie pone un disco”

Pop en castellano que parece shoegaze en inglés que parece un cover de Los Planetas que en realidad es una adaptación musical de un poema de Pedro Casariego. Bravo por el primer sencillo de esta banda barcelonesa que llevaba años antojándonos un disco.
Odio París – Cuando nadie pone un disco by El Genio Equivocado

Pablo Malaurie – “Tripa Corazón”

Qué bonita canción de voz y ukulele con la que empieza El festival del beso, como de contratenor que llora, como de juglar posmoderno, como de berrinche tiki recubierto de argentinidad. En el futuro sabrán que así sonaba el folk sudamericano en 2011. Sepámoslo también nosotros.

Pedro Piedra – “Vacaciones en el más allá”

El cantautor, ídolo indie, soft rockstar y showman, Pedro Subercaseaux, o Pedro Piedra, consigue un tema bien producido, con acordes mayores, neurótico, casi festivo y que rima “set” con “mes”. El sonido fresquito de la guitarra y la voz inconfundible le terminan de conferir a “Vacaciones en el más allá” una aureola de clásico.
Pedropiedra – Vacaciones en el más allá by quemasucabeza

Quiero Club – “Qué hacer en caso de oír voces”

Una de las canciones más histéricas del año plantea conflictos y soluciones no demasiado importantes en torno al insomnio. El resultado es frenético, a pesar del ritmo moderado. La melodía dulzona de los versos y la potencia del coro quedan bien, o como dirían en Monterrey, “machan”. Rápidamente se convirtió en una de las más coreadas en los conciertos, con más ánimo entre las chicas del público que entre Priscila y Marcela, que cantan desganadas y sin sonrisas, pero con la fuerza que se necesita.
Que Hacer En Caso De Oir Voces by Quiero Club by Happy-Fi

Sidestepper – “Justicia”

Regresó un hito de la electrónica colombiana para celebrar sus quince años. Mensaje indigenista bajo la batuta de Richard Blair y destacadas figuras que han dado vida a este proyecto (Teto Ocampo, Lia Samantha y Goyo de Chocquibtown). Un paso más en la lectura global del folclor colombiano.

Skip & Die – “La Cumbia Dictadura”

Ya no es una diáspora del cumbé sino una epidemia de alcance global disfrazada de mumbatón o ñü-cumbia, miles de bedroom producers le juegan al perreo y al güiro, en busca del siguiente corte que logre iniciar las hostilidades sobre el dancefloor. Sin embargo, es muy fácil perder el rumbo en SoundCloud y acabar por encontrar oro de los tontos. Si hemos de nombrar una rola tropi-tremendista como anthem cumbioso, será el de Skip & Die, inesperado coloso proveniente de Holanda (¡quihúbole!), producto de la colaboración entre el productor Jori Collignon y la vocalista sudafricana Cata.Pirata. Tan dubstepera como cadenciosa, esta røla sí juega en una liga aparte al mezclar la cachondëría antillana con el siempre incendiario rollo anti-dictadura. Manu Chao y Diplo: A ver si ya se ponen a chambear, que estos holandeses les van a partir el queso…
La Cumbia Dictadura – Skip&Die by Skip & Die

Torreblanca – “Sí”

Resulta sencillo decirle “sí” a esta canción, sobre todo en los conciertos, en los que destaca por ser la más soleada, alentadora. Gustan la voz en segunda persona, el pianito, los coros de Andrea Balency. Como dice el coro: “¿Qué más puedes pedir?”. “Sí” tiene cara de tema memorable, como esas canciones que años más tarde escuchas en la fonda y te hacen darte cuenta lo rápido que ha pasado el tiempo. Sí, así como pasó con Julieta Venegas, otra que decidió decir “sí”.
Torreblanca – Sí [Album Version] by TorreblancaMX

Toy Selectah feat. Isa GT – “No pasma”

“¿Que no te gusta el parche? Pues andáte pa’la casa”: algo tienen las rimas de Isa GT, que en actitud confrontativa, ponen en evidencia a la alta sociedad cuando se va de rumba. Que si no bailan, que si ya no hay hombres, que están mal acostumbrados. Fue en este año que el Don de la cumbia electrónica, lanzó su Mex Machine en el sello Mad Decent, “No Pasma” destaca justo por ser vanguardista y dejar atrás los clichés de la ñü-cumbia: llámele ‘ravertón’ (reggaetón-raver) o mumbatón, este corte dibuja un interesante polígono de migraciones musicales entre Londres, Medellín, Monterrey y doquiera que ande el Toy, en su constante polinización cumbiera-transglobal.
Toy Selectah ft Isa GT – No Pasma by etoro

Wachiturros – “Tírate un paso”

Esta es la boyband villera que Mad Decent ha de estar envidiando. Reggaetón de la más aguda confección, desde Argentina para el mundo. Los Wachiturros son ñeros y con una dote de originalidad, grandes pasos, frases pegajosas y cachonderias puerco-agresivas. Dinamita para construir la más infalible bomba a explotar en cualquier fiesta en su etapa avanzada. Turro, dame látigo y tírate un paso.
Los Wachiturros – Tirate Un Paso (2011Edit) by DjKevinVTPeru

Con textos de: Felipe Arias, Almendra Hernández, Rodrigo Jardón, Claudia Jiménez, Jorge Pedro Uribe y Uriel Waizel. Arte de Óscar Reyes.

Parece que fue ayer cuando sacábamos la lista de lo mejor del 2010 y cuando menos nos dimos cuenta ya estamos una vez más aquí, en esa época del año en la que andamos todos despeinados y ojerosos pensando qué fue lo que más nos gustó. Finalmente aquí está:  el Lado B de los 20 discos iberoamericanos más chingones del 2011.

20. Los Animales Superforros – Coplas EP – Independiente [ARG]

Solemos descalificar a lo hispanoamericano y nos apantallamos por la deslumbrante –aunque engañosa­­– luz que emerge de los entornos anglosajones. Eso pasa con el folk: nos hemos acostumbrado tanto a proyectos como Animal Collective o Grizzly Bear que difícilmente nos sensibilizamos más allá de las fronteras culturales y geográficas que estos proyectos marcan; como si el folk sólo pudiese evocar a las Rocallosas, y nada más. La banda argentina Los Animales Superforros reproduce un sonido similar –quizá sin reinventarlo– pero con plusvalía: una paleta de instrumentos que remiten a los Andes, la Pampa o la Patagonia que ilustran majestuosos paisajes que cobran vida a lo largo de sus canciones. Su EP Coplas es un buen punto de partida para ahondar por el lado b del folk sudamericano, que tiene tanto que ofrecer.

02 – Señor de la Montaña by los animales superforros

19. Algodón Egipcio – La Lucha Constante – Independiente [VEN]

Algunos piensan en la música de Venezuela con charangas, voces con temblorina e instrumentos autóctonos-regionales. Afortunadamente Cheky –la mitad de Jóvenes y Sexys– ha cambiado estas percepciones con su proyecto Algodón Egipcio, en el que aderezó esta música con ingredientes más bien ácidos. Su debut, La Lucha Constante, podría estar inspirado por su afro, pues hipnotiza con paisajes psicodélicos vivos: un laberinto de viejas secoyas sin principio ni final, como su cabellera. El disco es una obra de Van Gogh que resalta perdido entre una exposición de Monet, una alternativa interesante pero sobretodo diferente de lo que Venezuela suele exportar.

18. Odio París – Odio París – El Genio Equivocado [ESP]

Hay muchos discos que poner para adquirir el gusto por Odio París. Y es que nos recuerdan al mismo tiempo a los ya clásicos de Ride y My Bloody Valentine, o a los más contemporáneos The Radio Dept. o The Pains of Being Pure at Heart. Y claro, sí, a aquellos que dieran fama Los Planetas. Más allá del namedropping, ¿cómo saber cuando una banda hace buen shoegaze, cuando éste es un género con parámetros tan difusos? Para estos barceloneses, en su debut, bastó con provocar esa extraña sensación entre la euforia y dolor, tormenta y paz, distorsión y melodía.

17. Los Mundos – Los Mundos – NWLA [MEX]

35 minutos de aguerrido garage, dreampop y shoegaze mexicano, de Los Mundos para el Mundo. Chivo y Luis llegaron como una buena oferta en tiempos de crisis, con un primer álbum homónimo de letras en español, fluidez narrativa, guitarras épicas, cuerdas procesadas y ese ácido sabor atmosférico que detona imágenes de nebulosas y algodones de azúcar rosados. Genuina actitud independiente que resulta en una buena oportunidad para disfrutar su más latente propensión al tinitus.

16. Da Cruz – Sistema Subversiva – Six Degrees [SE]

Sonidos enriquecidos de la diáspora africana con este material de un Brasil asentado en la lejana Suiza. La bahiana Mariana Da Cruz, destacada revelación de su país, trabaja ahora con el productor Anne H en una celebración a la diversidad que integra jazz, kuduro, sonidos etíopes, afrobeat, tribal y por supuesto la esencia de la música popular brasileña. El resultado: una rica gama de beats electrónicos y voces en portugués que deambulan por 16 cortes.

15. Varios – Gilles Peterson presents Havana Cultura 2: The Search Continues – Brownswood Recordings [UK]

El inglés Gilles Peterson, personaje conocido por su hambre de música latinoamericana, presenta un proyecto reprentativo de (lo que él considera) lo mejor en la música de vanguardia cubana. Se atrevió a tomar el riesgo de no sonar a World Music y ganó. Los temas impresionan tanto por la calidad de las grabaciones como por la coherencia discursiva del disco entero: una mezcla de jazz latino con hip-hop, trova, rumba y cha cha chá. En palabras del propio Gilles, su trabajo “ya no es una clase de historia sobre música cubana… es (escribir) la historia de lo que está pasando”.

14. Pedro Piedra – Cripta y Vida – Quemasucabeza [CHI]

Cripta y Vida es el producto de la inquieta imaginación de un niño hiperactivo que está aburrido y en la casa de su abuela. La fantasía de un puberto inventor al que el mundo nunca le será suficiente y que se enfrenta a él con lacónico humor negro, bajo un peculiar sabor a rock sudamericano. No es fácil saber qué de este disco es lo que lo hace tan seductor, quizás los hits instanáneos o el desencanto pop que se hilvana en todas sus letras, o quizá sea la incubación de algunos guiños e intenciones que saben a las más lúdicas ocurrencias de un nuevo rock latinoamericano.

13. Jessy Bulbo – Telememe – Independiente [MEX]

Humor negro, juegos vocales y sonoros, rebeldía creativa y ante todo, independencia a cargo de esta ingeniosa dama. Un auténtico viaje que pasa por los más variados destinos: bailes ácidos y burlones, una solemne declaración de amor, paisajes sonoros melancólicos y de nuevo la burla en un alegre corrido mexicano. Telememe es una indefinible bomba hecha con can-can, bolero, jazz, electrónica y lo que venga, en un álbum que le falta el respeto a los formalismos.

12. Helado Negro – Canta Lechuza – Asthmatic Kitty [EUA]

Helado Negro entregó en 2011 el íntimo Canta Lechuza, un álbum creado durante un internado en Connecticut, EUA. En éste gozaba de la tranquilidad del bosque y los humeantes despertares con un té por la mañana que proyectó en las once canciones del trabajo. Roberto Carlos Lange ilustró con el protagonismo de su voz suave, electrónica sutil y programaciones sencillas, una serie de paisajes idóneos para caminar en exteriores naturales. El resultado es un material único que departió libremente de lo que ya conocíamos del músico. La hipnótica “Lechuguilla” y la acogedora “Globitos” son los mejores ejemplos en la introspectiva placa.

11. Rob0ta – Vulgar Display of Power – Independiente [MEX]

Crecer con las fábricas de Vallejo como soundtrack de la infancia te puede dejar orate. No había que nacer en Sheffield o ser amigo de Daniel Miller para traducir los wastelands de la urbe marginal, en una música maliciosa y deshumanizada: ‘Kraut-Gandalla’ la llama Hugo Quezada, coleccionista dogmático de lo análogo y líder de este drone-trío chilango. Sea un pedal Ring Modulator o un sinte Roland MC-4, el mérito de Rob0ta está en el trabajo metódico de sacarle jugo a estos cacharros en desuso y después construir canciones (o meros grooves maquinales) con la agudeza clínica de un obrero cuya chamba es revisar la calidad en una línea de producción de tornillos y rondanas. Y a eso sabe y huele este disco: a Diesel quemado y al incesante martilleo de una troqueladora oxidada.

Con textos de: Felipe Arias,  Rodrigo Fernández de la Garza “Fo”, Almendra Hernández, Rodrigo Jardón, Claudia Jiménez y Uriel Waizel. Arte de Óscar Reyes.

Parece que fue ayer cuando sacábamos la lista de lo mejor del 2010 y cuando menos nos dimos cuenta ya estamos una vez más aquí, en esa época del año en la que andamos todos despeinados y ojerosos pensando qué fue lo que más nos gustó. Finalmente aquí está:  el Lado A de los 20 discos iberoamericanos más chingones del 2011.

10. Klezmerson – Siete – Tzadik [MEX]

Este no es el soundtrack de Cerdos y Diamantes, es Siete, el más supersticioso y afortunado álbum de Klezmerson. Después de dos discos, esta banda del D.F. trascendió la palabra “fusión” –malgastada por el World Music– para finalmente mostrar su proyecto a base de conceptos musicales vivos como una gringa de pastor que se sirve en un pan árabe. ¿Qué le vale a un disco un galardón si no transformó en algo a sus creadores? El tercer álbum de Klezmerson es el punto de ebullición de un proceso de trabajo que ha durado más de 8 años para lograr ser conciso. Klezmer, son, huapango, jazz, rock y agresiones musicales son los ingredientes con los cuales se cocinó este exquisito pozole kosher.
06 Zuntik by PanamériKa

9. Mostro – Libre para regurgitar a la intemperie – Quemasucabeza [CHI]

Nuestra primera escucha de Libre para regurgitar a la intemperie del dúo chileno Mostro, ocurrió por accidente, al seleccionar un disco que nos mantuviera despiertos a la medianoche, en la carretera. Más que brindar paz para el volante, el math-rock motórico, y perturbador, parecía el soundtrack para un videojuego maldito. Mostro prueba que basta una batería elemental y un teclado retro, para hacer algo que suena como IDM acústico, post-rock anfetaminado o una pesadilla donde Miles Davis jammea contenidamente en un versus contra Four Tet, Fuck Buttons y Arto Lindsay. Malviajoso, pero intrigante. No se preocupen, llegamos bien a nuestro destino: con tinitus en el oído, taquicardia y bien puestos.

8. Alex Anwandter – Rebeldes – 5AM [CHI]

Productor, director y músico multi-talentoso: Alex Anwandter ha pasado de ser el líder de la exitosa banda Teleradio Donoso a convertirse en el Prince de la escena chilena –en su papel de Odisea (2010)– y de ahí a una faceta mucho más personal, ahora bajo su propio nombre. Resulta menos agresiva musicalmente, pero es mucho más fuerte en un sentido íntimo; denota el crecimiento discursivo, mucho más desnudo, en sencillos como “Tatuaje”. Una nueva cara críptica y emocional cuyo culto al pop sigue protagonizando esas rupturas musicales y las escenas más bailables y nocturnas de la música de Anwandter. Esta es una placentera embestida de estrobos y neón, amarga y a la antigüita.

7. Frente Cumbiero – Frente Cumbiero Meets Mad Professor – Radiocápsula/British Council [COL]

La vanguardia y memoria histórica hechas sabor en este ensamble son el que Mario Galeano resume años de investigaciones sobre las raíces de la cumbia. Detrás del baile, aparecen las remezclas en dub del legendario Mad Professor, en un genial reencuentro de sonidos de la afro-diáspora. Mientras que el sabor contemporáneo se deja ver en las colaboraciones de La 33, Monareta y Li Saumet. Y como un valor agregado, este es el primer álbum de cumbia que se vuelve a editar en vinilo, tras más de quince años. El Profesor Loco y el Frente Cumbiero, en busca del Eslabón Perdido entre África, las Antillas y Colombia.

6. Kali Mutsa – Ambrolina EP – Shock Music [CHI]

“Sonido sultánico” de las cumbres andinas o, para simplificar, un álbum sorprendente y cosmopolita. La chilena Celine Reymond, con este EP, nos propone saltar bruscamente del Imperio Incaico al Imperio Mogol (con lo que quepa en el medio) a través de evocaciones rituales, psicotrópicas, andinas, gitanas, amazónicas e indo-bombásticas. A pesar de lo corto del viaje, vale la pena hacerlo alucinando con las letras, melodías y videoclips de una “gata negra” que dará mucho de qué hablar en 2012.

5. El Columpio Asesino – Diamantes – Mushroom Pillow/Terrícolas Imbéciles [ESP]

Los integrantes de El Columpio Asesino no son unos críos que acaban de comprarse un disco de Spacemen 3 y citan a los Silver Apples en sus conversaciones, cruzados de brazos al fondo de una bodega convertida en club under. No, para los de Pamplona este es el cuarto trabajo en 11 años de andar por la angulosa senda de lo punzocortante y autodestructivo. Diamantes es el álbum más claro y directo de la banda, en el cual abren un abanico de kraut, shoegaze e industrial, donde “Toro” resulta la epítome de sus intenciones, y funciona como trampa para caer en el vértigo de nueve cortes que saben a aspirinas masticadas, manchas de sangre y resaca a mediodía en la carretera.

4. Juan Cirerol – Ofrenda al Mictlán – ValeVergas Discos [MEX]

Corrían los primeros meses de este año cuando en el Distrito Federal comenzaba a sonar el nombre de Juan Cirerol. Su disco ya existía pero a penas llegábamos a él, o él a nosotros, como traído por un juglar demorado en épocas de la Revolución. Ofrenda al Mictlán cobró un agudo impulso durante este año, a pesar de ser, por mucho, el fenómeno más extraviado en la escena de la música alternativa mexicana. A Dios gracias lo tenemos aquí. Heredero del Piporro, del Flaco Jiménez o de Los Pikadientes de Caborca, el punk más folk de nuestra escena llegó con torta bajo el brazo: 15 estrictas canciones de poesía oral, y una tradición norteña referida por la mirada y el estilo de vida de un huerco contemporáneo, pero no cualquiera, uno con una musicalidad evidiable.

3. Adrianigual – Éxito mundial – Cazador [CHI]

Este disco es más que un disco; es una fiesta que celebra la reinvención del pop con ironía posmoderna, salvaje y desenfrenada mezclando música electrónica, disco, pop ochentero y funk. Líderes de la escena que ha explotado en Chile, Diego Adrián y Nacho Aedo presentan un álbum que engancha con sencillos pegajosos como “Arde Santiago” y “Me Gusta la Noche” (con sus respectivos y originales videoclips), pero con temas cotidianos de manera cínica: como la posmodernidad, el juego de la desigualdad social y la superficialidad del mundo nocturno de la fiesta. Señores, nuestro mundo es una porquería; mejor hay que bailar.

2. Astro – Astro – Discos Río Bueno/Terrícolas Imbéciles [CHI]

Henos aquí, en el 2011, atestiguando un nuevo episodio musical de Ahí viene… Cascarrabias en su versión tropical, con colores vibrantes, imágenes fantásticas y trazos épicos; una lectura seductora y psicodélica del universo, que se desdobla en trillones de viajes hacia cualquiera de las galaxias. Bienvenido al imaginario de Astro, con extrema amabilidad será recibido por sus excitadas líneas musicales que destellan multidireccionalmente entre coordenadas de sintetizador. El disco homónimo de Astro es un manifiesto de un estilo trabajado, un desfile de estímulos transversales a la era digital. ¿A alguien le importa a qué banda über-hipster se parecen?

1. Bam Bam – Futura Vía – Arts & Crafts [MEX]

Monterrey ocupa un lugar muy pequeño en el mapa del Cosmos: Sin embargo, un freeway intergaláctico está por ser construido en este 2012, y más vale que los regios tomen caminos alternos porque no habrá intervención divina, sino un inevitable choque de galaxias. A todo esto, unos rockeritos de garaje han sido contactados por una entidad supra-humana llamada Metatrón, para prevenirlos de la inminente catástrofe e iluminarlos con una música que canalizaron y plasmaron en el accidentalmente genial Futura Vía: Obra magna del space-kraut-progre-drone-rock nacional, un álbum de concepto en espiral, acerca de viajes transdimensionales, producida por Martin Thulin de Los Fancy Free, con impecable edición de Arts & Crafts México. Mitad Hombre Sintetizador, mezclada con la melancolía de los Flaming Lips, los Bam Bam crearon una especie de Dark Side of el Cerro de la Silla. Surfeadores del Zuvuya, saquen los porros: En este disco está la guía para el mochilero de la Galaxia, el Talmud del Apocalipsis Maya en el 2012. Damas y caballeros: estamos flotando en el espacio…

Con textos de: Felipe Arias, Rodrigo Jardón, Claudia Jiménez y Uriel Waizel. Arte de Óscar Reyes.

Adrián Juárez

Tu nombre es fresa

(Frígida Records, 2011)

Adrián Juárez, originario de La Plata, Bs As, Argentina, se presentó de manera aleatoria por medio de un tímido mensaje vía Facebook que contenía un breve saludo y la liga de su Bandcamp. Puse play, y en lo que menos pensé, su modesto folk con dejos de IDM se apoderó de la habitación. Cada segundo de marcha andante dejaba ver con claridad una juguetona, compleja e increíblemente austera orquestación que caía, en forma de mermelada, sobre consistentes ritmos chocolatosos de guitarras y charangos; todo acompañado de deliciosas melodías, y —muy importante— sin dejarme en un coma diabético.
Investigué un poco más y encuentro que Adrián estudió piano durante 7 años para un día tomar cualquier otro instrumento a su alcance y sacarle el mejor de los provechos. También tiene en su historia por lo menos 3 materiales (para sorpresa de todos, el joven tiene más discos que Aerosmith y nos pidió corregir esta nota para hacerle honor a sus 80 producciones. Si no nos creen, acá pueden preguntarle) como solista y otro par con contribuciones bajo el sello que él mismo dirige llamado Frígida Records; netlabel que cuenta con 80 discos disponibles para descargar gratuitamente, entre ellos un EP viejísimo -2006, je- del ahora reconocido proyecto chileno El Sueño De la Casa Propia.
Tu nombre es fresa nos propone 10 temas que en sólo 22 minutos dan vida a un clásico redondo y de bolsillo que te conquistará con la sinceridad de sus letras y la grandilocuencia de sus arreglos.

Escucha y descarga acá

Siempre es difícil ser una promesa, las posibilidades infinitas en las que se desarrolla la vida humana y animal nos impiden saber a ciencia cierta si una promesa es efectivamente lo que creemos que es o sólo nuestra idea de lo que debería ser. No es el artista el que nos promete algo, si no nosotros mismos quienes presionamos la realidad para que se adecue a nuestras expectativas, de una manera totalmente egoísta.

Dicho así, sentimos vergüenza de poner nuestras esperanzas en un artista, pero ¿no es acaso eso lo que los vuelve en una especie de semidioses a los que admiramos y a los que queremos cerca?

Es esta deidad la que ha logrado Fakuta entre sus fanáticos. “Al vuelo” su primer largaduración ha sido largamente celebrado por quienes han recibido su sonido.

Hoy nuestra recomendación recae sobre el que será su segundo single, “Aeropuerto” una canción que resume en buena manera la experiencia de este primer álbum que ya el año pasado encendía la ansiedad de quienes conocían el show de Fakuta.

El pop reflejado en “Aeropuerto“, envuelve el cuidado con el que Fakuta se enfrenta a la composición y su interés en entregar – sobre todo – una cuidada voz que por sí sola ya es capaz de arrastrarnos y entregarnos a la música.

Fakuta – Aeropuerto by CazadorPanamerika

Y qué cosa más afable que el arte de dialogar, cuando un argentino funge como interlocutor. Así que tomamos el teléfono (con algunas peripecias técnicas de por medio) y llamamos de México D.F. a Buenos Aires, para encontrar a Kevin durante un momento absolutamente cotidiano y familiar. Agradecemos su buen humor para platicar sobre tópicos como el dibujante Liniers, grandes hits como “La cumbiera intelectual” o “Guacamole”, el sofisticado sello donde él comenzó (Los Años Luz Discos) y algunos planes a futuro (¿coquetearía con la industra latina en Miami?).

Así es que si Kevin Johansen nos regalo 10 minutitos de su tiempo, usted haga lo propio y pose su mirada sobre esta charla a larga distancia…

Uriel Waizel: ¿Tienes 10 o 15 minutos para platicar?

Kevin Johansen: Unos diez minutos sí, cómo no, estoy en la plaza con mi hijo y su abuelo.

UW: ¿Dónde estás ahora? ¿en Argentina?

KJ: Sí, estoy en Buenos Aires.

UW: Suena como de ensueño que estés en una plaza con el abuelo y el hijo.

KJ: Sí, mi padre vive en Nuevo México y vino a visitar a sus nietos unos días así que lo estoy aprovechando al máximo.

UW: ¿Qué es lo que ves alrededor de ti, lo podrías narrar?

KJ: Ahora estamos frente a una canchitas de fútbol en el Parque las Heras, que es una plaza bastante grande, estamos a la sombra, hay un par de árboles, se ven Palomeros y Ombúes, que son árboles muy viejos. Veo a mi hijo jugando con un amiguito nuevo así improvisado en el momento, con unos troncos en el árbol de antaño.

UW: ¿Qué cuenta el Abuelo, te está contando alguna historia o qué observaciones hace?

KJ: No, el abuelo está mirando, está tomando su cafecito, mirando Buenos Aires que es bastante diferente al lugar que es Nuevo México.

UW: ¿Estamos en Primavera en Buenos Aires?

KJ: Sí, estamos en Primavera y es día de sol, hace un poco de fresco pero está lindo, el sol está muy bien.

UW: ¿A ti te gustan los árboles, la botánica?

KJ: La verdad que no, simplemente para observar.

UW: Hablando de niños, me gustaría que me platicaras, o me dijeras tus visiones sobre Liniers, el caricaturista con quien colaboraste en el álbum en vivo (donde él, simultáneamente, pintaba un mural). Yo personalmente estaba caminando un día sobre la calle Borges en Buenos Aires y entré a la librería que se llama “El Crack Up” y ahí me compré por accidente una postal del gato de Liniers y un libro Macanudo, la verdad es que no lo conocía pero quedé enamorado de inmediato y créeme que soy el mayor evangelizador de Liniers en México. Han comprado el cómic Macanudo por lo menos 20 personas a partir de mí. Sería “socio pirámide”, si hubiera tal cosa con Liniers. ¿Cómo te llevas tú con Liniers? ¿vas a tomar el café, pasas tiempo con él? ¿Cómo son amigos?

KJ: Sí, obvio, obvio. Pasamos tiempo, compartimos, de algún modo combinamos las dos disciplinas y estamos juntos en algunas giras, él está presente, omnipresente con sus dibujos y animaciones en los espectáculos nuestros junto a The Nada. Siempre, y a veces inclusive está físicamente con nosotros, es un gran amigo, que me encontré en la vida hace unos diez años. Me escuchó por radio con un personaje llamado Fernando Peña, propagándome el primer disco The Nada: el que tiene “Guacamole”, “El círculo” y otros temas. Y le gustó y me escribió un mail y se hizo el humilde, envió unos dibujitos echándose a menos. Yo ya lo conocía, tenía una tira que se llamaba Bonjour Liniers en Página 12 luego se pasó a una serie de cosas con Macanudo y como decimos “pegamos onda”, empezamos con una reunión… había un cumpleaños, había un asado. Una amistad muy orgánica, de juntarnos de a poco y tomarnos confianza y después nos empezamos a dar cuenta que había una afinidad también estética más allá de que son disciplinas diferentes, necesitábamos un mercado. La verdad es una gran amigo que, tengo el placer y el honor de colaborar con él en el libro Oops! y en el espectáculo en Buenos Aires.

UW: ¿Puedes recordar algún personaje favorito que tengas de Liniers? ¿Alguien con el que te identifiques, que te cause risa?

KJ: Hay varios: El Robot Sensible, El Traductor de Películas, a mí me gustan esos personajes que aparecen cada tanto: El Misterioso Hombre de Negro, muchos… todos tienen algo entrañable: Fellini El Gato, La Niña, todos tienen algo. Me gusta porque él también es un degenerado que le gusta renovar y cambiar y alternar como sus personajes. Todos tienen algo.

UW: Ahora que mencionas a El Hombre Misterioso de Negro, es de los mejores, porque es muy caótico, muy infernal. Estoy interpretando ahora que hay una línea que te puede unir con Liniers por que tú también eres un caricaturista de cierta manera: tus canciones son caricaturas de la vida diaria, viñetas de personajes. Caricaturas de músicos a los que tú admiras como Bob Dylan o Caetano Veloso.

KJ: Sí, sí, claro. La influencia está ahí absolutamente, también creo que por ahí nos une el hecho de jugar un poquito con la ingenuidad, algo naive y por debajo te pillamos. Yo digo que la ironía es tristeza disfrazada y hay una cuestión de reír por no llorar pero también hay, a mí lo que me interesa en algunas de las letras, sobretodo cuando abarco el tema del humor o de ironía es que te obliga… es como un burka bajo el cual se pueden decir las verdades más tremendas entonces obliga al oyente o al lector a una segunda lectura, a rascarse un poco la cabeza “¿A ver qué quiso decir este hijo de su madre?” ¡Ahhh! Esto… -uno cae-. Como una canción de Sabina cuando te hace reír la primera frase con una carcajada y luego por ahí a los tres minutos te planta un lagrimón.

UW: Sí, lo entiendo. Platícame, yo sé que siempre te han de preguntar sobre “Guacamole” y “La Cumbiera Intelectual”, no voy a dejar de hacerlo porque nos encantan estas canciones y han estado sonando en la radio de México desde hace 8 años que las oímos por primera vez, y no nos cansamos y siempre va a haber una persona que la escuche por primera vez y va a decir: “¿Qué es esa canción?” La cosa que te quiero preguntar es: a partir del videoclip de “Guacamole” que es muy antojable y apetitoso ¿En qué momento se te ocurrió la canción, fue en una tardeada, fue en un asado?

KJ: La verdad es que lo que más recuerdo de “Guacamole” es estar leyendo en Brooklyn y en ese momento mi mentor era el dueño de CBGB Hilly Kristal, que en realdad me motivaba un poco a aprovecharme de mi bi-culturalidad, esa cosa gringa y argentina o gringa y latina y me decía: “Tienes que aprovecharlo” luego me decía cosas terribles como: “¿Porqué no pruebas hacer un tango en inglés?” Yo decía: “No, me van a matar en Buenos Aires”. Pero creo que fue un poco motivado por él, le decía cariñosamente que él era mi mentor. Porque él era un tipo que hacía hincapié en eso : “Tienes que mezclar y fundir tus dos culturas”. Yo quizás era un poco tímido con eso, me daba vergüenza a veces mostrar alguna canción en castellano o me daba pudor mostrar una mezcla o algo en spanglish y él me motivaba para no, al contrario. Creo que “Guacamole” salió una noche en Brooklyn, extrañamente empecé a jugar como un cadáver exquisito, poesía temática, con las palabras, con la sonoridad y a ligar palabras hablando de comida y mujeres. Eso es “Guacamole” el espíritu de desparpajo de combinar: y la canción no dice absolutamente nada.

UW: Luego es una viñeta de una tarde en un asado platicando de todo y de nada, comiendo celebrando con mujeres bonitas.

KJ: Sí, es muy extraño y la gente se identifica con esas actividades y con ese desparpajo bueno en la música que está ahí fuerte y la noción de esa mezcolanza. En el disco The Nada le puse “(Tex-Mess)” como Mexicano.

UW: La pregunta con “La Cumbiera Intelectual” es que descubriste un arquetipo, no hay mujer a la que no le quede esa camisa, mi pregunta es: ¿Existe La cumbiera intelectual, esa diva que te inspiró o existen muchas cumbieras intelectuales?

KJ: Existen muchas, en realidad surgió cuando vivía en Argentina en el 2000 empecé a ir a una bailanta por curiosidad, una bailanta es un lugar donde se baila cumbia aquí, y en las bailantas había notado, después de diez años de vivir afuera en Nueva York, del 90 al 2000 que la cumbia había sido más afectada por la gente supuestamente de las capas medias, con cierta cultura, universitarios y noté que había niñas bien, educaditas, bailando con otros muchachos que quizás no tenían tanta preparación y me guié por una fantasía basada en esas observaciones a ver qué pasaba. Aquí pasaba algo, había una niña con cierta educación bailando cumbia que hacía diez años eso no era tan común. Ahí había una persona, la persona de “La Cumbiera Intelectual”. Después con el tiempo fue increíble porque gracias a que la población de cumbieras intelectuales continúa en aumento, siguen pidiendo por esa canción.

UW: Cuéntame ahora del maravilloso sello en el que grabas en Argentina. Que es también la casa para Axel Krygier y Lisandro Aristimuño. ¿Quiénes son los dueños? ¿Cuál es su filosofía?

KJ: Bueno, Los Años Luz Discos fue justamente un signo muy importante a fines de los noventa y principios de los 2000, cuando yo vuelvo en el 2000-2001 Javier Tenenbaum y Nani Monner Sans, los dos fundan Los Años Luz, se interesan en ese disco que yo traigo bajo el brazo, The Nada, un amigo me dijo: “Hay un tipo, Javier Tenenbaum que yo creo que le gustaría”- le pareció que el material estaba bueno y que tenía que ver con el perfil de Los Años Luz y dijo- “quizá le guste”. Y efectivamente Javier me dijo: “Me gusta el disco, no tengo ahora el dinero para sacártelo”- porque era el 2000, previo de la crisis en Argentina – “pero principios del 2001 lo podremos sacar” y en abril lo sacaron y tuvo una muy buena respuesta y ellos son de esos melómanos que ya no hay y bueno como lo han visto presentando como mencionaba a gente que tiene un perfil muy diferente, muy variado como puede ser un Axel Krygier de un Lisandro Aristimuño, Lerner-Moguilevsky ahora inclusive invitaron a unos miembros de The Nada, de mi banda, como La Familia Ingle también está Sebatian Massolo, Cheba Massolo, Mariano Massolo que fue guitarrista y armoniquista de The Nada, la verdad tiene una raja de personas que siguen apostando a música paulatinamente popular, por ahí no sé si exista pero con el tiempo puede llegar a ser efectivo en determinado público.

UW: Están marcando tendencia. Yo creo que sí es un sello boutique, un sello de vanguardia, y se agradece que existan casas así, ya no vemos muchas disqueras de este tipo. La última pregunta, ya para dejarte disfrutar de la familia. ¿En qué rollo estás ahora? Me encantó el disco de Logo, me gustó el rollo del anti-consumismo y básicamente me gustaría que me contaras ¿en qué trip, en qué andas ahora para las nuevas grabaciones? ¿Qué obsesión te llena la cabeza?

KJ: Bueno de hecho a pesar de estar en Sony, estoy haciendo dos discos, lo estoy grabando en el estudio donde grabamos Sur o No Sur y donde grabamos City Zen. Los discos que salieron inicialmente y de hecho lo estoy co-produciendo con Javier Tenenbaum. Un disco que probablemente se llame Subtropicalia o El Subtropicalista con un guiño a Uruguay y Brasil, los países vecinos de aquí de la Costa Atlántica y por otro lado grabando con Tweety González un disco más eléctrico, más rockero. A él lo conocí en México hace dos años y medio y bueno nos dieron ganas de hacer algo juntos y le tiré unos motivos musicales en la cabeza que le gustaron y ando, se podría decir, con un disco algo folklórico del Cono Sur y otro disco más rockero, más eléctrico, posiblemente inclusive capaz que sale como disco doble.

UW: ¿En algún momento te gustaría irte a la escena de Miami y colaborar con estos monstruos como Shakira, Pitbull o algo así? ¿Te gustaría hacer una travesura de este tipo o prefieres el bajo perfil?

KJ: No bueno, Miami a mí realmente no me atrae mucho pero son disímiles y pueden completarse el uno al otro y la verdad que trato de ser lo menos prejuicioso posible, aunque a veces es difícil. Creo que en esta vida hay que probar de todo.

Entrevista transcrita por Lety Floresmeyer @Minidisasters

Gracias a Bernardo Pérez Dounce por el MacGyverismo con el que logramos conectar el phoner.

Y a Óscar Magnos, promotor, por que finalmente alguien trajo a Kevin Johansen a tocar a México. ¡Ya era hora!

Los dejamos con el clásico video de “Guacamole”

Hoy nos llegó por vía directa de Pepe Mogt la columna que Heriberto Yépez escribió para el diario Mileno “Nortec Makes Me Happy”. Parece que Yépez es un fan from hell de Nortec y se le nota muy entusiasmado con lo ocurrido, pero hace una observación que sí merece ser reflexionada: lo ocurrido ayer es un paso más para la escena alternativa en su búsqueda de difusión. Hace un comentario relevante sobre la inauguración, dice que fue el día en que, en México, “Dos mundos se toparon: la industria del entretenimiento y la escena alternativa, electrónica”. Parece que por fin les han dado su lugar.

En este lado de la moneda vemos frecuentemente pequeños espacios de interacción entre esos dos mundos, por ejemplo: apariciones de Natalia Lafourcade, o Lo Blondo en Televisa; y con todo y que, en nuestro universo de talentos, Nortec es lo más mainstream de lo que nos toca hablar, Yépez tiene razón, habrá que reconocer la dimensión de lo que ha ocurrido y las posibilidades que desde aquí pueden irse abriendo para las escenas locales.

Estos eventos tuvieron algo de diferente, se eligió dar lugar a un espectáculo comandado por un proyecto con historia en la escena alternativa mexicana por encima del multimillonario pop de la industria musical nacional. ¡Más de estos! Enhorabuena para Ely Guerra y Nortec, el siguiente paso ha de ser lograr que se cuelen proyectos alternativos más jóvenes y con mayor frecuencia.

La columna de Heriberto Yépez puede ser leída en el suplemento Laberinto, del diario Milenio (México) e incluye una entrevista con Pepe Mogt.

El grupo barcelonés tiene un club de fans en México, pero no en España. Han venido a nuestro país cuatro veces. Se han hecho amigos de músicos y periodistas locales. Pero no conocían la Casa de los Azulejos, en el Centro Histórico de la Ciudad de México. “Es que nosotros no somos turistas”, fue el argumento de Belly, responsable de los teclados y programaciones. Tiene razón. Cada vez que vienen es para trabajar. No han podido conocer siquiera un museo. Por eso me la llevé a ella, y a Bart, bajista, a este lugar emblemático del Centro para que conocieran los molletes y otros clásicos de la gastronomía defeña. Desayunamos en el patio, a nada del tecladista que toca a un lado de la hermosa fuente. La pasamos bien hablando de Astrud, Hidrogenesse, las ganas de pasar una temporada en México el próximo año y sobre todo de la gira internacional de casi dos años que están por terminar y en cuyo último concierto habrá una colaboración de Manolo, de Astrud, por cierto. También me contaron, por supuesto, del motivo de su visita: la reedición del disco La ciudad subterránea, en el que participan artistas mexicanos como León Larregui, de Zoé, en el caso de “Simulacro de Emergencia”, un temazo para bailar o escuchar a todo volumen, el cual aparece al final de esta entrada. Como puede apreciarse en la fotografía Jonathan Villicaña, de Terrícolas Imbéciles, nos acompañó durante este desayuno de sonrisas, pan dulce y café “aguachirri” (aguado) que originalmente iba a ser en la cafetería del Palacio de Bellas Artes, en donde empiezan a servir los desayunos ¡a las 11 de la mañana! Extrañamos a Marc y a Jordi. Pero ya nos veremos todos, ya sea mañana jueves en el concierto en el Caradura, el viernes en el Cervantino o el sábado en Cholula. ¡Buen provecho!

Simulacro de emergencia (Ft. Leon Larregui) by Terricolas Imbeciles

“¿Es como trova, no?” Me pregunta una neófita, una recién convertida al johanismo. Cómo molestarse. Algo hay de cierto, aunque los puristas declamen: “cumbias flamencas, celtic, sambarera, hip pop…”.

Kevin, nacido en Alaska, absorbió muy bien los ritmos, géneros y, sobre todo, las dos lenguas que ha usado a lo largo de su vida para presentar un producto que más que ecléctico resulta integrador. La música de Johansen es sudamericana pero resulta innegablemente universal. Es un ciudadano, un city-zen del mundo.

Hay mucho más en su música que lo lúdico de la superficie. Existe una inteligente crítica americana. Su localismo argentino, salpicado de voces inglesas, se convierte en un mensaje que refleja realidades de toda América Latina. “Sur o no sur”, le pertenece por igual a un argentino que a un mexicano: “Me voy porque aquí no me alcanza, / me vuelvo porque allá me echan”. Parece que para Johansen el sur comienza del río Bravo hacia abajo.

Hay tres claras vetas en la música del argentino: la romántica, liderada por “Desde que te perdí”, “No voy a ser yo”, “El palomo” o “Ni idea”; la humorística con ejemplos como “La falla de san Andrés”, “Guacamole” o “Amistad de borrachera”, y la contestataria o de contenido social como: “McGuevara o CheDonanld’s”, “Milonga subtropical” y “Sur o no sur”.

Todos estos ejes creativos confluyen en “La cumbiera intelectual”, una suerte de himno adolescente, de crecimiento, de unión de los dos ingredientes que a Johansen más le importan: la música regional y lo cosmopolita. El tema se convirtió en su poética, en la llave de sol para comprender su demás producción. Habrá temas mejor logrados o más trabajados, pero ninguno dice más acerca de él.

Kevin Johansen es un palomo en celo, su desvelo lo causa el amor ideal y también la utópica idea bolivariana de América Latina. Autor imprescindible de la música hispana que borra fronteras. Es gemelo de Claudio el Piojo López y tiene el cantadito rioplatense, pero siempre pasa por paisano.

Se presentará en la Ciudad de México el 2 y el 3 de noviembre en el Lunario del Auditorio Nacional.

107 Faunos

Por Cristóbal Bley, Sello Cazador.

Hay algo que tienen algunas canciones y que no se explica muy bien. Algo: una emoción que entra en efervescencia, que para los pelos, que aprieta el esófago, que asoma las lágrimas. Es algo que no sabemos, y que puede ser el arreglo de guitarras, la melodía, la letra o todo eso junto. Y también ahí está el brillo: no tener idea qué carajo es lo que produce esa rendición hacia una canción, eso que
obliga a escucharla diez veces al día, muchas seguidas.

Esto que no pudimos definir —pero que llamaremos Algo— es lo que inunda de principio a fin a Creo que te amo, el segundo álbum de los argentinos 107 Faunos. Canciones cortas a la Guided By Voices, empujadas por las guitarras, lideradas por irregulares voces que le aportan toda la identidad y empatía. Todas tienen este Algo que energiza y emociona, y antes de que te des cuenta ya estás de rodillas en tu cuarto gritando las canciones hasta la afonía. No se explica:
letras sobre autopistas de La Plata salen de tu boca solas cuando caminas a comprar el pan, cuando pedaleas al próximo partido de fútbol, cuando estás a punto de ver a tu novia. Las canciones de 107 Faunos consiguen rápido lo más difícil: meterse de cabeza y sin preguntar en el inconsciente, y desde ahí hacer ruido.

Y si hay que elegir uno de todos los temas de Creo que te amo —aparecido en 2010 bajo el sello Laptra—, ese es “El imán de lo nuevo”. Sintetiza perfectamente todo lo que decíamos: corto y rápido como un golpe de Muhammad Alí, te deja tirado en la cama mirando el techo queriendo más. En un minuto y medio logra empezar lento, crecer, repetir el coro, meter un solo de guitarra y sentir que tu vida cabe en 94 segundos.

Creo que te amo, así como los discos anterior y posterior a éste, pueden bajarse desde el sitio oficial de 107 Faunos.

107 Faunos – El imán de lo nuevo by CazadorPanamerika

Ningún festival debería empezar a las 11 de la mañana, en principio porque es prácticamente imposible llegar a tiempo, seguido de que es una auténtica proeza mantenerte de pie 12 horas ante un sol celoso del verano continuado por ráfagas de viento frío que comienzan a sentirse en los huesos al atardecer. Sumemos que este tipo de festivales son una máquina de quitarte dinero: una cerveza a $40 pesos. ¿Es en serio, CC11? ¿Es en serio?.
Hay que remarcar, por supuesto, que es esperanzador que se le dé oportunidad de mostrarse a bandas emergentes mexicanas como Little Ethiopia, El Cuarto o Yellow Yesterday, sin embargo es lamentable que sus matutinas presentaciones queden como un mero registro capturado por familiares, staff o amigos de la banda, o bien, como mera acción curricular.

Como cualquier simple mortal afectado por el tráfico, la demora de amigos o la resaca del día anterior, logré llegar rayado a la presentación de El Columpio Asesino (14:40 hrs) quienes mantuvieron un set poderoso e incluso bailable que dio buena presentación a su más reciente LP Diamantes (Mushroom Pillow/Terrícolas Imbéciles, 2011). Los de Navarra abrieron con “Floto” de su grandioso De mi sangre a tus cuchillas y cerraron con un cover de “Vamos” de Pixies, creo que más bien tocado para simpatizar. Me vino bien comenzar a esta hora y con esta banda… Aunque lástima me dio perderme a Wavves y a Javiera Mena.

Intenté ahondar en The Antlers, pero mi visita fue más fortuita por encontrarme a viejos conocidos que por el performance desplegado, habrá quien no esté de acuerdo conmigo, claro está. Disculpen, no soy muy fan y simplemente no me atraparon. Así que me devolví al escenario Bizco Club a ver a No Age, de quienes esperaba más loops y delays y no una presentación clásica de garage, que, aunque muy concisa e interesante para pasar el rato, no fue nada muy impresionante. Perdón, otra vez…
Pudimos quedarnos ahí mismo a ver a These New Puritans, una gran propuesta: Trip-hop confortante ante al fastidioso calor y “una de esas cosas que te da gusto que traigan”— como dijo mi amigo que viajó dos mil kilómetros para dejarse sorprender—. No pudimos quedarnos hasta el final porque en el Escenario Corona nos esperaba Mogwai. Es difícil enfrentarse ante cosa más poderosa, (quizá My Bloody Valentine los supere en decibeles), pero aún así era difícil poder intercambiar comentarios; y qué bueno, quizá no había nada que decir, sólo dejarse abrazar por la distorsión y el brillante ensamble. Así deberían sonar todas las guitarras del mundo.

Nos fuimos cargados de la brillante presentación de los escoceses, apurados para alcanzar el último suspiro de M83. Vimos correr a más de uno, viéndolos perderse en un mar de fanáticos coreando “Kim & Jessie”.
Acabó y nos dimos vuelta a un mutilado Cansei de Ser Sexy, incompleto y con la nefasta pretensión de una Lovefoxxx que hablaba en inglés a su público mexicano. ¿Dónde quedó el espíritu de La Liberación? Parece que desea hacer de CSS su recinto solista. Aunque el ambiente era bueno por la inclusión de clásicos instantáneos como “Alala” o “Lets Make Love and Listen Death from Above”, no fue de lo más convincente.

Nos dimos vuelta nuevamente para toparnos con Toy Selectah+ 3Ball Mty (Girl Talk goes Tribal?), no tanto que estuviésemos entusiasmados por verles, sino porque queríamos cotorrearla con The Rapture, (ajá, otra banda que hubiese sido mucho mejor ver a principios de los dosmiles). La tercera fue la vencida para ellos, hubo dos falsos comienzos que afortunadamente no comprometieron su presentación. En lo que menos me di cuenta, la fiesta me había costado mis lentes favoritos, acabaron pulverizados bajo las suelas de una eufórica e incontenible masa de jealous lovers.

Partimos al Escenario Capital a ver a una de las razones de la asistencia de muchos: Portishead. Si les dices Portis-head o Porti-shead ¿qué? La belleza inmaculada no conoce de pronunciaciones. El impresionante trabajo visual y la ideología hicieron de ésta una épica presentación, con un set perfecto que eclipsó el cielo del D.F. y que seguramente tardará en abandonar la memoria de todos los que lo presenciaron.

Con Portishead en mente, partimos en son de congregación a ver a The Strokes. Ver a Casablancas y compañia fue otro ejercicio de nostalgia, de esos que tanto les gusta explotar a los festivales capitalinos, una ráfaga de recuerdos de hace 8, 10 años. Buen show para tachar en tu librito de bandas que te gustaría ver, pero que, al final, su sonido se lo llevó el viento.

Al final, fatigado, con la cara roja, el bolsillo vacío y después de tener encuentros del primer tipo con todo usuario de Twitter y Facebook, me adentré, ya sin amigos, a un mar de taxis para poder buscar de nuevo el camino a casa. Corona Capital 2011 ha valido el desgaste.

Foto: Martín Batallés

Por: Diego Sepúlveda, Director Sello Cazador.

Hace días que estaba buscando una canción que tuviera guitarras acústicas, pero no cayera en el arquetipo del folk. Bastante hemos tenido de Devendra Banhart y su – ahora – limpio cabello. Es por eso que decidí descargar la última producción de los uruguayos Carmen SanDiego, después de recordar una recomendación de Milton Mahan; vocalista de Dënver.

Lo primero que me gustó de la banda era la sensación de un pop cuidado, pero al mismo tiempo sucio. Música que en su fachada muestra los elementos necesarios para calzar en el marco del pop común y corriente, pero que en su trasfondo esconde distintos niveles de degradación del ser humano.

El track que he escogido en esta ocasión en particular, “Piba Chorra”, recuerda de buena manera a Violent Femmes. Da gusto el giro que logra la canción adaptándose a una realidad latinoamericana. En sus canciones más acústicas, Carmen SanDiego, también están cerca de los Moldy Peaches, quienes encarnan perfectamente esta idea del pop con menos forma, que logra arrebatarte un piso seguro sobre el que pisar cuando los escuchas. Es peligroso y seductor, pero no abusa de ese recurso.

Me asusta, pero me gusta, parafraseando a Gilda.

El disco Joven Edad y otros anteriores pueden ser descargados directamente desde la web de Carmen SanDiego, completamente gratis.

Carmen SanDiego – Piba Chorra by CazadorPanamerika

Descarga GRATIS este track aquí.

No amaríamos que odiaran París, pero en realidad tampoco ellos odian la capital francesa. El nombre de esta banda barcelonesa formada en 2000 es tan engañoso como las etiquetas que les han puesto –grunge, por ejemplo. En la siguiente entrevista Jaume Caner, el baterista, desvela el misterio detrás del nombre de la banda y nos habla de su primer álbum Odio París (El Genio Equivocado, 2011).

Panamérika: cuéntanos quiénes son Odio París, qué hacen, a qué suenan.

Jaume: somos dos guitarras con voces, un bajo, un teclado y yo en la batería. Hacemos canciones en castellano por razones de difusión, aunque nuestra lengua materna es el catalán. Nos dicen que sonamos a Velvet Underground o a Los Planetas. Yo diría que hacemos shoegaze. Las influencias básicas del grupo son My Bloody Valentine, The Jesus and Mary Chain, The Stone Roses.

P: ¿por qué se llaman así?

J: surge de una mala experiencia de uno de nosotros, que hizo una canción sobre eso, algo que le sucedió en París. No tenemos nada contra la ciudad, es más bien una metáfora de pasarla mal por alguna circunstancia. Al final nunca hemos tocado esa canción, pero se nos quedó el nombre.

P: ¿de qué tratan sus canciones?

J: hablan de nuestras experiencias, eso es básico para nosotros. Generalmente componemos sobre el amor, el desapego, la muerte.

P: ¿qué te parece la escena musical en España de estos tiempos?

J: hay un resurgimiento de las guitarras, me parece. Se nota en grupos como Triángulo de Amor Bizarro o Nadadora. Actualmente hay muy buen nivel, muy buen gusto, en España.

P: ¿cuál es la experiencia del grupo con Latinoamérica?

J: ninguna, en realidad. Pero al mismo tiempo estamos muy entusiasmados con vosotros. Gracias a Internet hemos tenido mucho contacto de gente sobre todo de México.

P: ¿por qué tardó tanto en salir el primer disco?

J: teníamos una maqueta, y mientras hacíamos la segunda entramos en contacto con El Genio Equivocado, que ahora editó el álbum. Eso estuvo detenido por las negociaciones, pero finalmente está disponible.

Caifanes @ Plaza Condesa. Foto cortesía de OCESA

El regreso de una banda que se reintegra se ha convertido en una noticia recurrente. Es una estrategia muy socorrida y lamentablemente, la mayoría de esas ocasiones está relacionada a intereses económicos en lugar de necesidades creativas. Estas mismas reuniones se vuelven el pretexto ideal para lanzar reediciones de sus álbumes exitosos o simplemente, revivir una marca que ya estaba vencida. Por el lado positivo, cuando estos músicos vuelven a trabajar juntos regresa también la ilusión y emoción de incontables adeptos a la banda y todos aquellos que se agregaron en el tiempo de su separación; y cuando el conjunto se trata de un ícono para el rock nacional, volver a verlos juntos es un acto casi obligado. Esta situación ocurrió con el regreso de Caifanes y su legendaria reaparición en el Foro Sol el pasado mes de abril.

Con motivo de los conciertos que Caifanes ha ofrecido en fechas recientes, el quinteto otorgó una entrevista a Panamérika donde hablaron sobre su historia, la presentación ya mencionada, el malinchismo, los fans y demás instantes de nostalgia. Esta es la transcripción:

PANAMÉRIKA: Es un gusto poder platicar con ustedes. El día que hicieron soundcheck en el Vive Latino, la gente instalaba su pit tras el escenario. Mientras ustedes ensayaban, la gente que estaba atrás los escuchaba con mucha atención. Todos mostraban gran expectativa y en el momento en que ustedes salieron al escenario dos días después, la situación fue igual. Ustedes llegan, se suben al escenario y ven un Foro Sol lleno, ¿Cuál fue su primera impresión?

 DIEGO HERRERA: Pues, muy emocionante, ¿no? realmente. O sea, vaya, desde que me comentas ahorita lo del soundcheck y todo eso, me empecé a acordar de mi experiencia en ese momento, me pongo “chinito”, en buena onda. Porque se me hace como muy emocionante realmente, pues hay muchas memorias, muchos recuerdos, muchas sensaciones, muchas experiencias que de alguna manera confluyen en ese momento que salimos al escenario, ¿no? Muy bonito.

SABO ROMO: Son bien diferentes, porque cada quien seguramente podría hablarte de una sensación distinta. Yo pensaba en el 11 de abril de 1987 que fue el día del primer show de Caifanes en Rockotitlán y lo que había transcurrido en esos 24 años para llegar al 9 de abril del 2011 y estar juntos y estar tocando y estar celebrando y estar recreando y estar descubriendo y desde luego ser parte del karaoke más impresionante del que haya sido parte en mi vida y ver al Foro Sol lleno hasta las lámparas. Algo te pasa por supuesto y te mueve, y además me parece que tuvimos un concierto artística y musicalmente muy bueno; pero además en términos como de intercambio de emoción con la banda, fue absolutamente increíble y nos quedamos con ganas de más, entonces ahí viene más.

PANAMÉRIKA: Justo, hablando de toda esta experiencia de volver al escenario y que otra vez estén tocan juntos, ¿Qué les regresó a la memoria? ¿Qué clase de manías o costumbres que ya habían olvidado que alguno de ustedes tenía, les regresó a la mente? Alguna forma de tocar, algún talismán, algo que les identifique y que les regresó en el momento en que volvieron a tocar juntos.

ALFONSO ANDRÉ: La frase de “Alejandro bájale al ampli” se volvió a oír en el ensayo.

DIEGO HERRERA: Hay una parte de las miradas en las partes, o sea, hay de repente momentos en los que hacemos acentos unos con otros o ciertas partes de las rolas tocábamos, digámoslo, no escrito, pero hay una parte como que la rola te dicta una serie de acordes, una serie de cosas; entonces esta parte de la comunicación con ciertos brakes, con ciertos momentos, con aciertos acentos, con ciertos cambiecitos que le hacemos a la rola, muy chido.

PANAMÉRIKA: En el concierto del Vive Latino, el show porque estaba repleto y a lo lejos se vio como Saúl voltea a ver a Alejandro durante “Ayer me Dijo un Ave” y como si, sin la necesidad de decir una sola palabra, con una mirada, se comunican algo. Es ahí cuando tú (Alejandro) empiezas con el solo. ¿La comunicación sigue igual de fluida o perfectamente cuadrada como ya la tenían desde hace mucho tiempo?

ALEJANDRO MARCOVICH: Hay una parte súper romántica en esta relación que inició, en este caso entre Saúl y yo hace 27 años más o menos, y por otro lado… contrastando con ese romance musical y celestial seguimos siendo los mismos cretinos de toda la vida; entonces también hay como una complicidad muy fuerte porque cuando dos personas o tres o cuatro o cinco se conocen de esa manera por dentro y por fuera pues la complicidad ya es total, ya sabes quién es la otra persona. Ya sabes con qué cuentas para bien y para mal y yo creo que lo bonito de este reencuentro que nos permitimos hacer entre todos, es que es precisamente eso, atesorar ese romance y cuidarlo. No como antes que, que en un tris lo descuidamos y se fue al carajo.

PANAMÉRIKA: ¿Cómo fue el tiempo en que Caifanes estuvo separado y que el recuerdo mantenía vivo el sonido de la banda? ¿Alguna vez llegaron a escuchar a alguna banda que en algún lugar hiciera algún cover suyo?

SABO ROMO: Incluso cuando Caifanes estaba activo en esos primeros años había bandas que tocaban rolas de Caifanes más chido que nosotros. Me acuerdo de una en particular, no me acuerdo si fue en Tecate o en alguna parte del norte, cerca de Tijuana, que llegamos, en Rosarito, y entramos a un bar y estaba tocando una banda otra canción y en cuanto entramos dejaron de tocar esa canción y empezaron a tocar “Viento”; y pues sí les salía tremendamente bien y ese fenómeno se ha repetido a lo largo de todos estos años. Entonces, la onda es que esta misma gente es la que no ha permitido que Caifanes se fuera nunca en todos estos años, la única diferencia es que no tocamos juntos, pero ahora estamos tocando juntos otra vez. Es como la corona, entonces, ser parte de eso, ser parte del subconsciente colectivo, ser parte como de la memoria recurrente de mucha gente, pero sobretodo, después de tantos años seguir estando AHÍ como si hubiera pasado anteayer o como si estuviéramos en 1989, pues también es un… no sé si llamarle… situación motivacional, pero sí es un aliciente; para que entendamos o para que asumamos que seguimos haciendo las cosas correctas por los motivos correctos y que las vamos seguir haciendo hasta que nos dé la gana igual que siempre.

PANAMÉRIKA: En 1989 había una esfera donde el malinchismo afloraba y ustedes llegaron con una propuesta musical donde justamente viene un enorgullecimiento de la música desde sus raíces. Ustedes la hacen dándole este factor de cool y de culto, además, todo ese tipo de cosas inspiró a que muchísimas bandas ahorita tuvieran esta trascendencia y sobretodo que a ustedes les dieran el peso que la historia musical de México, que se vio estancada en mucho tiempo, llegara a donde están ustedes. ¿Qué tanto ven que hay todavía ese interés por resaltar los sonidos nacionales y que lo hagan de una manera digna como ustedes lo hicieron?

SAÚL HERNÁNDEZ: El hecho de que un grupo se forme en México ya como automáticamente tiene una esencia particular nacionalista, -no nacionalista- pero tiene su origen… pero hay que pensar que nosotros y muchos, parte de las generaciones, crecimos con música en inglés y siempre se ha valorizado un poco más ese culto “a lo de afuera”. Ha habido una, de repente un olvido a nosotros mismos y yo recuerdo en Guadalajara cuando tocamos con Rod Stewart fue uno de los primeros conciertos, bueno, fue el primero concierto masivo que tocamos…

SABO ROMO: Segundo… el primero había sido el de Matías.

SAÚL HERNÁNDEZ: Y justamente comenté en el escenario, ¿no?, que chingara a su madre el malinchismo, directamente, porque quizá había toda esa imagen de ver a Rod Stewart que, -no es nada personal y me gusta mucho-, pero quizás ahí empiezas a analizar muchas cosas. Dices ¿por qué no vienen 60 mil personas a ver a Memo Briseño?¿por qué no hay 60 mil personas viendo a otro artistas?

SABO ROMO: (A Saúl) Además la circunstancia de cómo llegamos a ese concierto, ¿te acordarás? Perdón por la interrupción, pero es que me parece importante porque va muy de la mano con lo que Saúl está comentando y va a comentar. Nos habían invitado a abrir el primer concierto de Rod Stewart en el Estadio Corregidora en Querétaro y en algún momento, pues nos querían cobrar por tocar en ese concierto, así de sencillo; y entonces, no solamente a chingar a su madre el malinchismo, a chingar a su madre los empresarios de esa situación porque finalmente era totalmente irregular y nos negamos a hacerlo y entonces se armó ahí como… tocó Neón, tocó Bon y los Enemigos del silencio, fue un concierto muy accidentado este de Querétaro y posteriormente vino el de Guadalajara que es el que está comentando Saúl; entonces Saúl hace este comentario con respecto a los malinchistas y… y ya.

SAÚL HERNÁNDEZ: Empieza a haber una búsqueda de valorizar las… simplemente las acciones. También el primer concierto que hicimos con Soda Stereo que fue en el Palacio de los Deportes. En esa época, el Palacio no era un foro para tocar, pues había más otro tipo de eventos o por lo menos no para los grupos rock. Estaba en ese momento todo vetado y fue un gran ejercicio de reubicación, fue un gran concierto, yo me acuerdo que fue inolvidable el concierto y también como mandar un mensaje, decir mira nuestra música en español es igual de grande, igual de importante, igual de poderosa que cualquier grupo inglés o americano o checoslovaco y… yo creo que también ahí empezaron a gestarse muchas cosas. Hay otros artistas antes que nosotros, hay muchos grupos antes que nosotros, también hay que dejarlo muy claro: nosotros NO inventamos nada, nosotros somos parte de un movimiento que ya se fue gestando desde antes. Avándaro, es un ejemplo, insisto. Memo Briseño –que me parece uno de los grandes músicos…- Los grupos nuevos suenan muy bien, mi único comentario es que suenan muy bien, son agrupaciones que tienen ya una evolución sónica bien poderosa; pero algunos –me gustaría- que se ensuciaran un poco más, que no fueran tan limpios, no tan perfectos, como que también el tocar en la calle, el vivir de una manera subterránea, también te curte, te hace ver las cosas de otra manera, te hace valorizar la música. Inclusive, de otra manera, te nace el sentido de protección y de lucha. Siento que se ha perdido eso un poquito eso, ya no hay ese sentimiento contestatario, o por lo menos de confrontación contigo mismo. No tiene que ver nada con la política, pero extraño eso, como que los grupos tenían, por los menos con los que crecimos y los de antes de nosotros, esa hambre de existir, de ser y ahorita siento un poquito como adormilado un poco la situación… aunque son grupos muy buenos y qué bueno que existan, porque es muy importante.

PANAMÉRIKA: ¿Cuál creen ustedes que fue la canción que cuando una vez que ya se reunían y volvieron a tocar todos juntos dijeron “ok, esto vale la pena volver a pasarlo”, con una radical diferencia de circunstancias a como empezaron.

SABO ROMO: Yo creo que podríamos coincidir en que fue “Cuéntame tu vida”. Creo que fue la primera rola que tocamos en el primer ensayo de la historia… o la segunda y salió a la primera, prácticamente. Y ahora, 24 años después, fue la primera o segunda canción que tocamos y salió a la primera y sin bronca. Fue emocionante, realmente fue bien emocionante, digo al margen de que sea una canción fácil de tocar y esto, pues tiene como sus chanfles. Y entonces, esto que ha comentado Diego, el cabezazo y la cosa y salió increíble; entonces fue bien chido, fue bien aleccionador y sobre todo fue un indicativo de que pues la media neurona nos funciona bien o medianamente bien.

PANAMÉRIKA: Como última pregunta, los fans han tenido una cantidad enorme de gestos tanto de agradecimiento, pero seguramente hay unas respuestas encontradas ¿Cuál ha sido el gesto que ustedes pueden recordar como el más significativo? Para bien o para mal.

SABO ROMO: Hace menos de una hora estaba aquí una vecina muy querida con un papel que decía “esta casa está bendecida por…” y nos pidió que le firmáramos ese papel para enmarcarlo y colgarlo al entrada de su casa y eso yo no me acuerdo haber firmado algo así nunca en la vida y realmente me conmovió. Es nuevo, te puedo hablar de 25 mil historias conmovedoras a lo largo de 24 años de Caifanes y esta pasó hace menos de una hora; entonces estamos abiertos a las sorpresas.

DIEGO HERRERA: Yo les admiro mucho –valga la redundancia- la capacidad de sorpresa, la capacidad de admiración, la apertura que yo creo hemos perdido mucho los seres humanos, nos hemos convertido en muy mamones. En “todo lo conozco” y en “todo lo sé y nada me llena” y “todo es una hueva” y yo creo eso tiene jodido al mundo y nos tiene jodidos a todos porque de eso no se trata la vida; entonces algo que yo admiro mucho de los fans es eso, es este chance de dejar que la emoción fluya, y de repente abrazas a alguien para tomarse una foto y ves que está temblando. Me parece una cosa gloriosa y que le hace una falta bestial a la humanidad. Regresar al corazón y no estar en la pinche cabeza, diciendo “no, a mí nada ya, yo conozco todo, yo sé todo, ya no hay nada que me… no, eso para mí”. Es una cosa súper admirable de los fans que me gustaría tenerla más en mí, mira que me he dedicado en mi vida a trabajar hacia eso, a estar menos en la cabeza y mucho más en el corazón y eso me parece admirable. Admirable que realmente emociona, se dejan emocionar, y creo que todos nos emocionamos, pero nos hacemos güeyes o nos hacemos los mamones o cerramos ese sentimiento y eso, lo admiro muchísimo y me gustaría tener más de eso porque finalmente somos seres humanos. Eso se los admiro, se los agradezco y que me enseñen como hacerlo, por favor.

-SALUDO-

SABO ROMO: Hola, somos Caifanes, estamos en Panamérika, mandamos un saludo a toda la raza, que los bendiga, muchas gracias.

Arte por: Ricardo Castro Garcia

Sabes que no todo ha tratado de trolls en tu mundo de bloggeo cuando despiertas y te encuentras con un misterioso link de Mediafire en un mensaje pendiente en tu correo.
Ajá, eso rimó, y la etiqueta del archivo me señala al descargarlo que se trata del LP debút de Los Mundos, un proyecto a distancia conformado por Luis Ángel Martinez de Piyama Party, (radicado en Monclova, Coahuila), y Chivo de 60 Tigres y En Ventura (originario de Mty N.L, radicado en DF).

Subo el volumen y una mezcla de garage, dream pop, inevitable shoegaze y un espléndido rockabilly me dan un paseo por la senda independiente alguna vez liderada por Galaxie 500, Dinosaur Jr. y The Jesus and Mary Chain, pasando por toda clase de garage noventero y de vuelta al —de nuevo inevitable— My Bloody Valentine. Todo con el plus de la exclusiva y sincera narrativa lírica y musical del acontecer norteño.

En una era donde los EP y los sencillos perdidos en playlists son usados para “figurar” en una escena creada con proyectos poco talentosos y una mediocre (y cada vez creciente) audiencia, es de gran mérito encontrar un LP con 35 minutos que, con absoluta generosidad, rescata guitarras, ritmos y cuerdas sintetizadas del pasado para combinarlas con letras y melodías que cualquier hispanohablante, obsesionado con cualquier cosa que suene, vibre o gire, puede atesorar el día de hoy.

Escribí a Luis y a Chivo para felicitarles por hacer uno de mis discos favoritos de lo que va del año y de paso les hice unas preguntas:

Panamérika: Y bien, de dónde surge la idea de hacer equipo y dar vida a Los Mundos?

Luis: Originalmente la idea era hacer una colaboración que saldría en el próximo disco de 60 Tigres. Chivo tenía grabada gran parte de “El sol no sabe” y me la envió para ponerle voz. Iba a ser una onda “60 Tigres featuring Piyama Party” pero tras la separación de 60 Tigres, Chivo propuso sacarla a través de un proyecto al cual llamó Los Mundos.

Chivo: Empezamos con la idea de un EP pero como que todo salió muy rápido y las ideas fluían.
Luis: Nos emocionamos tanto que terminamos haciendo un LP.

Chivo: Creo que fue como 2 meses lo que nos tardó hacer las canciones del disco.

P: ¿Qué parte toma cada uno en este proyecto?

Ch: Yo me encargué de todos lo instrumentos en el disco, guitarras, baterías, bajos y teclados, Luis se encargo de todas la letras y melodías de voces.

P: ¿Cómo fue colaborar a distancia?

Ch: En realidad fue muy sencillo, básicamente le enviaba las pistas de las canciones a Luis y luego él me las regresaba con voces, ya de ahí me ponía a grabarles baterías o lo que necesitara la canción.

L: Hay una empatía muy chingona que hace que esto parezca no haber sido trabajado a distancia. Las rolas terminadas me hacen sentir como si fuéramos una banda que nos juntamos en persona a desarrollarlas. Pienso que eso fue gracias a la naturalidad con la que se dieron las cosas y al entusiasmo de escuchar cada maqueta que Chivo me enviaba.    

P: En Ventura es parte de Poni Republic y Casa Buenaventura, Piyama Party tiene su catálogo en DelHotel y Melodías Belafonte; ¿Buscaron alguna disquera o casa editorial para Los Mundos?

L: Hubo un par de intentos con disqueras, no muchos, y es que no hay tanto de dónde escoger. Personalmente nunca me he preocupado por pertenecer a un sello, aunque sí admito que son necesarios para ciertos aspectos. De todos modos siento que las disqueras cada día son más miserables y da igual si te unes a una o no, a sólo que sea Matador Records, Sub Pop, o algo así.

Ch: Un día vino Beam a la casa, le enseñé el disco y me ofreció sacarlo con NWLA (antes Poni Republic) y me pareció genial la idea. También sacaremos la versión del disco en físico, pero será una onda mas DIY, de seguro lo estaremos vendiendo en nuestros shows y así.

P: ¿Tienen algún invitado especial en este LP?

Ch:- Sí, Elias Marcos que es con quien toco en En Ventura, grabó unas guitarras en “El sol no sabe” y un ukulele en “Dios y sus negocios”. Micol Polo, también de En Ventura, grabó baterías en un par de rolas.

P: ¿Se les ocurre algún productor con el cual les hubiera gustado trabajar este disco?

Ch: Hmmm… siempre es como una pregunta difícil. Me gustaría trabajar con algunos productores pero están fuera de mi alcance. Pero pues en lo personal sí me gustaría trabajar con algún productor, está padre que un externo a la banda te esté ayudando y te ayude a dirigir el proyecto, aparte creo que es más divertido, y pues también por otra parte es como más estricto.

L: La verdad es que no lo había pensado. Estaría chido que lo produjera alguien muy clavado en guitarras. Billy Corgan, por ejemplo.

P: Luis, no hace mucho “Jota”, líder de Los Planetas, mencionó a Piyama Partyen un podcast como una revelación del 2010, y dijo que debían tocar pronto en España ¿Crees que si se entera que hay una banda llamada Los Mundos, y que tú haces las letras y cantas, haga algo para llevarles?

L: No quiero sonar pesimista pero quién sabe si eso suceda, especialmente porque lo de Jota mencionando a Piyama fue una broma de Borja Prieto y Pepo Márquez, unos batos españoles que tienen un podcast llamado “Está pasando”. Su dinámica es llamar por teléfono a amigos de ellos que se hacen pasar por celebridades. En esa ocasión montaron una conversación con un Jota falso el cual se la pasó hablando, durante toda la llamada, de Piyama Partycomo su nuevo descubrimiento. Claro que me emocioné mucho pero no me la creí. Los contacté para que me sacaran de dudas y efectivamente todo era falso. Es raro que los rockstars españoles hablen públicamente de otras bandas que no sean las de ellos mismos. ¿Jota recomendando a una banda indie mexicana? Me parecía imposible aunque después vi en Youtube que su otra banda Grupo de Expertos Solynievehace una versión de “Muchacho Satánico” de Mario*.
P: ¿Debemos esperar tocadas en vivo, próximos lanzamientos y fama transcontinental de Los Mundos (tal cual lo deseo, ja)?

Ch: Jaja, la fama de seguro la tendremos no hay duda de eso. No, no es cierto pero sí estamos planeando hacer un par de fechas. Ya andamos viendo como armaremos la banda y las personas que nos ayudarán a montarla en vivo.

L: Sí. Esperen tocadas en vivo. Tenemos muchas ganas de hacerlo. Respecto a futuros lanzamientos, lo veo muy probable habiéndonos sentido muy bien con este primer álbum. Lo de la fama transcontinental, Dios te oiga.

P: ¿Pueden recomendarnos un par de bandas que estén oyendo justo en este momento y que crean que todos debamos escuchar?

L: Carmen Sandiego, Matilda Manzana, Bam Bam, 107 Faunos, Algodón Egipcio, En Ventura, Raúl Querido, Álbum, El Medio, Blueshit, Mercromina.

Ch: Ahora escucho el disco de singles de Brian Jonestown Massacre y el nuevo de Wilco. También Ducktails, me gustan sus guitarras. The War On Drugs es otra buena banda al igual Moon Duo.

Panamérika: Muchas gracias y éxito!

Chivo: A ti.
Luis: Gracias por el apoyo, bato.

El disco homónimo de Los Mundos lo podrán descargar próximamente de NWLA.tv, por ahora pueden descargar su primer sencillo “El sol no sabe” en exclusiva para Redbull Panamérika.

Los Mundos – El Sol No Sabe by PanamériKa

Entrevistamos a Arlo, de Molécula Records, uno de los sellos independientes mexicanos más entusiastas, y sin duda el más pop, colorido y de ensueño. Recomendamos mucho echarles una escuchada, y también un ojo –el trabajo visual de sus discos llama la atención por feliz. Aprovechamos para que nos hable de Delicado Sónico, grupo en el que participa.

Panamérika: ¿Cuál es la importancia de Molécula Records para la industria indie en México?

Molécula Records: El hecho de que lanzamos discos y artistas nacionales y extranjeros con algo que decir, más allá de la moda estandarizada. También nos involucramos en el desarrolo de una escena pop, sobre todo mexicana, alejada del sonido comercial, más cercano al pop de autor. Jugamos un papel muy importante en la escena musical nacional porque somos parte activa del Colectivo de Disqueras Independientes, el cual apuesta por la autogestión de la producción musical.

P: ¿Desde cuándo existe el sello, qué artistas tienen?

MR: Molécula existe desde 2003. A la fecha hemos lanzado 34 CD y dos vinilos. Los artistas mexicanos del sello son Cuberbil, Dixybait, Delicado Sónico, Ella tiene dos androides, Estrellita mi alegría, Un viernes pop, The Dragulas y Uvi.lov. De España tenemos a Nitoniko, Alton, L Kan, Lemon Fly, Perro Zombie, De Viaje, Colorado, Electronikboy y Violeta Gómez. También trabajamos artistas sudamericanos, como Pestaña (Perú), Múa y Dolbie (Chile) y Nuebles en mi casa y Cineplexx (Argentina).

P: ¿Cuáles son los lanzamientos más recientes de Molécula Records?

MR: El debut de Alton, que se llama El tren del fin del mundo. Es pop otoñal mediterráneo que abraza. También está Violeta Gómez con temas perfectos para la pista de baile, del eurodisco al j-pop, en Todas las niñas no son iguales. El mes pasado lanzamos la división española del sello, cuyo primer trabajo es un sencillo de 7” de Alton con temas de amor veraniego en un vinilo de color.

P: Cuéntanos de El sol equivocado de tu grupo Delicado Sónico. ¿A qué suena?

MR: Es nuestro segundo disco. Suena mas agrío y oscuro, con tintes post punk al estilo de 4AD. Pero todavía encuentras muchos sintetizadores, guitarras afiladas y canciones pop de amor. Está editado en vinilo de lujo y en CD.

Bien es famosa la anécdota de Todd Storz, el creador del Top 40: El señor se fue a tomar unos tragos con otro colega dedicado a la radio, a un bar de Omaha, Nebraska. En el lugar había una rockola que, en el transcurso de la noche, repitió varias veces la misma canción de rock’n roll -realmente no importa nombrarla-. Hacia la medianoche, era la hora del cierre, con todo y sillas levantadas sobre las mesas. En ese momento, una mesera se acercó  a la rockola y depositó una moneda para elegir… ¡ésa misma canción! No sólo eso, la hizo sonar tres veces seguidas.  El placer de la repetición, o la pulsión… o la compulsión, añadiría Freud. Así nació el Top 40, y de ahí que los programadores de radio generen éxitos a base de repetir sólo 40 canciones, día y noche.

Yo no estuve en Omaha, sino en Londres (que fue como un Hanoi, Vietnam, para mí). A los 17 había terminado la prepa y me fui de sabático con otros imberbes amigos: No me fui en una ajshará zionista, sino en una punk; me fui a la tierra prometida por The Cure, Depeche Mode, The Smiths, Siouxsie, The Fall, James y los Happy Mondays. Chance y me encontraba a alguno de ellos en la calle y me les hincaba. Sí, me fui a Londres, de mojado, a vivir la vida, a quitarme lo inútil. A demostrar que podía ganar una lana y mantenerme por mí mismo. Ser libre, fumar hashish y conocer chicas. Y regresaría a México para apantallar a otras tantas con un quesque acento británico.  Era Agosto de 1991, 20 años ya.

Para sobrevivir en Londres, había que buscarse un “curro”, como decía Pep, un flatmate catalán. Tras tocar muchas puertas, llenar aplicaciones, esperar y empobrecer, hasta la desesperación. Un kebab al día, comprado en el Bosphorus, llenaba la tripa. Sumado a la nostalgia por haber dejado el nido y afrontado por la enormemente anónima y hostil capital británica, el panorama se tornaba nebuloso. Una tarde de desempleo en octubre, acompañaba a un amigo colombiano, Carlos “El Abuelo” Ramírez, a una diligencia cualquiera. En el autobús Double-Decker, un ángel de la guarda había dejado un periódico local que, en su última página, anunciaba la apertura de un restaurante: Nachos Mexican Restaurant. Qué mejor que un lugar de paisanos, para conseguir chamba.

Llegué al Nachos en su noche de apertura. Un amable canadiense llamado Neill me contrató de inmediato por el solo hecho del Mexican-Curious (aunque yo no tuviera las facciones): “You’re starting right away: We’re opening tonight”. Luego me presentó a los locales. El dueño era de alguno de esos países en el Golfo Pérsico— Yemen, me parece—, se llamaba Mr. Ramm. Parecía Jaime Maussan. No había mexicanos. Eso sí, había fauna multiculti… un negrito optimista en la barra (era de Clapham Junction, al Sur de la ciudad), uno que otro cockney pirata en la cocina, unas gordas africanas -indocumentadas y sin hablar inglés- lavando platos, y unas desabridas vacas inglesas como meseras. En la cocina había un cheff árabe de nombre Ahmed, muy malencarado y sudoroso, pero con algo de nobleza en el fondo. Y también un colombiano (otro más en mi saga londinense) que parecía bigotón de Monterrey y que cocinaba arroz con sazón paisa (era de Medellín) y platos Tex-Mex de libre interpretación: Burritos, Chimichangas, Chilapitas (sic.), Jericallas. Y qué decir de las ‘Frozen Margeritas’ (sic.): yo soy mexicano, y, a mis 17, nunca me había cruzado con tales platos de nuestra gastronomía. Tuve que ir a Londres para probarlo.Y no sabían mal, los comí durante los 10 meses que “curré” ahí.

La primera noche no trabajé como mesero: hay que ganarse el “derecho de piso”. Y conocí el término busboy (“garrotero”, le dicen por aquí). Mi misión: recoger y vaciar ceniceros, limpiar y “resetear” las mesas; subir y bajar, bajar y subir a la cocina y llevar charolas rebosantes de las ‘sizzling’ fajitas, espectacularmente escandalosas y de platos peligrosamente chispeantes, desde la húmeda y caótica cocina (casi un barco pirata en plena batalla), hasta las mesas del Nachos, donde la burguesía británica quería probar un poco de la exótica comida mexicana.

Y fue en aquella noche, mágica noche, donde tuve mi primer y único encuentro con la música de Joe Arroyo. El lugar solamente tenía un cassette y no era de música mexicana, sino de salsa colombiana. Y yo que escuchaba grupos posmodernos y que me había culturizado británicamente con 120 Minutes en MTV, cargaba con el estigma de la música que escuchaba la servidumbre. La salsa sólo era para las muchachas que se iban a “gatear” en los prados del Metro Chapultepec o Tacuba, en espera de que algún galancete las enamorara, las llevara a bailar al California Dancing Club de la Colonia Portales, luego a un hotel de Tlalpan, las embarazara y las abandonara. Para mí, eso significaba la salsa, y mientras tanto, los clientes, con sus narices y acentos posh, me preguntaban que si lo que sonaba era “Mexican Music”, y que cómo se llamaba la canción. Algunas vacas inglesas levantaban sus codos blancos y contoneaban sus anglosajonas caderas, mientras fruncían la boquita como aparentando candor latino, aprendido en alguna película. Posiblemente la de los Three Amigos.

Y yo recogía ceniceros. Cargaba las charolas con ‘sizzling’ fajitas entre la multitud. “Careful, it’s hot. Coming thru… Excuse Me.”. Bajaba a la cocina. Subía. Bajaba. Los cocineros enjetados (visualicen a Ramsey). El colombiano no, ése tiraba onda de hermandad sudamericana-amo-al-Chavo-del-Ocho. Subía, bajaba. Bajaba, subía. Y de pronto, encontré una cierta sincronía con la sección de alientos en aquella canción salsera, en sus glissandi deslizantes de arriba a abajo, de abajo hacia arriba. Una canción frenética, histérica, candorosa y rimbombante: ideal para describir aquella noche inaugural, y las que siguieron durante el otoño, ultra-gélido invierno y prometedora (pero aún fría) primavera londinense.

“Tambó, tambó, tambó”. La voz tropicalosa y nasal de Joe Arroyo se fue convirtiendo en el soundtrack de una serie de Días de la Marmota. Significaba rush, propinas, empujones y resbalones en la cocina, quemaduras, meseras coquetas, cómplices africanos, pláticas triviales con los clientes acerca del México turístico (“Oh yeah. I’ve been once. To Tijuana”). Para el Día de Muertos, yo ya había metido a 5 cuates mexicanos al restaurante. Toda mi prepa estaba metida en el Nachos: Pablo Cruz en la barra, el “Pelos” en el prep de la cocina y mi BFF, Don César, como mesero estelar. También había unos vatos de Guadalajara y un curioso guatemalteco, al que bulleabamos… sólo por ser de Guatemala. Ya vendrá el Karma Police por nosotros. Y todos aprendimos a padecer tanto la comida Tex-Mex como la música de Joe Arroyo. Bueno, la padecíamos y la gozábamos, como la mesera de la historia de Todd Storz. ¿Quién no ha sido mesero y sueña que está “mesereando”? Aún ahora puedo soñar con que estoy en el Nachos cual veterano de Vietnam. Y cual Inception, es posible escuchar música dentro del sueño. Y no es Édith Piaf, sino Joe Arroyo.

Para finales de noviembre, en un viaje relámpago que hice a México para venir a la boda de mi hermano Enrique, el manager del restaurante —Neill, el canadiense—, me dio £30 con la misión de comprar música mexicana. Al llegar a mi hometown, Echegaray, le pedí a Gloria —la muchacha— que me acompañara a un Discolandia a comprar música. Su experiencia en el California Dancing Club me sería buena guía. Fue ahí que compré una cinta con éxitos de la Sonora Dinamita, y el Este Mundo, de los Gipsy Kings (1991). No era mexicano, pero los compré. Y yo pensé que la Sonora era mexicana: ¿Qué iba a saber un burguesito judío-sateluco sobre el origen de la cumbia? Y Gloria tampoco era muy docta, pero eso sí, me enseñaba a bailar en la cocina, mientras trapeaba por las tardes. Y de regreso a Londres, donde al fin la dulce tiranía de Joe Arroyo encontró alternancia con otros dos cassettes, cuya música también tiene un efecto pavloviano en mí y en otros veteranos de Vietnam. Pónganme “La cadenita” de La Sonora Dinamita en un karaoke y me pongo feliz-melancólico-acelerado-rumbero. Todas las emociones mezcladas al mismo tiempo, cual comida Tex-Mex preparada por un colombiano que parecía regio, en un restaurante supuestamente mexicano, con un manager candiense y un dueño árabe (olvidé decir que él estaba casado con una ex modelo francesa), en una elegante zona de West London.

Y así, como la mesera en la historia de Todd Storz, hoy le rindo tributo a un músico del que conocí poco, pero que definitivamente me abrió la percepción hacia la sabrosa música latina, material que nos ocupa, en gran parte, aquí en Panamérika. Joe Arroyo murió en el pasado martes 26 de julio del 2011. 20 años después de todo aquel trip a Londres. Y como ocurre en estos casos, enterarme de su muerte, es morir también un poquito. Muere él, pero no mueren los recuerdos que provocó en mí, “La noche”.

La única foto que tengo del Nachos es ésta, con David Gilmour (Pink Floyd), en un día que fueron a grabar un material para incluir en su video de La Carrera Panamericana. El de la derecha soy yo, y en medio, mi amigo César.

El ciclo BandasSonoras de la Cineteca Nacional, es uno de los casos de éxito que vínculan el cine y la música en la ciudad de México. El proyecto presenta a grandes bandas de la música alternativa mexicana componiendo música para los grandes clásicos del cine mudo y ejecutándolas en vivo durante su proyección. Dichas funciones han sido semillero de proyectos tanto para la Cineteca como para los músicos mismos.  Ahora toca el turno a Troker, la picantísima banda tapatía, de funk jazz ultra humóristico, sabroso y pesado. Estos consentidos de Panamérika musicalizarán “El Automóvil Gris”,  una joya del cinema verité nacional, con pietaje de escenas reales, que retrata al México postrevolucionario de 1915. Troker estará ofreciendo dos funciones en la Cineteca el sábado 20 de agosto y otra más el 26 de julio en el Lunario del Auditorio Nacional. En esta última, la banda sonora será grabada para conformar el tercer disco de la banda. Les hicimos unas preguntas sobre el proyecto y esto fue lo que nos comentaron.

Panamérika: Troker estará musicalizando la única película mexicana en el ciclo de Bandas Sonoras, ¿Cómo llegaron a ésta? ¿Por qué la eligieron? ¿Cuáles otras tenían pensadas?

Troker: ¡Efectivamente musicalizaremos una película mexicana! Así lo elegimos porque así nos gusta, que los proyectos que hace TROKER tengan en su identidad un sello mexicano.

Llegamos a esta película hace poco tiempo por recomendación de un amigo, pero la razón de peso para elegirla fue el tema que aborda: atracos, secuestros, violaciones y corrupción, así como en los conflictos políticos y convulsiones sociales, situaciones llenas de similitudes que se tejen perfectamente entre el siglo pasado —que la película fue lanzada— y el presente, en el que TROKER nos comparte su versión musical.

La verdad nunca pensamos en otra película, tuvimos mucha suerte de que la UNAM acababa de adquirir los derechos, por lo tanto la negociación con la Cineteca Nacional fue natural y nosotros encantados con la facilidad que se dieron las cosas.

Panamérika: Después del Rey del Camino, hacer la música de una película protagonizada por unos maleantes en coche parece legitimar una relación entre Troker y los bólidos con actitud. ¿Es así o es mera coincidencia?
Troker: ¡Mera, merita coincidencia! También en nuestro primer disco tenemos una rola que se llama “El Atraco a la Furgoneta Gris” y en ese entonces no sabíamos de la película. Lo que fue significativo es que antes de ser invitados a BandasSonoras habíamos iniciado la composición del tercer disco y debido a que TROKER ha sido víctima de dos atracos este año (uno en el ensayo y el último en la oficina), los únicos temas que hasta el momento estábamos explorando para la composición, eran violencia y la ausencia de dignidad.

En serio que no nos la pensamos con la elección de la película, era justo con la que “teníamos” que trabajar. Nosotros creemos que esta asociación de coches poderosos con la banda quizá se trate de algo más karmático, porque la elección de nombre sí tiene que ver con un trailero, con ese personaje que nos gusta y nos representa como banda de hecho, se llama Roke Machete y pueden ser su amigo en Facebook.

Panamérika: “El Automóvil Gris” es una película postrevolucionaria, retrata un México lastimado y golpeado por el caos y la violencia manifestada en las calles y los edificios. ¿Encuentran alguna relevancia en revivirla en el contexto social y político en el que está el país actualmente?

Troker: Definitivamente es de gran relevancia, está justificado simplemente con prender la tele, leer los periódicos, escuchar la radio o bien a tus vecinos.

Lo que encontramos más cabrón es darnos cuenta que noventa años después seguimos en esa época postrevolucionararia, inmersos en la corrupción, con poca paz social y siendo parte de un pueblo atemorizado y peor aún, que todavía le cuesta trabajo identificar sus responsabilidades.

Tenemos en parte una mala educación y conformismo, ahora estamos enfermos socialmente y pareciera que no hay cura. En la película de hecho podemos ver una lección de esto, uno de los personaje que sufre un atraco a manos de la banda del Automóvil Gris, decide involucrarse como ciudadano en la búsqueda de los ladrones y logra capturar un par. Esto pone en manifiesto entre otras cosas, que un pueblo unido y activo puede cambiar el rumbo de las cosas.

Panamérika: Poner música a una película silente es dirigir una lectura frente a esta ¿cuál será la lectura de Troker sobre “El Automóvil Gris”?

Troker: Tenemos tres ejes en nuestra lectura: suspenso, tristeza y sarcasmo. El suspenso es natural al tratarse de un película policiaca y para musicalizarlo utilizamos muchos clichés del cine que vemos y que nos ha influenciado. Por ejemplo, hicimos una diferenciación musical entre el bueno, el malo y el héroe.

También leemos mucha tristeza, dolor y preocupación, emociones presentes en nuestra sociedad inclusive 96 años después de las fechorías cometidas por los delincuentes del Automóvil Gris. Por último el sarcasmo, que fue la única manera que encontramos para descifrar musicalmente el cinismo de estos rufianes, de la policía coludida y de ver que hasta hoy, como sociedad, parece que sólo sabemos culpar.

Al final la lectura es cruda porque representa el pan de cada día, una realidad muy cercana a los mexicanos de hoy y ayer, así lo trabajamos obviamente a través de las herramientas que tenemos y por ello en el resultado se siente el humor y color que caracteriza a Troker.

Panamérika: Su segundo disco viene acompañado de una serie de videos que ilustran sus canciones, ahora el proceso fue inverso. Estarán ilustrando musicalmente un elemento visual. ¿Cuáles serían las diferencias creativas entre componer un disco y la música de una película?

Troker: En nuestro último disco, dejamos que nuestros amigos contaran lo que veían con nuestra música y en esta ocasión estamos trabajamos con una mente más: la película, y a esa no la puedes convencer de adaptarse a tu idea.

Más bien aprovechamos el tener otro punto de vista para enriquecer lo que podemos aportar musicalmente. Además cabe aclarar que la película con la que estamos trabajando es silente y esto es muy distinto a trabajar con un producto actual donde no sólo el lenguaje visual es distinto, sino que hay diálogos, por lo tanto existen muchos espacios para música simplemente incidental o de “acompañamiento”.

Aquí el reto ha sido musicalizar algo dicho, implícito, creado y con nuestros recursos; contar junto con la película una misma historia.

Panamérika: ¿Cómo es un ensayo de Troker para un concierto sobre sus discos y un ensayo para “El Automóvil Gris”?

Troker: Para empezar la diferencia es que para la película ensayamos a oscuras ( jajaja), durante horas y sin tequila. Necesitamos mucha condición física, mucha concentración, muchos días de trabajo continuo. Es una película muy larga por lo tanto ¡hemos tenido que estudiar más que cuando fuimos a la escuela! Tuvimos dos encerrones de 4 días en Chapala para poder enfocarnos a los ensayos sin distracciones, algo que no es necesario para montar un show.

Panamérika: ¿Qué elementos de la película fueron claves para la composición de la música? ¿Tomaron inspiración de otras referencias, (momentos, música, noticias, etc.)?

Troker: Claro que tenemos referencias, la primera es el momento socio-político que vive México, esto como lo comentamos antes fue determinante. De los elementos proporcionados por la misma película, tenemos que decir que el automóvil fue el más importante. Nos inspiramos sin duda en la acción, la tensión, el suspenso y la tristeza presentes en toda la historia; además del sarcasmo y humor de Robert Rodríguez y un poco menos de Tarantino.

Panamérika: Para los que iremos a verla ¿qué momentos destacarían en la interacción de su música con la película?

Troker: Van a darse cuenta que lo que compusimos no es música incidental, realmente trabajamos por contar la historia junto con sus directores y esto no fue tan complicado al estar viviendo situaciones similares todos los días como nación. Esto provoca que existan muchos momentos destacables de la interacción entre la música y la película, pero de nuestras preferidas están la escena donde se ve el automóvil por primera vez.

Hay otra donde, para su época, la filmación del auto en movimiento parece innovador y como homenaje le dimos especial importancia. También lo hicimos con otra escena bestial y cruel donde un niño es asesinado por la espalda de un balazo, una situación que tampoco nos es ajena, y por último mencionaremos el momento del fusilamiento en el que decidimos desenlazar el tema principal de la película por la tensión de la historia y el hecho de que es la escena real del paredón. Véanla, es una película con mucho que decir y más que reflexionar.

Entrevistamos a la joven cantautora de Fuengirola, quien visitó nuestro país el mes pasado, para enterarnos de su relación con México, sus canciones favoritas y otros temas que nos permiten acercanos a uno de los corazones más dulces del sello Subterfuge.

Panamérika: ¿cuál es tu impresión de esta visita a México?

Anni B Sweet: ha sido una experiencia preciosa, la ciudad me ha encantado y Zoé han sido unos guías inmejorables. Tocar en el Teatro Metropolitan fue un honor, el público de los mejores que he conocido. Mi último concierto fue en el Centro Cultural de España, que estaba llenísimo, y  pude tratar con el público más de cerca; fue maravilloso conocer a gente tan respetuosa, cariñosa  y cálida.

P: ¿hay artistas latinoamericanos que escuches o te inspiren?

A: Zoé, Lisandro Aristimuño, Plastics Revolution, Chetes.

P: ¿cuál es tu relación con México?

A: mi acercamiento a Mexico ha sido gracias  a Zoé. El año pasado canté y participé en el videoclip de la versión española de “Poli”. Surgió una bonita amistad y me invitaron este año a abrir algunos de sus conciertos en el Teatro Metropolitan. Ha sido una de las experiencias más lindas y emocionantes de mi vida, el cariño y el respeto de los mexicanos es algo que no olvidaré nunca. Estoy deseando volver.

P: ¿todavía recuerdas los temas que componías a los nueve años?, ¿podrías tocarlos en un concierto?

A: me gusta tocar las cosas que siento, tengo temas que escribí de muy pequeña, pero no los cantaría igual ahora. Sí que podría componer sobre aquellos momentos o  hablar de alguna letra de cuando tenia nueve años. Sería muy lindo.

P: ¿cuál es tu opinión sobre el panorama del indie español actual?

A: no puedo hacer una comparativa con escenas anteriores, pues yo llevo poco tiempo, pero puedo decir que hay muy buenas propuestas, muy variadas y de mucha calidad y el público está respondiendo muy bien. Las mejores propuestas salen del panorama indie.

P: ¿te han dicho algo los A-Ha sobre la versión que hiciste de “Take On Me”?

A: la verdad es que no, y me encantaría saber su opinión. Nada mejora la original, yo sólo le di una vuelta a la canción por diversión, y en Europa está teniendo muy buena aceptación.

P: ¿cuál es tu canción favorita en castellano?

A: imposible elegir sólo una. “Necesito Poder Respirar” de Albert Hammond puede ser una, pero también me encantan las letras de Radio Futura y de Lori Meyers.

Foto: Nerea López.

Fotos: Roberto X. Ramos

Ah, Nueva York, Nueva Yól. El mundo ya dio vueltas, y por 3 años consecutivos, peregrinamos hacia la Gran Manzana para ser parte de un “algo” latino, en el que cada quién busca sus raíces y se acomoda como puede. Es este lugar donde cada quién tiene una historia de migración que contar: Desde el “Somos de Boyacá, Colombia, pero vivimos en Philadelphia”, hasta el “Mi papá es de Puerto Rico, mi mamá de Valencia, España. pero yo nací acá”. Claro, fuera del entorno musical, no hay que caminar muy lejos para topar al paisano mexicano tras la barra de cualquier servicio, con un clásico “Soy de Izúcar, Puebla; me vine en el 78. Y nunca he vuelto, porque no tengo papeles”.

La Latin Alternative Music Conference (LAMC) no es la Mecca de la música latina, sino una pizca de artistas hispanos de Estados Unidos; a la que se suman una breve selección pan-hispana de artistas que pudieron hacer el viaje, o que se encuentran dentro de la gran familia de Nacional Records, y se encuentran en el período de ventana promocional para hacer un showcase ante la congregación de medios, (la mayoría hechos por latinos, para consumo del mismo mercado en los Estéits). En Panamérika anhelamos porque algún día esta conferencia realmente sea ecuménica y que acudan los alterlatinos activos en todo el orbe, para ahondar profundo en la raíz, y demostrar lo grande, activo, diverso y vivaz que es este movimiento. Y seguiremos viniendo a la LAMC, en la medida de lo posible, porque -junto a SXSW, éste parece ser el lugar ideal para networkear, salir del nodo de la Ciudad de México y exponerse a nuevas bandas y a diferentes maneras de expresar lo latino: Aquí “la banda”, no es esta escuálida especie guerrillera y superviviente que acude al Vive Latino, sino una latinidad en esteroides, adecuada a la moda y a los dólares, que busca internarse en la memoria de consumo norteamericana, y alterar (aunque sea un poquito), esa percepción que se tiene que ser latino es ser Shakira, Selena Gómez, un buen bateador boricua de beisbol, o un envolvedor de burritos en el fast-food Chipotle.

¿Y qué hemos visto? Cada evento de la LAMC goza de llenos totales, y no sólo muestra que lo latino está de moda, sino que logra convertirse en el atractivo principal de verano en los escenarios de los parques más importantes de la ciudad (Central Park o Prospect Park, Brooklyn), así como venues de abolengo: Desde el Mercury Lounge o el Bowery Ballroom, hasta la tienda Apple de SoHo. En el la noche del 1er día de actividades, acudimos a la muestra de bandas en el Mercury (oscura caja de zapatos rockera ubicada en la calle de Houston, híbrido entre el Alicia y el Imperial, del DF.) A destacar, entre una lista de 6 actos: Pablo Malaurie, trovador cortazariano (de Argentina, sí) quien hace una música simple, bella y enamoradiza. Su álbum, El Festival del Beso, sorprende gratamente. Jazzimodo, big band chilena fronteada por una bella pin-up, reminicente de Gwen Stefani (más petit, aún): Un tanto jazzy adultón, pero glamoroso y virtuoso, sin duda. Aquí el video de “Caramelo”, para que los calen.

Y el descubrimiento de la noche: Los venezolanos de La Vida Boheme. Sí, ellos mismos reconocen que si The Rapture surgió en los tiempos del ‘No-Dancing’ de Giuliani en NYC, ¿por qué no podría surgir una banda clashera de fiesta-protesta, en la era en que Chávez tiene cáncer de próstata? Tienen la potencia de Ramones, la locura de Talking Heads (salen pintarrajeados al escenario, como si les hubiera explotado un pozo petrolero en la cara). Uno de los miembros parece mezcla entre Elvis Costello, Buddy Holly y el actor John Turturro. ¿Y qué más hacen? Rock, baile, desmadre. Genuino, jóven y furioso. Hay que checar su álbum “Nuestra” en Nacional Records, y la reseña escrita por Felo Arias, aquí, en Panamérika.

Entre taxis amarillos, negocios de pizzas italianas y una ciudad sobre saturada de estímulos que invita a todo momento a la vida en lo alto, seguiremos reportando los avances de la LAMC, tan pronto nos podamos sentar en otra computadora, con una hora de sobra. (Les prometemos varias entrevistas, videos y sesiones en vivo, que ya hemos estado capturando en los foros de la LAMC).

Desde la Gran Manzana… Saludz!

Parece que vienen de otro planeta, uno en donde gustan de vestir con bolsas de papel y hacer manuales cantados sobre la cultura digital. Su video en YouTube tiene una cantidad estratosférica de visitas y una infinidad de comentarios en portugués. Sí, todo parece indicar que en Brasil su viral resultó un éxito indiscutible.  ¿Por qué? ¿Quiénes son? ¿De qué planeta llegaron, y cómo lograron traspasar barreras lingüísticas? Nadie lo sabe, acá nos atrevemos a afirmar que es porque su canción y su ingenio sencillamente no tienen madre. En Panamérika no nos aguantamos las ganas de entrevistarlos, sobre todo porque en las últimas semanas no podemos cantar otra cosa que “El Internet”.  Así que aquí está una entrevista con alguien, de Los Alguiens.

Panamérika: ¿De qué planeta provienen? ¿Hay más bandas así en su mundo? Llévenos con su líder…

Los Alguiens: Venimos de una galaxia muy lejana, nuestro planeta no se puede pronunciar con palabras. Es más como una frecuencia, o llamemosla, dimensión.  No nos consideramos una banda, somos investigadores, experimentamos y observamos el comportamiento humano; cuando sea el momento indicado conoceran a nuestro líder.

Panamérika: Han logrado hacer un “viral”. ¿Debemos temer a este virus?

Los Alguiens: No deben temer, esto no es un virus, solamente una forma de comunicación.

Panamérika: Alguien que oculta su rostro, sólo puede ser o muy famoso o muy feo. ¿Alguno de estos es su caso?

Los Alguiens: Sólo mostramos uno de nuestros rostros, tenemos varios.

Panamérika: ¿Han recibido propuestas de compañías proveedoras de internet, para utilizar su canción con fines comerciales?

Los Alguiens: El video y la canción tienen muchos medios y fines en los que pueden ser utilizados, pero aún no hemos recibido una propuesta interesante.

Panamérika: ¿Qué los hace tan populares en Brasil? ¿Su mensaje es universal, de proporciones cósmicas?

Los Alguiens: Segimos observando el comportamiento de las culturas e ideologías en el planeta Tierra. Aún no logramos descifrar ciertas cosas, como por qué en Brasil les ha gustado más que en otros lados, pero este mensaje sí es de proporciones cósmicas.

Panamérika: ¿Acaban de descubrir el Internet en el planeta Tierra? Su visión y uso de la red es retro, como si fuese 1999…

Los Alguiens: Sabíamos de la existencia del Internet antes que se supiera en el planeta Tierra, pero quisimos recurrir a los comienzos del uso masivo del internet para hacer notar su rápido desarrollo.

Panamérika: ¿Cuál es la página de inicio que tienen en sus navegadores?

Los Alguiens: Es cambiante

Panamérika: ¿Por qué el Internet y no la Internet?

Los Alguiens: ¿por qué la Internet y no el Internet? jejeje……

Si usted aún no sabe de lo que hablamos no dude en pinchar play en este video

Aquí, el video que documenta el viaje carretero, el folklor tapatío, y claro, nuestro objetivo principal: la Feria y las mesas de discusión, algunos showcases y varios darlings panamerikanos. Entre ellos, encontrarán Desde Ceci Bastida, hasta Thomas Cookman -Nacional Records- o Arturo Tranquilino -Yokozuna- y Juan Manuel Torreblanca, pasando por Jaime López, los Tacvbos y Andrea Balency (que dieron un gran revival a Jaime López -protagonizado por él mismo-, reseñado aquí), y claro, algunos cameos del propio equipo de Panamérika.

Y aquí unas foticos de nuestro fotógrafo, Rodrigo Jardón:

Más allá de lo visible en este mini-documental realizado (también por Jardón), les podemos dar algunos puntos de vista sobre esta primera edición de la FIM:

Chido:

• Siempre será bienvenido un foro en donde el gremio pueda convivir, compartir y aportar en pos de un mejoramiento colectivo. Conocer y reconocer a los protagonistas en la escena, resulta en una actividad industriosa.
• El solo hecho de pertenecer a la familia de otras ferias culturales importantes, como la Feria Internacional del Libro (FIL) o la Feria Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), hacen de su filial musical, una de grandes expectativas a mediano plazo. Una referencia regional.
• El formato híbrido entre LAMC y SXSW: Es decir, de día ocurren mesas, exhibiciones, entrevistas e intercambio de tarjetas entre los activos. De noche, diversos showcases desperdigados en una bella y pulsante ciudad que ama las artes.

No-tan-chido:

• Las mesas fueron pobres, dispersas y de un nivel poco profesional: Los ponentes caían en la egolatría y la auto-referencia, más que en proponer escenarios de construcción, profesionalización y optimización de la música en la escena. ¿Qué se puede esperar de una mesa de ‘Músicos del S.XXI’, conducida por Pacho y con un ponente como Sabo Romo (Caifanes). Con todo respeto a la carrera de los mencionados, no son ellos los adecuados para hablar de la ‘punta de la ola’, del presente siglo. O pláticas sobre Internet, centradas básicamente en el trillado tema de la desaparición/transformación de las disqueras o el download ilegal, como si estuviésemos en las épocas de Napster. Al final, faltó focalizar y filtrar las actividades. Traer a Thomas Cookman desde Los Ángeles o a Kevin Arnold (del agregador IODA), para que un estudiante con demo en mano -que pagó $2,500 por entrar-, les pregunte que  cómo se puede hacer famoso, es francamente un desperdicio. Proponemos talleres y mesas de trabajo para especialistas, y conferencias magistrales, de acceso general. Honestamente, el equipo de Panamérika salió de las mesas sin un aprendizaje o un reto profesional. Abundó el cliché.
• La Feria Internacional de la Música debe apuntar a universalizarse. No hubo presencia de esferas musicales distintas al Indie, al Rock (levemente se sintió la música más “cultural”, con la presencia del sello Intolerancia y actos como el de Jaramar o Paté de Fua. Pero, por nombrar a los más generales ¿dónde estaba el HipHop, la Electrónica, el Pop, lo Grupero, el Jazz y lo Clásico? Hubo poquísima presencia de actos internacionales, Monareta de Colombia, de los pocos (sino es que el único) destacables ¿Alan Parsons, cuenta? El cartel abundaba en conciertos de bandas poco atractivas, o sobrexpuestas. De nuevo, faltó destacar a quienes realmente están avanzando musicalmente en México e Iberoamérica. Habría que revisar mínimamente las apuestas en line-up de la LAMC, SXSW (área latina) o bien, del Vive Latino (Carpa Intolerante) o incluso, el festival Marvin 10 (en DF).

En fin. Para Panamérika fue un viaje agradable, lleno de convivencia, chistes, buena atmósfera y  grandes memorias entre Valerie Miranda, Jorge Pedro Uribe, Rodrigo Jardón y un servidor, Uriel Waizel. Y en la medida de lo posible, regresaremos en la edición 2012, para emancipar y ser parte del proceso de profesionalización de nuestra música. Por cierto, comimos delicioso: Recomendamos los mariscos y aguachiles del Negro Ponte Trucha y el desayuno orgánico-socialité en La Cafetería. Ocuparíamos regresar a Guanat’s sólo por comer nuevamente allí.

El grupo de Belén y Luis, uno de los consentidos de Elefant Records recientemente, visitará la Ciudad de México este domingo tres de julio para ofrecer un concierto gratuito en la terraza del Centro Cultural de España, a las 19 horas. Por este motivo los entrevistamos. Si no los conoces échale un vistazo a esto.

Panamérika: ¿será que en México todos los descubren tarde y mal, como a Portugal?

Bla: precisamente en México siempre nos han tratado muy bien. Al menos con L Kan, nuestro otro grupo, las dos veces que hemos tocado ha habido muy buena acogida. Nos encanta el público mexicano, esperamos que Bla tenga buena respuesta también. Y que el público sea comprensivo con nosotros, pues vamos a tocar con mucho jet lag.

P: ¿qué tan bien conocen la Ciudad de México?

B: creemos que bastante bien. Hasta nos hemos perdido de noche en la colonia Doctores. Conocemos todo el Centro, la Zona Rosa etc, la Roma, la Condesa, Chapultepec. Hemos estado en Xochimilco, Coyoacán, San Ángel, etcétera.

P: ¿hay sitios que todavía no han podido conocer y que les gustaría  ver?

B: claro. No hemos estado en Tepito ni en Polanco ni en Plaza Garibaldi. Todo el mundo nos dice que son sitos peligrosos. Polanco yo sé que es fresísima, pero por eso, porque no se puede ir sin chofer. ¿Es cierto?

P: ¿qué recuerdan de su visita al Parque de los Venados Acariciables, en Amecameca?

B: pues fue un día muy curioso. El nombre del parque en sí mismo nos llama mucho la atención. Nos pareció un lugar raro, pero estupendo. Luego comimos me parece que en Chalco, y montamos en un montón de ¿furgonetas?, no me acuerdo como se llaman, ¿colectivos? En algún momento pasamos un poco de miedo en la carretera por la velocidad y el apretujamiento. Fue emocionante.

P: ¿todavía existe el tontipop?, ¿alguna vez existió? ¿Es justo que haya quien los catalogue así?

B: es como las meigas, unas brujas gallegas: “haberlas haylas, pero nadie las ve”. Esto igual, haberlo debe haberlo, pero nadie dice serlo. Existe un tipo de música al que algunos llaman o llamaron tontipop. Habría que preguntarles a ellos. En esta vida no hay nada justo, ni en la música ni en otras cosas, así que lo mejor es centrarse en lo de uno y no preocuparse de las etiquetas ponen otros.

P: ¿cuál es su rango de aforo? Me refiero al menor y al mayor número de que personas ante las que ha tocado Bla.

B: el menor unos 15 en Mallorca, el mayor unos mil teloneando a Fangoria.

“Si te gusta la música y estás hasta la madre de la oferta de la Condesa y las marcas de tenis como casas de cultura, si te da hueva Devendra Banhart y tienes un corazón para el punk, el corrido, el lo-fi, la electrónica pesada y las liras, este es tu calpulli, camarada.” Palabras de Txema Novelo, responsable del sello, que nos cuenta sobre uno de los proyectos musicales mejor nombrados ¡y concebidos! del Valle de Anáhuac. En este contexto, disculparán ustedes las groserías.

Panamérika: ¿desde cuándo existe, qué es y por qué se llama así?

Txema Novelo: desde 2007. Empezó como una plataforma de videos para actos underground de México. Íbamos pescando onda con camaradas de varias partes del país con el objetivo de hacer música muy chingona. Después de haber armado muchos videos pensamos que sería buena idea también editar esa música y armar un calpulli de disquera. El nombre tiene que ver con el agobio del apoyo para la fuga cultural en México. Uno ve cómo funciona por ejemplo el college radio en el gabacho o en Europa, y uno se da cuenta de que es una simbiosis, hay un entrelazado entre el creador musical, el promotor y la radio, uno esta a la expectativa del otro. En México estos niveles se sirven de manera corrupta, pues son ejercicios de intereses, de poder, de billete y de ultra hueva. Por eso somos unos vale vergas, no nos dedicamos a hacer más de lo que tenemos que hacer, es decir que los músicos hacen su música, nosotros les hacemos sus discos y sus videos, y la música la subimos a la página (valevergasdiscos.com) para quien la quiera y listo. No nos prestamos al lamehuevismo de nada ¡y sin embargo se mueve! Un ejemplo es el disco de Juan Cicerol, que se popularizó de una manera increíble por virtud propia.

P: ¿tienen proyectos mexicanos, o también algunos latinoamericanos o de otros lados?

TN: proyectos mexicanos, esencialmente, y un par latinoamericanos por lo pronto. Tenemos la increíble música de Christian Dergarabedian, mejor conocido como Fred Lorca, miembro fundador de la mítica banda situacionista argentina Reynols. Su disco debut Cosas que suceden ya puede descargarse en la página. También tenemos a los cubanos Trío Mataflores, de noise y psicodelia. Suenan un poco a Liquid Liquid, Sonic Youth y Spacemen 3, pero sin haberlos escuchado nunca, y con mucha más onda. Este verano estará su disco en descarga, y también un vinil.

P: ¿qué actividades incluye el sello? ¿Fiestas, conciertos, ventas de discos?

TN: sobre todo las presentaciones del disco para descarga y luego la presentacion del vinil. Ambas suelen ser unas súper fiestas, por lo general en cantinas o bares anticuados. La musica se baja gratis del sitio y vendemos nuestros viniles con nuestros hermanos en cristo Discos Amapola, la mejor tienda de viniles de la Ciudad de México.

P: ¿hay algún común denominador entre los artistas del sello?

TN: la calidad de la música. Nosotros consideramos que tenemos los mejores proyectos mexicanos, y muchos no pierden su halo underground. Son producto de nuestro etnoturismo y melomanía, y son ante todo unas bandotas: Tron, X=R7 y Juan Cirerol, de Mexicali; Mentira Mentira, de Tijuana; Robota, Bonzos Flameantes y Supermad, del DF; TV Vintage, de Coacalco; Seekers Who Are Lovers y Yeyo Moroder, de Monterrey; Fred Lorca, de Argentina; y Trio Mataflores, de Cuba.

P: ¿qué importancia tiene Vale Vergas Discos en la industria discográfica de México?

TN: dudo que todavia exista tal industria, fuera de Televisa. En realidad si tiene alguna importancia es la de no formar parte de ninguna industria porque no hacemos lana con esto.

El cantautor asturiano nos platica del Tenampa, el Mercado de Sonora y el humor en sus canciones, entre otros temas, horas antes de su presentación en el Teatro Metropolitan de la Ciudad de México.

Panamérika: a lo largo de las seis veces que has venido, ¿has tenido la oportunidad de vivir una experiencia auténticamente mexicana que no tenga que ver con trabajo?

Nacho Vegas: he tenido muchas ganas de venir a México únicamente de visita, lo haré cuando se pueda. Por lo general no hay mucho tiempo para conocer las ciudades en las que he estado, que son el DF y Guadalajara. Recuerdo que la primera vez que vine estuve con Enrique Bunbury en el Tenampa, en donde José Alfredo Jiménez escribió “El Rey”. Antier estuve en Teotihuacán, pero poco tiempo, me quedé con ganas de estar en un temascal.

P: ¿por qué crees que tienes tanto éxito en México?

NV: la razón más obvia es que al principio vine de la mano de Enrique Bunbury, y eso ayudó mucho. Luego tuve el apoyo de Camilo Lara, que antes estaba en EMI, que es un gran conocedor de la música española. También creo que existe una relación entre los temas duros y trágicos de mis canciones y la pasión de los mexicanos.

P: ¿cuál es la historia detrás de la canción “El Mercado de Sonora”?

NV: la vez que vine con Christina Rosenvinge fuimos a la Ciudadela para comprar una piedra que ella estaba buscando. Así nos enteramos del Mercado de Sonora, y quisimos ir, pero una señora nos dijo que no nos convenía ir, y entonces me llamó la atención que usara ese verbo. Le fui dando vueltas a la frase en mi cabeza cuando íbamos hacia el hotel, y así empezó a surgir la letra. En otra ocasión que vine a México fui al mercado y completé la letra a través de las imágenes que vi ahí y que menciono con cariño y respeto.

P: ¿cuál es tu tema favorito, no sólo a la hora de componer canciones, sino en general? ¿De qué tema podrías hablar toda la noche con tus amigos?

NV: generalmente hablo de canciones, pues pienso en ellas desde que me despierto y hasta que me acuesto. Pero también me apasiona la política, me considero muy comprometido con la izquierda.

P: ¿qué papel juegan el humor y la ironía en tus canciones?

NV: son elementos importantes en mis letras, sólo que quizá no se note enseguida, pues están contenidos de manera implícita. Admiro el humor tan andaluz que tiene Sr. Chinarro, de quien soy muy fan. El humor es una herramienta importante para tomar distancia a la hora de tratar temas demasiado íntimos.

P: ¿qué tan autobiográfico eres en tus canciones?

NV: mi materia prima son las cosas que me suceden, yo trabajo con mi memoria, y a través de mis recuerdos descubro ficciones que suelen acercarse más a la realidad que la realidad misma. La imaginación es una cuestión muy personal en ese sentido.

P: ¿hay artistas latinoamericanos, específicamente mexicanos, que te gusten o inspiren?

NV: Chavela Vargas, José Alfredo Jiménez, Agustín Lara, y de lo contemporáneo conozco el Instituto Mexicano del Sonido.

Aquí lo vemos tan feliz y campante comiendo en El Parnita, en la Roma. Antes estuvimos en el Broka bebiendo limonada. Ese día algunas calles de la colonia estaban efervescentes debido al Corredor Cultural Roma Condesa, tan caluroso y exitoso. La presentación de Torreblanca un día antes, en el Pasagüero, había sido importante, potente, inolvidable para muchos. En la mañana, desayunando en Pan Comido, hablamos sobre el vestido y la sonrisa de Andrea Balency, los pedales que usa el bajista, las reacciones del público. A Juan se le sentía satisfecho. Sólo un poco cansado, eso sí. Así que después de los croque madame vegetarianos fuimos a casa de Dorian a ver Sin remitente (Carlos Carrera, 1995). Nos llamó la atención la música medio ska en los créditos. La película nos puso a hablar sobre la soledad, sobre qué podemos hacer para ayudar a los amigos que se sienten solos. También salió el tema del arte de los discos y de los videos –era natural con el súper diseñador Dorian ahí. La noche nos pescó en la galería Vértigo, en donde Juan tuvo que despedirse para ir a ensayar unas colaboraciones para Carla Morrison, a cuyo perrito habían atropellado horas antes. ¿Qué se les ocurre que podamos hacer para que no se sienta mal ni sola?

Desde ya se vislumbra la inclusión de varios videos de CANADA en las listas con lo mejor del año. ¿Qué sucede alrededor de las producciones visuales que este colectivo español ha logrado con canciones de Joe Crepúsculo, La Bien Querida, La Estrella de David y otros integrantes de la aristocracia del pop independiente en España y otros países? El director de videos Luis Cerveró, de CANADA, nos lo cuenta en exclusiva.

Panamérika: ¿Qué es CANADA y por qué se llaman así?

Luis Cerveró: Es un colectivo dedicado principalmente a la producción audiovisual, aunque también hacemos otras cosas, como publicar discos o comer juntos todos los días. Además de los vídeos nos encargamos de editar discos (dos hasta la fecha, para Joe Crepúsculo y La Estrella de David) y otros tres en ciernes, altamente secretos. También estamos preparando una revista y una colección de libros. Nos llamamos CANADA porque nos gusta todo sobre esa palabra: la sonoridad, la estética, la trimetría, la persistencia vocal y además que represente un país tan enorme y bonito.

P: ¿Qué proyectos tienen para este año?

LC: Los proyectos surgen casi mes a mes. Ahora mismo estamos cerrando varias propuestas futuras que preferimos no desvelar. Pero confirmados: un documental musical de una hora que se estrenará en tres semanas, un videoclip para White Lies que hoy mismo estamos terminando de rodar. Y otro videoclip para la artista danesa Oh Land. Y además un par de anuncios para la tele, uno francés y otro español. En uno saldrán helicópteros militares, y en el otro un oso polar.

P: ¿Qué les contestarías a los que dicen que todos los videos de CANADA se parecen?

LC: No les contestaría nada. ¡Tienen toda la razón!

P: ¿Hay grupos latinoamericanos que te gusten y con los que te gustaría trabajar?

LC: Conozco muy pocos, lamentablemente. Tan solo conozco a la onda mejicana de Nuevos Ricos, que estuvieron viniendo bastante por aquí a tocar y que eran una maravilla: Silverio, Miki y compañía. También hace tiempo que Julieta Venegas y yo tratamos de trabajar juntos, pero nunca encontramos el tiempo necesario. Pero me muero de ganas.

P: ¿Qué opinión te merece el pop español independiente que se hace actualmente?

LC: Está en una etapa bien dorada que comenzó hará cosa de cuatro o cinco años. La verdad es muy emocinante todo lo que está pasando, y hay más grupos, discos y conciertos buenísimos que nunca.

Mexican Dubwiser está en posiblidades de ser un consentido nuestro, porque hace lo suyo muy bien. Incorporando orgánicamente a la cumbia en una serie de fusiones que le dan de raiz un lugar bastante refinado y llevándola a lugares distantes, mas allá de su crudeza. Su primer disco de canciones propias está por salir a la luz bajo el sello de Terrícolas Imbéciles y parece un home run a juzgar por lo que vaticina su sencillo “Trouble in my soul” cargado de dub y un sonido que pareciera un homenaje a la música fronteriza; una colaboración entre Billy Gould (Faith no More) Ulises Lozano (Kinky) y Artwork Jamal. Platicamos con él sobre esto y otras cosas chéquen el video mientras descargan sus dos compilados previos, que han sido liberados a descarga gratuita: Sonidos de Hoy y Siempre Vol.1 y Vol. 2

Sólo hay un periodista en el mundo del habla hispana que puede recomendarle a su entrevistado de ir psicológo y salir avante. Ese es Juan Carlos Bodoque, el conejo rojo estrella del noticiero chileno 31 minutos. Él fue a entrevistar a Pedro Piedra horas antes de la presentación que lanza oficialmente su segund álbum Cripta y Vida (Quemazucabeza, 2011). El resultado de esta singular y existencialista mancuerna es en verdad agraciado y exitoso. No sólo por el talento de Juan Carlos como entrevistador y periodista, sino que incluye una muestra de extraordinario talento con el que el músico interpretó sus propias canciones y un un cover a los Enanitos Verdes a dueto con el gran Juan Carlos Bodoque.

Después de mucha energía liberada, sudor derramado, notas al viento y alaridos detonados, la doceava edición Vive Latino parece haber triangulado en sus tres días una experiencia inolvidable e inédita para cada uno de los asistentes y con un sello distinguible a las anteriores ediciones.

Resulta complicado enumerar —y sobretodo jerarquizar— los grandes momentos dentro de ese Vive Latino 2011 , ya que en verdad fueron abundantes, y se multiplicaban fácilmente debido a que cada una de las áreas del festival logró dibujar un rostro distinto y provocar una experiencia diferente según el espacio en el que cada uno se localizara en el amplio Foro Sol. Curiosamente algo idénticamente proporcional a lo que sucedía con las armonías, beats y letras que se sucitaban a la par en el acontecer musical, pero que sólo pintaban un ángulo particular dentro del tan colorido prisma, sin importar qué tan consolidado o qué tan nuevo era el artista o agrupación que se presentaba.

Lo que debe subrayarse en esta ocasión es la logística del evento, que sin duda ha evolucionado para bien. Es digno de ser mencionado el amplio espectro musical que se cubrió, con tan variados músicos y géneros, y sobretodo y el creciemiento que ha experimentado el público asistente, abierto a más y mejores cosas y respetando un poco más lo que no es de su gusto particular. El Vive parece haberle atinado en esta ocasión al balance justo entre cartel, la propuesta conceptual del evento y su organización. Cosa que esperemos logre mantener de ahora en adelante, pues cada día logró tener una identidad propia, pero a la vez complementarse con las jornadas subsecuentes.

Lo interesante del Vive, no es sólo quien se presenta sino todos los que han nutrido su historia durante tanto tiempo. Esa historia ha provocado que todo el que ha asistido — o asiste por primera vez—, se sienta parte de una misma comunidad que honra al arte musical con un cariño cada vez más profundo. En esta ocasión, los recién fallecidos Rita Guerrero y Eugenio Toussaint además del aún hospitalizado— y en estado de coma— Gustavo Cerati, fueron, merecidamente, las personalidades que recibieron y potenciaron parte de la mejor energía del Vive Latino.

Y es que describir lo que pasó en los cuatro escenarios principales y ahondar en lo que cada banda aportó, es sin duda una labor que sólo puede ser lograda al reunir la perspectiva de todos y cada uno de los que asistieron, y eso, obviamente es imposible. Pero lo realmente hermoso es que, mientras se suceden los tres días de música, si hay algo en el aire que te comunica la personalidad que está teniendo el festival. Es por eso que nuevamente ha quedado claro que el Vive Latino sólo se entiende y se vibra en esencia, cuando se vive en carne propia.

Terminó el Vive Latino 2011, y con esto llega la última entrega de nuestro corresponsal del público Fer Razo, él estuvo reportando para PanamériKa cada una de las jornadas del festival. Para ver sus colaboraciones anteriores den click aquí, y acá.

por Fer Razo

Por fin el domingo ha llegado, el cartel para este día pinta para ser surf. Tomo mi playera de Tinieblas y me dirijo al Foro Sol, el tránsito de locos del día anterior es inexistente ahora. Aún así sólo llegué al escenario principal para ver a Los Elásticos decir “¡¡Gracias!!”, pero me da tiempo suficiente para ir a ver a los chicos de PanamériKa y tener una buena dotación de Red Bull para el día. Entonces llega el momento de Los Coronas banda 100% recomendada que hace surfear unas olas y más con su reggaetón-surf.

Chikita Violenta hace lo propio en el escenario verde llenándolo de chicas lindas, al final regalan playeras al público presente que ya era basto para ser tan temprano. Rey Pila es el primero en lograr un lleno total del domingo en el E.I., pero no sería el único. Devotchka es la primer banda que me deja sin palabras, con instrumentos de orquesta y banda en el escenario. Bajen sus rolas, sin duda les gustarán. Hummersqueal tienen el segundo lleno total, los asistentes se ponen como locos con todas las canciones que interpretan, aquí tomo un Red Bull para tener alas y cargar pila para la caminata del día de hoy.

En este punto me doy cuenta del movimiento de la gente entre un escenario y otro, que no se había visto hasta este día, el viernes hubo poca gente, el sábado todos querían el mejor lugar para Caifanes, pero hoy la mayoría se cambiaba entre escenarios.

Fidel Nadal nos trajo los primeros olores a Mary Jane como invitada, este año le dan el lugar que se merece: el escenario principal. Los Daniels son responsables de que el E.I. siga repleto interpretando un cover a “Matenme” para continuar con “Quisiera saber” en colaboración con Lafourcade, a quien le regalan un arreglo de flores en agradecimiento. Dr. Krápula con poco público pero con una presentación con mucha buena vibra con “Gol de mi corazón”. En fin de semana de clásico, quedó como anillo al dedo. Desde que Los Daniels terminaron, Los Liquits demostraban que continuarían con la racha de llenar el E.I. “el oso carpintero” combina con el aroma del escenario, y la cereza en el pastel fue “Chicharos Mágicos”. Al terminar logré encontrar a mis amigos y nos quedamos a ver a la hermosa Mala Rodríguez, que demuestra que belleza y talento no están peleados.

Me llega el pitazo del Tributo a Ceratti, que se conformó por varios artistas en el principal (Cecilia Toussaint, Sabo Romo, Adanowsky y más), lo cual me dio tiempo para comer y así disfrutar de buena música mientras tanto. Omar Rodriguez Lopez Group me dejaron con ganas de bajar su música al demostrar un buen lleno en la Carpa Roja. La Barranca continúo insistiendo en que el E.I. no se debía de vaciar, con una presentación que no dejó nada a desear y le cumplió a los asistentes más exigentes. Una segunda sorpresa: Quiero Club revienta la Carpa Intolerante.

El rey del surf está conmigo y me manda una cuarta parte de Los Elásticos, suficiente para un autógrafo en mi boleto y otro en mi copia de su nuevo disco 4 vs 4. Adanowsky continua con la norma de no dejar que se vacié el E.I., su show no sólo fue auditivo sino visual también. People Project presentaron un tipo de jazz-rock grato para los oídos que era 100% Carpa Intolerante. Los Babasónicos revientan el escenario Vive Latino con una excelente presentación, empezando con “Zafiro” y “Pendejo”, con la cual todas las chicas se volvían locas con el baile del vocal y me fue imposible llegar a tomar una buena foto. Me dispongo a ver a Carla Morrison quien demuestra por qué tuvo dos Pasagüeros llenos, ahora acompañada de 4 músicos, y, para interpretar “Pajarito de amor”, invita a Lafourcade, su abrazo y cariño expresados en el escenario me enchinaron la piel al comienzo de la canción.

Los encargados de cerrar La Carpa Intolerante con La Dosis quienes cierran con muy buenas canciones y mucho mejor vibra está carpa, les recomiendo que busquen presentaciones futuras de ellos. La Carpa Roja es cerrada por Mara (Charly Montana) quien pide disculpas por no poder ofrecer su nuevo disco en el Vive Latino pero avisa que pronto saldrá, traía una coreografía para todas sus canciones de rechupete e invocó a 10 segundos de desmadre, que se convirtieron en 20. La fiesta aquí fue la mejor manera de cerrar está carpa. Era hora de cerrar el escenario Indio con el turno de Draco Rosa quien con sus canciones en inglés y español dejaron con muy buen sabor de boca y actitud para ver a The Chemical Brothers, quienes tenían a todo el Foro Sol a sus pies. Todos bailan con sus canciones y las animaciones que traen dejan a todos con la boca abierta incluyendo a los vendedores de los alrededores, que toman el video del recuerdo desde su punto de venta, al final se retiran diciendo “Love is all”. Y con esto habrá que recordar que el Vive Latino es una fiesta para todas las edades donde puedes ver a tu banda favorita o escuchar bandas que desconoces, pero que al final darán nuevas alternativas a tus oídos.

Está fue mi última reseña, deseo que les haya gustado. A mí, este Vive me hizo viajar en el tiempo, guardar nuevos recuerdos y con muy buena música para descargar. Así que nos vemos el próximo Vive Latino y gracias por un excelente fin de semana lleno de rock y buena vibra. Gracias a PanamériKa por la oportunidad de darme un espacio de expresión, así como a mis amigos inseparables del Vive, a mi novia y a todos los asistentes que hicieron esta reseña posible.

Ha llegado la hora de leer las peripecias y la experiencia de Fer Razo, nuestro corresponsal en el público durante la segunda jornada del Vive Latino 2011, ayer sábado.

 

Llegó el sábado, después de un buen desayuno para aguantar. Salgo rumbo al Foro Sol, la ruta de este día es Churubusco, que avanza mucho mejor que Viaducto. Llego a estacionarme a las 2:30 pm tiempo necesario para correr y ver a RebelCats, mi sorpresa es mayor al ver que sólo un acceso está abierto en puerta 5. Paso el primer filtro y la entrada, que ayer fue la opción abarrotada de filas con gente para entrar, resultado: me perdí a los RebelCats.

Nos cambian de puerta y entro por el E.R., tocan los Eléctric Co tienen poco público, pero todos bien prendidos, el vocal dice “el que no brinque lodo”, un slam tranquilo. Yokozuna tiene más publico al cual prenden con “lamer ropas”, “Bum-bum” y “No mames si sigues” aquí. No se pueden perder a Ginger Ninjas con su generación alternativa de energía para tocar Llega el momento de Líber Terán en el E.V.L. semi-lleno y parece haberle quedado grande, pero con “Jardín ideal” bailamos todos. Los horarios del día de hoy hacen que mi ruta sea Carpa Roja-Escenario Indio-Escenario Vive Latino por lo que hoy sí podré pasar a ver la Carpa Intolerante, donde encuentro mi primer sorpresa: una banda de jazz, Sho Trio el cual me agrado bastante y más por la “linda voz” de la vocal. Atto and the Majestics trae unas coristas muy guapas y regalan al público unos freesbees chicks. Llega el momento de Ruido Rosa que tiene la carpa a media capacidad, aún cuando tocaron a la misma hora que Enjambre que hace corear “Impacto” y “Visita”. Con el primer lleno de este día, el vocal dedica una canción a su padre. Sara Valenzuela agradece el apoyo a las bandas indie. Mientras me dirijo a ver a Tijoux, me encuentro los micrófonos de panamerika.fm. Ana T. hace rapear a todos con “Desde cero” y “1977”, acompañada de una batería y un teclado. Vicente Gayo sorprende con Bonnz (Helloseahorse!) en la batería. San Pascualito Rey tiene una presentación inigualable hasta el momento la cual disfruto desde el área de Vans. Rulo y la Contrabanda agrupación que desconocía pero que sin duda deben de escuchar “Las heridas del rock”. Los Dorados tenían buen público pero después de dos canciones me moví a ver a La Gusana Ciega ellos tienen más de la mitad del escenario lleno, una parte por ellos mismos y otra por que la gente quiere el mejor lugar para el cierre del día, sus clásicos son los que más prendieron a la gente (“Yesterday”, “No me tientes” y “No puedo verte”). Con Finde el vocal canta “Adoro” para todas las niñas presentes y se lanza como rockstar a hacer surf body y bailar toda la canción con el público presente, promueve el apoyo a “Rock and love” (200 la playera). Bengala tiene buena presencia al cantar carretera y son acompañados por 3 hermosas coristas (Paula, Lizz y Alma), cierran con el cover de “Sobreviviré” (de Alaska). Los Pericos ponen el toque de reggae tradicional a tope con “lindo día”, “I’m waiting for your love” y más. Alonso Arreola me cautivó con su ensamble que no podría definir pero si hay que buscar sus futuras presentaciones. Letz Zep es otra banda que les recomiendo para que busquen sus canciones, ellos tenían puro fanático de corazón, de esos pocos pero buenos.

El Guincho tiene una excelente presentación donde nadie dejó de bailar hasta escuchar “Bombay”. Jarabe de palo pone a todos románticos con “Flaca” y “Yo no quiero ser tu amigo”, este año sí le dieron el escenario que merecía. Macaco pide comunicación con una bandera ya que se describe como marinero. Natalia Lafourcade ahora sí pasa la prueba del Vive, y dejó atrás las malas experiencias del pasado. Aquí corearon “Amar te duele” y “No viniste”. Los Bunkers fueron de los mejor recibidos con temas como “Volveré”, cuando muchos ya pedían que lloviera sobre el Foro. Mi sorpresa fue encontrarme al vocal de Letz Zep y conseguir su autógrafo en mi boleto del Vive. Después de derramar miel me dirijo a ver a Nana Pancha donde el slam no cesó y yo volví a volar gente como en años pasados, falto “Luna”. Para la hora en que los Enanitos Verdes brincaron al escenario ya el caminar era complicado pero no imposible, sus clásicos fueron los más coreados. La Pulquería cerró como los grandes el E.I.. La agrupación española Alyosha Barreiro —les recomiendo escuchar sus temas “Día de muertos” y “Plata o plomo” — cerró la Carpa Roja con un performance prehispánico muy acorde con el tema del Vive, las raíces de la música.

Llegó el momento esperado, todos los escenarios apagados y todos corriendo al escenario principal. Al llegar y filtrarme por donde siempre, me sorprendió que toda la gente del back stage salió para presenciar el espectáculo de frente, como se debe hacer. Al ver las gradas veo el primer lleno en zona VIP y gradas, lo cual indica que será un gran concierto. Me detiene la gente a la altura de la entrada a fotógrafos cuando suena el primer acorde de “Será por eso” y seguida por “Mátenme”. Entonces se escucha “hablar cuando no sale la palabra; raza, Caifanes a tus pies” (Saúl Hernandez). Los gritos no cesaron y con cada canción que sonaba eran aún mayores, lo mejor de todo es que con cada dos canciones me acercaba más al escenario, el cual dejó un buen sabor de boca. Le dedican a Rita Guerrero y a Eugenio Toussaint “Ayer me dijo un ave”. Había gente llorando en el público y muchas llamadas por celular. Al final del concierto se escucha una porra y un par de novios que se vinieron de su fiesta a celebrar su recién matrimonio con los Caifanes. Este foro no se verá así de lleno en mucho tiempo y como dijo Saúl “gracias por no quitar el dedo del renglón”.

Un día sin igual, para mí me trajo recuerdos desde la secundaria hasta mi vida actual: me acorde de mi chica con los Bunkers, en verdad un día para guardar en los corazones latinos. Hoy será el ultimo día pero no por eso menos importante.

A darle al rock!!

El SETLIST- CAIFANES VIVE LATINO 2011 fue: Será por eso/ Mátenme/ Viento/ Antes de que nos olviden/ Los dioses ocultos/ Detrás de ti/ Nubes/Piedra/ Ayer me dijo/ Aquí no es así/ Miedo/ Afuera/ Nos vamos juntos* Encore*/ El negro cósmico/ Amanece/ Hasta morir* Encore */ No dejes que/ Célula/ La negra.

Fer Razo es nuestro corresponsal del público durante este Vive Latino 2011. Durante los días del festival, él estará enviandonos una crónica por día así como fotos de cada jornada del festival más importante de Latinoamérica. Esta es su crónica para el día viernes.

Fotos y texto por Fernando Razo

El día del Rock ha llegado, todos los que están en mood Godinez cuentan las horas para salir y ver las bandas esperadas del día de hoy. Su humilde servidor sale a las dos del rumbo de Santa Fé, lo que nunca contempló fue el tránsito de Viaducto. (Recomendación: salgan con mucho tiempo, que, para ser el primer día, viaducto estaba a vuelta de rueda… y hoy se pondrá peor. Tomen precauciones, pueden que les lleve más de una hora llegar y estacionarse). Son las 15:50 y mientras estaciono el carro se escucha a Los Estuches abriendo el Escenario Verde (EV), el cual se ve desde el metro. Dejo el carro y corro a la puerta 5, me encuentro con la novedad de que hay una entrada justo enfrente de taquillas. Este acceso se cierra cuando empieza a llegar mucha gente y se tiene que entrar recorriendo las curvas para entrar al Vive. Hay dos filtros de seguridad bien organizados y corro al escenario Vive Latino (EVL) donde se escuchan Los Estrambóticos me filtro entre la gente y el slam comienza, todos bailan con canciones como “La herida”, “En el bosque de la China” y la coreografía que traen hacen vibrar a todos, le dedican “Fantasma” a Rita Guerrero.

Al terminar, corro a ver a Bam-Bam, banda que promociona su disco Futura Vía con un comic muy alternativo, como su música, que tenía media Carpa Roja llena. Al escuchar “Gracias” de la banda tomo mi cámara y me dirijo al ER con Elis Paprika, su vocalista puso a bailar a todos ya que la banda traía toda la actitud Vive Latino. En el paso de un escenario a otro me encuentro con una ofrenda a Rita Guerrero, la cual no se pueden perder, ya que hace enchinarse la piel porque es muy llegadora. Los de Abajo tocaron en el EVL, tenían lleno el escenario pero muchos gritaban “Tokyo” durante su presentación por lo que el público se dividió entre quienes los querían ver y quienes esperaban a TSPO. Tanke tuvo a la mitad de la CR pero esto no demeritó una excelente presentación donde se ven el primer par de baquetas volar hacia el público. Agrupación Cariño hizo bailar al ritmo de la cumbia con “Divina Diosa”.

Al llegar a ver a Tokyo Ska Paradise Orchestra veo el escenario repleto, el punto clave fue rezar por Japón, una presentación inolvidable en muchos años. Fue tan buena que los primeros sacrificados fueron Carlos Ann y Pito Perez. Madame Recamier sorprendió a muchos con su vestido rojo, los piropos nunca pararon y “Mira-mira” fue con la que se despidió. Alika & nueva Alianza salieron con su caras pintadas como cráneos y prendieron tanto que fueron ovacionados por todos, ellos no se pudieron ir sin fotos del público y agradecieron en caravana. Fobia tuvo un lleno a reventar gritos sin igual con los primeros acordes de “El Diablo”; la canción de “Vivo” se cantaba al unísono seguidas por “Microbito” y “Veneno Vil”.

Hong Kong Blood Opera banda de buen metal que uso lo propio en la carpa Intolerante. No te va a gustar, que me gusto mucho, proveniente de Uruguay, con 6 discos fue bien recibida con varias mantas que llenaron la CR, se despidieron con “Yo me enamoré” coreada por varios. Al llegar con Bomba Estéreo la capa de Li Saumet, con la imagen de la Virgen de Guadalupe le hace ganarse al público dejando a todos bailando con “Fuego” desde Colombia. Su belleza es una de las más piropeadas.

Me llega el hambre, así que me desvío por unos tacos de costilla y cargar fuerza. En la espera escucho a Charly García, tocó más de lo programado, recitó sus clásicos y salió vestido de mariachi lo cual enamoró a los presentes. Dorian tiene una carpa mitad llena a pero sus fieles seguidores corean “Para qué creer en Dios si él no cree en nosotros” y “Los incautos”, la gente que observa sentada, están esperando al grupo cerrador.

Llega el momento de Jane’s Addiction, un lleno increíble en el que se nota la brecha generacional y que son una leyenda en el rock. Escucho sólo un par de canciones ya que sólo me sé sus hits. Me fui a ver a Sepultura, creyendo que ya tocaba, por la hora me llevo la sorpresa de que Raxas toca buen metal, pero mi emoción de ver el cierre con Banda de Turistas me hace moverme del lugar, un lleno impresionante y muchos gritos de niñas por verlos se sacan un 10 en este examen Latino. Cierran justo a tiempo para llegar al inicio de Sepultura el cual abarrotó el E.I. Han demostrado que son una banda que llena donde los pongan, los mejor es su baterista y guitarrista que tocan de una manera impresionante y la velocidad con lo que lo hacen no dejaron de sorprenderme.

Es momento de ir al escenario principal en donde cerró Nortec, que hizo vibrar el piso con “Tijuana sound machine”, despidiéndose y regresando a vibrar con “Bang-bang” y al final un especial “Cielito Lindo” muy a su estilo techno. Los fuegos artificiales no se hacen esperar y esto es la señal del fin del día 1 en el VL2011.

Lo que no pueden dejar de ver son las carpas que apoyan a causas civiles — aporten, la mejor forma es comprado productos—así como la muestra que se hace en el Faro de Oriente. En la Carpa Ambulante no dejen de probar el mezcal (no es gratis) pero es muy bueno, hay varias sorpresas en las presentaciones de los documentales pero significa sacrificar bandas. Les anexo fotos del público del Vive que me sacaron sonrisas, así como un pequeño rockero que no aguanto más en Banda de Turistas. También fotos de las bandas que vi.

Por cierto, si buscan discos de su artistas lleven dinero los precios van desde los 50 hasta 200 y el libro de Memorias del Rock está en 200 (GDL y DF 400). No dejen de tomarse su foto del recuerdo del Vive la cual pueden descargar en internet (gratis) o llevársela en póster (30) o photolibro (295 o 425 depende del tamaño).

AGRUPACIÓN CARIÑO

ANITA TIJOUX

ANSIA

ATTO & THE MAJESTICS

AZUL VIOLETA

BABASONICOS

CAIFANES

CARLA MORRISON

CHARLY GARCÍA

CHIKITA VIOLENTA

DISCO RUIDO

DRACO ROSA

EL GUINCHO

ENJAMBRE

FOBIA

JANE’S ADDICTION

JESSY BULBO

JOE VOLUME

JOY DIVISION

LIQUITS

MADAME RECAMIER

MARA

NATALIA LAFOURCADE

OMAR RODRÍGUEZ LÓPEZ GROUP

REBEL CATS

REY PILA

RUIDO ROSA

SAN PASCUALITO REY

SEPULTURA

SHE’S A TEAS

TELEFUNKA

THE CHEMICAL BROTHERS

THE NATIONAL

THE PINKER TONES

VICENTE GAYO

YOKOZUNA

Estuvimos en las oficinas de Terrícolas Imbéciles para platicar con Marc y Belly, miembros del cuarteto barcelonés que se presenta por cuarta vez en la Ciudad de México –en esta ocasión en el Vive Latino.

PanamériKa: ¿cómo describirían la escena española actual?

Marc: hay muchos grupos, y podría decirse que varios hemos nacido al mismo tiempo. En los últimos cinco años muchos grupos han subido su listón creativo, así como la calidad de los shows. Como consecuencia la escena se ha abierto a un público casi masivo, y tanto la mercadotecnia como los medios de comunicación han empezado a apoyar una revolución musical frente a la cual la industria no tiene muy claro qué hacer.

Belly: somos muchas bandas, pero todas diferentes. Es una escena ecléctica y diferente, pero que comparte muchos oyentes.

P: ¿dónde se ubica Dorian en el mapa de esta escena?

M: cerca de El Columpio Asesino, Delorean, Mendetz y Vetusta Morla.

P: Dorian se ha vuelto un acto grande, de festivales, ¿existirá algún riesgo de que la banda se olvide su espíritu original?

M: llevamos muchos años trabajando. Nos hemos construido a nosotros mismos desde abajo, aunque suene a tópico. Como no hemos tenido un pelotazo, sino que el crecimiento ha ido de la mano con nuestro trabajo, entonces no hemos olvidado nuestros valores a la hora de enfrentarnos al éxito. Cuando tocamos frente a mucha gente nos dedicamos a disfrutarlo, pero sin delirios de grandeza. No podemos perder la cabeza porque sabemos bien que el éxito no viene por justicia divina, sino como resultado de trabajar mucho. Somos una banda de verdad, de carne y hueso.

B: una cosa que tenemos muy clara es que una banda nunca puede ajustarse a un público. Tenemos un discurso propio y hemos logrado que la gente nos entienda. De pronto tenemos tantas expectativas que no podemos hacerles mucho caso. Es mucho mejor escucharnos a nosotros mismos y dejarnos llevar.

P: ¿cómo explican que Dorian conecte tan bien con el público mexicano?

M: desde el principio hemos tenido muy presente a México, siempre hemos venido a trabajar, no a vacacionar. Nos hemos dado cuenta de que aquí hay bandas muy buenas, y creemos que ambas escenas se parecen mucho, entonces tenía que existir un espacio para Dorian. Adoramos este país.

P: ¿qué nos pueden contar del proyecto After After Hours que llevan ustedes dos aparte de Dorian?

B: Marc y yo teníamos ganas de explorar otras fronteras musicales, y nos dimos cuenta de que nos apetecía mucho ir a Londres y entrar en contacto con personas de orígenes musicales muy diferentes. Ahora tenemos una cantante jamaicana, un baterista del Norte de Inglaterra y amigos de la cultura negra. Queríamos saber qué ocurría al experimentar con estas nuevas maneras de hacer música.

P: muchos grupos españoles se caracterizan por las letras irónicas y el humor, mientras que el discurso de Dorian parece más serio, ¿qué opinan al respecto?

M: me doy cuenta de que me cuesta mucho ser irónico a la hora de hacer las letras porque hacer música me parece un momento de soltar demonios, cosas que se han quedado atascadas dentro, es decir que se trata de un momento dramático. Sin embargo somos muy fans de bandas que manejan bien la ironía, como Astrud, Hidrogenesse y Manel. Me parece que el acto creativo tiene que ver con una carencia existencial. Desde mi perspetiva el arte tiene que surgir de algo que está roto y hay que coser, y las canciones cosen esas cosas. Envidio a quienes saben usar la ironía y el cinismo en sus canciones.

P: ¿cómo es un concierto de Dorian?

B: tenemos mucha conexión con el público, dejamos la piel en cada concierto, somos muy energéticos.

M: nuestros conciertos son fiestas. En el Vive Latino haremos un concierto muy intenso, con toda la artillería, el público estará todo el rato bailando. Nos encanta tocar en festivales porque la sinergía del público es una sensación brutal que puede detectarse apenas uno pone el pie en el escenario.

P: ¿por qué se llaman Dorian?

B: por la novela de Oscar Wilde. El protagonista está muy preocupado por la apariencia exterior de las cosas, por el lado más superficial de la belleza, y eso nos llama la atención de la época que nos ha tocado vivir.

Después de lanzar la convocatoria para encontrar un corresponsal del público que nos enviara un reporte de lo ocurrido durante el Vive Latino 2011, tenemos el nombre de nuestro colaborador: Fernando Razo. Él estará publicando con nostros una crónica por cada una de las jornadas de este Vive Latino 2011, y además promete sacar fotos, a lo guerrero, de todas las bandas que vea. No se vayan a perder la cobertura que Fernando tiene preparada para nosotros. Por mientras, esta es la carta que Fernando nos envió, incluye su perfil y sus recomendaciones para ver durante el festival. ¡Bienvenido, Fernando!

Nombre:Fernando Razo.
Ocupación: Actuario de vocación, rockero de corazón.
Experiencia: Fiel asistente del Vive desde su segunda edición (en 2000)
Equipo: cámara digital (permitida) e impermeable.
Referencias: Tiene fotos de todos los Vives, de todas las bandas.
Recuerdos: un pedazo de piso (de la guerra de piso del Vive del 2000), bataca de la banda de Fidel Nadal (si requiere comprobantes, se pueden mandar). Recolector de todos los programas del Vive, en buen estado, así como de los boletos.
Fotos: Vocalista de Inspector, Helloseahorse! (sin Loblondo), Guillotina (casi toda la alineación). Con el vocalista de Caligaris.

Su regla es: corre hasta morir y no pares, toma sólo agua ya que la cerveza te hace ir al baño y eso es tiempo vital de buena música.

Estas son mis credenciales. Para mí no es sólo un concierto de bandas, es el evento que espero año con año. Me ha costado novias por mi emoción durante los días del evento y me ha traído nuevos (y nuevas) amigos también. Tengo la tradición de tomar fotos de toda banda que escucho (a lo mucho a 15 metros del escenario). Mi técnica es entrar por los lados y filtrarme, me ayuda mi altura (1, 90 m) que me da tomas sin cabezas y sin manos de los asistentes.

Mi resumen de las bandas que no se pueden perder son las siguientes:

Para el viernes, el Escenario Vive nos recibe con los Estrambóticos que en su cuarta presentación nos traerán clásicos y canciones de su nuevo disco. Los de Abajo se presentarán con nueva alineación después de la salida de Líber Terán. Tokio Ska Paradise Orchestra, banda legionaria de ska proveniente de Japón, a la cual se le espera desde hace tiempo, y será recibida con muchas muestras de cariño después de la desgracia en los días pasados. Fobia, una leyenda del rock mexicano, no se le puede dejar de ver después de la trayectoria que tienen. Charly García, argentino que ha vencido desde las drogas hasta la muerte, se espera de él una presentación memorable y sin precedentes. Jane’s Addiction, banda invitada proveniente de Los Ángeles, su sonido peculiar y trayectoria desde el 85 se espera con esmero en esta edición. Para cerrar el Escenario Vive Latino no se pueden perder a Nortec conjunto 100% Vive Latino que este año cerrará el escenario principal el primer día.

En el Escenario Verde, la sangre nueva del rock se hace presente con Elis Paprika y Agrupación Cariño bandas que, con sus ritmos caribeños, pondrán a bailar a todos. Bomba Estéreo pondrá a bailar a todos con su electro rock y para conocer (porque desconozco) se recomienda ver a Here Comes the Kraken y Raxas. Este escenario será cerrado por Sepultura y su metal ya clásico.

En la Carpa Roja se tiene que ver, sin falta, a Pito Perez banda de GDL que tendrá una gran oportunidad para conformarse como banda grande. Con pocos años de trayectoria pero una gran innovación en letras Madame Recamier nos tiene esperadas grandes sorpresas (esto se sabe gracias a un meet & greet en el que compartí con ella en Chapultepec). She’s a Tease es una banda que se espera con ansias para este Vive, a la cual, sin duda, le puede quedar chico el escenario. Banda de Turistas ya se siente en casa al tocar en México y este año serán los encargados de cerrar la Carpa Roja.

De la Carpa Intolerancia, no menos importante, son bandas que desconozco pero veré sin duda para conocer: Hong Kong Blood Ópera, Sonidero Meztizo y Rana Santa Cruz. Este festival ofrece, como todos los años, la posibilidad de conocer bandas nuevas, para las cuales el Vive será su examen final.

Si da tiempo, o se está cansado, se recomienda hacer un break en la Carpa Ambulante, la cual viene acompañada de buen cine y mezcal.

Después de descansar mínimo 6 horas recomendadas para disfrutar los siguientes dos días se recomienda y se tendrán fotos de:

Rebel Cats, con su surf pondrá a bailar a todos, y con el clima del D.F. quedará a la perfección. Líber Terán, con su estilo western debe de continuar el baile de todos. Enjambre unos chicos que cada sencillo lo vuelven hit, llenarán el escenario principal. San Pascualito y La Gusana son clásicos imperdibles. Continuando con un buen reggae de Los Pericos para seguirle con Jarabe de Palo que hará que muchas parejas se abracen y besen con “La flaca” y “Bonito”. Los Bunkers sin duda harán desear la lluvia con “Llueve sobre la ciudad” a las 8 y el sol ocultándose para darle paso a los Enanitos Verdes que harán lo propio antes del esperado regreso de Caifanes, principal causa del sold out de ese día.

Del Escenario Verde no se pueden perder a Los Licuadoras que tienen un sonido muy peculiar con el que hacen bailar a cualquiera que tenga dos pies izquierdos. Ana Tijoux (ya no Anita) que con 1977 puso los ojos en el hip hop chileno. Bengala, una banda ya con historia y que espera un examen más en el Foro Sol. El Guincho, solista español que sin duda nos pondrá a bailar con sus sencillos ya posicionados. Nana Pancha un clásico que no se pueden perder.

Es un resumen de dos días.
El tiempo me ganó y llegó mi jefe.
Deseo ser su corresponsal, no se arrepentirán.

Por cierto, lo escribo desde mi cel.

Saludos,

Fer Razo.

 

¡Los imperdibles!

Como conocedor y veterano del Vive Latino, les puedo decir que este es uno de los mejores.
Aquí mi ruta crítica para ver:

VIERNES 8

Banda de Turistas: Una pandilla de niños guapos argentinos que son una bomba en vivo.
Bomba Estéreo: Lily y su tropa. El significado del rave toma otra dimensión.
Nortec Collective presents: Bostich y Fussible: Supongo que será el, ya esperadísimo, nuevo show. ¡Qué emoción!
Pellejos: La súper banda de arte conceptual. Daniel Guzman…¿álguien? Si no lo conocen, googleenlo.
She’s a Tease: Mi grupo favorito del 2010.

SÁBADO 9

Ana Tijoux: La MC favorita de Thom Yorke. Una reina en el escenario.
Caifanes: ¿¿¿Quién se los quiere perder???
Bengala: ¿Ya oyeron el nuevo single? Es realmente bueno.
Enjambre: Grandes canciones. Este va a ser un show legendario para ellos.
Joe Volume: Punk, anfetaminas y ruido. Así, como debía de ser.
Yokozuna: Los hermanos más escandalosos del rock nacional. Ojalá hubiera más grupos como ellos en vivo.

DOMINGO 10

Adanowsky: He visto prácticamente todos los shows de Adán en México. Este creo que será el más importante en su carrera.
Babasónicos: Adrián, Diego: toquen otras, unas nuevas ¿no?
Chikita Violenta: los vi tocar en el SXSW y son una aplanadora…no me los pierdo por nada.
Disco Ruido: El grupo de Julián, bajista del IMS. Hace dos años tocaron en el Vive y su show fue, de calle, el más divertido.
Rey Pila: Pelos, rock y más Pelos…de vuelta a lo elemental….mi querido Watson.

Ese será mi Vive Latino.

Salud,

Camilo Lara

En varias fuentes se puede encontrar información acerca del demo que los Caifanes grabaron en 1987 con los pocos ahorros que tenían, y cómo éste se coló en la programación de la estación rockera Espacio 59. Tal cual, como en película juvenil, Saúl y Diego escucharon por la radio que se transmitía “Mátenme porque me muero” sin tener la menor idea de cómo había llegado a las manos de la estación. El júbilo los invadió y fue la primer señal de un futuro promisorio. Esa grabación consta de 4 canciones: “Mátenme porque me muero”, “Será por eso”, “Amanece” y “Nada”, algunas de las cuales se pueden encontrar en sitios como Youtube u otros espacios en la red.

Pero ha sido compartido de manera fragmentada en la red. Algunas fuentes citan estas canciones como parte de dicho demo, pero en realidad, lo que se escucha, son versiones en vivo grabadas en Rockstock por esas fechas. Una de las dos curiosidades que ofrece el demo, y que sí se puede encontrar en la red, es una versión de “Será por eso” que tiene un sonido mucho más punketo y animado.

Sin embargo, y como exclusiva para PanamériKa, quisiera compartir la segunda de estas joyas. Esta es la primer grabación que existió de “Amanece” —que no ha visto la luz desde hace más de dos décadas y que llegó a mí por vía de Sabo Romo— en la que, como característica peculiar, se nota la ausencia de la voz de Saúl (la cual, casi seguramente, fue sustituida por Santiago Ojeda, quien colaboraría con Botellita de Jeréz más adelante). En esta versión notamos una voz más aguda y un ritmo un poco más acelerado, mientras que las versiones que se encontraban hasta ahora en la red cuentan con la voz de Saúl y probablemente provengan de la mencionada grabación en vivo, en el Rockstock.

¡Disfruten! Y escuchen un poco de historia.

A continuación las recomendaciones de Sandra para el VL, y después de eso encontrarán las fechas de las próximas presentaciones de Descartes a Kant:

Por razones del destino, solo podré asistir al Vive Latino el viernes, por lo tanto mi selección de bandas está basada en mi agenda. Aunque, afortunadamente las bandas que más me interesan están programadas el viernes.

The Hong Kong Blood Opera

Quiero aclarar que mi entusiasmo por ver a esta banda no tiene nada que ver con que estaré colaborando con ellos este viernes. HKBO siempre logra mantenerme al borde del escenario como espectador, gritoneando y moviendo el esqueleto, por su astuta forma de oscilar entre música brillante y un acto en vivo visceral; y es lo que lo convierte en algo sumamente entretenido!

Vicente Gayo

Admirable agrupación, de excelentes músicos, que siempre logra poner en primer plano lo divertido de su música sin perder de vista su interesante sonoridad y sus arreglos cargados de personalidad.

Bogo

Lo poco que he tenido oportunidad de escuchar de este trío, me llama la atención por este combo de bizarrés y sentido del humor del que goza su música: con tintes progresivos, tirándole más a lo lúdico que a la clavadez. También habrá una pequeña colaboración Bogo/Descartes a Kant este viernes en la Carpa Intolerante.

Jane’s Addiction:

¿Quién no quisiera ver a esta banda? No tengo más que decir…no puedo esperar…

 

Sandrushka Petrova

 

Descartes a Kant se estará presentando en:

Guadalajara – Sábado 9 de abril @ Calle 2

Pachuca – Viernes 15 de abril @ Ceuni

Zacatecas – Jueves 21 de abril @ Bar Tribu

Querétaro – Viernes 29 de abril @ Pixel

México D.F. – Sábado 30 de abril @ Caradura

México D.F. – Martes 3 de mayo @Lunario

Puebla – Viernes 6 de mayo @ Bull Dog Café

En PanamériKa queremos dar voz a “las bandas” y a “la banda” así que estamos pensando conseguirnos a un corresponsal que nos de reporte de la visión del público sobre el festival más importante de hispanoamérica, el Vive Latino. El/la que esté interesado en compartir su opinión con el mundo, podrá publicar sus textos en nuestro blog durante el festival y además tendrá acceso a los siguientes 5 eventos con los que PanamériKa tenga intercambios. La dinámica para ser corresponsal deberá ser la siguiente:
1. Para tener acceso a esta promoción, el aspirante a corresponsal deberá contar ya con sus boletos para el Vive Latino.
2. Deberá enviarnos una foto de sus boletos, junto con un texto en el que nos de un itinerario de bandas para ver durante el festival, y las razones por las que quiere verlas.
3. El aspirante que envíe el itinerario más completo, con la visión más aguda del festival será el corresponsal oficial de PanamériKa en el Vive Latino.
4. Las fotos de sus boletos y sus itinerarios deberán ser enviados, junto con su nombre completo, antes de mañana jueves a las 6 pm al correo: promos@panamerika.fm con el subject corresponsal “Vive Latino”.
5. El corresponsal será participe de la cobertura de PanamériKa en el festival, publicará una crónica por día del festival ( una para el viernes, una para el sábado y una para el domingo) y tendrá acceso directo a los próximos 5 conciertos en los que participe PanamériKa.

VIERNES

Tokio Ska Paradise Orchestra
Uffff, bandota, bandotototototota. Una muestra de la extraordinaria habilidad que ha desarrollado la música japonesa en los últimos 30 años y que lamentablemente se encuentra por razones conocidas en crisis actualmente. Si estás entre Brian Setzer Orchestra, lo primero de Green Day y los Skatalites vas a amar esta banda: 2 pulgares arriba.

Bogo
un proyecto formado por 3 elementos progresivos , virtuosos e igual de irreverentes que se posesionan en la Carpa Intolerante. Alta recomendación si gustas de Primus, Melvins, Screaming Headless Torsos y Mike Patton en sus múltiples disciplinas. 2 pulgares arriba

Charly García
Es probable que se vaya a los 15 minutos, es probable que no controle su energía escénica, o simplemente no toque, pero con todo y todo es también probable que en 50 años (si es que seguimos aquí) sea recordado como uno de los más grandes letristas y compositores de la música hispanoparlante. 1 o 2 pulgares arriba.

Jane’s Addiction
Que más se puede decir que no se haya dicho, 4 de los mejores músicos de la cuenca del sur de California en los años 90. ADVERTENCIA: la merma fisiológica provocada por años de excesos puede causar versiones bajadas de tono y s lentas. Aún así, 2 pulgares arriba.

Here Comes the Cracken
Como baterista de Yokozuna sólo puedo decir: “Ay güey, ese sí toca”. Y es un orgullo saber que es mexicano ante la escasez de maestros del tambor en la escena independiente. 2 pulgares arriba.

Sepultura
Ordem, Progreso, 5 mundiales, oh melhor selva du mundo eu muito rrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrr! Aunque hay muchos sustitutos, la banda suenaaaaa… 2 pulgares arriba

SÁBADO

Los Dorados
Mi día empieza tarde por obvias razones y sin dudarlo tantito esta es mi primera parada, bandota, bandota. bandota, 2 pulgares arriba

Radaid
Más de la bellísima Guanatos. Hermosa y expresiva banda. Hace algún tiempo los vi, me encantaron y luego les perdí la pista, por lo que estoy emocionado. 2 pulgares.

CONVIVIO EN LA CARPA, no sé, creo que me voy a esperar hasta…

Caifanes
“Este es tu ritual raza, esta es tu celebración, los dioses están de vuelta con ustedes y nos bendicen de música y luz” y con copal en mano Saúl volverá a ser un caifán al lado de sus hermanos. Expectativa y recuerdos de la parte radical , hippie, intacta y pura de mi infancia esperan el momento. 2 pulgares.

DOMINGO

Jessy Bulbo
Su nuevo disco me pareció muy bueno, además soy fan de Alexis y su sutil, groovie y extraordinaria forma de raspar tambor—así como dije de Here Comes The Cracken—. 2 pulgares

La Hora de la Hora
Argentinistas mexicanos, ¿han escuchado en vivo a estos muchachos? Pa’ que vean la calidad de músicos que viven escondidos huyendo del hueso y el pop en esta hermosa tierra, gran sección rítmica, un maestro del acordeón y una fiesta con todo. 2 pulgares

De ahí me quedaré en la Carpa, y cuando empiece Albert Plá iré a ver películas a la carpa de cine, hasta las 10…

THE CHEMICAL BROTHERS
La sonrisa de aquella musa sentada en la banca de al lado, paseando sus dedos en su pelo, entrar con mayores de edad a tu primer rave, salir en amistad de hermanos con el mundo; estados alterados, el aleph, un libro de física, my elastic eye, el primer beso, “Let Forever Be”, los primeros 5 exámenes extraordinarios, “Rockin’ Beats”. La vida es como ese túnel luminoso con el que  “The Private Psychedelic Reel” te enseña a vivir mas que mil biblias leídas al mismo tiempo, y como diría Hölderlin: “que así, el adulto se convierta, en lo que de niño prometió”. 4 pulgares y un millón de recuerdos

Quizá porque la música es vida es probable que no vayas a donde quieres por que esa chic@ quiere ir a ver a Jarabe de Palo o Bengala; porque todavía no se besan, todavía no la besas, o te llega, o te corta. Quizá por que la música es vida, ninguna banda es mala. Ve, diviértete, vive antes de decir que no;  porque la vida, como el amor, es plural, incluyente, es tuya, Vive, Vive ¿que bonita palabra no?

En búsqueda de la tierra perdida,

Antonio Tranquilino (O.C)

Por Julián Woodside

Si bien Saúl fue el líder y marcó la pauta del sonido de la banda, el éxito de Caifanes radicó en conjuntar el ingenio de 5 músicos con una vasta experiencia musical (aunque primero fueron 4). El simple hecho de imaginarlos tocando juntos ya causaba una fuerte expectativa en 1987.

Cada uno a su manera –y desde su instrumento– aportó los detalles necesarios para que el sonido de Caifanes se consolidara su originalidad dentro de la historia del rock mexicano. A continuación un repaso breve sobre las semblanzas de estos 5:

• Saúl Hernández: era famoso por su forma de componer y cantar en Las Insólitas Imágenes de la Aurora, sus letras metafóricas y su timbre de voz característico lo ha convertido en un vocalista único en México. Aquí una muestra del sonido de las Insólitas.
• Diego Herrera: tenía experiencia como músico de variedad, dominaba instrumentos como el saxofón, la trompeta, los teclados y las percusiones. Se puede afirmar, sin duda, que fue el arreglista fundamental para el sonido de Caifanes, clavado en detalles como insertar un sampleo de tambora al final de “Piedra” o desarrollar arreglos al parejo con músicos como Jorge Reyes en canciones como “Nada”.
• Sabo Romo: era un músico ya consolidado en la escena musical de aquella época. Había colaborado con proyectos como Cherry, Manhattan, Ruido Blanco, El Método del Ritmo, Taxi, Briseño y el Séptimo Aire, Mama-Z, etc., Sabo destaca por tener un bajeo cargado de groove y juegos rítmicos en cada composición. Quien no lo crea, puede dar click aquí para ver sus aptitudes.
• Alfonso André: la batería ecléctica de Alfonso dejó su sello en discos de Las Insólitas Imágenes de la Aurora, La Barranca y Jaguares. Con un estilo sutil y limpio a la vez que agresivo y poco predecible. Alfonso ha desarrollado un sello particular con múltiples cambios rítmicos dentro de cada canción, y para muestra pueden escuchar “Pero nunca me voy a transformar en ti”
• Alejandro Marcovich: es considerado por muchos como el mejor guitarrista en México, su estilo proviene de una profunda reflexión sobre la música folclórica latinoamericana. Cuestión que ha marcado su requinto inconfundible, que hace de su guitarra una caja de ruidos y sentimientos que van de la caricia al desgarramiento
  • “La Llorona”
  • “Miedo”
    

Vía Súper45

Había varias decenas de medios acreditados. Nuestra acreditación, sin ir más lejos, llegó con demora y luego de llamadas y correos cruzados a horas del comienzo. A pesar de las dificultades iniciales, un reportero y un fotógrafo fueron nuestra avanzada con pulsera calipso. Sacamos un millón de fotos, nos quedamos con quinientas mil imágenes en la cabeza. Esto es lo que quedó. (El relato es de Claudio Ruiz, las fotos de Rodrigo Ferrari).

SÁBADO

Más allá de las bandas del cartel, miente quien asegura que sabía cómo todo iría a resultar. Mal que mal, ni la productora tenía experiencia con algo de esta magnitud ni tampoco Carabineros tenía muy claro su papel. Por nuestra parte, sin ir más lejos, acreditar a un señor que nunca ha pisado una escuela de periodismo podría ser un ejercicio fallido, un torpe paso en falso. Además, nuestra experiencia se reducía a cubrir los escurridizos shows que nos regala la cartelera santiaguina. Teníamos ansiedad y un par de certezas: 1) que era una excelente noticia que el evento se realizara; 2) que el show de The Flaming Lips iba ser inolvidable.

Con la perspectiva que dan las horas (?) no parece descabellado sostener que la parrilla del festival fue uno de los grandes ganadores en la ecuación final. Estaban prácticamente todas las bandas que han destacado durante los últimos años en la escena nacional, hubo momentos para la devoción de fanaticadadie hard (Deftones), para el rock de estadio (The Killers), para la performance teatral (The Kill, bah, Empire of the Sun), para el hiphop de nueva y vieja escuela (CAF, Cypress Hill, Kanye West) para el rock californiano papito zorrón (Jane’s Addiction) y, bueno, para la felicidad (The Flaming Lips).

Haciendo caso omiso a la programación oficial, el festival comenzó con el show consagratorio de Dënver en La Cúpula (13:30 horas, Sábado). Los de San Felipe lograron conectarse rápidamente con un público en buena parte ajeno a los arreglos de Milton y la voz de Mariana, con un sonido perfecto y bronces que siempre son una buena idea para llevar un espectáculo común a otro nivel. Como alguien comentó por ahí, el show de Dënver debiera ser -y me perdonarán acá los que odian este hermoso deporte- equivalente al gol de Marcelo Salas en Wembley. Ahora depende de ellos.

A la misma hora que Luke Steele (Empire of The Sun) ofrecía un espectáculo electrónico de ciencia ficción (bailarinas con cabezas de pez, calaveras lásers y sendos disfraces) y que Lovefoxx de Cansei de Ser Sexy homenajeara a Felipe Avello con el baile del gusanito en Alala, en la Elipse, Chino Moreno de Deftones (Sábado, 19:30 horas. Elipse) ejercitaba su amplio dominio del escenario, alentando a su nutrida barra, que no paró de tararear (y cabecear) cada hit. Gritos, roces, saltos de antología, y hasta una anecdótica colaboración de Sen Dog (Cypress Hill), en hora y media de devoción llena de muchachos con rodamientos en las orejas.

Como un amigo me comentó a la pasada, escuchar a The Killers era como despertar con caña un domingo en la mañana con la tele prendida en comerciales.

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También vimos a: (conceptos rápidos de Cristian Araya, Claudio Ruiz, Gabriel Pinto y Fredy Olguín)

Bomba Estéreo (15:30 horas. La Cúpula)

La fiesta de Bomba Estéreo (15:30 horas, Sábado) fue una más que digna continuadora de la carismática presentación de Ana Tijoux. Todo el repertorio de electrocumbia, incluyendo un celebrado cover de Technotronic, hizo que los rolos hicieran explotar la -a esta hora ya saturada- Cúpula. De todas maneras los bikinis que se vieron en el recinto y el éxtasis del público hicieron olvidar el dilatado comienzo, con pruebas de sonido eternas incluidas.

Anita Tijoux 14:15 horas Tech Stage (Cúpula)

Mientras Dj Raff (con la ayuda de Chico Claudio) intentaba llenar con beats la inmesidad del escenario Arena, Ana Tijoux acompañada de una sólida banda de soporte (bronces incluidos) y apelando a las mejores canciones de sus dos álbumes y algo de Makiza, salía airosa en una presentación donde demostró otra vez sus recursos líricos y carisma.

Cypress Hill 14:45 horas Claro Stage (Elipse)

Tras el show de Steel Pulse en el Coca-Cola Stage, que -digámoslo- reivindicó el sonido reggae roots con una puesta en escena atemporal y los bajos más profundos de la jornada, Cypress Hill se mostró en plena forma, proclamando ese boom-bap que ya casi no se produce, y que en cortes como “Insane in The Brain” confirman que la voz nasal de B-Real es parte de nuestra memoria colectiva. Sólo Kanye les pelea el primer lugar al mejor rap act del Festival.

CSS (20:00 horas. La Cúpula)

De ellos esperamos entrega y ritmo. No decepcionaron aunque en la mitad del show La Cúpula quedó a mitad de capacidad por primera vez en todo el día. Opacados por Datarock.

Deftones 19:30 horas Claro Stage (Elipse)

A la misma hora que Luke Steele (Empire of The Sun) ofrecía un espectáculo electrónico de ciencia ficción (bailarinas con cabezas de pez, calaveras lásers y sendos disfraces) en el escenario Arena (LG Stage), Chino Moreno ejercitaba su amplio dominio del escenario, alentando a su nutrida barra, que no paró de tararear (y cabecear) cada hit. Gritos, roces y saltos de antología, y hasta una anecdótica colaboración de Sen Dog (Cypress Hill), en hora y media de show incombustible.

 

DOMINGO

El domingo ya teníamos varias lecciones aprendidas. En clave ochentera, diríamos que la forma de esquivar el maldito sol del sábado nos la enseñó la sabiduría Axl Rose hace algún lustro: para rockear, a veces hace falta una bandana y un rayfilter. Check. Otra cosa que aprendimos fue a utilizar nuestra simpatía y hacernos amigos de los guardias de amarillo, particularmente en La Cúpula, para poder tener acceso a backstage. No sabíamos las sorpresas que el destino tenía reservadas para nosotros en unas horas más. (El relato es de Claudio Ruiz, las fotos de Rodrigo Ferrari).

Luego de buscar sin éxito CDs pirateados para lanzarle a Quique Neira, nos retiramos al escenario a esperar a La Mala Rodríguez (12:30 horas. Elipse) que, luego de más de 40 minutos de retraso, apareció ligera de ropa como si eso minimizara el enfado de sus… ya, a quién engaño. Sí, se nos olvidó el atraso apenas la vi aparecer. Punto.

Lo lamentable es que buena parte del público de la Elipse se perdió el comienzo del increíble show de Javiera Mena (13:15, Arena). La alineación anunciada ya permitía esperar algo importante: con Gepe en batería, un cavernícola Diego Morales y la aparición fantasmal de Cristian Heyne en la mesa de sonido. Técnicamente, fue un aluvión sonoro. Además de presentar todos sus hits, más de cinco mil personas terminaron coreando Sol de invierno en un apronte más que sólido para la gira que la lleva a España. Javiera está jugando, por fin, en la primera división.

Luego del show de Fother Muckers (14:15 horas), vino el caos en La Cúpula, que demostró ser, o bien un lugar mal diseñado para albergar shows en vivo, o un dolor de cabeza para quienes querían legítimamente un lugar para ver por primera vez en Chile el show de Devendra Banhart (15:30 horas. La Cúpula). Miles de personas haciendo fila mientras dentro aún no terminaban los Muckers a tablero vuelto, dio paso a especulaciones y la aparición policial que demostró que la ecuación Carabineros más Rock es igual a escándalo y desorden. La policía se tomó ridículamente el lugar, haciendo imposible el trabajo de la prensa (nos desalojaron del backstage y, naturalmente no pudimos entrar al teatro pese a estar dentro, incluso paparazeando a Devendra y su novia), mientras la seguridad privada hacía agua por todos lados, a cargo de sujetos tan prepotentes como inoperantes. La policía anunció por altavoz que se cancelaba el resto de los shows allí, lo que provocó a posteriori que en su esperado regreso Cat Power (17:00 horas) cantara con el teatro a medio llenar pese a haber una fila de personas esperando por una butaca.

Mención especial merece el encuentro cercano del tercer tipo con una pareja de cuicos papito zorrones, indignados porque la fuerza policial no los dejaba -a ellos- entrar a ver a Banhart. Es entendible la molestia por la desorganización de un evento que, fuera del desastre impresentable de La Cúpula, estuvo impecable. Lo que no es entendible es la mala educación y la prepotencia que recayó contra este cronista, nuestra Carmen Duarte y un inocente reportero gráfico peruano que me acompañaba, siendo apuntados groseramente por la pareja debido a que supuestamente “no habíamos pagado la entrada como ellos” y por tanto no teníamos derecho a ingresar, sin importar que nos encontrásemos trabajando. Si me estás leyendo, recuerdas perfectamente lo que te dije.

La pésima seguridad del recinto llevó a que con Carmen enfiláramos con antelación hacia el plato fuerte del festival, la banda más grande salida alguna vez desde Oklahoma City, The Flaming Lips (16:30 horas. Elipse). Pero hicimos algo distinto. Aprovechándonos de los superpoderes de nuestras pulseras verdes, logramos entrar -no me pregunten cómo, porque no podíamos estar allí- al backstage del escenario desde el cual en veinte minutos más Wayne Coyne saldría en una bola transparente para caminar sobre el público. Nos encontramos de pronto frente a frente con el simpático ejército de lolos y lolas disfrazados de naranjo y la Mujer Maravilla. Lo sabíamos, eran los bailarines de The Flaming Lips, y nosotros subiríamos con ellos. Costase lo que costase.

 

Y así fue. Subimos y, sin que nadie se diera cuenta de nuestra presencia clandestina nos ubicamos en el lugar más seguro y menos expuesto de todo el escenario: La mesa de sonido de Kanye West (?). No les voy a decir que fue una experiencia religiosa ni que quedamos roncos de tanto cantar, tampoco les voy a decir que bailamos y que todavía no se nos borra la sonrisa de felicidad de la cara. Que fuimos los camarógrados del chistosito David Arquette. No les pienso decir eso porque hablaría muy mal de nuestra labor, dado que nuestro trabajo como reporteros nos lo tomamos muy en serio y adem…SÍ, ESTÁBAMOS EN ÉXTASIS Y PARA NOSOTROS FUE EL MEJOR MOMENTO DEL FESTIVAL. Punto.

Por Julián Woodside

Terminaba la historia de Caifanes por allá de 1995 cuando en una entrevista se les preguntó a Saúl y a Alejandro qué tenían en común, este último respondió: “el esqueleto, el número de cromosomas”. Su respuesta marcaba el final de una historia musical compartida. Sin embargo, para convertirse en una de las bandas más emblemáticas de la historia del rock latinoamericano se necesita mucho más que compartir el código genético.

La reunión de Caifanes en este Vive Latino marca el reencuentro oficial de los 5 integrantes tras 16 años de silencio. Curiosamente, dicha presentación se realiza un día antes del aniversario 24 de su primer tocada, un 11 de abril de 1987 en el legendario Rockotitlán. Este hecho se complementa con su próxima aparición en el festival Coachella como semi-headliners, cuestión que no sorprende —a pesar de las críticas—pues Caifanes fue trascendente no sólo para México sino para toda Hispanoamérica ya que desde sus inicios tuvo un fuerte impacto fuera de nuestro país.

Los Caifanes lograron reunir en los mismos foros a las masas y a los rockeros de la época, además de dedicarse a abrir espacios para el rock mexicano tocando en teatros, palenques y medios de comunicación que no contemplaban dicho sonido. Como alguna vez compartiera Saúl: Caifanes trató de alinear un discurso que le hablara tanto a los estratos más bajos como a los más fresas, por lo que no sólo con “La negra tomasa” causaron revuelo, sino también con una serie de canciones y actitudes que legitimaron su vínculo con la gente.

Supieron mantener un equilibrio en su sonido tocando rock, punk, progresivo, rock pesado, jazz, blues, new wave, son, cumbia y ranchero. Incluso se aventaron a tener un #1 sin coro como “La célula que explota”. Además, dejaron una marca en la memoria por el mito en el que se convirtió el conjunto: que si su manager fue, en su momento, la persona más poderosa del rock mexicano —y que al parecer tuvo que ver con un disco enlatado de la Maldita—; que si la disputa por el nombre involucró no sólo a Alejandro y Saúl, sino también al management y a la disquera (razón por la que escasea parafernalia oficial de la banda y el Unplugged nunca se editó); que detestaban el playback por haberlo hecho durante mucho tiempo para ganarse la vida (aquí con Laureano Brizuela y acá con Alaska y Dinarama) y lo evidenciaban en televisión como una forma de protesta. Asi que no sólo nos dejaron la música, su presencia marcó un cambio en la forma de vivir y escuchar rock en México.

Son estas las razones por las que la música de Caifanes sigue viva en fiestas, bares, cancioneros, en el micro y en los compilados de mp3 del metro…aún cuando carece de exposición en los medios “rockeros” de ahora. ¿Por qué siguen vivos? Porque le hablaron y le siguen hablando a la gente; porque su música y letras vienen de las tripas; porque es igual de importante cantar sobre metáforas, adicciones a las drogas o criticar a los medios de comunicación cuando se hace algo con honestidad. Eso es lo que han tenido en común estos 5 músicos: querer tocar, divertirse, y en el proceso luchar por dejar oportunidades para los que les sigan.

Si bien el mundo se ha emocionado cuando Led Zeppelin, The Police o Pink Floyd se han reunido, Iberoamérica y Estados Unidos tienen suficientes razones para emocionarse ante la próxima reunión de Caifanes, ya que indudablemente forman parte de nuestra memoria e identidad musical.

Sencilla, pero contundente, justo como la música que logran Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin. Hablamos con éste último sobre la visita del dúo vasco a la Ciudad de México. A continuación la entrevista que nos concedió el 50% de Single, que tocan este viernes primero de abril a las 22 horas en el Pasagüero (Motolinía 33, Centro) y al que te recomendamos mucho ver en vivo.

PanamériKa: ¿En qué sentido crees que la ciudad en la que un artista vive influye en la música que éste produce?

Ibon: Todo lo que uno vive influye, pero en el fondo influye más de dónde eres. En nuestro caso lo que más nos marca es haber vivido en San Sebastián hasta los veintitantos años.

P: ¿A qué suena la música de Single?

I: Diría que es música pop en un sentido muy amplio. Nosotros entendemos el pop como un lugar en el que cabe todo, en el pop puedes hacer lo que quieras, siempre y cuando haya una estrofa, un estribillo, y todo quepa en tres o cuatro minutos. Single lo entendemos así, como un sitio donde podemos volcar lo que nos apetece: hip hop, reggae, cabaret, música para bailar. Generalmente combinamos lo acústico con lo electrónico. Somos un grupo melódico, en pocas palabras.

P: ¿Cómo es un concierto de Single?

I: En México sólo seremos nosotros dos, pero en España solemos tocar con otros dos músicos. Utilizaremos pistas pregrabadas, pero seguro también haremos cinco o seis canciones sólo con la guitarra. Habrá canciones de los dos discos y de los sencillos que hemos sacado. Tendremos desde lo más acústico hasta lo más electrónico.

P: ¿Acostumbran escuchar música latinoamericana?

I: Me llega a la cabeza un grupo llamado Espíritus de Gante, que son de Guadalajara. Conocí a uno de los miembros el año pasado en España. Hacen música instrumental. No conozco mucho más. Teresa y yo hemos escuchado mucha música brasileña, pero no lo tenemos tan presente en el sonido del grupo. He oído hablar de Javiera Mena, que es chilena, pero no la conozco.

P: ¿Cuáles son tus grupos favoritos?

I: El grupo que más me gusta es Hidrogenesse, y también Astrud. También me encantan Hello Cuca, Parade y Corazón.

P: ¿Cómo ves el panorama actual del indie español?

I: Ha llegado un momento en el que hay tantos grupos que la etiqueta de indie español no significa nada. No podríamos poner en un mismo saco a Nacho Vegas, que es un cantautor muy clásico, y a Los Planetas, que hacen un rock muy de guitarras, por poner el caso de dos actos importantes que por cierto están muy alejados de nosotros.

P: ¿Qué esperan del viaje a México?

I: Desde que abrimos nuestra cuenta en Myspace, y posteriormente en Facebook, siempre hemos tenido muchos mensajes de gente de México. Hace años estuve de gira por Estados Unidos con Ana D, y cuando estuvimos en Los Ángeles conocimos gente de Tijuana. Nuestro sello, Elefant Records, tiene una oficina en México. Verás que tenemos muchas referencias, y por lo tanto también muchas ganas de tocar en México.

P: ¿Tocan algo de Le Mans?

I: No. Le Mans es algo muy distinto. Pasaron seis o siete años entre terminar Le Mans y comenzar Single. Para nosotros es un asunto olvidado. Además Teresa no era la cantante, sino la bajista. Ahora mismo no pensamos en Le Mans.

Gracias a un encuentro con el Sonidero Meztizo, PanamériKa presenta el nuevo grito de paz y baile que se viene con gran fuerza, entonado en flor y canto por Moyenei y Roco Pachukote .

Así es, esta pareja de vida y de baile está por marcar muy próximamente los escenarios mexicanos, empezando por el Vive Latino y su presentación en la carpa intolerancia el día 8 de Abril a las 21:30 hrs al cierre de esa jornada. Aquí te los presentamos muy de cerca para que te adentres en su propuesta antes que nadie.

A manera de polaridades complementarias, buscando un equilibrio, la fusión de ritmos y estilos entre la chilena Moyenei Valdés y el pachukote mayor: Roco —también integrante de La Maldita Vecindad— se desata una muy orgánica invitación para todos a re-conocer mucho de lo que hemos dejado de mirar en el camino y que es esencial para seguir adelante y avanzar colectivamente en nuestros días.

Un cambio para dejar de mirar la violencia y abordar la conciencia, un acercamiento a la tradición indígena para conjuntarla con nuestra vida occidentalizada, un cambio individual para lograr el colectivo. Con este primer sencillo Somos Paz que está por desatarse en grande, decretando: “Somos paz, somos más” intuimos que esta canción tendrá una trascendencia interesante, y aquí y ahora lo presentamos en voz de sus autores, desde su santuario de ensayo, acompañado de una entrevista que nos ilustra mejor su camino desde su propia perspectiva y que se redondeó al haberlos seguido hasta el toquín que realizaron dentro de las instalaciones del metro Tacubaya, aquí en la capital.

Panamerika se congratula en presentar exclusivas de este tamaño, y ya si logramos que el baile los invada, dedíquenle unos pasos a este espacio alterlatino.

A una semana de ocurrido el Festival Nrmal en Monterrey, Nuevo León, es buen momento para recordar los mejores momentos con esta crónica de Nicolás Chapa. @nicolaschapa
y fotos tomadas por Pipa de Colores. @pipadecolores

Sábado 13 de Marzo del 2011, un día esperado por quienes en esta ciudad añorábamos la posibilidad de estar en un festival, donde además de escuchar buena música, pudieras chulear y convivir con todas las amistades. El clima era agradable, el sol no calaba como de costumbre y aunque pareciera que Monterrey es una ciudad grande, da la coincidencia de que la mayoría de los asistentes al festival Nrmal ya nos conocemos -de perdido vía Facebook o propiamente de vista-. La Alianza Francesa, lugar anfitrión del Festival, está ubicado en el municipio de San Pedro Garza García, un municipio que todavía le brinda esa dosis necesaria de tranquilidad al estado de Nuevo León: su buena vigilancia brinda la confianza para crear esta clase de eventos que escasean debido a la inseguridad.

No sé cómo sentirme al respecto con la situación que se vive en Monterrey, desde que lugares como el Noise, el Garage o El Café Negro cerraron… Esto originó una insuficiencia de tocadas en la capital del estado. La violencia ha debilitado desde hace un años y medio la vida nocturna de la ciudad y parece que la nueva actividad de los fines de semana es ir a casa de alguien a convivir y hasta ahí. En pocas palabras, las presentaciones en vivo y la vida nocturna regia, son prácticamente nulas en comparación con otras ciudades donde las opciones sobran. Entonces, ante tal situación, es un alivio que llegue el Festival Nrmal después de tres meses consecutivos del 2011 sin ningún evento fuerte. Y es lamentable decir que quizá el Nrmal Fest sea el último evento importante del año en Monterrey.

Esa dura situación ha logrado un instinto de supervivencia dentro de la “escena regia”, pese a los escasos espacios para tocar, las bandas nuevoleonesas sobreviven a base del Internet; no por nada grupos como She’s a Tease, BamBam o 60 Tigres han salido con mucha fuerza hacia el D.F. buscando expandir su música, otras bandas se dirigen hacia ese mismo camino, como Alexico y Uvi.Lov quienes hacen uso del “Online Filesharing” con el apoyo de Belafonte Melodías para compartir sus EP’s.

Todas estas oraciones escritas en los párrafos anteriores, son un intento de expresar un antecedente, basado en la experiencia personal de alguien que vive en la ciudad de Monterrey. Y comenzamos pues, la retrospectiva del Nrmal.

2:08 pm Alexico, originario de Monterrey, dio arranque al line up del Festival Nrmal con su show en vivo lleno de sonidos concebidos en su creatividad, que de inmediato atrajo la atención de todas las personas que comenzaban a llegar.

2:34 pm Y el escenario 1 se activaba con la presencia de Husky, cuatro chavos sampetrinos que pese a la poca gente en ese momento, debrayaban con un ánimo interminable sus canciones.

3:08 pm La Alianza Francesa comenzaba a llenarse, mientras el escenario 2 recibía a Goma, sinaloense que hizo sonar su guitarra en un logro que fusionar folk rock con pop.

Faltaban 20 minutos para las 4pm y decidí ir al mercadito del Festival Nrmal, que fue coordinado por TocToc, un colectivo de diseño regiomontano. Entre los puestos que ahí estaban, me topé con Molkano Mexa Design, una línea de molcajetes fosforescentes y Bazar Segunda Mano Vintage, que ofrecía a la venta prendas y artículos difíciles de volver a encontrar, como un termo rojo para agua (en forma de celular).

4:02 pm La temperatura marcaba 27º, se percibía mayor movimiento dentro del Festival y Pipe Llorens se preparaba en el backstage del escenario 2, para comenzar con su presentación en Monterrey. Llorens, quien dijo venir “De aquí del otro lado, Torreón, Coahuila” inyectaba el ánimo necesario al público que comenzaba a entrar en ambiente al mover la cabeza al ritmo de Pipe, quien mientras jugaba con el pedestal del micrófono dijo: “¡Gracias Monterrey Nuevo León, que le gusta este ritmo Sabrosón!”, para posteriormente solicitar “un besito” de alguna regia… sin logarlo.

4:31 pm y la guitarra de Hypnomango se escuchaba, la gente comenzaba a acercarse al escenario 1, donde Rene Rodríguez, estudiante de Mercadotecnia, mostraba un atuendo azul sacerdotal. Sus movimientos vertiginosos mientras sostenía su guitarra –que parecía que hablaba-, despidieron la presentación de Hypnomango que pronto lanzará su EP, bajo el sello de Nene Records.

5:02 pm Y nos dirigíamos rápidamente al escenario 2, donde Juan Cirerol comenzaba a tocar su guitarra emparejando tono con Martín del Prado Jr, para deleitar al publico regio que ya esperaba con muchas ganas esta presentación del Festival Nrmal 2011. 5:21 pm y Cirerol dedicaba la siguiente canción “a todos los carnales del Nrmal” y fue así como inicio “Clonazepam Blues”, que fue la canción mas coreada por el público que se mostraba sonriente, emocionado y a la vez atento a la presencia de Juan, quien portaba un saco gris, una hebilla plateada ovalada y una cabellera despeinada por el aire que no dejaba de soplar. Posteriormente anunció que se despediría con “Tabaco Guapo”. Al termino del show escucho que alguien a lado mío dijo: “Es como el Johnny Cash norteño mexicano”. Al termino del show me acerco al escenario para invitar a Juan y Martín al streaming de Redbull Panamérika, aceptaron y mientras nos dirigíamos al lugar donde se tomaba la señal, Cirerol me comentó que tenían mucho de no venir a Monterrey y que admira a Los Alegres de Terán. Después de aparecer ante la cámara de Panamérika y haber dado entrevistas para prensa, Cirerol y Del Prado se incluyeron en el ambiente del festival para divertirse como cualquier otro asistente.

Terminaba el turno (muy tranquilo) de Silje Nes, de Noruega. Eran las 6:32 pm y Yo! Linares salía con la mejor actitud al escenario 1 para recibir a la noche que estaba por llegar, ejecutando sus canciones de una manera muy placentera.

7:34 pm El pandero y la guitarra notificaban que era momento de Lorelle Meets the Obsolete en el escenario 1, mientras que los BamBam se despedían en el escenario 2. La noche había llegado y las luces azules, blancas y amarillas mostraban a Beto y Lore en lo que fue su primera presentación en Monterrey.

8:22pm Neon Walrus está por concluir en el escenario 2, en el Food Court del festival la gente hace más fila en el puesto de comida japonesa; hubo quienes mejor optaron por una hamburguesa y otros más prácticos prefirieron un elote.

8:32pm Las poderosas guitarras de Bare Wires sonaban en el escenario 1. El humo tipo Gina Montes en la Carabina de Ambrosio, la combinación de luces, la buena música en vivo y una cerveza bien fría en mano, fueron el conjunto que hizo este momento muy agradable.

9:03 MONDKOPF conectaba su laptop y comenzó con su música que podría denominar como “Non Stop Music”, sus beats conducen a que no pares de moverte; pareciera que estás en automático. Sin duda escuchar lo que este francés hace en vivo, es una buena experiencia.

9:27 Y comenzaban en el escenario 1 Las Robertas, una de las bandas más esperadas en el line up del Festival Nrmal 2011. Desde el inicio hasta el final del show la atmósfera de festejo jamás decayó. De pronto, en el lado izquierdo, una bandera de Costa Rica se ondeaba entre el respetable, mientras que en el centro se hizo una rueda para todos los que andaban más prendidos, de modo que bailaran, cantaran y patalearan. Al término, fue inevitable sentir esa sensación de “querer mas”; de cualquier modo Las Robertas sí lograron dejar al publico prendido y satisfecho.

10:34 pm Escenario 2, She’s a Tease iniciaba con algunos problemas de audio que fueron resueltos de inmediato, el grito de Pibe diciendo concisamente “She’s a Tease in da houseeee” aumentó la euforia de la gente –en su mayoría regia- que disfrutaba de la presentación de la banda en su propia tierra. Comenzó “Fiebre de Jack” y el verano del ’69 se sintió después de 7 meses de no haber visto a She’s a Tease en escenarios regios. Iniciaron los primeros acordes de “Long Time Roll” y Pibe presentó al que llamó “su gurú personal” y fue así como Ketshup subió al escenario para interpretar los coros de la canción. 10:34 pm y la banda se despedía, pero la gente aún quería más, así que regresaron para interpretar “Datos Íntimos”, seguido de “Why Does Your Love Hurt So Much?” para dar por concluido su turno en el Festival Nrmal que estuvo rodeado de buena vibra y del beneficio de poder ver a Ketshup cantando con los She’s a Tease en casa, para recordar los inicios de la banda.

10:37pm El mercadito del festival estaba por cerrar y en el escenario 1 la banda estadounidense Thee Oh Sees sonaba con todo.

11:04pm El escenario 2 acogía a Chikita Violenta y la raza recibía las primeras impresiones de la banda de una forma tranquila. Fue entre la tercera y cuarta canción cuando Andrés –vocalista- aprovechó para manifestar su gusto por estar en Monterrey pese a tres intentos previos sin éxito.

11:56 pm Y la torna de 3 Ball Mty comenzaba a contagiar a los asistentes que venían acercándose al escenario 2, atraídos por la buena música que sonaba en ese momento. Mientras uno giraba los botones superiores de la consola, el otro buscaba CDs en la carpeta de discos, para continuar “mixeando” un sonido homogéneo cargado de techno-cumbia-electrónica. Es así como estos tres chavos de Monterrey de no menos de 19 años, llamados 3 Ball Mty se divierten, bailan y arman un reventón dentro de otro, por más de media hora.

12:02 am Un cambio en el orden del line se daba, Los Frikstailers tocarían media hora antes, entonces aparecieron en el escenario -provenientes de Córdoba,Argentina- dos hombres con peluca azul y roja respectivamente. Al ritmo tropical del “tuntun mami mami” fusionado con sonidos electrónicos pusieron a todos a moverse, inclusive a las personas que estaban a lo lejos del escenario. Los Frikstailers lucían unas camisetas con figuras multiformes y colores luminosos. Alguien atrás de mí menciona: “Son como unos Pet Shop Boys reggeatoneros”.

1:04 am Los Macuanos fueron los encargados de clausurar el Festival Nrmal en su edición 2011. La mezcla de sonidos obscuros, cumbiancheros y de danzón, añadiendo percusiones en vivo, lograron que la estamina durante los últimos minutos del festival fuera como si el festival apenas iniciara. Los Macuanos anunciaron su despedida con la canción “El marranazo” después de haber obedecido el grito de “otra otra otra” del publico que todavía tenia ganas de seguirle. A la 1:46 am ya con los asistentes cansados, esta banda de Tijuana concluyó con el Festival Nrmal.

Conclusiones:

Sin duda el Festival Nrmal gozó de buena vibra y satisfació la necesidad común de más eventos de este tipo en Monterrey, que evidentemente ha sido una ciudad que no ha parado en cuanto a producción de música se refiere. Nrmal re-abre la posibilidad de volver a salir y abandonar esas cuatro paredes que refugian a los regiomontanos e invita a darnos el placer de poder estar ante un festival, con buenas bandas, cero amontonamientos, en un lugar seguro y al aire libre, logrando que se olvide por un momento que la ciudad está hasta el tope de cosas malas. Habrá a quienes probablemente no les gustó el Festival, sin embargo yo lo vería desde la óptica de: “No hay peor festival que el que no se tiene”.

Monterrey es una ciudad con mucha creatividad que aún no ha sido descubierta, es una ciudad que requiere de más espacios y ocupa el apoyo de todas las demás “escenas” para sobrevivir a esta situación que la violencia ha orillado a acatar a todos los involucrados en la música. Mientras tanto, nos quedamos a la expectativa de ver qué otros eventos musicales pudieran generarse en el trayecto del 2011 en la Sultana del Norte.

Un cartel heterógeneo fue el que se presentó ayer, 16 de marzo, en El Imperial. La noche pasó del más puro cotorreo de Los Pellejos con temas alucivos al Chavo del Ocho y comida callejera, hasta el rock punketón e inconforme de De Nalgas.

Fotografías de Rodrigo Jardón.

El EP Defensa (2010), con su preciosas canciones de pop sofisticado y ese bonito diseño gráfico que se queda en la memoria, llamó la atención de radiodifusoras, productores y por supuesto fans. Desde entonces varios hemos esperado con ganas el primer disco de Torreblanca, que saldrá dentro de pocas semanas. Estos días lo terminaron de grabar con Quique de Café Tacvba, así que contactamos a Juan Manuel Torreblanca para que nos cuente la experiencia.

PanamériKa: ¿Por qué escogieron a Quique, de Café Tacvba, para producir el disco?

Juan Manuel Torreblanca: Es una historia casi increíble, como las que se ven en los documentales acerca de las bandas que uno admira. Más que haberlo elegido nosotros, fue él quien se acercó. En la última presentación que tuvimos en El Imperial, en 2010, Quique y Joselo Rangel estaban en el público. Terminamos de tocar y subieron al camerino a saludarnos y felicitarnos. Como a cualquier fan de Café Tacvba le habría pasado, eso nos impresionó bastante. Al día siguiente mi sorpresa fue más grande cuando Quique llamó por teléfono –no sé cómo consiguió mi número– y me dijo que le había gustado mucho nuestra música y que estaba interesado en que le platicáramos cuáles eran nuestros planes para ver si podía apoyarnos de algún modo. Y las cosas se acomodaron de una forma inmejorable porque ya estábamos pensando en la necesidad de grabar algo nuevo. Estábamos empezando a componer y a dirigir nuestra energía hacia esa meta, así que apareció Quique como un “maestro”, un guía o director en el momento preciso. Y además resultó, para suerte de todos, que se trataba de la persona perfecta para desempeñar ese papel. Somos una banda muy afortunada, y estamos agradecidos con Quique.

P: En el proceso de grabación de un disco suelen descubrirse virtudes o vicios de una banda, ¿es el caso de Torreblanca?

JMT: Este proceso ha sido –en el sentido de la experiencia de producir y grabar música– el aprendizaje más grande que hemos tenido hasta ahora. La preproducción vigilada por Quique fue clave para que todo pudiera realizarse de manera eficiente y que el resultado fuera satisfactorio. Estoy convencido de que la música ha alcanzado un nivel de madurez nuevo para nosotros, y podría decirse que una virtud descubierta fue ser capaces de grabar un disco en vivo ¡y salió un buen disco! Las bases –batería, bajo, acordeón, teclados y piano– las grabamos todos juntos y eso, además de darle una energía especial a la interpretación, agilizó enormemente el proceso, pues terminamos las bases de 11 canciones en cuatro días. Otro aspecto interesante fue la mezcla de perspectivas, gustos, ideas, opiniones y estilos, sobre todo durante los detalles finales. En este disco estamos todos más involucrados que nunca, y por lo mismo hemos llegado a vernos enredados en discusiones acaloradas sobre el sonido correcto de una melodía de sintetizador o sobre un arreglo de aplausos o cuántas armonías vocales caben en una parte, etcétera, pero lo importante es entender siempre que nada es personal, y que no se trata de poder decir al final: “Esa idea fue mía”, sino que hay una meta común, un fin que compartimos, y que es lograr que cada canción sea la mejor canción que nosotros pudimos hacer. Estoy inmensamente agradecido, estoy aprendiendo muchísimo.

P: ¿Qué diferencias hay entre Torreblanca en vivo y Torreblanca en estudio?

JMT: En el EP Defensa que hicimos con el talentosísimo ingeniero y productor chileno Turra Medina en El Ártico –estudio de Leonel García, quien también nos apoyó entonces como productor ejecutivo– existía una búsqueda por acortar lo más posible esas diferencias. No metimos instrumentos que no fueran los que tocamos en vivo y tratamos de grabar de la manera más rápida, espontánea y sincera que pudimos. Eso nos gusta, pero no significa que en nuestro ideal deban ser idénticas esas dos versiones de la música. Para este disco creo que inconscientemente, o al menos sin haberlo hablado mucho, decidimos aprovechar más las posibilidades de un estudio. En un disco creo que vale la pena cuidar al máximo las texturas, los detalles, la profundidad del arreglo, todas esas sutilezas, para que quien lo escuche pueda descubrir colores, ritmos, rincones escondidos o melodías nuevas dentro de una misma canción después de escucharla muchas veces. Y en vivo hay una inmediatez, una entrega y una energía que sobrepasa ese meticuloso perfeccionismo y vuelve prioritaria la búsqueda de conectar con el otro y transmitir el mensaje o la emoción de la canción con mayor pureza, sinceridad, intensidad y generosidad.

P: ¿Quién está haciendo el arte del disco?

JMT: La misma persona que trabajó en Defensa: Dorian López, de quien soy fan de hueso colorado. Me parece un diseñador, fotógrafo, ilustrador y tipógrafo absolutamente genial y estoy contento porque ya empezamos a reunir material para el arte del disco. Me siento muy tranquilo al ponerlo en manos de Dorian porque nos entendemos a la perfección y sé que al final las imágenes lograrán, además de una belleza de calidad, entablar un discurso con el concepto de las canciones.

P: ¿Qué escucharon durante el proceso de grabación?

JMT: PJ Harvey, The National, The B-52’s, R.E.M., Feist, Patti Smith, el disco de navidad de The Carpenters, Tchaikovsky, Ceci Bastida.

P: ¿Todo listo para el Vive Latino?, ¿qué tienen pensado para su presentación?

JMT: Sí y no. Estamos emocionadísimos con la invitación, y las canciones las tenemos, pero hemos estado tan dedicados a grabar nuestro disco que apenas vamos a empezar a ensayar para el festival. Nos había encantado invitar a muchos músicos amigos, hacer arreglos enormes y complejos o tocar versiones especiales o covers, pero el Vive Latino posee ciertas características –por lo menos para las bandas que no son las principales– que no lo harían práctico, me refiero a que no hay prueba de sonido y tienes como cinco minutos para montarte al escenario y conectar todo. Entonces nuestro plan es armar un show con seis o siete canciones cortas, contundentes y directas, y con una dotación instrumentística sencilla. Sin embargo no descarto invitar a algún amigo a completar la sección de alientos, es tentador.

¿Te acuerdas de “Merequeteke”? Seguramente la respuesta es afirmativa si vives en Aguascalientes o Madrid, ciudades igualmente soleadas en las que el súper éxito de Capullo sonó hasta el cansancio durante el verano, o si algún amigo te pasó uno de los mp3 más brillantes del año pasado. Para varios españoles fue la canción del verano; para los que hacemos PanamériKa un must en cualquier playlist festivo. Los integrantes de Capullo nos hablan a continuación sobre los planes de este grupo hidrocálido que tiene más fans que discos vendidos. (Conoce a Capullo aquí y aquí.)

Merequeteke by capullo

PanamériKa: ¿Es Capullo un one hit wonder?

Capullo: No lo sabremos hasta que probemos la heroína y alguno de nosotros muera y entonces en el funeral la única canción que suene sea “Merequeteke” en diferentes versiones.

P: Hay quien cree que “Mereketeque” fue la cancion del verano pasado en España, ¿por qué no lo fue tambien en México?

C: Porque en México el Internet es muy lento.

P: ¿Qué tal pinta el panorama musical en Aguascalientes?

C: Es un pueblo muy pequeño, así que sólo hay espacio para nosotros (risas). La verdad el ambiente pinta bien: hay buenas fiestas y mucha variedad de buenos proyectos. Y nos da gusto ser parte y portavoces de nuestro bonito pedazo de galaxia.

P: ¿Qué música escuchan estos días?

C: Nos gustan mucho las nuevas herramientas para hacer música, por ejemplo el botón de Enter (risas). Escuchamos cualquier banda que se sienta contenta de que la nombremos: Los Amparito, María y José, Acordeón, Rita Indiana, Bomba Estéreo, Lido Pimienta, Selena, Bach, Los Tigres del Norte, Ceephax, Os Gru, Emilio José (que por cierto tiene una versión de “Merequeteke”), Pedro Piedra, Javiera Mena, La Casa Azul, Papá Topo, Proyecto Uno, Gloria Estefan, Señor Coconut, El Bebé Salsero y a nosotros mismos.

P: ¿Qué sigue para Capullo despues de “Merequeteke”?

C: Tenemos varias canciones, estamos trabajándolas, y también andamos con el video de “Reencarnación” y, claro, el de “Merequeteke”. Además estamos por estrenar el segundo disco en el verano –por ahora ya tenemos la portada.

P: ¿Cuál es el mejor piropo que le han hecho a Capullo?

C: Nuestros favoritos son: “Los tengo en las 25 mas escuchadas del iTunes”, “los traigo en mi iPod” y “‘Prendo El Ordenador’ le gusta a mi mamá”.

P: ¿Cuál es su mayor sueño como grupo?

C: Tener un barco-fiesta; estar todo el tiempo de fiesta, sin oficinas ni horarios; que un robot tienda la cama; y que una disquera nos haga un campito en su apretado corazón.

P: ¿De qué trata “Merequeteke”?

C: Habla de sí misma. Es una canción muy ególatra. Se busca a sí misma en el Ares, pero no está. Es triste que la canción no sepa que hablarán de ella hasta la eternidad.

El cuarto disco de Joël, esta vez cobijado por el sello Canadá, es uno de los acontecimientos musicales más esperados del año en España, y también en algunos países americanos. A continuación él mismo nos cuenta del álbum que recoge lo mejor de sus primeros dos discos, más cuatro canciones nuevas, y que promete tener un sonido americano. ‘Nuevo ritmo’ (Canadá, 2011) sale en febrero.

PanamériKa: En tu web anuncias que ‘Nuevo ritmo’ (Canadá, 2011) tiene un sonido americano, ¿eso significa también “latinoamericano”?

Joël: Sí. Hay una mezcla de sonido americano del Norte y del Sur, canciones en forma de bolero, de country y de cumbia también. Teníamos Sergio y yo muchas ganas de hacer una incursión en este continente que tanto admiramos, y poder acercarnos con mucha ilusión y respeto.

P: ¿Por qué la mudanza al sello Canadá?

J: El paso ha ido muy bien. Luis, Lope y Nico son amigos con los que ya había trabajado antes, y poder ser su primera referencia es sinceramente un placer para mí. El cambio lo hice porque nos apetecía buscar nuevas formas y métodos de presentar la música, así que tomamos la decisión. Creo que va a quedar todo muy bien.

P: ¿Por qué Montxo Algora para las portadas del disco –una para el CD y otra para el vinilo? ¡Son muy bonitas!

J: Canadá tiene una apetencia estética muy buena. Ellos me hicieron la propuesta, que me pareció muy bien. Fueron a Alicante a elegir los cuadros, y después los diseñadores barceloneses Setanta pusieron las letras y lo demás. Estoy muy contento de cómo ha quedado. Tiene un colorido muy especial y creo que a la gente puede gustarle, tal vez por el rollo ochentero que se trasciende de algún modo, aunque no sé cómo.

P: ¿Qué puedes contarnos sobre el video de “Tus Cosas Buenas”?

J: Es el single y la canción que abre el disco. El videoclip lo tenemos en marcha y de momento no puedo dar mucha información, pero seguro que queda bien chulo.

P: ¿El disco se editará en México?

J: Me encantaría que así fuera, pero de momento sólo saldrá en España.

P: ¿Cuándo vendrás a tocar a Latinoamérica?

J: En cuanto nos lo propongan iremos muy rápido, de ser posible en avión.

P: ¿Escuchas grupos latinoamericanos?

J: Escucho mucho a Sonia Morales, Pibes Chorros, Rebolledo, Damas Gratis, Los Mirlos y cosas así.

P: ¿Cómo es un concierto de Joe Crepúsculo?

J: Vamos Sergio y yo. Ahora estamos trabajando en el nuevo directo, en el que modificaremos muchas cosas respecto al anterior. Las canciones tienen un punto electrónico, pues vamos con mucha cacharrería, pero también con cuerdas de guitarra y alguna sorpresa. Queremos que la gente se lo pase en grande y pueda bailar y cantar mucho si se saben las canciones.

P: ¿Qué colaboradores tienes en el disco, además de Jordi Irizar en la batería?

J: Colaboran Luciana Della Villa, de Thelematicos y Sybil Vane, en los coros; Pablo Díaz-Reixa, de El Guincho, en las percusiones; Jens Neumaier en el saxo; Maik Alemany en la trompeta; y Edu Pou, de Za, en el clarinete. Quiero destacar sobre todo el enorme papel de Sergio, mi compañero de directo y productor del disco, en las guitarras, que ha puesto con mucha pasión.

P: ¿Es sólo mi impresión, o tus canciones suelen tener un tono optimista, incluso religioso?

J: Algunas sí tienen el toque optimista. La religión siempre parece que lo impregna todo cuando te sale el asunto optimista, pero lejos de mi intención. Cuando te preguntas qué quieres hacer cuando tienes la mínima opción de que alguien te escuche siempre es bello poder transmitir algo que sirva para edificar, hacer del mundo algo mejor y más habitable, ahora que sabemos que nos lo vamos a cargar.

P: ¿Cuándo habrá un nuevo disco de Tarántula?

J: En breve. Esta misma semana se entra al estudio para grabar unos temas que saldrán en unos meses.

P: ¿Cómo te imaginas que es la Ciudad de México?

J: Preciosa! Tengo tantas ganas de visitarla. Muchos amigos que van a tocar me traen cosas y fotos que guardo con ilusión. Me han dicho que ahora hay un gran momento musical en el país y mucho movimiento, cosa que me alegra y vibrando estamos de poder pisar la tierra de los aztecas este mismo año.

Enero: The Hong Kong Blood Opera – “Cansei de ser Gangsta”

Febrero: Furland - “Quiero ser un color”

Marzo: Los Macuanos – “Pueblo muerto (feat. Scout Klas)

Abril: Liber Terán – “Lola”

Mayo: Carla Morrison – “Buena malicia”

Junio: Torreblanca -  “Parece navidad”

Julio: Orlando – “Solo Dios sabe”

Agosto: Rey Pila – “No. 114″

Septiembre: Chikita Violenta – “Roni”

Octubre: Hello Seahorse! – “Un año quebrado”

Noviembre: Movus – “Al filo del origen”

Diciembre: Troker – “Planeta terror”

Vía www.liceubarcelona.cat

La muerte siempre persigue y no llega de pronto, aunque le neguemos el mérito. Recorre las distancias de atrás para adelante y nunca al revés, de ahí que revele otras uniones, más íntimas si cabe, y logre uno conmoverse no sólo con la partida de los seres que lo rodean, sino con los más cercanos, los que permanecen siempre, los que mueren por todos. Algo así me sucedió esta tarde, cuando escuché por casualidad que por el radiorreceptor sonaba “Ciudad sin sueño” de Enrique Morente. Es bien sabido que cuando una canción así suena en la programación regular de una estación de radio, sólo puede esperarse lo peor. Además, desde hace unos días, la alicaída salud del cantaor era un tema de negra relevancia en Andalucía. Hoy lunes 13 de diciembre, a las 17 horas (¿a qué otra hora puede partir un lorquiano?) luego de varios días en estado de coma en la clínica madrileña de La Luz, Enrique Morente, uno de los grandes reformadores del flamenco, entonó su última homilía.

La noticia me cimbró. Lo recuerdo relajado y patriarcal momentos antes de su actuación en el Teatro de la Ciudad, cuando visitó México por última vez hace un par de años, en el marco del Radical Mestizo. Fue de una belleza tan nítida, que una de las noches que solía dedicar a hacer mi programa de radio en Ibero 90.9, decidí utilizar el espacio para poner el concierto entero, sin interrupciones. También llevo como marca indeleble en el tímpano la reinterpretación en directo –y junto a Lagartija Nick –del Omega, quizá su disco más reconocido por estar emparentado musicalmente con Leonard Cohen, en la Plaza de Santo Domingo. El recuerdo personal es breve pero intenso. Hace ya algún tiempo, redacté unos textos a manera de apuntes sobre Javier Conde, un torero malagueño casado con Estrella Morente, hija del maestro. Cuando, por azares del destino, los tuvo en sus manos, Conde se comunicó conmigo y dijo, a modo de broma, que esperaba que su suegro les pusiera voz. No pudo ser, ni hablar.
La estatura del cantaor granadino en el arte jondo es homérica. Si el flamenco debe a interpretes como Camarón de la Isla o Paco de Lucía su popularización a nivel mundial, ha sido gracias a Enrique Morente que el cante jondo ha alcanzado horizontes artísticos por encima de lo meramente folclórico. Dicha empresa tuvo que haberle costado más de una enemistad, sobretodo en un mundo como el del flamenco, habitado por puristas. El arte jondo se ha sacudido ese halo virginal y primitivo que lo acompañaba como lastre, y es precisamente debido a la influencia de Morente, quien ha actuado como nexo y punto de encuentro entre generaciones decididas a no romper con la tradición sino a adaptarla a los tiempos que corren y a sus necesidades artísticas.
Enrique Morente, hombre de izquierdas moderadas, quien dejó patente su posición política al entonar los versos de Miguel Hernández, víctima del franquismo, y tuvo una íntima relación con la literatura prestando su voz a poetas como Federico García Lorca, Rafael Alberti, los Machado, José Bergamín o San Juan de la Cruz, fue siempre un hombre que mantuvo los vasos comunicantes abiertos con artistas de otras disciplinas, un virtuoso humilde como los hay pocos, que nunca daba las cosas por aprendidas o por sentadas, un creador que buscaba siempre una lección al final del recorrido sin recurrir a la moraleja simplona.
Era un cantaor clásico que iba por fandangos y martinetes como nadie. Aprendió a ser instrumento del cante en Granada, perfeccionó el espíritu en Jerez y arqueó al mundo desde Madrid. Colaboró con todo aquel que demostró una sensibilidad para entenderse con él, chicos y grandes, desde sus coterráneos Los Planetas o el sevillano Antonio Luque de Señor Chinarro, hasta Sonic Youth, quienes siempre han sido grandes admiradores del trabajo de Morente.
Justo ahora que la UNESCO decidió sumar al arte jondo a su lista de patrimonios inmateriales de la humanidad, la pérdida de uno de los grandes revolucionarios del género se percibe enorme, inabarcable. El quebranto es monumental, pero el genio de Morente, siempre activo, nos seguirá marcando el compás por un buen tiempo y sólo éste nos dictará, poco a poco, los tesoros escondidos que legó la figura desde su privilegiado pecho, dedicado desde siempre a desentrañar los misterios del lamento sincopado.

Mejores álbumes: Son quince, y representan nuestra apuesta y admiración hacia la diáspora iberoamericana en la música alternativa. Una selección variada desde diversas tendencias musicales: Desde el garage femenino de Las Robertas, hasta los cantos exóticos de Cibelle, pasando por Chico Mann, Odisea, Rita Indiana, Gepe y el Guincho. Para leer las reseñas de cada uno de estos den click en el hipervínculo y encuentren nuestra lista con los sencillos extraidos de estos álbumes en iTunes Store.

Mejores sencillos: Las 30 canciones que marcaron muchos momentos a lo largo del 2010, en PanamériKa: grandes sencillos radiofónicos,  piezas únicas y releases trascendentes por cuenta de nuestros darlings. Himnos e hipnosis por cuenta de Los Punsetes, Isa GT, Los Macuanos, Toy Selectah, Adanowsky, Odisea, She’s a Tease, Rita Indiana…. y más.  Esta es una selección estruendosa con lo mejor del año. Encuentren nuestra lista de sencillos en nuestro Canal de YouTube y iTunes Store.