No hace falta mentar más nuestro amor por el proyecto de Kali Mutsa, basta ver la cantidad de programas en la que la hemos tocado y la cantidad de contenidos que hemos resaltado. Es guapísima, es talentosa y su trabajo goza de un aura limítrofe, genuina, delirante y posiblmente incomprendida. Celine Reymond tiene algo en común con nosotros (o por lo menos nos gustaría que así fuera): una necesidad innata por proponer universos de sentido paralelos a este. Jugar a ser dios, o un creacionista (como Vicente Huidobro, su tío abuelo) y exprimir la imaginación propia y la de sus interlocutores. No cualquiera logra cohesionar estas aspiraciones y cristalizarlas en proyectos tan llenos de referentes. Celine Reymond sí. Kali Mutsa es un capricho exquisito en el que las gitanerías, la contemporaneidad y una lectura reivindicativa frente al universo Aymara, adquieren sentido en un solo jarrón. Logramos contactarla en diciembre para hacerle una entrevista, y estos son los resultados:

Panamérika: ¿Cómo se te ocurrió esto? ¿Cuál es el caldo de cultivo que dio origen a un personaje tan rico en imaginario?

Kali Mutsa: Fue mi infancia, tenía una nana que me cuidaba y era mágica. Ella venía del campo, me sacaba los espíritus, me llevaba con mujeres que le quitaban los espíritus malos a los niños, me contaba las leyendas de su pueblo. Ahí empezó todo, yo escribía de muy pequeña y mi papá me impulsó mucho para que yo lo hiciera, tenía siete años y escribía novelas mágicas de todo tipo en todo un cuaderno de colegio de 80 páginas.

¿Entonces retomaste esa parte para tu proyecto?

Lo que pasa es que el primo de mi abuelita era el poeta chileno inventor del creacionismo, Vicente Huidobro. Yo creo que algo de eso me tuvo que haber llegado, por algún lado tuvo que haber saltado una chispita de él hacia mi, yo creo que de ahí viene.

¿Entonces creciste con esos poemas?

Sí, su figura, lo que él fue, lo que hizo, no lo conocí hasta más grande, pero sí siento que cuando supe que era pariente mío me sentí muy cercana a él y sobre todo a su época. En los años 20, 30 en Chile se vivió mucho fervor poético y un imaginario muy rico, todavía no estábamos agringados. Era un país mucho más nuevo en el que la magia de nuestras etnias estaban ahí día a día y eso para mi es delicioso, es de lo que más me inspira.

En tu música hay elementos, andinos, gitanos, hay imaginarios incas, ¿nos puedes hablar de esto? ¿cómo los fuiste creciendo? ¿Cuál es el personaje central de tu imaginario por ejemplo?

Kali Mutsa es una mujer gitana. En 1920 sus papás murieron en un accidente de auto en el Altiplano Chileno y ella se crío en un valle selvático muy bonito por la región. Ella tiene un aspecto gitano por toda la mezcolanza que tenemos los chilenos, yo también tengo de gitana un poquito, mi cara es de gitana. De ahí que siempre me sentí muy cercana a eso, mi tatarabuelo era gitano entonces Kali es una mujer estilo María Félix, legendaria y con mucho carácter, pero que hizo de todo: fue diputada, estuvo en la cárcel porque fue muy revolucionaria en cierto periodo y también fue actriz de la época de oro que se hizo en el cine Nortino sobre las leyendas Aymaras, leyendas que ocupan mucho el oro y el sol, entonces esa era una época en la había mucha riqueza visual.

Hablando un poco de esta fusión de géneros, ¿cómo empezaste a hacer música, cómo empezaste a hacer todas estas cosas literarias en la parte  musical?

Siempre me interesó la música gitana, pero específicamente un tipo de género que se hace en Rumania llamado “etno-folk” o algo así. Es muy plástico hay sintetizadores, sonidos falsos de acordeón que logran una mezcla muy fresca y exótica. Pensé que a mi me gustaría hacer algo así pero combinando los elementos que tengo en Chile, después empecé a estudiar romané para poder añadirlo a mis canciones. Luego me encontré al productor Sandoje Catiri, lo conocí cuando yo trabajaba en el Pornógrafo, un teatro negro sobre mujeres que aparecían con su brasier y sus porta ligas y tenían un clarinetista que las alegraba. Él me presentó a Sandonje, “Cristobal Montes” es su nombre chileno, le llevé mis referencias y empezamos a trabajar. De ahí empecé a escribir con rimas y nunca más paré, me encanta. Hacemos los dos los temas turnándonos las tareas, es un trabajo en equipo.

En el vídeo “Tunupa” hay un extremo protagonismo del colibrí, ¿nos puedes hablar de este personaje?

El colibrí es un Dios, es un padre tutelar para los Aymaras y a Saray Tikuna

la violinista, quise darle la connotación de una Diosa colibrí bien fina, frágil, pero fuerte a la vez con su vestido medio barroco y medio boliviano y con su pelo negro. Pensé: qué lindo, ¡va a parecer una Diosa de Kurosawa! Eso quise proyectar en el video, porque Tunupa es el padre de los Aymaras, es el que les enseñó las tradiciones, era muy allegado al colibrí y el cóndor.

Desde México vemos una tendencia muy rara en Sudamérica, como de que se avecina el fin del mundo y están en un periodo transicional y de pronto empiezan a surgir pequeños destellos aludiendo a esta cultura Aymara como con referencias cósmicas. En tus vídeos aparecen elementos muy cósmicos, pero también una cosa que va hacia delante, ¿crees que haya alguna tendencia? ¿Hay algo general, social que haga que salgan este tipo de proyectos?

Chile está en un momento en el que está encontrándose a si mismo, encontrando su identidad. Con todas las movilizaciones estudiantiles y sociales, estamos encontrando nuestra identidad que se perdió hace muchos años. Y para mi nuestra identidad más fuerte viene de nuestra etnia, yo quise hacerle un homenaje a eso porque está en los libro y nada más ya. En Santiago no hay cultura ancestral no lo ves en ninguna parte, no existe. Quise obtener algunas frases de esas etnias pero no pude porque no hay representantes en ninguna parte, se está muriendo la cultura del sur de la Patagonia que es riquísima. La gente cree que no, pero es una riqueza espectacular en mitos, cosmovisión en maneras de ver la vida, se perdió todo. Eso no puede seguir pasando porque hay una manera de vivir, de sentir el mundo, que es muy refrescante para nosotros que ya venimos con mucha influencia de Europa. Esto para mi es una nueva era en la que vamos a volver al origen porque todo apunta para allá.

Sí sobretodo en esa parte de Latinoamérica se nota una caída de Occidente y un fuerte impulso de las partes locales por tomar identidades y cursos propios.

Sí y como no se tiene información sobre eso se inventa y de ahí nace una nueva mitología. Muchas cosas yo las he inventado y por lo tanto es más cultura aún, estamos reinterpretando, somos como eslabones que están perdidos en esta cadena de sabiduría. Y nosotros nos quedamos con el deber de imaginar los baches.

Hace algunos meses, Panamérika sostuvo una conversación con el músico de origen ecuatoriano Roberto Carlos Lange. Él personifica a Helado Negro, un proyecto basado en atmósferas musicales, loops y un homenaje al folclor sudamericano. Su estilo experimental hace que cada una de sus composiciones sean genuinas y por lo mismo, a veces resulten difícil de comprender; sin embargo, su talento lo ha llevado a ser reseñado y considerado en buen concepto por la exigente publicación en línea, Pitchfork, y que el sello de Sufjan Stevens –Asthmattic  Kitty- lo firmara como parte de la oferta musical que proponen.

Su personalidad es ligera, tranquila y devota a lo que hace. No es un gran conversador pero sí uno concreto y lo más importante, explica todo lo que necesita a través de su música. En la siguiente transcripción a la entrevista, podrán comprender desde la construcción de sus canciones, hasta el por qué compuso algunas de ellas. Cabe mencionar que la entrevista fue realizada en idioma inglés, pues aunque su ascendencia es latinoamericana, él fue criado desde muy niño en los Estados Unidos. ¡Disfrútenla!

Panamérika (Fo): ¡Hola Roberto! Me emociona mucho entrevistarte porque admiro mucho lo que has hecho en tus dos discos. Me parece que la gente que escucha Panamérika y te conoce, siente lo mismo, así como los que no lo hacen también lo harán cuando te pongan un poco mas de atención. Me gustaría saber un poquito mas de la historia de Helado Negro. 

Helado Negro: Empecé haciendo proyectos cuando me mude a NY, eso fue en el 2006. Siempre he hecho música y empecé a cantar en español, tenía melodías en la cabeza y también palabras que se mezclaron con melodías y así apareció. El grupo antes se llamaba ‘El Conjunto’ que por cierto, no le he dicho a nadie esto.

Panamérika: Algo que llama mucho la atención fue el salto tan evidente de tu primera producción Awe Owe a Canta Lechuza, en este salto siento que creas un sonido de naturaleza electrónica y a la vez, preservas lo orgánico en los instrumentos que sobresalía en tu primer álbum. ¿Cómo fue esa transición para ti?

HN: No lo pensé mucho, eran los instrumentos que tenía frente a mí, nunca planeé nada, las canciones sólo estaban en mi cabeza. Tenía una primera versión terminada de Canta Lechuza, y era un álbum elaborado donde había dos tonos y yo cantaba sobre ellos. Pensé que había terminado, pero luego lo escuché y me di cuenta que quería hacer algo diferente al álbum anterior, porque no sabía si quería hacer lo mismo dos veces, así que supongo que eso es lo que quiero decir cuando digo: “en realidad no era algo que ya había pensado”.

No soy bueno en hacer la misma cosas dos veces, así que sólo es un avance de lo que tenia frente a mí, así que, después de tomar el demo inicial en noviembre del año pasado, pensé que sería muy bueno volver a construir todo desde la base. Todo lo hice por mí mismo, con cosas mucho más electrónicas,  como mi computadora y sintetizadores. Es obvio que no suena como si una banda en vivo hubiera creado esos sonidos, pero la idea es que tú hagas todo por tu cuenta. La idea era poder hacer todo de una vez y en un sólo lugar.

Panamérika: Tu álbum suena realmente sincero, de hecho cuando dijiste que no podías repetir lo que habías hecho –eso es algo que más aprecio de un músico– pero sobretodo, Canta Lechuza es muy honesto y eso es algo que muchos músicos dejan de considerar después de trabajar durante mucho tiempo, incluso muchas veces desean una fórmula o quieren una crítica que los elogie. ¿Era esa la razón por la cual tu internado en Connecticut era el lugar perfecto para comenzar con Canta Lechuza?

*HN: Fui ahí como residente artístico, sólo había cuatro personas, todo el mundo era pintor, escritor o escultor y nos despertábamos e íbamos a nuestros estudios todos los días y en las noches nos reuníamos para cenar y hablamos acerca de las cosas mas extrañas, lo curioso es que yo hice algo diferente, nunca compartí el álbum con la gente de ahí, hice algo completamente alejado, como una composición de 20 minutos que presenté al final de la residencia para estar ahí reunido con ellos.  Alguien me dijo algo que realmente tuvo mucho sentido, en una especie de forma de resinado, ya sabes, vas a estas cosas y la idea es no volver a crear el espacio que ya vivimos, la idea es ver lo que ese lugar tiene y experimentar el lugar y no tratar de hacer tu lugar dentro de ese lugar, ¿sabes? no se trata de conquistar ese espacio con las cosas que ya tienes y volver a crearlos, más bien, ver lo que tiene para ofrecer, y teniendo eso responder, más que al igual que aterrizar allí y ser como “esto es mío”, así que por  eso creo que era el lugar perfecto, ya que me pusieron en un espacio físico para no ser capaz de recrear algo que ya se ha hecho, para mi, por lo menos.

Panamérika: Te puedes dar cuenta cuando prestas atención al álbum, que comienzas a preguntarte, ¿cuántas cosas pasaron por su cabeza mientras estaba haciendo el álbum? puedes darte cuenta que el álbum es personal, era algo que tenias en la cabeza y lo tuviste que expresar. ¿Lo puedes poner en palabras*

HN: Definitivamente lo más  difícil fue tratar de planificar el nombre del álbum y la obra de arte. Le pregunte a mi amiga Eve, hablar con ella me ayudó a terminar el disco; no hablo mucho de esto, pero me inspira mucho las cosas visuales, obras de arte visual y todo lo que veo. No tienes que estar en galerías o así, para saber de ello, siento que mis ojos y oídos están muy relacionados, así que siento que fue muy difícil poner mis palabras al álbum. Cuando se lo describía a Eve, ella realizó el arte del disco, no podía explicárselo, me pidió que tradujera las letras, y le dije que no eran tan literales, eran más algo poético, un poco abstracto, pero solo son pensamientos que tengo y los escribo. Luego tengo un pensamiento un mes mas tarde, luego un pensamiento coincide con el otro pensamiento, y resulta ser como dos o tres historias en una canción y es por eso que ha sido difícil explicar de lo que se trata el álbum. En términos de letras siento que hay cosas personales que solamente yo veo, pero también hay pequeñas historias que creo que la gente puede interpretar.

FO: Me acuerdo de “Lechugilla”, las líneas del coro, “lechugillame a tu lado”; realmente no tiene mucho sentido, pero cuando te metes en el estado de ánimo de la canción, es como “lechugillame a tu lado” algo que sucede en tu cabeza, así fue como yo lo interprete, al final era algo que tenía sentido, hizo click en mi cabeza y repetía la canción, no para entenderla, sino que la escuchaba una y otra vez en mi cabeza.

HN: Es chistoso, esa canción es probablemente la canción más literal, pero “Lechugilla” es como la tercera cueva mas profunda en E.U.A. y también significa lechuga, pero si rompes la palabra, significa ‘déjame guiarte’. Esa canción -puedes entenderlo- siento que la gente la puede entender, pero es como todas las cosas que pasan por tu mente mientras estás teniendo sexo.

Panamérika: (ríe) ¡Qué increíble!

HN: Y la idea literal es que es la cueva mas profunda, eso tal vez sea lo más narrativo.

Panamérika: Es una metáfora increíble la que mencionaste, es chistoso, de hecho “El oeste” es otra canción: “El oeste se está quemando”, entendí que tiene algo que ver con la cultura occidental y que se convierta en algo un poco más político y al final se puede traducir en una metáfora o muchas cosas, ¿qué tal si me lo explicas? no quiero que mi mente vuele tanto.

HN: No, esa es la idea, a veces es muy fácil obtener el punto de vista conceptual y profundizarse, y a veces, dependiendo de tu humor, puedes entenderlo como algo tonto, pero es agradable porque esa es la razón por la cual se hace música, cine y arte y la idea es pensar de una manera diferente, creo que todo el mundo hace eso todo el tiempo, algunas personas encuentran la manera de comunicarse, y “el oeste se está quemando” si significa eso tal cual, las letras fueron escritas por mí y un amigo, él escribió esa línea cuando estaba manejando por la autopista en Florida “y los habitantes de Everglades” se estaban quemando y se podía ver el humo, pero la frase es algo mucho más profundo que eso, ¿me entiendes?

Panamérika: Creo que empiezo a entender las interpretaciones mejor: tomas una pequeña pieza de una frase y empiezas a crear una canción, de repente suena como un sueño y tiene sentido, porque todo el álbum es perfecto para una noche de trabajo. Luego hay frases que realmente no tienen sentido, de una frase a la otra, todo se empieza a construir.

HN: Sí, exactamente, todo se empieza a unir, no es tan aleatorio, como tú dijiste, esas frases significan tres o cuatro cosas diferentes. En inglés, español o cualquier lenguaje, estoy seguro que hay muchos significados dentro de frases, por lo que me gusta mucho esa idea, puedes conjugar las ideas en tu propia mente, o hasta en las mentes ajenas e interpretas tu propia historia.

Panamérika: Hay un montón de mitos sobre los búhos, a veces puede representar sabiduría, o el animal, o un pájaro que está pendiente de todo y por otro lado, muchas culturas pueden interpretar el canto de una lechuza como mala suerte, ¿estabas consciente de todo eso cuando nombraste el álbum así?

HN: Si, busqué muchas mitologías detrás de los búhos; las lechuzas de advertencia, los búhos sabios o de desgracias, pero como dijiste, quedo en mi mente como una criatura realmente extraña que sale en las noches, mejor dicho, siempre pensé en el canto del búho, es un animal muy poderoso, lo interpreto como un animal que canta y te está llamando para que escuches, podría ser una advertencia, pero así es como yo lo interpreto.

Panamérika: Ahora veo que los búhos representan una figura especial en tu vida o en tus ideas y creación, ¿cómo ha cambiado tu vida el concepto de un búho?

HN: Creo que hay un montón de cosas, te acuerdas de la película “Furia de titanes”?

Panamérika: Si me acuerdo de ella, pero no recuerdo haberla visto.

HN: Bueno, en esa película hubo un búho mecánico y hacia divertidos sonidos electrónicos como ‘du du du du’ y fue como una advertencia. Por alguna razón siempre me gustó eso. También mi amigo David siempre utiliza animales en sus imágenes, supongo que hubieron muchas razones por la cual, no es que sea algo súper significativo en mi vida, pero como he dicho, lo veo como una criatura fascinante y misteriosa, no es algo con lo que estés súper familiarizado, es como un estilo de vida a menos de que veas The Nature Channel.

Panamérika: Claro, ¿por qué no hacemos la entrevista un poco más relajada?. Si pudieras recomendar algo a la audiencia de Panamérika, tres canciones o proyectos, ¿cuáles recomendarías?

HN: Oh, era más relajante antes, así está más difícil (ríe).

Panamérika: Bueno, o solamente una que merezca ser conocida.

HN: Ese es mi problema, mucha gente me pregunta eso y siempre tengo la misma respuesta, así que estoy tratando de responder algo diferente, es difícil porque cada vez que pienso en la música se me va la idea. Voy a contestarle al mundo lo mismo porque es más fácil. Hay un tipo, tal vez su música es como un reflejo de mi vida, lo admiro, no como si estuviera cerca de hacer algo como lo que él hace, su nombre es Abner Jay. Su música es genial, eso es música sincera, creo que eso es lo que busco cuando estoy escuchando música. Solía escuchar mucha música por los aspectos técnicos, y hubo un periodo de tiempo en la cual buscaba cosas nuevas y luego buscaba cosas sinceras, entonces, eso es lo que le recomendaría a todos. Ve a buscar música sincera, eso es lo que importa y la música que más permanencia tenga en lugar de la que gana el premio de mejor álbum o algo por el estilo. Creo que la música sincera siempre encuentra su luz, Abner es un tipo que viaja alrededor de Georgia, en su tráiler, tocaba el banjo eléctrico, el bombo, el platillo y la armónica, y canta al mismo tiempo, es más como blues, pero es algo increíble. Él solo lanzó sus álbumes, hizo todo solo, ¿sabes algo? años después es cuando la gente empieza a entender y eso es lo que pasa cuando haces música sincera.

Panamérika: Estamos a punto de terminar esta entrevista, ¿cuál de tus canciones consideras mas cercana a lo que Abner hacia?

HN: Oh, ninguna, bueno no lo creo, no estoy tratando de ser como él, si no fuera humilde ni nada de eso, considero que lo que él hace es completamente diferente a lo que yo hago, es como si él hablara un lenguaje y yo otro, no literalmente, solamente son dos cosas distintas, uno no tiene nada que ver con el otro y decimos las cosas de maneras diferentes.

Panamérika: ¿Te gustaría recomendar una de tus canciones? puede que tengas una historia divertida o algo así y ¿le puedes contar a la audiencia de Panamérika?.

HN: (ríe) Pienso que todos entenderán “Lechugilla” puedo pensar en algo, pero puede ser que me tarde (ríe).

Panamérika: No pasa nada, una canción que te gusta mucho y quieres que la gente la escuche?

HN: “Calcula” – esa fue la primera canción que terminé en el álbum. Esa canción fue el marcador, era la norma que establecía el álbum, pensé que eso era a lo que el disco iba a sonar “Calculas” y “Con Suerte” son dos temas grandes. De hecho, hace poco alguien me preguntó que  ¿de que se trataba “Globitos”?, pero eso es otra historia, esa canción se trata de la paranoia. (Ríe)

Panamérika: ¿Cómo pueden volverte paranoico los globitos?

HN: Paranoia es lo que es, es como mirar a los ojos de toda la gente sentada en una habitación, la gente te está mirando, casi como estar en un escenario, y los ojos se conviertan en “Globitos” flotando a tu alrededor y no sabes quién te está viendo, no sabes si sus ojos van a flotar hacia otro lado o van a explotar, así que es un delirio paranoico realmente agradable (ríe).

Panamérika: Muchas gracias Roberto por este tiempo y por compartir todas tus declaraciones, que hacen que -por lo menos en mi caso- entendamos un poco mejor lo que haces, se siente bien hablar con alguien que puede hacer música de esta manera.

HN: No, gracias a ti, gracias por dejarme cambiar de idioma, como dije, hablo español la mayoría del tiempo, es parte de mí, pero como vivo en EU no practico mucho mi español, no estoy cerca de mi familia ya que viven en el sur de Florida, y pues la entrevista en inglés se haría mucho mas rápido (r.

END – minute 30.59

Y qué cosa más afable que el arte de dialogar, cuando un argentino funge como interlocutor. Así que tomamos el teléfono (con algunas peripecias técnicas de por medio) y llamamos de México D.F. a Buenos Aires, para encontrar a Kevin durante un momento absolutamente cotidiano y familiar. Agradecemos su buen humor para platicar sobre tópicos como el dibujante Liniers, grandes hits como “La cumbiera intelectual” o “Guacamole”, el sofisticado sello donde él comenzó (Los Años Luz Discos) y algunos planes a futuro (¿coquetearía con la industra latina en Miami?).

Así es que si Kevin Johansen nos regalo 10 minutitos de su tiempo, usted haga lo propio y pose su mirada sobre esta charla a larga distancia…

Uriel Waizel: ¿Tienes 10 o 15 minutos para platicar?

Kevin Johansen: Unos diez minutos sí, cómo no, estoy en la plaza con mi hijo y su abuelo.

UW: ¿Dónde estás ahora? ¿en Argentina?

KJ: Sí, estoy en Buenos Aires.

UW: Suena como de ensueño que estés en una plaza con el abuelo y el hijo.

KJ: Sí, mi padre vive en Nuevo México y vino a visitar a sus nietos unos días así que lo estoy aprovechando al máximo.

UW: ¿Qué es lo que ves alrededor de ti, lo podrías narrar?

KJ: Ahora estamos frente a una canchitas de fútbol en el Parque las Heras, que es una plaza bastante grande, estamos a la sombra, hay un par de árboles, se ven Palomeros y Ombúes, que son árboles muy viejos. Veo a mi hijo jugando con un amiguito nuevo así improvisado en el momento, con unos troncos en el árbol de antaño.

UW: ¿Qué cuenta el Abuelo, te está contando alguna historia o qué observaciones hace?

KJ: No, el abuelo está mirando, está tomando su cafecito, mirando Buenos Aires que es bastante diferente al lugar que es Nuevo México.

UW: ¿Estamos en Primavera en Buenos Aires?

KJ: Sí, estamos en Primavera y es día de sol, hace un poco de fresco pero está lindo, el sol está muy bien.

UW: ¿A ti te gustan los árboles, la botánica?

KJ: La verdad que no, simplemente para observar.

UW: Hablando de niños, me gustaría que me platicaras, o me dijeras tus visiones sobre Liniers, el caricaturista con quien colaboraste en el álbum en vivo (donde él, simultáneamente, pintaba un mural). Yo personalmente estaba caminando un día sobre la calle Borges en Buenos Aires y entré a la librería que se llama “El Crack Up” y ahí me compré por accidente una postal del gato de Liniers y un libro Macanudo, la verdad es que no lo conocía pero quedé enamorado de inmediato y créeme que soy el mayor evangelizador de Liniers en México. Han comprado el cómic Macanudo por lo menos 20 personas a partir de mí. Sería “socio pirámide”, si hubiera tal cosa con Liniers. ¿Cómo te llevas tú con Liniers? ¿vas a tomar el café, pasas tiempo con él? ¿Cómo son amigos?

KJ: Sí, obvio, obvio. Pasamos tiempo, compartimos, de algún modo combinamos las dos disciplinas y estamos juntos en algunas giras, él está presente, omnipresente con sus dibujos y animaciones en los espectáculos nuestros junto a The Nada. Siempre, y a veces inclusive está físicamente con nosotros, es un gran amigo, que me encontré en la vida hace unos diez años. Me escuchó por radio con un personaje llamado Fernando Peña, propagándome el primer disco The Nada: el que tiene “Guacamole”, “El círculo” y otros temas. Y le gustó y me escribió un mail y se hizo el humilde, envió unos dibujitos echándose a menos. Yo ya lo conocía, tenía una tira que se llamaba Bonjour Liniers en Página 12 luego se pasó a una serie de cosas con Macanudo y como decimos “pegamos onda”, empezamos con una reunión… había un cumpleaños, había un asado. Una amistad muy orgánica, de juntarnos de a poco y tomarnos confianza y después nos empezamos a dar cuenta que había una afinidad también estética más allá de que son disciplinas diferentes, necesitábamos un mercado. La verdad es una gran amigo que, tengo el placer y el honor de colaborar con él en el libro Oops! y en el espectáculo en Buenos Aires.

UW: ¿Puedes recordar algún personaje favorito que tengas de Liniers? ¿Alguien con el que te identifiques, que te cause risa?

KJ: Hay varios: El Robot Sensible, El Traductor de Películas, a mí me gustan esos personajes que aparecen cada tanto: El Misterioso Hombre de Negro, muchos… todos tienen algo entrañable: Fellini El Gato, La Niña, todos tienen algo. Me gusta porque él también es un degenerado que le gusta renovar y cambiar y alternar como sus personajes. Todos tienen algo.

UW: Ahora que mencionas a El Hombre Misterioso de Negro, es de los mejores, porque es muy caótico, muy infernal. Estoy interpretando ahora que hay una línea que te puede unir con Liniers por que tú también eres un caricaturista de cierta manera: tus canciones son caricaturas de la vida diaria, viñetas de personajes. Caricaturas de músicos a los que tú admiras como Bob Dylan o Caetano Veloso.

KJ: Sí, sí, claro. La influencia está ahí absolutamente, también creo que por ahí nos une el hecho de jugar un poquito con la ingenuidad, algo naive y por debajo te pillamos. Yo digo que la ironía es tristeza disfrazada y hay una cuestión de reír por no llorar pero también hay, a mí lo que me interesa en algunas de las letras, sobretodo cuando abarco el tema del humor o de ironía es que te obliga… es como un burka bajo el cual se pueden decir las verdades más tremendas entonces obliga al oyente o al lector a una segunda lectura, a rascarse un poco la cabeza “¿A ver qué quiso decir este hijo de su madre?” ¡Ahhh! Esto… -uno cae-. Como una canción de Sabina cuando te hace reír la primera frase con una carcajada y luego por ahí a los tres minutos te planta un lagrimón.

UW: Sí, lo entiendo. Platícame, yo sé que siempre te han de preguntar sobre “Guacamole” y “La Cumbiera Intelectual”, no voy a dejar de hacerlo porque nos encantan estas canciones y han estado sonando en la radio de México desde hace 8 años que las oímos por primera vez, y no nos cansamos y siempre va a haber una persona que la escuche por primera vez y va a decir: “¿Qué es esa canción?” La cosa que te quiero preguntar es: a partir del videoclip de “Guacamole” que es muy antojable y apetitoso ¿En qué momento se te ocurrió la canción, fue en una tardeada, fue en un asado?

KJ: La verdad es que lo que más recuerdo de “Guacamole” es estar leyendo en Brooklyn y en ese momento mi mentor era el dueño de CBGB Hilly Kristal, que en realdad me motivaba un poco a aprovecharme de mi bi-culturalidad, esa cosa gringa y argentina o gringa y latina y me decía: “Tienes que aprovecharlo” luego me decía cosas terribles como: “¿Porqué no pruebas hacer un tango en inglés?” Yo decía: “No, me van a matar en Buenos Aires”. Pero creo que fue un poco motivado por él, le decía cariñosamente que él era mi mentor. Porque él era un tipo que hacía hincapié en eso : “Tienes que mezclar y fundir tus dos culturas”. Yo quizás era un poco tímido con eso, me daba vergüenza a veces mostrar alguna canción en castellano o me daba pudor mostrar una mezcla o algo en spanglish y él me motivaba para no, al contrario. Creo que “Guacamole” salió una noche en Brooklyn, extrañamente empecé a jugar como un cadáver exquisito, poesía temática, con las palabras, con la sonoridad y a ligar palabras hablando de comida y mujeres. Eso es “Guacamole” el espíritu de desparpajo de combinar: y la canción no dice absolutamente nada.

UW: Luego es una viñeta de una tarde en un asado platicando de todo y de nada, comiendo celebrando con mujeres bonitas.

KJ: Sí, es muy extraño y la gente se identifica con esas actividades y con ese desparpajo bueno en la música que está ahí fuerte y la noción de esa mezcolanza. En el disco The Nada le puse “(Tex-Mess)” como Mexicano.

UW: La pregunta con “La Cumbiera Intelectual” es que descubriste un arquetipo, no hay mujer a la que no le quede esa camisa, mi pregunta es: ¿Existe La cumbiera intelectual, esa diva que te inspiró o existen muchas cumbieras intelectuales?

KJ: Existen muchas, en realidad surgió cuando vivía en Argentina en el 2000 empecé a ir a una bailanta por curiosidad, una bailanta es un lugar donde se baila cumbia aquí, y en las bailantas había notado, después de diez años de vivir afuera en Nueva York, del 90 al 2000 que la cumbia había sido más afectada por la gente supuestamente de las capas medias, con cierta cultura, universitarios y noté que había niñas bien, educaditas, bailando con otros muchachos que quizás no tenían tanta preparación y me guié por una fantasía basada en esas observaciones a ver qué pasaba. Aquí pasaba algo, había una niña con cierta educación bailando cumbia que hacía diez años eso no era tan común. Ahí había una persona, la persona de “La Cumbiera Intelectual”. Después con el tiempo fue increíble porque gracias a que la población de cumbieras intelectuales continúa en aumento, siguen pidiendo por esa canción.

UW: Cuéntame ahora del maravilloso sello en el que grabas en Argentina. Que es también la casa para Axel Krygier y Lisandro Aristimuño. ¿Quiénes son los dueños? ¿Cuál es su filosofía?

KJ: Bueno, Los Años Luz Discos fue justamente un signo muy importante a fines de los noventa y principios de los 2000, cuando yo vuelvo en el 2000-2001 Javier Tenenbaum y Nani Monner Sans, los dos fundan Los Años Luz, se interesan en ese disco que yo traigo bajo el brazo, The Nada, un amigo me dijo: “Hay un tipo, Javier Tenenbaum que yo creo que le gustaría”- le pareció que el material estaba bueno y que tenía que ver con el perfil de Los Años Luz y dijo- “quizá le guste”. Y efectivamente Javier me dijo: “Me gusta el disco, no tengo ahora el dinero para sacártelo”- porque era el 2000, previo de la crisis en Argentina – “pero principios del 2001 lo podremos sacar” y en abril lo sacaron y tuvo una muy buena respuesta y ellos son de esos melómanos que ya no hay y bueno como lo han visto presentando como mencionaba a gente que tiene un perfil muy diferente, muy variado como puede ser un Axel Krygier de un Lisandro Aristimuño, Lerner-Moguilevsky ahora inclusive invitaron a unos miembros de The Nada, de mi banda, como La Familia Ingle también está Sebatian Massolo, Cheba Massolo, Mariano Massolo que fue guitarrista y armoniquista de The Nada, la verdad tiene una raja de personas que siguen apostando a música paulatinamente popular, por ahí no sé si exista pero con el tiempo puede llegar a ser efectivo en determinado público.

UW: Están marcando tendencia. Yo creo que sí es un sello boutique, un sello de vanguardia, y se agradece que existan casas así, ya no vemos muchas disqueras de este tipo. La última pregunta, ya para dejarte disfrutar de la familia. ¿En qué rollo estás ahora? Me encantó el disco de Logo, me gustó el rollo del anti-consumismo y básicamente me gustaría que me contaras ¿en qué trip, en qué andas ahora para las nuevas grabaciones? ¿Qué obsesión te llena la cabeza?

KJ: Bueno de hecho a pesar de estar en Sony, estoy haciendo dos discos, lo estoy grabando en el estudio donde grabamos Sur o No Sur y donde grabamos City Zen. Los discos que salieron inicialmente y de hecho lo estoy co-produciendo con Javier Tenenbaum. Un disco que probablemente se llame Subtropicalia o El Subtropicalista con un guiño a Uruguay y Brasil, los países vecinos de aquí de la Costa Atlántica y por otro lado grabando con Tweety González un disco más eléctrico, más rockero. A él lo conocí en México hace dos años y medio y bueno nos dieron ganas de hacer algo juntos y le tiré unos motivos musicales en la cabeza que le gustaron y ando, se podría decir, con un disco algo folklórico del Cono Sur y otro disco más rockero, más eléctrico, posiblemente inclusive capaz que sale como disco doble.

UW: ¿En algún momento te gustaría irte a la escena de Miami y colaborar con estos monstruos como Shakira, Pitbull o algo así? ¿Te gustaría hacer una travesura de este tipo o prefieres el bajo perfil?

KJ: No bueno, Miami a mí realmente no me atrae mucho pero son disímiles y pueden completarse el uno al otro y la verdad que trato de ser lo menos prejuicioso posible, aunque a veces es difícil. Creo que en esta vida hay que probar de todo.

Entrevista transcrita por Lety Floresmeyer @Minidisasters

Gracias a Bernardo Pérez Dounce por el MacGyverismo con el que logramos conectar el phoner.

Y a Óscar Magnos, promotor, por que finalmente alguien trajo a Kevin Johansen a tocar a México. ¡Ya era hora!

Los dejamos con el clásico video de “Guacamole”

El grupo barcelonés tiene un club de fans en México, pero no en España. Han venido a nuestro país cuatro veces. Se han hecho amigos de músicos y periodistas locales. Pero no conocían la Casa de los Azulejos, en el Centro Histórico de la Ciudad de México. “Es que nosotros no somos turistas”, fue el argumento de Belly, responsable de los teclados y programaciones. Tiene razón. Cada vez que vienen es para trabajar. No han podido conocer siquiera un museo. Por eso me la llevé a ella, y a Bart, bajista, a este lugar emblemático del Centro para que conocieran los molletes y otros clásicos de la gastronomía defeña. Desayunamos en el patio, a nada del tecladista que toca a un lado de la hermosa fuente. La pasamos bien hablando de Astrud, Hidrogenesse, las ganas de pasar una temporada en México el próximo año y sobre todo de la gira internacional de casi dos años que están por terminar y en cuyo último concierto habrá una colaboración de Manolo, de Astrud, por cierto. También me contaron, por supuesto, del motivo de su visita: la reedición del disco La ciudad subterránea, en el que participan artistas mexicanos como León Larregui, de Zoé, en el caso de “Simulacro de Emergencia”, un temazo para bailar o escuchar a todo volumen, el cual aparece al final de esta entrada. Como puede apreciarse en la fotografía Jonathan Villicaña, de Terrícolas Imbéciles, nos acompañó durante este desayuno de sonrisas, pan dulce y café “aguachirri” (aguado) que originalmente iba a ser en la cafetería del Palacio de Bellas Artes, en donde empiezan a servir los desayunos ¡a las 11 de la mañana! Extrañamos a Marc y a Jordi. Pero ya nos veremos todos, ya sea mañana jueves en el concierto en el Caradura, el viernes en el Cervantino o el sábado en Cholula. ¡Buen provecho!

Simulacro de emergencia (Ft. Leon Larregui) by Terricolas Imbeciles

No amaríamos que odiaran París, pero en realidad tampoco ellos odian la capital francesa. El nombre de esta banda barcelonesa formada en 2000 es tan engañoso como las etiquetas que les han puesto –grunge, por ejemplo. En la siguiente entrevista Jaume Caner, el baterista, desvela el misterio detrás del nombre de la banda y nos habla de su primer álbum Odio París (El Genio Equivocado, 2011).

Panamérika: cuéntanos quiénes son Odio París, qué hacen, a qué suenan.

Jaume: somos dos guitarras con voces, un bajo, un teclado y yo en la batería. Hacemos canciones en castellano por razones de difusión, aunque nuestra lengua materna es el catalán. Nos dicen que sonamos a Velvet Underground o a Los Planetas. Yo diría que hacemos shoegaze. Las influencias básicas del grupo son My Bloody Valentine, The Jesus and Mary Chain, The Stone Roses.

P: ¿por qué se llaman así?

J: surge de una mala experiencia de uno de nosotros, que hizo una canción sobre eso, algo que le sucedió en París. No tenemos nada contra la ciudad, es más bien una metáfora de pasarla mal por alguna circunstancia. Al final nunca hemos tocado esa canción, pero se nos quedó el nombre.

P: ¿de qué tratan sus canciones?

J: hablan de nuestras experiencias, eso es básico para nosotros. Generalmente componemos sobre el amor, el desapego, la muerte.

P: ¿qué te parece la escena musical en España de estos tiempos?

J: hay un resurgimiento de las guitarras, me parece. Se nota en grupos como Triángulo de Amor Bizarro o Nadadora. Actualmente hay muy buen nivel, muy buen gusto, en España.

P: ¿cuál es la experiencia del grupo con Latinoamérica?

J: ninguna, en realidad. Pero al mismo tiempo estamos muy entusiasmados con vosotros. Gracias a Internet hemos tenido mucho contacto de gente sobre todo de México.

P: ¿por qué tardó tanto en salir el primer disco?

J: teníamos una maqueta, y mientras hacíamos la segunda entramos en contacto con El Genio Equivocado, que ahora editó el álbum. Eso estuvo detenido por las negociaciones, pero finalmente está disponible.

Caifanes @ Plaza Condesa. Foto cortesía de OCESA

El regreso de una banda que se reintegra se ha convertido en una noticia recurrente. Es una estrategia muy socorrida y lamentablemente, la mayoría de esas ocasiones está relacionada a intereses económicos en lugar de necesidades creativas. Estas mismas reuniones se vuelven el pretexto ideal para lanzar reediciones de sus álbumes exitosos o simplemente, revivir una marca que ya estaba vencida. Por el lado positivo, cuando estos músicos vuelven a trabajar juntos regresa también la ilusión y emoción de incontables adeptos a la banda y todos aquellos que se agregaron en el tiempo de su separación; y cuando el conjunto se trata de un ícono para el rock nacional, volver a verlos juntos es un acto casi obligado. Esta situación ocurrió con el regreso de Caifanes y su legendaria reaparición en el Foro Sol el pasado mes de abril.

Con motivo de los conciertos que Caifanes ha ofrecido en fechas recientes, el quinteto otorgó una entrevista a Panamérika donde hablaron sobre su historia, la presentación ya mencionada, el malinchismo, los fans y demás instantes de nostalgia. Esta es la transcripción:

PANAMÉRIKA: Es un gusto poder platicar con ustedes. El día que hicieron soundcheck en el Vive Latino, la gente instalaba su pit tras el escenario. Mientras ustedes ensayaban, la gente que estaba atrás los escuchaba con mucha atención. Todos mostraban gran expectativa y en el momento en que ustedes salieron al escenario dos días después, la situación fue igual. Ustedes llegan, se suben al escenario y ven un Foro Sol lleno, ¿Cuál fue su primera impresión?

 DIEGO HERRERA: Pues, muy emocionante, ¿no? realmente. O sea, vaya, desde que me comentas ahorita lo del soundcheck y todo eso, me empecé a acordar de mi experiencia en ese momento, me pongo “chinito”, en buena onda. Porque se me hace como muy emocionante realmente, pues hay muchas memorias, muchos recuerdos, muchas sensaciones, muchas experiencias que de alguna manera confluyen en ese momento que salimos al escenario, ¿no? Muy bonito.

SABO ROMO: Son bien diferentes, porque cada quien seguramente podría hablarte de una sensación distinta. Yo pensaba en el 11 de abril de 1987 que fue el día del primer show de Caifanes en Rockotitlán y lo que había transcurrido en esos 24 años para llegar al 9 de abril del 2011 y estar juntos y estar tocando y estar celebrando y estar recreando y estar descubriendo y desde luego ser parte del karaoke más impresionante del que haya sido parte en mi vida y ver al Foro Sol lleno hasta las lámparas. Algo te pasa por supuesto y te mueve, y además me parece que tuvimos un concierto artística y musicalmente muy bueno; pero además en términos como de intercambio de emoción con la banda, fue absolutamente increíble y nos quedamos con ganas de más, entonces ahí viene más.

PANAMÉRIKA: Justo, hablando de toda esta experiencia de volver al escenario y que otra vez estén tocan juntos, ¿Qué les regresó a la memoria? ¿Qué clase de manías o costumbres que ya habían olvidado que alguno de ustedes tenía, les regresó a la mente? Alguna forma de tocar, algún talismán, algo que les identifique y que les regresó en el momento en que volvieron a tocar juntos.

ALFONSO ANDRÉ: La frase de “Alejandro bájale al ampli” se volvió a oír en el ensayo.

DIEGO HERRERA: Hay una parte de las miradas en las partes, o sea, hay de repente momentos en los que hacemos acentos unos con otros o ciertas partes de las rolas tocábamos, digámoslo, no escrito, pero hay una parte como que la rola te dicta una serie de acordes, una serie de cosas; entonces esta parte de la comunicación con ciertos brakes, con ciertos momentos, con aciertos acentos, con ciertos cambiecitos que le hacemos a la rola, muy chido.

PANAMÉRIKA: En el concierto del Vive Latino, el show porque estaba repleto y a lo lejos se vio como Saúl voltea a ver a Alejandro durante “Ayer me Dijo un Ave” y como si, sin la necesidad de decir una sola palabra, con una mirada, se comunican algo. Es ahí cuando tú (Alejandro) empiezas con el solo. ¿La comunicación sigue igual de fluida o perfectamente cuadrada como ya la tenían desde hace mucho tiempo?

ALEJANDRO MARCOVICH: Hay una parte súper romántica en esta relación que inició, en este caso entre Saúl y yo hace 27 años más o menos, y por otro lado… contrastando con ese romance musical y celestial seguimos siendo los mismos cretinos de toda la vida; entonces también hay como una complicidad muy fuerte porque cuando dos personas o tres o cuatro o cinco se conocen de esa manera por dentro y por fuera pues la complicidad ya es total, ya sabes quién es la otra persona. Ya sabes con qué cuentas para bien y para mal y yo creo que lo bonito de este reencuentro que nos permitimos hacer entre todos, es que es precisamente eso, atesorar ese romance y cuidarlo. No como antes que, que en un tris lo descuidamos y se fue al carajo.

PANAMÉRIKA: ¿Cómo fue el tiempo en que Caifanes estuvo separado y que el recuerdo mantenía vivo el sonido de la banda? ¿Alguna vez llegaron a escuchar a alguna banda que en algún lugar hiciera algún cover suyo?

SABO ROMO: Incluso cuando Caifanes estaba activo en esos primeros años había bandas que tocaban rolas de Caifanes más chido que nosotros. Me acuerdo de una en particular, no me acuerdo si fue en Tecate o en alguna parte del norte, cerca de Tijuana, que llegamos, en Rosarito, y entramos a un bar y estaba tocando una banda otra canción y en cuanto entramos dejaron de tocar esa canción y empezaron a tocar “Viento”; y pues sí les salía tremendamente bien y ese fenómeno se ha repetido a lo largo de todos estos años. Entonces, la onda es que esta misma gente es la que no ha permitido que Caifanes se fuera nunca en todos estos años, la única diferencia es que no tocamos juntos, pero ahora estamos tocando juntos otra vez. Es como la corona, entonces, ser parte de eso, ser parte del subconsciente colectivo, ser parte como de la memoria recurrente de mucha gente, pero sobretodo, después de tantos años seguir estando AHÍ como si hubiera pasado anteayer o como si estuviéramos en 1989, pues también es un… no sé si llamarle… situación motivacional, pero sí es un aliciente; para que entendamos o para que asumamos que seguimos haciendo las cosas correctas por los motivos correctos y que las vamos seguir haciendo hasta que nos dé la gana igual que siempre.

PANAMÉRIKA: En 1989 había una esfera donde el malinchismo afloraba y ustedes llegaron con una propuesta musical donde justamente viene un enorgullecimiento de la música desde sus raíces. Ustedes la hacen dándole este factor de cool y de culto, además, todo ese tipo de cosas inspiró a que muchísimas bandas ahorita tuvieran esta trascendencia y sobretodo que a ustedes les dieran el peso que la historia musical de México, que se vio estancada en mucho tiempo, llegara a donde están ustedes. ¿Qué tanto ven que hay todavía ese interés por resaltar los sonidos nacionales y que lo hagan de una manera digna como ustedes lo hicieron?

SAÚL HERNÁNDEZ: El hecho de que un grupo se forme en México ya como automáticamente tiene una esencia particular nacionalista, -no nacionalista- pero tiene su origen… pero hay que pensar que nosotros y muchos, parte de las generaciones, crecimos con música en inglés y siempre se ha valorizado un poco más ese culto “a lo de afuera”. Ha habido una, de repente un olvido a nosotros mismos y yo recuerdo en Guadalajara cuando tocamos con Rod Stewart fue uno de los primeros conciertos, bueno, fue el primero concierto masivo que tocamos…

SABO ROMO: Segundo… el primero había sido el de Matías.

SAÚL HERNÁNDEZ: Y justamente comenté en el escenario, ¿no?, que chingara a su madre el malinchismo, directamente, porque quizá había toda esa imagen de ver a Rod Stewart que, -no es nada personal y me gusta mucho-, pero quizás ahí empiezas a analizar muchas cosas. Dices ¿por qué no vienen 60 mil personas a ver a Memo Briseño?¿por qué no hay 60 mil personas viendo a otro artistas?

SABO ROMO: (A Saúl) Además la circunstancia de cómo llegamos a ese concierto, ¿te acordarás? Perdón por la interrupción, pero es que me parece importante porque va muy de la mano con lo que Saúl está comentando y va a comentar. Nos habían invitado a abrir el primer concierto de Rod Stewart en el Estadio Corregidora en Querétaro y en algún momento, pues nos querían cobrar por tocar en ese concierto, así de sencillo; y entonces, no solamente a chingar a su madre el malinchismo, a chingar a su madre los empresarios de esa situación porque finalmente era totalmente irregular y nos negamos a hacerlo y entonces se armó ahí como… tocó Neón, tocó Bon y los Enemigos del silencio, fue un concierto muy accidentado este de Querétaro y posteriormente vino el de Guadalajara que es el que está comentando Saúl; entonces Saúl hace este comentario con respecto a los malinchistas y… y ya.

SAÚL HERNÁNDEZ: Empieza a haber una búsqueda de valorizar las… simplemente las acciones. También el primer concierto que hicimos con Soda Stereo que fue en el Palacio de los Deportes. En esa época, el Palacio no era un foro para tocar, pues había más otro tipo de eventos o por lo menos no para los grupos rock. Estaba en ese momento todo vetado y fue un gran ejercicio de reubicación, fue un gran concierto, yo me acuerdo que fue inolvidable el concierto y también como mandar un mensaje, decir mira nuestra música en español es igual de grande, igual de importante, igual de poderosa que cualquier grupo inglés o americano o checoslovaco y… yo creo que también ahí empezaron a gestarse muchas cosas. Hay otros artistas antes que nosotros, hay muchos grupos antes que nosotros, también hay que dejarlo muy claro: nosotros NO inventamos nada, nosotros somos parte de un movimiento que ya se fue gestando desde antes. Avándaro, es un ejemplo, insisto. Memo Briseño –que me parece uno de los grandes músicos…- Los grupos nuevos suenan muy bien, mi único comentario es que suenan muy bien, son agrupaciones que tienen ya una evolución sónica bien poderosa; pero algunos –me gustaría- que se ensuciaran un poco más, que no fueran tan limpios, no tan perfectos, como que también el tocar en la calle, el vivir de una manera subterránea, también te curte, te hace ver las cosas de otra manera, te hace valorizar la música. Inclusive, de otra manera, te nace el sentido de protección y de lucha. Siento que se ha perdido eso un poquito eso, ya no hay ese sentimiento contestatario, o por lo menos de confrontación contigo mismo. No tiene que ver nada con la política, pero extraño eso, como que los grupos tenían, por los menos con los que crecimos y los de antes de nosotros, esa hambre de existir, de ser y ahorita siento un poquito como adormilado un poco la situación… aunque son grupos muy buenos y qué bueno que existan, porque es muy importante.

PANAMÉRIKA: ¿Cuál creen ustedes que fue la canción que cuando una vez que ya se reunían y volvieron a tocar todos juntos dijeron “ok, esto vale la pena volver a pasarlo”, con una radical diferencia de circunstancias a como empezaron.

SABO ROMO: Yo creo que podríamos coincidir en que fue “Cuéntame tu vida”. Creo que fue la primera rola que tocamos en el primer ensayo de la historia… o la segunda y salió a la primera, prácticamente. Y ahora, 24 años después, fue la primera o segunda canción que tocamos y salió a la primera y sin bronca. Fue emocionante, realmente fue bien emocionante, digo al margen de que sea una canción fácil de tocar y esto, pues tiene como sus chanfles. Y entonces, esto que ha comentado Diego, el cabezazo y la cosa y salió increíble; entonces fue bien chido, fue bien aleccionador y sobre todo fue un indicativo de que pues la media neurona nos funciona bien o medianamente bien.

PANAMÉRIKA: Como última pregunta, los fans han tenido una cantidad enorme de gestos tanto de agradecimiento, pero seguramente hay unas respuestas encontradas ¿Cuál ha sido el gesto que ustedes pueden recordar como el más significativo? Para bien o para mal.

SABO ROMO: Hace menos de una hora estaba aquí una vecina muy querida con un papel que decía “esta casa está bendecida por…” y nos pidió que le firmáramos ese papel para enmarcarlo y colgarlo al entrada de su casa y eso yo no me acuerdo haber firmado algo así nunca en la vida y realmente me conmovió. Es nuevo, te puedo hablar de 25 mil historias conmovedoras a lo largo de 24 años de Caifanes y esta pasó hace menos de una hora; entonces estamos abiertos a las sorpresas.

DIEGO HERRERA: Yo les admiro mucho –valga la redundancia- la capacidad de sorpresa, la capacidad de admiración, la apertura que yo creo hemos perdido mucho los seres humanos, nos hemos convertido en muy mamones. En “todo lo conozco” y en “todo lo sé y nada me llena” y “todo es una hueva” y yo creo eso tiene jodido al mundo y nos tiene jodidos a todos porque de eso no se trata la vida; entonces algo que yo admiro mucho de los fans es eso, es este chance de dejar que la emoción fluya, y de repente abrazas a alguien para tomarse una foto y ves que está temblando. Me parece una cosa gloriosa y que le hace una falta bestial a la humanidad. Regresar al corazón y no estar en la pinche cabeza, diciendo “no, a mí nada ya, yo conozco todo, yo sé todo, ya no hay nada que me… no, eso para mí”. Es una cosa súper admirable de los fans que me gustaría tenerla más en mí, mira que me he dedicado en mi vida a trabajar hacia eso, a estar menos en la cabeza y mucho más en el corazón y eso me parece admirable. Admirable que realmente emociona, se dejan emocionar, y creo que todos nos emocionamos, pero nos hacemos güeyes o nos hacemos los mamones o cerramos ese sentimiento y eso, lo admiro muchísimo y me gustaría tener más de eso porque finalmente somos seres humanos. Eso se los admiro, se los agradezco y que me enseñen como hacerlo, por favor.

-SALUDO-

SABO ROMO: Hola, somos Caifanes, estamos en Panamérika, mandamos un saludo a toda la raza, que los bendiga, muchas gracias.

Arte por: Ricardo Castro Garcia

Sabes que no todo ha tratado de trolls en tu mundo de bloggeo cuando despiertas y te encuentras con un misterioso link de Mediafire en un mensaje pendiente en tu correo.
Ajá, eso rimó, y la etiqueta del archivo me señala al descargarlo que se trata del LP debút de Los Mundos, un proyecto a distancia conformado por Luis Ángel Martinez de Piyama Party, (radicado en Monclova, Coahuila), y Chivo de 60 Tigresy En Ventura (originario de Mty N.L, radicado en DF).

Subo el volumen y una mezcla de garage, dream pop, inevitable shoegaze y un espléndido rockabilly me dan un paseo por la senda independiente alguna vez liderada por Galaxie 500, Dinosaur Jr. y The Jesus and Mary Chain, pasando por toda clase de garage noventero y de vuelta al —de nuevo inevitable— My Bloody Valentine. Todo con el plus de la exclusiva y sincera narrativa lírica y musical del acontecer norteño.

En una era donde los EP y los sencillos perdidos en playlists son usados para “figurar” en una escena creada con proyectos poco talentosos y una mediocre (y cada vez creciente) audiencia, es de gran mérito encontrar un LP con 35 minutos que, con absoluta generosidad, rescata guitarras, ritmos y cuerdas sintetizadas del pasado para combinarlas con letras y melodías que cualquier hispanohablante, obsesionado con cualquier cosa que suene, vibre o gire, puede atesorar el día de hoy.

Escribí a Luis y a Chivo para felicitarles por hacer uno de mis discos favoritos de lo que va del año y de paso les hice unas preguntas:

Panamérika: Y bien, de dónde surge la idea de hacer equipo y dar vida a Los Mundos?

Luis: Originalmente la idea era hacer una colaboración que saldría en el próximo disco de 60 Tigres. Chivo tenía grabada gran parte de “El sol no sabe” y me la envió para ponerle voz. Iba a ser una onda “60 Tigres featuring Piyama Party” pero tras la separación de 60 Tigres, Chivo propuso sacarla a través de un proyecto al cual llamó Los Mundos.

Chivo: Empezamos con la idea de un EP pero como que todo salió muy rápido y las ideas fluían.
Luis: Nos emocionamos tanto que terminamos haciendo un LP.

Chivo: Creo que fue como 2 meses lo que nos tardó hacer las canciones del disco.

P: ¿Qué parte toma cada uno en este proyecto?

Ch: Yo me encargué de todos lo instrumentos en el disco, guitarras, baterías, bajos y teclados, Luis se encargo de todas la letras y melodías de voces.

P: ¿Cómo fue colaborar a distancia?

Ch: En realidad fue muy sencillo, básicamente le enviaba las pistas de las canciones a Luis y luego él me las regresaba con voces, ya de ahí me ponía a grabarles baterías o lo que necesitara la canción.

L: Hay una empatía muy chingona que hace que esto parezca no haber sido trabajado a distancia. Las rolas terminadas me hacen sentir como si fuéramos una banda que nos juntamos en persona a desarrollarlas. Pienso que eso fue gracias a la naturalidad con la que se dieron las cosas y al entusiasmo de escuchar cada maqueta que Chivo me enviaba.    

P: En Ventura es parte de Poni Republic y Casa Buenaventura, Piyama Party tiene su catálogo en DelHotely Melodías Belafonte; ¿Buscaron alguna disquera o casa editorial para Los Mundos?

L: Hubo un par de intentos con disqueras, no muchos, y es que no hay tanto de dónde escoger. Personalmente nunca me he preocupado por pertenecer a un sello, aunque sí admito que son necesarios para ciertos aspectos. De todos modos siento que las disqueras cada día son más miserables y da igual si te unes a una o no, a sólo que sea Matador Records, Sub Pop, o algo así.

Ch: Un día vino Beam a la casa, le enseñé el disco y me ofreció sacarlo con NWLA (antes Poni Republic) y me pareció genial la idea. También sacaremos la versión del disco en físico, pero será una onda mas DIY, de seguro lo estaremos vendiendo en nuestros shows y así.

P: ¿Tienen algún invitado especial en este LP?

Ch:- Sí, Elias Marcos que es con quien toco en En Ventura, grabó unas guitarras en “El sol no sabe” y un ukulele en “Dios y sus negocios”. Micol Polo, también de En Ventura, grabó baterías en un par de rolas.

P: ¿Se les ocurre algún productor con el cual les hubiera gustado trabajar este disco?

Ch: Hmmm… siempre es como una pregunta difícil. Me gustaría trabajar con algunos productores pero están fuera de mi alcance. Pero pues en lo personal sí me gustaría trabajar con algún productor, está padre que un externo a la banda te esté ayudando y te ayude a dirigir el proyecto, aparte creo que es más divertido, y pues también por otra parte es como más estricto.

L: La verdad es que no lo había pensado. Estaría chido que lo produjera alguien muy clavado en guitarras. Billy Corgan, por ejemplo.

P: Luis, no hace mucho “Jota”, líder de Los Planetas, mencionó a Piyama Partyen un podcast como una revelación del 2010, y dijo que debían tocar pronto en España ¿Crees que si se entera que hay una banda llamada Los Mundos, y que tú haces las letras y cantas, haga algo para llevarles?

L: No quiero sonar pesimista pero quién sabe si eso suceda, especialmente porque lo de Jota mencionando a Piyama fue una broma de Borja Prieto y Pepo Márquez, unos batos españoles que tienen un podcast llamado “Está pasando”. Su dinámica es llamar por teléfono a amigos de ellos que se hacen pasar por celebridades. En esa ocasión montaron una conversación con un Jota falso el cual se la pasó hablando, durante toda la llamada, de Piyama Partycomo su nuevo descubrimiento. Claro que me emocioné mucho pero no me la creí. Los contacté para que me sacaran de dudas y efectivamente todo era falso. Es raro que los rockstars españoles hablen públicamente de otras bandas que no sean las de ellos mismos. ¿Jota recomendando a una banda indie mexicana? Me parecía imposible aunque después vi en Youtube que su otra banda Grupo de Expertos Solynievehace una versión de “Muchacho Satánico” de Mario*.
P: ¿Debemos esperar tocadas en vivo, próximos lanzamientos y fama transcontinental de Los Mundos (tal cual lo deseo, ja)?

Ch: Jaja, la fama de seguro la tendremos no hay duda de eso. No, no es cierto pero sí estamos planeando hacer un par de fechas. Ya andamos viendo como armaremos la banda y las personas que nos ayudarán a montarla en vivo.

L: Sí. Esperen tocadas en vivo. Tenemos muchas ganas de hacerlo. Respecto a futuros lanzamientos, lo veo muy probable habiéndonos sentido muy bien con este primer álbum. Lo de la fama transcontinental, Dios te oiga.

P: ¿Pueden recomendarnos un par de bandas que estén oyendo justo en este momento y que crean que todos debamos escuchar?

L: Carmen Sandiego, Matilda Manzana, Bam Bam, 107 Faunos, Algodón Egipcio, En Ventura, Raúl Querido, Álbum, El Medio, Blueshit, Mercromina.

Ch: Ahora escucho el disco de singles de Brian Jonestown Massacre y el nuevo de Wilco. También Ducktails, me gustan sus guitarras. The War On Drugs es otra buena banda al igual Moon Duo.

Panamérika: Muchas gracias y éxito!

Chivo: A ti.
Luis: Gracias por el apoyo, bato.

El disco homónimo de Los Mundos lo podrán descargar próximamente de NWLA.tv, por ahora pueden descargar su primer sencillo “El sol no sabe” en exclusiva para Redbull Panamérika.

Los Mundos – El Sol No Sabe by PanamériKa

Entrevistamos a Arlo, de Molécula Records, uno de los sellos independientes mexicanos más entusiastas, y sin duda el más pop, colorido y de ensueño. Recomendamos mucho echarles una escuchada, y también un ojo –el trabajo visual de sus discos llama la atención por feliz. Aprovechamos para que nos hable de Delicado Sónico, grupo en el que participa.

Panamérika: ¿Cuál es la importancia de Molécula Records para la industria indie en México?

Molécula Records: El hecho de que lanzamos discos y artistas nacionales y extranjeros con algo que decir, más allá de la moda estandarizada. También nos involucramos en el desarrolo de una escena pop, sobre todo mexicana, alejada del sonido comercial, más cercano al pop de autor. Jugamos un papel muy importante en la escena musical nacional porque somos parte activa del Colectivo de Disqueras Independientes, el cual apuesta por la autogestión de la producción musical.

P: ¿Desde cuándo existe el sello, qué artistas tienen?

MR: Molécula existe desde 2003. A la fecha hemos lanzado 34 CD y dos vinilos. Los artistas mexicanos del sello son Cuberbil, Dixybait, Delicado Sónico, Ella tiene dos androides, Estrellita mi alegría, Un viernes pop, The Dragulas y Uvi.lov. De España tenemos a Nitoniko, Alton, L Kan, Lemon Fly, Perro Zombie, De Viaje, Colorado, Electronikboy y Violeta Gómez. También trabajamos artistas sudamericanos, como Pestaña (Perú), Múa y Dolbie (Chile) y Nuebles en mi casa y Cineplexx (Argentina).

P: ¿Cuáles son los lanzamientos más recientes de Molécula Records?

MR: El debut de Alton, que se llama El tren del fin del mundo. Es pop otoñal mediterráneo que abraza. También está Violeta Gómez con temas perfectos para la pista de baile, del eurodisco al j-pop, en Todas las niñas no son iguales. El mes pasado lanzamos la división española del sello, cuyo primer trabajo es un sencillo de 7” de Alton con temas de amor veraniego en un vinilo de color.

P: Cuéntanos de El sol equivocado de tu grupo Delicado Sónico. ¿A qué suena?

MR: Es nuestro segundo disco. Suena mas agrío y oscuro, con tintes post punk al estilo de 4AD. Pero todavía encuentras muchos sintetizadores, guitarras afiladas y canciones pop de amor. Está editado en vinilo de lujo y en CD.

El ciclo BandasSonoras de la Cineteca Nacional, es uno de los casos de éxito que vínculan el cine y la música en la ciudad de México. El proyecto presenta a grandes bandas de la música alternativa mexicana componiendo música para los grandes clásicos del cine mudo y ejecutándolas en vivo durante su proyección. Dichas funciones han sido semillero de proyectos tanto para la Cineteca como para los músicos mismos.  Ahora toca el turno a Troker, la picantísima banda tapatía, de funk jazz ultra humóristico, sabroso y pesado. Estos consentidos de Panamérika musicalizarán “El Automóvil Gris”,  una joya del cinema verité nacional, con pietaje de escenas reales, que retrata al México postrevolucionario de 1915. Troker estará ofreciendo dos funciones en la Cineteca el sábado 20 de agosto y otra más el 26 de julio en el Lunario del Auditorio Nacional. En esta última, la banda sonora será grabada para conformar el tercer disco de la banda. Les hicimos unas preguntas sobre el proyecto y esto fue lo que nos comentaron.

Panamérika: Troker estará musicalizando la única película mexicana en el ciclo de Bandas Sonoras, ¿Cómo llegaron a ésta? ¿Por qué la eligieron? ¿Cuáles otras tenían pensadas?

Troker: ¡Efectivamente musicalizaremos una película mexicana! Así lo elegimos porque así nos gusta, que los proyectos que hace TROKER tengan en su identidad un sello mexicano.

Llegamos a esta película hace poco tiempo por recomendación de un amigo, pero la razón de peso para elegirla fue el tema que aborda: atracos, secuestros, violaciones y corrupción, así como en los conflictos políticos y convulsiones sociales, situaciones llenas de similitudes que se tejen perfectamente entre el siglo pasado —que la película fue lanzada— y el presente, en el que TROKER nos comparte su versión musical.

La verdad nunca pensamos en otra película, tuvimos mucha suerte de que la UNAM acababa de adquirir los derechos, por lo tanto la negociación con la Cineteca Nacional fue natural y nosotros encantados con la facilidad que se dieron las cosas.

Panamérika: Después del Rey del Camino, hacer la música de una película protagonizada por unos maleantes en coche parece legitimar una relación entre Troker y los bólidos con actitud. ¿Es así o es mera coincidencia?
Troker: ¡Mera, merita coincidencia! También en nuestro primer disco tenemos una rola que se llama “El Atraco a la Furgoneta Gris” y en ese entonces no sabíamos de la película. Lo que fue significativo es que antes de ser invitados a BandasSonoras habíamos iniciado la composición del tercer disco y debido a que TROKER ha sido víctima de dos atracos este año (uno en el ensayo y el último en la oficina), los únicos temas que hasta el momento estábamos explorando para la composición, eran violencia y la ausencia de dignidad.

En serio que no nos la pensamos con la elección de la película, era justo con la que “teníamos” que trabajar. Nosotros creemos que esta asociación de coches poderosos con la banda quizá se trate de algo más karmático, porque la elección de nombre sí tiene que ver con un trailero, con ese personaje que nos gusta y nos representa como banda de hecho, se llama Roke Machete y pueden ser su amigo en Facebook.

Panamérika: “El Automóvil Gris” es una película postrevolucionaria, retrata un México lastimado y golpeado por el caos y la violencia manifestada en las calles y los edificios. ¿Encuentran alguna relevancia en revivirla en el contexto social y político en el que está el país actualmente?

Troker: Definitivamente es de gran relevancia, está justificado simplemente con prender la tele, leer los periódicos, escuchar la radio o bien a tus vecinos.

Lo que encontramos más cabrón es darnos cuenta que noventa años después seguimos en esa época postrevolucionararia, inmersos en la corrupción, con poca paz social y siendo parte de un pueblo atemorizado y peor aún, que todavía le cuesta trabajo identificar sus responsabilidades.

Tenemos en parte una mala educación y conformismo, ahora estamos enfermos socialmente y pareciera que no hay cura. En la película de hecho podemos ver una lección de esto, uno de los personaje que sufre un atraco a manos de la banda del Automóvil Gris, decide involucrarse como ciudadano en la búsqueda de los ladrones y logra capturar un par. Esto pone en manifiesto entre otras cosas, que un pueblo unido y activo puede cambiar el rumbo de las cosas.

Panamérika: Poner música a una película silente es dirigir una lectura frente a esta ¿cuál será la lectura de Troker sobre “El Automóvil Gris”?

Troker: Tenemos tres ejes en nuestra lectura: suspenso, tristeza y sarcasmo. El suspenso es natural al tratarse de un película policiaca y para musicalizarlo utilizamos muchos clichés del cine que vemos y que nos ha influenciado. Por ejemplo, hicimos una diferenciación musical entre el bueno, el malo y el héroe.

También leemos mucha tristeza, dolor y preocupación, emociones presentes en nuestra sociedad inclusive 96 años después de las fechorías cometidas por los delincuentes del Automóvil Gris. Por último el sarcasmo, que fue la única manera que encontramos para descifrar musicalmente el cinismo de estos rufianes, de la policía coludida y de ver que hasta hoy, como sociedad, parece que sólo sabemos culpar.

Al final la lectura es cruda porque representa el pan de cada día, una realidad muy cercana a los mexicanos de hoy y ayer, así lo trabajamos obviamente a través de las herramientas que tenemos y por ello en el resultado se siente el humor y color que caracteriza a Troker.

Panamérika: Su segundo disco viene acompañado de una serie de videos que ilustran sus canciones, ahora el proceso fue inverso. Estarán ilustrando musicalmente un elemento visual. ¿Cuáles serían las diferencias creativas entre componer un disco y la música de una película?

Troker: En nuestro último disco, dejamos que nuestros amigos contaran lo que veían con nuestra música y en esta ocasión estamos trabajamos con una mente más: la película, y a esa no la puedes convencer de adaptarse a tu idea.

Más bien aprovechamos el tener otro punto de vista para enriquecer lo que podemos aportar musicalmente. Además cabe aclarar que la película con la que estamos trabajando es silente y esto es muy distinto a trabajar con un producto actual donde no sólo el lenguaje visual es distinto, sino que hay diálogos, por lo tanto existen muchos espacios para música simplemente incidental o de “acompañamiento”.

Aquí el reto ha sido musicalizar algo dicho, implícito, creado y con nuestros recursos; contar junto con la película una misma historia.

Panamérika: ¿Cómo es un ensayo de Troker para un concierto sobre sus discos y un ensayo para “El Automóvil Gris”?

Troker: Para empezar la diferencia es que para la película ensayamos a oscuras ( jajaja), durante horas y sin tequila. Necesitamos mucha condición física, mucha concentración, muchos días de trabajo continuo. Es una película muy larga por lo tanto ¡hemos tenido que estudiar más que cuando fuimos a la escuela! Tuvimos dos encerrones de 4 días en Chapala para poder enfocarnos a los ensayos sin distracciones, algo que no es necesario para montar un show.

Panamérika: ¿Qué elementos de la película fueron claves para la composición de la música? ¿Tomaron inspiración de otras referencias, (momentos, música, noticias, etc.)?

Troker: Claro que tenemos referencias, la primera es el momento socio-político que vive México, esto como lo comentamos antes fue determinante. De los elementos proporcionados por la misma película, tenemos que decir que el automóvil fue el más importante. Nos inspiramos sin duda en la acción, la tensión, el suspenso y la tristeza presentes en toda la historia; además del sarcasmo y humor de Robert Rodríguez y un poco menos de Tarantino.

Panamérika: Para los que iremos a verla ¿qué momentos destacarían en la interacción de su música con la película?

Troker: Van a darse cuenta que lo que compusimos no es música incidental, realmente trabajamos por contar la historia junto con sus directores y esto no fue tan complicado al estar viviendo situaciones similares todos los días como nación. Esto provoca que existan muchos momentos destacables de la interacción entre la música y la película, pero de nuestras preferidas están la escena donde se ve el automóvil por primera vez.

Hay otra donde, para su época, la filmación del auto en movimiento parece innovador y como homenaje le dimos especial importancia. También lo hicimos con otra escena bestial y cruel donde un niño es asesinado por la espalda de un balazo, una situación que tampoco nos es ajena, y por último mencionaremos el momento del fusilamiento en el que decidimos desenlazar el tema principal de la película por la tensión de la historia y el hecho de que es la escena real del paredón. Véanla, es una película con mucho que decir y más que reflexionar.

Entrevistamos a la joven cantautora de Fuengirola, quien visitó nuestro país el mes pasado, para enterarnos de su relación con México, sus canciones favoritas y otros temas que nos permiten acercanos a uno de los corazones más dulces del sello Subterfuge.

Panamérika: ¿cuál es tu impresión de esta visita a México?

Anni B Sweet: ha sido una experiencia preciosa, la ciudad me ha encantado y Zoé han sido unos guías inmejorables. Tocar en el Teatro Metropolitan fue un honor, el público de los mejores que he conocido. Mi último concierto fue en el Centro Cultural de España, que estaba llenísimo, y  pude tratar con el público más de cerca; fue maravilloso conocer a gente tan respetuosa, cariñosa  y cálida.

P: ¿hay artistas latinoamericanos que escuches o te inspiren?

A: Zoé, Lisandro Aristimuño, Plastics Revolution, Chetes.

P: ¿cuál es tu relación con México?

A: mi acercamiento a Mexico ha sido gracias  a Zoé. El año pasado canté y participé en el videoclip de la versión española de “Poli”. Surgió una bonita amistad y me invitaron este año a abrir algunos de sus conciertos en el Teatro Metropolitan. Ha sido una de las experiencias más lindas y emocionantes de mi vida, el cariño y el respeto de los mexicanos es algo que no olvidaré nunca. Estoy deseando volver.

P: ¿todavía recuerdas los temas que componías a los nueve años?, ¿podrías tocarlos en un concierto?

A: me gusta tocar las cosas que siento, tengo temas que escribí de muy pequeña, pero no los cantaría igual ahora. Sí que podría componer sobre aquellos momentos o  hablar de alguna letra de cuando tenia nueve años. Sería muy lindo.

P: ¿cuál es tu opinión sobre el panorama del indie español actual?

A: no puedo hacer una comparativa con escenas anteriores, pues yo llevo poco tiempo, pero puedo decir que hay muy buenas propuestas, muy variadas y de mucha calidad y el público está respondiendo muy bien. Las mejores propuestas salen del panorama indie.

P: ¿te han dicho algo los A-Ha sobre la versión que hiciste de “Take On Me”?

A: la verdad es que no, y me encantaría saber su opinión. Nada mejora la original, yo sólo le di una vuelta a la canción por diversión, y en Europa está teniendo muy buena aceptación.

P: ¿cuál es tu canción favorita en castellano?

A: imposible elegir sólo una. “Necesito Poder Respirar” de Albert Hammond puede ser una, pero también me encantan las letras de Radio Futura y de Lori Meyers.

Foto: Nerea López.

Parece que vienen de otro planeta, uno en donde gustan de vestir con bolsas de papel y hacer manuales cantados sobre la cultura digital. Su video en YouTube tiene una cantidad estratosférica de visitas y una infinidad de comentarios en portugués. Sí, todo parece indicar que en Brasil su viral resultó un éxito indiscutible.  ¿Por qué? ¿Quiénes son? ¿De qué planeta llegaron, y cómo lograron traspasar barreras lingüísticas? Nadie lo sabe, acá nos atrevemos a afirmar que es porque su canción y su ingenio sencillamente no tienen madre. En Panamérika no nos aguantamos las ganas de entrevistarlos, sobre todo porque en las últimas semanas no podemos cantar otra cosa que “El Internet”.  Así que aquí está una entrevista con alguien, de Los Alguiens.

Panamérika: ¿De qué planeta provienen? ¿Hay más bandas así en su mundo? Llévenos con su líder…

Los Alguiens: Venimos de una galaxia muy lejana, nuestro planeta no se puede pronunciar con palabras. Es más como una frecuencia, o llamemosla, dimensión.  No nos consideramos una banda, somos investigadores, experimentamos y observamos el comportamiento humano; cuando sea el momento indicado conoceran a nuestro líder.

Panamérika: Han logrado hacer un “viral”. ¿Debemos temer a este virus?

Los Alguiens: No deben temer, esto no es un virus, solamente una forma de comunicación.

Panamérika: Alguien que oculta su rostro, sólo puede ser o muy famoso o muy feo. ¿Alguno de estos es su caso?

Los Alguiens: Sólo mostramos uno de nuestros rostros, tenemos varios.

Panamérika: ¿Han recibido propuestas de compañías proveedoras de internet, para utilizar su canción con fines comerciales?

Los Alguiens: El video y la canción tienen muchos medios y fines en los que pueden ser utilizados, pero aún no hemos recibido una propuesta interesante.

Panamérika: ¿Qué los hace tan populares en Brasil? ¿Su mensaje es universal, de proporciones cósmicas?

Los Alguiens: Segimos observando el comportamiento de las culturas e ideologías en el planeta Tierra. Aún no logramos descifrar ciertas cosas, como por qué en Brasil les ha gustado más que en otros lados, pero este mensaje sí es de proporciones cósmicas.

Panamérika: ¿Acaban de descubrir el Internet en el planeta Tierra? Su visión y uso de la red es retro, como si fuese 1999…

Los Alguiens: Sabíamos de la existencia del Internet antes que se supiera en el planeta Tierra, pero quisimos recurrir a los comienzos del uso masivo del internet para hacer notar su rápido desarrollo.

Panamérika: ¿Cuál es la página de inicio que tienen en sus navegadores?

Los Alguiens: Es cambiante

Panamérika: ¿Por qué el Internet y no la Internet?

Los Alguiens: ¿por qué la Internet y no el Internet? jejeje……

Si usted aún no sabe de lo que hablamos no dude en pinchar play en este video

El grupo de Belén y Luis, uno de los consentidos de Elefant Records recientemente, visitará la Ciudad de México este domingo tres de julio para ofrecer un concierto gratuito en la terraza del Centro Cultural de España, a las 19 horas. Por este motivo los entrevistamos. Si no los conoces échale un vistazo a esto.

Panamérika: ¿será que en México todos los descubren tarde y mal, como a Portugal?

Bla: precisamente en México siempre nos han tratado muy bien. Al menos con L Kan, nuestro otro grupo, las dos veces que hemos tocado ha habido muy buena acogida. Nos encanta el público mexicano, esperamos que Bla tenga buena respuesta también. Y que el público sea comprensivo con nosotros, pues vamos a tocar con mucho jet lag.

P: ¿qué tan bien conocen la Ciudad de México?

B: creemos que bastante bien. Hasta nos hemos perdido de noche en la colonia Doctores. Conocemos todo el Centro, la Zona Rosa etc, la Roma, la Condesa, Chapultepec. Hemos estado en Xochimilco, Coyoacán, San Ángel, etcétera.

P: ¿hay sitios que todavía no han podido conocer y que les gustaría  ver?

B: claro. No hemos estado en Tepito ni en Polanco ni en Plaza Garibaldi. Todo el mundo nos dice que son sitos peligrosos. Polanco yo sé que es fresísima, pero por eso, porque no se puede ir sin chofer. ¿Es cierto?

P: ¿qué recuerdan de su visita al Parque de los Venados Acariciables, en Amecameca?

B: pues fue un día muy curioso. El nombre del parque en sí mismo nos llama mucho la atención. Nos pareció un lugar raro, pero estupendo. Luego comimos me parece que en Chalco, y montamos en un montón de ¿furgonetas?, no me acuerdo como se llaman, ¿colectivos? En algún momento pasamos un poco de miedo en la carretera por la velocidad y el apretujamiento. Fue emocionante.

P: ¿todavía existe el tontipop?, ¿alguna vez existió? ¿Es justo que haya quien los catalogue así?

B: es como las meigas, unas brujas gallegas: “haberlas haylas, pero nadie las ve”. Esto igual, haberlo debe haberlo, pero nadie dice serlo. Existe un tipo de música al que algunos llaman o llamaron tontipop. Habría que preguntarles a ellos. En esta vida no hay nada justo, ni en la música ni en otras cosas, así que lo mejor es centrarse en lo de uno y no preocuparse de las etiquetas ponen otros.

P: ¿cuál es su rango de aforo? Me refiero al menor y al mayor número de que personas ante las que ha tocado Bla.

B: el menor unos 15 en Mallorca, el mayor unos mil teloneando a Fangoria.

“Si te gusta la música y estás hasta la madre de la oferta de la Condesa y las marcas de tenis como casas de cultura, si te da hueva Devendra Banhart y tienes un corazón para el punk, el corrido, el lo-fi, la electrónica pesada y las liras, este es tu calpulli, camarada.” Palabras de Txema Novelo, responsable del sello, que nos cuenta sobre uno de los proyectos musicales mejor nombrados ¡y concebidos! del Valle de Anáhuac. En este contexto, disculparán ustedes las groserías.

Panamérika: ¿desde cuándo existe, qué es y por qué se llama así?

Txema Novelo: desde 2007. Empezó como una plataforma de videos para actos underground de México. Íbamos pescando onda con camaradas de varias partes del país con el objetivo de hacer música muy chingona. Después de haber armado muchos videos pensamos que sería buena idea también editar esa música y armar un calpulli de disquera. El nombre tiene que ver con el agobio del apoyo para la fuga cultural en México. Uno ve cómo funciona por ejemplo el college radio en el gabacho o en Europa, y uno se da cuenta de que es una simbiosis, hay un entrelazado entre el creador musical, el promotor y la radio, uno esta a la expectativa del otro. En México estos niveles se sirven de manera corrupta, pues son ejercicios de intereses, de poder, de billete y de ultra hueva. Por eso somos unos vale vergas, no nos dedicamos a hacer más de lo que tenemos que hacer, es decir que los músicos hacen su música, nosotros les hacemos sus discos y sus videos, y la música la subimos a la página (valevergasdiscos.com) para quien la quiera y listo. No nos prestamos al lamehuevismo de nada ¡y sin embargo se mueve! Un ejemplo es el disco de Juan Cicerol, que se popularizó de una manera increíble por virtud propia.

P: ¿tienen proyectos mexicanos, o también algunos latinoamericanos o de otros lados?

TN: proyectos mexicanos, esencialmente, y un par latinoamericanos por lo pronto. Tenemos la increíble música de Christian Dergarabedian, mejor conocido como Fred Lorca, miembro fundador de la mítica banda situacionista argentina Reynols. Su disco debut Cosas que suceden ya puede descargarse en la página. También tenemos a los cubanos Trío Mataflores, de noise y psicodelia. Suenan un poco a Liquid Liquid, Sonic Youth y Spacemen 3, pero sin haberlos escuchado nunca, y con mucha más onda. Este verano estará su disco en descarga, y también un vinil.

P: ¿qué actividades incluye el sello? ¿Fiestas, conciertos, ventas de discos?

TN: sobre todo las presentaciones del disco para descarga y luego la presentacion del vinil. Ambas suelen ser unas súper fiestas, por lo general en cantinas o bares anticuados. La musica se baja gratis del sitio y vendemos nuestros viniles con nuestros hermanos en cristo Discos Amapola, la mejor tienda de viniles de la Ciudad de México.

P: ¿hay algún común denominador entre los artistas del sello?

TN: la calidad de la música. Nosotros consideramos que tenemos los mejores proyectos mexicanos, y muchos no pierden su halo underground. Son producto de nuestro etnoturismo y melomanía, y son ante todo unas bandotas: Tron, X=R7 y Juan Cirerol, de Mexicali; Mentira Mentira, de Tijuana; Robota, Bonzos Flameantes y Supermad, del DF; TV Vintage, de Coacalco; Seekers Who Are Lovers y Yeyo Moroder, de Monterrey; Fred Lorca, de Argentina; y Trio Mataflores, de Cuba.

P: ¿qué importancia tiene Vale Vergas Discos en la industria discográfica de México?

TN: dudo que todavia exista tal industria, fuera de Televisa. En realidad si tiene alguna importancia es la de no formar parte de ninguna industria porque no hacemos lana con esto.

El cantautor asturiano nos platica del Tenampa, el Mercado de Sonora y el humor en sus canciones, entre otros temas, horas antes de su presentación en el Teatro Metropolitan de la Ciudad de México.

Panamérika: a lo largo de las seis veces que has venido, ¿has tenido la oportunidad de vivir una experiencia auténticamente mexicana que no tenga que ver con trabajo?

Nacho Vegas: he tenido muchas ganas de venir a México únicamente de visita, lo haré cuando se pueda. Por lo general no hay mucho tiempo para conocer las ciudades en las que he estado, que son el DF y Guadalajara. Recuerdo que la primera vez que vine estuve con Enrique Bunbury en el Tenampa, en donde José Alfredo Jiménez escribió “El Rey”. Antier estuve en Teotihuacán, pero poco tiempo, me quedé con ganas de estar en un temascal.

P: ¿por qué crees que tienes tanto éxito en México?

NV: la razón más obvia es que al principio vine de la mano de Enrique Bunbury, y eso ayudó mucho. Luego tuve el apoyo de Camilo Lara, que antes estaba en EMI, que es un gran conocedor de la música española. También creo que existe una relación entre los temas duros y trágicos de mis canciones y la pasión de los mexicanos.

P: ¿cuál es la historia detrás de la canción “El Mercado de Sonora”?

NV: la vez que vine con Christina Rosenvinge fuimos a la Ciudadela para comprar una piedra que ella estaba buscando. Así nos enteramos del Mercado de Sonora, y quisimos ir, pero una señora nos dijo que no nos convenía ir, y entonces me llamó la atención que usara ese verbo. Le fui dando vueltas a la frase en mi cabeza cuando íbamos hacia el hotel, y así empezó a surgir la letra. En otra ocasión que vine a México fui al mercado y completé la letra a través de las imágenes que vi ahí y que menciono con cariño y respeto.

P: ¿cuál es tu tema favorito, no sólo a la hora de componer canciones, sino en general? ¿De qué tema podrías hablar toda la noche con tus amigos?

NV: generalmente hablo de canciones, pues pienso en ellas desde que me despierto y hasta que me acuesto. Pero también me apasiona la política, me considero muy comprometido con la izquierda.

P: ¿qué papel juegan el humor y la ironía en tus canciones?

NV: son elementos importantes en mis letras, sólo que quizá no se note enseguida, pues están contenidos de manera implícita. Admiro el humor tan andaluz que tiene Sr. Chinarro, de quien soy muy fan. El humor es una herramienta importante para tomar distancia a la hora de tratar temas demasiado íntimos.

P: ¿qué tan autobiográfico eres en tus canciones?

NV: mi materia prima son las cosas que me suceden, yo trabajo con mi memoria, y a través de mis recuerdos descubro ficciones que suelen acercarse más a la realidad que la realidad misma. La imaginación es una cuestión muy personal en ese sentido.

P: ¿hay artistas latinoamericanos, específicamente mexicanos, que te gusten o inspiren?

NV: Chavela Vargas, José Alfredo Jiménez, Agustín Lara, y de lo contemporáneo conozco el Instituto Mexicano del Sonido.

Desde ya se vislumbra la inclusión de varios videos de CANADA en las listas con lo mejor del año. ¿Qué sucede alrededor de las producciones visuales que este colectivo español ha logrado con canciones de Joe Crepúsculo, La Bien Querida, La Estrella de David y otros integrantes de la aristocracia del pop independiente en España y otros países? El director de videos Luis Cerveró, de CANADA, nos lo cuenta en exclusiva.

Panamérika: ¿Qué es CANADA y por qué se llaman así?

Luis Cerveró: Es un colectivo dedicado principalmente a la producción audiovisual, aunque también hacemos otras cosas, como publicar discos o comer juntos todos los días. Además de los vídeos nos encargamos de editar discos (dos hasta la fecha, para Joe Crepúsculo y La Estrella de David) y otros tres en ciernes, altamente secretos. También estamos preparando una revista y una colección de libros. Nos llamamos CANADA porque nos gusta todo sobre esa palabra: la sonoridad, la estética, la trimetría, la persistencia vocal y además que represente un país tan enorme y bonito.

P: ¿Qué proyectos tienen para este año?

LC: Los proyectos surgen casi mes a mes. Ahora mismo estamos cerrando varias propuestas futuras que preferimos no desvelar. Pero confirmados: un documental musical de una hora que se estrenará en tres semanas, un videoclip para White Lies que hoy mismo estamos terminando de rodar. Y otro videoclip para la artista danesa Oh Land. Y además un par de anuncios para la tele, uno francés y otro español. En uno saldrán helicópteros militares, y en el otro un oso polar.

P: ¿Qué les contestarías a los que dicen que todos los videos de CANADA se parecen?

LC: No les contestaría nada. ¡Tienen toda la razón!

P: ¿Hay grupos latinoamericanos que te gusten y con los que te gustaría trabajar?

LC: Conozco muy pocos, lamentablemente. Tan solo conozco a la onda mejicana de Nuevos Ricos, que estuvieron viniendo bastante por aquí a tocar y que eran una maravilla: Silverio, Miki y compañía. También hace tiempo que Julieta Venegas y yo tratamos de trabajar juntos, pero nunca encontramos el tiempo necesario. Pero me muero de ganas.

P: ¿Qué opinión te merece el pop español independiente que se hace actualmente?

LC: Está en una etapa bien dorada que comenzó hará cosa de cuatro o cinco años. La verdad es muy emocinante todo lo que está pasando, y hay más grupos, discos y conciertos buenísimos que nunca.

Mexican Dubwiser está en posiblidades de ser un consentido nuestro, porque hace lo suyo muy bien. Incorporando orgánicamente a la cumbia en una serie de fusiones que le dan de raiz un lugar bastante refinado y llevándola a lugares distantes, mas allá de su crudeza. Su primer disco de canciones propias está por salir a la luz bajo el sello de Terrícolas Imbéciles y parece un home run a juzgar por lo que vaticina su sencillo “Trouble in my soul” cargado de dub y un sonido que pareciera un homenaje a la música fronteriza; una colaboración entre Billy Gould (Faith no More) Ulises Lozano (Kinky) y Artwork Jamal. Platicamos con él sobre esto y otras cosas chéquen el video mientras descargan sus dos compilados previos, que han sido liberados a descarga gratuita: Sonidos de Hoy y Siempre Vol.1 y Vol. 2

Sólo hay un periodista en el mundo del habla hispana que puede recomendarle a su entrevistado de ir psicológo y salir avante. Ese es Juan Carlos Bodoque, el conejo rojo estrella del noticiero chileno 31 minutos. Él fue a entrevistar a Pedro Piedra horas antes de la presentación que lanza oficialmente su segund álbum Cripta y Vida (Quemazucabeza, 2011). El resultado de esta singular y existencialista mancuerna es en verdad agraciado y exitoso. No sólo por el talento de Juan Carlos como entrevistador y periodista, sino que incluye una muestra de extraordinario talento con el que el músico interpretó sus propias canciones y un un cover a los Enanitos Verdes a dueto con el gran Juan Carlos Bodoque.

Estuvimos en las oficinas de Terrícolas Imbéciles para platicar con Marc y Belly, miembros del cuarteto barcelonés que se presenta por cuarta vez en la Ciudad de México –en esta ocasión en el Vive Latino.

PanamériKa: ¿cómo describirían la escena española actual?

Marc: hay muchos grupos, y podría decirse que varios hemos nacido al mismo tiempo. En los últimos cinco años muchos grupos han subido su listón creativo, así como la calidad de los shows. Como consecuencia la escena se ha abierto a un público casi masivo, y tanto la mercadotecnia como los medios de comunicación han empezado a apoyar una revolución musical frente a la cual la industria no tiene muy claro qué hacer.

Belly: somos muchas bandas, pero todas diferentes. Es una escena ecléctica y diferente, pero que comparte muchos oyentes.

P: ¿dónde se ubica Dorian en el mapa de esta escena?

M: cerca de El Columpio Asesino, Delorean, Mendetz y Vetusta Morla.

P: Dorian se ha vuelto un acto grande, de festivales, ¿existirá algún riesgo de que la banda se olvide su espíritu original?

M: llevamos muchos años trabajando. Nos hemos construido a nosotros mismos desde abajo, aunque suene a tópico. Como no hemos tenido un pelotazo, sino que el crecimiento ha ido de la mano con nuestro trabajo, entonces no hemos olvidado nuestros valores a la hora de enfrentarnos al éxito. Cuando tocamos frente a mucha gente nos dedicamos a disfrutarlo, pero sin delirios de grandeza. No podemos perder la cabeza porque sabemos bien que el éxito no viene por justicia divina, sino como resultado de trabajar mucho. Somos una banda de verdad, de carne y hueso.

B: una cosa que tenemos muy clara es que una banda nunca puede ajustarse a un público. Tenemos un discurso propio y hemos logrado que la gente nos entienda. De pronto tenemos tantas expectativas que no podemos hacerles mucho caso. Es mucho mejor escucharnos a nosotros mismos y dejarnos llevar.

P: ¿cómo explican que Dorian conecte tan bien con el público mexicano?

M: desde el principio hemos tenido muy presente a México, siempre hemos venido a trabajar, no a vacacionar. Nos hemos dado cuenta de que aquí hay bandas muy buenas, y creemos que ambas escenas se parecen mucho, entonces tenía que existir un espacio para Dorian. Adoramos este país.

P: ¿qué nos pueden contar del proyecto After After Hours que llevan ustedes dos aparte de Dorian?

B: Marc y yo teníamos ganas de explorar otras fronteras musicales, y nos dimos cuenta de que nos apetecía mucho ir a Londres y entrar en contacto con personas de orígenes musicales muy diferentes. Ahora tenemos una cantante jamaicana, un baterista del Norte de Inglaterra y amigos de la cultura negra. Queríamos saber qué ocurría al experimentar con estas nuevas maneras de hacer música.

P: muchos grupos españoles se caracterizan por las letras irónicas y el humor, mientras que el discurso de Dorian parece más serio, ¿qué opinan al respecto?

M: me doy cuenta de que me cuesta mucho ser irónico a la hora de hacer las letras porque hacer música me parece un momento de soltar demonios, cosas que se han quedado atascadas dentro, es decir que se trata de un momento dramático. Sin embargo somos muy fans de bandas que manejan bien la ironía, como Astrud, Hidrogenesse y Manel. Me parece que el acto creativo tiene que ver con una carencia existencial. Desde mi perspetiva el arte tiene que surgir de algo que está roto y hay que coser, y las canciones cosen esas cosas. Envidio a quienes saben usar la ironía y el cinismo en sus canciones.

P: ¿cómo es un concierto de Dorian?

B: tenemos mucha conexión con el público, dejamos la piel en cada concierto, somos muy energéticos.

M: nuestros conciertos son fiestas. En el Vive Latino haremos un concierto muy intenso, con toda la artillería, el público estará todo el rato bailando. Nos encanta tocar en festivales porque la sinergía del público es una sensación brutal que puede detectarse apenas uno pone el pie en el escenario.

P: ¿por qué se llaman Dorian?

B: por la novela de Oscar Wilde. El protagonista está muy preocupado por la apariencia exterior de las cosas, por el lado más superficial de la belleza, y eso nos llama la atención de la época que nos ha tocado vivir.

Sencilla, pero contundente, justo como la música que logran Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin. Hablamos con éste último sobre la visita del dúo vasco a la Ciudad de México. A continuación la entrevista que nos concedió el 50% de Single, que tocan este viernes primero de abril a las 22 horas en el Pasagüero (Motolinía 33, Centro) y al que te recomendamos mucho ver en vivo.

PanamériKa: ¿En qué sentido crees que la ciudad en la que un artista vive influye en la música que éste produce?

Ibon: Todo lo que uno vive influye, pero en el fondo influye más de dónde eres. En nuestro caso lo que más nos marca es haber vivido en San Sebastián hasta los veintitantos años.

P: ¿A qué suena la música de Single?

I: Diría que es música pop en un sentido muy amplio. Nosotros entendemos el pop como un lugar en el que cabe todo, en el pop puedes hacer lo que quieras, siempre y cuando haya una estrofa, un estribillo, y todo quepa en tres o cuatro minutos. Single lo entendemos así, como un sitio donde podemos volcar lo que nos apetece: hip hop, reggae, cabaret, música para bailar. Generalmente combinamos lo acústico con lo electrónico. Somos un grupo melódico, en pocas palabras.

P: ¿Cómo es un concierto de Single?

I: En México sólo seremos nosotros dos, pero en España solemos tocar con otros dos músicos. Utilizaremos pistas pregrabadas, pero seguro también haremos cinco o seis canciones sólo con la guitarra. Habrá canciones de los dos discos y de los sencillos que hemos sacado. Tendremos desde lo más acústico hasta lo más electrónico.

P: ¿Acostumbran escuchar música latinoamericana?

I: Me llega a la cabeza un grupo llamado Espíritus de Gante, que son de Guadalajara. Conocí a uno de los miembros el año pasado en España. Hacen música instrumental. No conozco mucho más. Teresa y yo hemos escuchado mucha música brasileña, pero no lo tenemos tan presente en el sonido del grupo. He oído hablar de Javiera Mena, que es chilena, pero no la conozco.

P: ¿Cuáles son tus grupos favoritos?

I: El grupo que más me gusta es Hidrogenesse, y también Astrud. También me encantan Hello Cuca, Parade y Corazón.

P: ¿Cómo ves el panorama actual del indie español?

I: Ha llegado un momento en el que hay tantos grupos que la etiqueta de indie español no significa nada. No podríamos poner en un mismo saco a Nacho Vegas, que es un cantautor muy clásico, y a Los Planetas, que hacen un rock muy de guitarras, por poner el caso de dos actos importantes que por cierto están muy alejados de nosotros.

P: ¿Qué esperan del viaje a México?

I: Desde que abrimos nuestra cuenta en Myspace, y posteriormente en Facebook, siempre hemos tenido muchos mensajes de gente de México. Hace años estuve de gira por Estados Unidos con Ana D, y cuando estuvimos en Los Ángeles conocimos gente de Tijuana. Nuestro sello, Elefant Records, tiene una oficina en México. Verás que tenemos muchas referencias, y por lo tanto también muchas ganas de tocar en México.

P: ¿Tocan algo de Le Mans?

I: No. Le Mans es algo muy distinto. Pasaron seis o siete años entre terminar Le Mans y comenzar Single. Para nosotros es un asunto olvidado. Además Teresa no era la cantante, sino la bajista. Ahora mismo no pensamos en Le Mans.

Gracias a un encuentro con el Sonidero Meztizo, PanamériKa presenta el nuevo grito de paz y baile que se viene con gran fuerza, entonado en flor y canto por Moyenei y Roco Pachukote .

Así es, esta pareja de vida y de baile está por marcar muy próximamente los escenarios mexicanos, empezando por el Vive Latino y su presentación en la carpa intolerancia el día 8 de Abril a las 21:30 hrs al cierre de esa jornada. Aquí te los presentamos muy de cerca para que te adentres en su propuesta antes que nadie.

A manera de polaridades complementarias, buscando un equilibrio, la fusión de ritmos y estilos entre la chilena Moyenei Valdés y el pachukote mayor: Roco —también integrante de La Maldita Vecindad— se desata una muy orgánica invitación para todos a re-conocer mucho de lo que hemos dejado de mirar en el camino y que es esencial para seguir adelante y avanzar colectivamente en nuestros días.

Un cambio para dejar de mirar la violencia y abordar la conciencia, un acercamiento a la tradición indígena para conjuntarla con nuestra vida occidentalizada, un cambio individual para lograr el colectivo. Con este primer sencillo Somos Paz que está por desatarse en grande, decretando: “Somos paz, somos más” intuimos que esta canción tendrá una trascendencia interesante, y aquí y ahora lo presentamos en voz de sus autores, desde su santuario de ensayo, acompañado de una entrevista que nos ilustra mejor su camino desde su propia perspectiva y que se redondeó al haberlos seguido hasta el toquín que realizaron dentro de las instalaciones del metro Tacubaya, aquí en la capital.

Panamerika se congratula en presentar exclusivas de este tamaño, y ya si logramos que el baile los invada, dedíquenle unos pasos a este espacio alterlatino.

El EP Defensa (2010), con su preciosas canciones de pop sofisticado y ese bonito diseño gráfico que se queda en la memoria, llamó la atención de radiodifusoras, productores y por supuesto fans. Desde entonces varios hemos esperado con ganas el primer disco de Torreblanca, que saldrá dentro de pocas semanas. Estos días lo terminaron de grabar con Quique de Café Tacvba, así que contactamos a Juan Manuel Torreblanca para que nos cuente la experiencia.

PanamériKa: ¿Por qué escogieron a Quique, de Café Tacvba, para producir el disco?

Juan Manuel Torreblanca: Es una historia casi increíble, como las que se ven en los documentales acerca de las bandas que uno admira. Más que haberlo elegido nosotros, fue él quien se acercó. En la última presentación que tuvimos en El Imperial, en 2010, Quique y Joselo Rangel estaban en el público. Terminamos de tocar y subieron al camerino a saludarnos y felicitarnos. Como a cualquier fan de Café Tacvba le habría pasado, eso nos impresionó bastante. Al día siguiente mi sorpresa fue más grande cuando Quique llamó por teléfono –no sé cómo consiguió mi número– y me dijo que le había gustado mucho nuestra música y que estaba interesado en que le platicáramos cuáles eran nuestros planes para ver si podía apoyarnos de algún modo. Y las cosas se acomodaron de una forma inmejorable porque ya estábamos pensando en la necesidad de grabar algo nuevo. Estábamos empezando a componer y a dirigir nuestra energía hacia esa meta, así que apareció Quique como un “maestro”, un guía o director en el momento preciso. Y además resultó, para suerte de todos, que se trataba de la persona perfecta para desempeñar ese papel. Somos una banda muy afortunada, y estamos agradecidos con Quique.

P: En el proceso de grabación de un disco suelen descubrirse virtudes o vicios de una banda, ¿es el caso de Torreblanca?

JMT: Este proceso ha sido –en el sentido de la experiencia de producir y grabar música– el aprendizaje más grande que hemos tenido hasta ahora. La preproducción vigilada por Quique fue clave para que todo pudiera realizarse de manera eficiente y que el resultado fuera satisfactorio. Estoy convencido de que la música ha alcanzado un nivel de madurez nuevo para nosotros, y podría decirse que una virtud descubierta fue ser capaces de grabar un disco en vivo ¡y salió un buen disco! Las bases –batería, bajo, acordeón, teclados y piano– las grabamos todos juntos y eso, además de darle una energía especial a la interpretación, agilizó enormemente el proceso, pues terminamos las bases de 11 canciones en cuatro días. Otro aspecto interesante fue la mezcla de perspectivas, gustos, ideas, opiniones y estilos, sobre todo durante los detalles finales. En este disco estamos todos más involucrados que nunca, y por lo mismo hemos llegado a vernos enredados en discusiones acaloradas sobre el sonido correcto de una melodía de sintetizador o sobre un arreglo de aplausos o cuántas armonías vocales caben en una parte, etcétera, pero lo importante es entender siempre que nada es personal, y que no se trata de poder decir al final: “Esa idea fue mía”, sino que hay una meta común, un fin que compartimos, y que es lograr que cada canción sea la mejor canción que nosotros pudimos hacer. Estoy inmensamente agradecido, estoy aprendiendo muchísimo.

P: ¿Qué diferencias hay entre Torreblanca en vivo y Torreblanca en estudio?

JMT: En el EP Defensa que hicimos con el talentosísimo ingeniero y productor chileno Turra Medina en El Ártico –estudio de Leonel García, quien también nos apoyó entonces como productor ejecutivo– existía una búsqueda por acortar lo más posible esas diferencias. No metimos instrumentos que no fueran los que tocamos en vivo y tratamos de grabar de la manera más rápida, espontánea y sincera que pudimos. Eso nos gusta, pero no significa que en nuestro ideal deban ser idénticas esas dos versiones de la música. Para este disco creo que inconscientemente, o al menos sin haberlo hablado mucho, decidimos aprovechar más las posibilidades de un estudio. En un disco creo que vale la pena cuidar al máximo las texturas, los detalles, la profundidad del arreglo, todas esas sutilezas, para que quien lo escuche pueda descubrir colores, ritmos, rincones escondidos o melodías nuevas dentro de una misma canción después de escucharla muchas veces. Y en vivo hay una inmediatez, una entrega y una energía que sobrepasa ese meticuloso perfeccionismo y vuelve prioritaria la búsqueda de conectar con el otro y transmitir el mensaje o la emoción de la canción con mayor pureza, sinceridad, intensidad y generosidad.

P: ¿Quién está haciendo el arte del disco?

JMT: La misma persona que trabajó en Defensa: Dorian López, de quien soy fan de hueso colorado. Me parece un diseñador, fotógrafo, ilustrador y tipógrafo absolutamente genial y estoy contento porque ya empezamos a reunir material para el arte del disco. Me siento muy tranquilo al ponerlo en manos de Dorian porque nos entendemos a la perfección y sé que al final las imágenes lograrán, además de una belleza de calidad, entablar un discurso con el concepto de las canciones.

P: ¿Qué escucharon durante el proceso de grabación?

JMT: PJ Harvey, The National, The B-52’s, R.E.M., Feist, Patti Smith, el disco de navidad de The Carpenters, Tchaikovsky, Ceci Bastida.

P: ¿Todo listo para el Vive Latino?, ¿qué tienen pensado para su presentación?

JMT: Sí y no. Estamos emocionadísimos con la invitación, y las canciones las tenemos, pero hemos estado tan dedicados a grabar nuestro disco que apenas vamos a empezar a ensayar para el festival. Nos había encantado invitar a muchos músicos amigos, hacer arreglos enormes y complejos o tocar versiones especiales o covers, pero el Vive Latino posee ciertas características –por lo menos para las bandas que no son las principales– que no lo harían práctico, me refiero a que no hay prueba de sonido y tienes como cinco minutos para montarte al escenario y conectar todo. Entonces nuestro plan es armar un show con seis o siete canciones cortas, contundentes y directas, y con una dotación instrumentística sencilla. Sin embargo no descarto invitar a algún amigo a completar la sección de alientos, es tentador.

¿Te acuerdas de “Merequeteke”? Seguramente la respuesta es afirmativa si vives en Aguascalientes o Madrid, ciudades igualmente soleadas en las que el súper éxito de Capullo sonó hasta el cansancio durante el verano, o si algún amigo te pasó uno de los mp3 más brillantes del año pasado. Para varios españoles fue la canción del verano; para los que hacemos PanamériKa un must en cualquier playlist festivo. Los integrantes de Capullo nos hablan a continuación sobre los planes de este grupo hidrocálido que tiene más fans que discos vendidos. (Conoce a Capullo aquí y aquí.)

Merequeteke by capullo

PanamériKa: ¿Es Capullo un one hit wonder?

Capullo: No lo sabremos hasta que probemos la heroína y alguno de nosotros muera y entonces en el funeral la única canción que suene sea “Merequeteke” en diferentes versiones.

P: Hay quien cree que “Mereketeque” fue la cancion del verano pasado en España, ¿por qué no lo fue tambien en México?

C: Porque en México el Internet es muy lento.

P: ¿Qué tal pinta el panorama musical en Aguascalientes?

C: Es un pueblo muy pequeño, así que sólo hay espacio para nosotros (risas). La verdad el ambiente pinta bien: hay buenas fiestas y mucha variedad de buenos proyectos. Y nos da gusto ser parte y portavoces de nuestro bonito pedazo de galaxia.

P: ¿Qué música escuchan estos días?

C: Nos gustan mucho las nuevas herramientas para hacer música, por ejemplo el botón de Enter (risas). Escuchamos cualquier banda que se sienta contenta de que la nombremos: Los Amparito, María y José, Acordeón, Rita Indiana, Bomba Estéreo, Lido Pimienta, Selena, Bach, Los Tigres del Norte, Ceephax, Os Gru, Emilio José (que por cierto tiene una versión de “Merequeteke”), Pedro Piedra, Javiera Mena, La Casa Azul, Papá Topo, Proyecto Uno, Gloria Estefan, Señor Coconut, El Bebé Salsero y a nosotros mismos.

P: ¿Qué sigue para Capullo despues de “Merequeteke”?

C: Tenemos varias canciones, estamos trabajándolas, y también andamos con el video de “Reencarnación” y, claro, el de “Merequeteke”. Además estamos por estrenar el segundo disco en el verano –por ahora ya tenemos la portada.

P: ¿Cuál es el mejor piropo que le han hecho a Capullo?

C: Nuestros favoritos son: “Los tengo en las 25 mas escuchadas del iTunes”, “los traigo en mi iPod” y “‘Prendo El Ordenador’ le gusta a mi mamá”.

P: ¿Cuál es su mayor sueño como grupo?

C: Tener un barco-fiesta; estar todo el tiempo de fiesta, sin oficinas ni horarios; que un robot tienda la cama; y que una disquera nos haga un campito en su apretado corazón.

P: ¿De qué trata “Merequeteke”?

C: Habla de sí misma. Es una canción muy ególatra. Se busca a sí misma en el Ares, pero no está. Es triste que la canción no sepa que hablarán de ella hasta la eternidad.

El cuarto disco de Joël, esta vez cobijado por el sello Canadá, es uno de los acontecimientos musicales más esperados del año en España, y también en algunos países americanos. A continuación él mismo nos cuenta del álbum que recoge lo mejor de sus primeros dos discos, más cuatro canciones nuevas, y que promete tener un sonido americano. ‘Nuevo ritmo’ (Canadá, 2011) sale en febrero.

PanamériKa: En tu web anuncias que ‘Nuevo ritmo’ (Canadá, 2011) tiene un sonido americano, ¿eso significa también “latinoamericano”?

Joël: Sí. Hay una mezcla de sonido americano del Norte y del Sur, canciones en forma de bolero, de country y de cumbia también. Teníamos Sergio y yo muchas ganas de hacer una incursión en este continente que tanto admiramos, y poder acercarnos con mucha ilusión y respeto.

P: ¿Por qué la mudanza al sello Canadá?

J: El paso ha ido muy bien. Luis, Lope y Nico son amigos con los que ya había trabajado antes, y poder ser su primera referencia es sinceramente un placer para mí. El cambio lo hice porque nos apetecía buscar nuevas formas y métodos de presentar la música, así que tomamos la decisión. Creo que va a quedar todo muy bien.

P: ¿Por qué Montxo Algora para las portadas del disco –una para el CD y otra para el vinilo? ¡Son muy bonitas!

J: Canadá tiene una apetencia estética muy buena. Ellos me hicieron la propuesta, que me pareció muy bien. Fueron a Alicante a elegir los cuadros, y después los diseñadores barceloneses Setanta pusieron las letras y lo demás. Estoy muy contento de cómo ha quedado. Tiene un colorido muy especial y creo que a la gente puede gustarle, tal vez por el rollo ochentero que se trasciende de algún modo, aunque no sé cómo.

P: ¿Qué puedes contarnos sobre el video de “Tus Cosas Buenas”?

J: Es el single y la canción que abre el disco. El videoclip lo tenemos en marcha y de momento no puedo dar mucha información, pero seguro que queda bien chulo.

P: ¿El disco se editará en México?

J: Me encantaría que así fuera, pero de momento sólo saldrá en España.

P: ¿Cuándo vendrás a tocar a Latinoamérica?

J: En cuanto nos lo propongan iremos muy rápido, de ser posible en avión.

P: ¿Escuchas grupos latinoamericanos?

J: Escucho mucho a Sonia Morales, Pibes Chorros, Rebolledo, Damas Gratis, Los Mirlos y cosas así.

P: ¿Cómo es un concierto de Joe Crepúsculo?

J: Vamos Sergio y yo. Ahora estamos trabajando en el nuevo directo, en el que modificaremos muchas cosas respecto al anterior. Las canciones tienen un punto electrónico, pues vamos con mucha cacharrería, pero también con cuerdas de guitarra y alguna sorpresa. Queremos que la gente se lo pase en grande y pueda bailar y cantar mucho si se saben las canciones.

P: ¿Qué colaboradores tienes en el disco, además de Jordi Irizar en la batería?

J: Colaboran Luciana Della Villa, de Thelematicos y Sybil Vane, en los coros; Pablo Díaz-Reixa, de El Guincho, en las percusiones; Jens Neumaier en el saxo; Maik Alemany en la trompeta; y Edu Pou, de Za, en el clarinete. Quiero destacar sobre todo el enorme papel de Sergio, mi compañero de directo y productor del disco, en las guitarras, que ha puesto con mucha pasión.

P: ¿Es sólo mi impresión, o tus canciones suelen tener un tono optimista, incluso religioso?

J: Algunas sí tienen el toque optimista. La religión siempre parece que lo impregna todo cuando te sale el asunto optimista, pero lejos de mi intención. Cuando te preguntas qué quieres hacer cuando tienes la mínima opción de que alguien te escuche siempre es bello poder transmitir algo que sirva para edificar, hacer del mundo algo mejor y más habitable, ahora que sabemos que nos lo vamos a cargar.

P: ¿Cuándo habrá un nuevo disco de Tarántula?

J: En breve. Esta misma semana se entra al estudio para grabar unos temas que saldrán en unos meses.

P: ¿Cómo te imaginas que es la Ciudad de México?

J: Preciosa! Tengo tantas ganas de visitarla. Muchos amigos que van a tocar me traen cosas y fotos que guardo con ilusión. Me han dicho que ahora hay un gran momento musical en el país y mucho movimiento, cosa que me alegra y vibrando estamos de poder pisar la tierra de los aztecas este mismo año.

Ante los beats sobredigeridos que solemos toparnos en las pistas de baile y el, bizarramente mitificado DJ, tras sus tornamesas o incluso su iPod, parecería difícil trascender este escondite para empezar a brillar por una personalidad y estilo propios para transmitir cosas distintas a lo común con los éxitos más populares, ya sea de antaño o recientes.

Hoy existen algunos que desde la producción se toman el riesgo y el reto de imprimirle tintes distintos a los óleos clásicos de nuestra historia musical colectiva, exprimiéndole todos los elementos posibles al arte olvidado por varios que se atreven a pinchar: el diseño de audio.

Es así como Pedro Infame toma de los anaqueles musicales joyas comúnmente ubicables, pero les  imprime un toque de tropicalismo cultural que detona en un baile mas despreocupado y sin pretensiones. Su mismo nombre artístico ejemplifica cómo la fama del multi-citado Pedro Infante se vuelve Infame en la tornamesa de Pedro Infame. Diversificar lo ya estandarizado, escuchado y reseñado nunca estará de más.

Para este efecto, hoy en PanamériKa hemos amenizado nuestra red con el mashup/remix que Infame ha realizado a la famosa versión de Twist & Shout interpretada por los Beatles, y es así como les invitamos a disfrutarla de igual manera, y leer la breve pero fructífera entrevista que Pedro Infame respondió para nosotros. Encuéntrenla después del salto:

The Beatles – Twist and Shout (PEDRO INFAME REMESS) short version by Pedro Infame

PanamériKa: ¿Cómo se trasciende de la infamia a la fama en las pistas de baile y la música?

Pedro Infame: Mezclando lo rudo con lo cute, sacándole punta a lo fresco y refrescando lo que ya tiene punta. Pantalones rotos tomando champaña en bolsa, gorditas de filet mignon. Quizá dejando de pensar que el glamour solo se mezcla con el glamour.

PK:¿Cuál es el gancho de tracks reconocibles al que crees responde más fácilmente la gente ante tu música?

PI: El gancho no es tanto algún elemento del track, mas bien es lo impredecible, que la gente escuche el tema mas trendy y haga suposiciones de que todo transcurrirá normal, y después secuestrarlo con un loop o arreglo de ballenato, dubstep o hasta thrash metal. Me encanta el humor también, como cambiarle el mood a una canción triste y viceversa.

PK: ¿Qué peculiaridad le encuentras tú a la cultura mexicana, tan amante de lo kitsch; qué disfrutas explotar en tus mezclas?

PI: Lejos del cliché de que México es un país mágico, (que lo es) es un país gozón, sabroso y feliz. Aquí son muy receptivos, abiertos y evolutivos, no por nada el mundo está bailando cosas que se están exportando durísimo desde aquí.

Si hay incubadoras de negocios, México es una incubadora de música, si suena aquí, suena worldwide.

PK: ¿Por qué radicar en Aguascalientes?

PI: Por que es el centro de México, el Sur, Norte y Bajío a tu alcance… Es sencillamente el mejor lugar, incluso tiene una atmósfera inexplicable que te permite hacer música, si no pregúntenle a la gente de Capullo o a los Waya waya el por qué estamos aquí. Aguascalientes es mi olla a presión favorita y está a punto de reventar.

PK: Venezuela, siendo tu país de origen ¿en qué se refleja mediante tu música?

PI: Nací en Venezuela, pero aquí he vivido la mayor parte de mi vida, mi madre es de Sinaloa, prácticamente podría decir que soy “venexicano”, pero por supuesto que mi lado venezolano sale a relucir Y DEMASIADO, es puro malandreo, Pedro Infame es un malandro, esa actitud de no seguir nada y no creer en nadie, malandro Caraqueño de Petare (uno de los barrios mas peligrosos de Caracas).

PK: En el universo electrónico que nos ha rodeado los últimos casi 15 años ¿qué es lo que te gusta, sus ventajas, desventajas y qué crees un desacierto?

PI: ME ENCANTA lo que estamos viviendo, la era del DJ que sólo ponía música y que tenia dinero para exportar discos, por suerte terminó. Ahora un DJ no sólo debe saber contar hasta 4 y darle play, creo que es obligatorio empezar a indagar acerca de producción, de diseño de sonido y temas que hacen que la música siga evolucionando: es como una bola de nieve gigante llena de creatividad que nos esté permitiendo compartir sensaciones sonoras.

El desacierto más grande sería que todavía que existieran “artistas” que se sentaban en su sala a esperar que sus cuentas se abultaran. Ahora a trabajar, aprender, crear y tocar, la interacción es total.

ELJURI

PanamériKa [P]: Acostumbrados al folklor latinoamericano, podríamos pensar que en Ecuador el rock no es un género “tradicional”, ¿con qué géneros musicales te formaste?

[EJ]: SÍ, el rock no es genero un tradicional de Ecuador. El pasillo es un ejemplo de un música tradicional de Ecuador. Los géneros musicales que son influencias para mí son muchos y siguen creciendo (especialmente porque yo creo mucho en las fusiones de géneros). Incluyen: rock, punk, reggae, funk, rumba flamenco, pasillos, afro-cubano, música arabe, brasileña, etc.

[P]:¿Cuándo decidiste entrar al rock y desarrollarte no sólo como cantante sino también como compositora y guitarrista?

[EJ]: Escuchaba rock desde muy jovencita por mis hermanos mayores y porque me crié en Nueva York. Tuve mi primer grupo a los 11-12 años, tocando covers (Rolling stones, etc). A los 14 años empecé mis composiciones en mi guitarra; fui líder de mis propios grupos y tocamos en escuelas y clubs pequenos. A los 17 años estaba tocando ya en CBGB’s, etc.

[P]: ¿Qué sucede con la escena del rock en Ecuador? ¿Consideras que está en crecimiento o consolidada como género, es decir, con una industria solidaria: promotores, disqueras, soporte en general?

[EJ]: No sé los detalles de la historia de rock en Ecuador (yo estaba bien metida en la escena de musica en Nueva York).Yo sé que en Ecuador hubo un boom de la música alternativa en los 90′s y que sigue creciendo. Hay un importante festival cada año que se llama Quito Fest (rock, metal, ska/reggae, harcore, punk).

[P]: ¿Recomiéndanos voces de tu país que no debemos pasar por alto?

[EJ]: No conoczco la escena de Ecuador muy bien. Algunos grupos ecuatorianos que conozco son (pero no de voces femeninas): Cruks en Karnak, Mama Vudu y Rocolo Bacalao.

IRAIDA NORIEGA

[P]: ¿Durante tu formación “cruzar” fronteras influyó en tu música? ¿Qué te ha enseñado el transitar entre personas (los diversos músicos con quienes has colaborado), géneros musicales, tierras?

[IN]: Cruzar fronteras…me la he vivido en esas desde que naci…Los primeros siete de años de mi vida me transcurrieron rebotando de Estados Unidos a México, entre la familia cubana y la mexicana…y soy justo eso, una mestiza de varias sangres y eso es lo que suena…Y siempre lo digo, cada músico con quien comparto, especialmente con los que he armado proyecto, se convierten en mis maestros. Y lo que he aprendido es que somos muchas cosas diferentes al mismo tiempo y que todas ellas caben en un mismo ser…que hay muchos mundos dentro de un mismo mundo.

[P]: En la industria discográfica en México, es poco visto que se apoye al jazz, por lo menos si hablamos de disqueras “consolidadas”, has optado por la producción independiente y, especialmente, colectiva, ¿es rentable? ¿Crees que ahí hay un terreno seguro para la difusión del jazz en México?

[IN]: La industria discográfica…A través mi padre, quien sí entró en las disqueras consolidadas, me quedó muy claro que ese mundo no era para mí…Y por ello he encontrado estos otros caminos que me van dejando mucha más satisfacción, porque vamos entre muchos creando algo que nace desde un lugar más honesto con la música y la misión de la música.

[P]: Actualmente, ¿a qué jóvenes voces —o proyectos— mexicanas estás escuchando?

[IN]: Hoy en día mis dos discos favoritos son Eco de Aaron Cruz y el Sho trío, ambos producciones independientes de México.

Camilo Froideval es un productor de música argentino, de 38 años. Es socio de Tito Fuentes y Paco Ayala (Molotov) con quienes tiene montado un estudio de grabación al sur de la ciudad de México. Como buen productor sortea su chamba entre la realización de música para series de televisión como Capadocia o Las Aparicio, y colaboraciones en películas como Rudo y Cursi o Marcelino Pan y Vino. Trabaja en varios estudios en México, Argentina y Estados Unidos y ha producido a bandas como Dirty Karma y a los propios Molotov. Recientemente Camilo se hizo parte de un selecto grupo de creativos que cuentan en su currícula con uno de los premios más codiciados en la industria discográfica,  ganó un Grammy junto con Ely Guerra. Produjo el disco Hombre Invisible (Independiente, 2009) de Ely, que resultó acreedor del mérito a ‘Mejor disco alternativo’ en la edición 2010 de los Grammys Latinos. Camilo nos invitó a su estudio y ahí, sentados frente a la consola, nos respondió algunas preguntas en entrevista.

PanamériKa: ¿Cómo se hace un disco para ganar un Grammy, cómo le hiciste?

Camilo Froideval: No tengo idea de cómo se hace un disco para ganar un Grammy. Yo creo que en este caso en particular es un disco que tiene mucho valor porque fue hecho de manera independiente, es un disco que no tiene compañía. Antes de este disco Ely resignó su contrato con la compañía y se decidió a tener su propia compañía de discos y hemos trabajado muy duro en este disco, tuvimos oportunidad de grabarlo en varias ciudades, pero no hay una fórmula para ganar un Grammy.

P: ¿Pero qué elementos hay en el disco que crees que fueron los que los llevaron a ganar el Grammy?

CF: Bueno creo que el disco tiene una particularidad que es bien original, toda la sonoridad y cómo está tratada la voz de ella es muy original. Creo que por eso ganó ‘Mejor álbum alternativo’, que de hecho a mi me gusta, me parece más interesante que, no sé, ganar ‘Mejor álbum pop’ o algo así ¿sabes?

Creo que eso, y también que ella estaba como muy tranquila, lo grabamos muy tranquilos pues. Estuvimos dos meses trabajando sin ninguna presión y somos muy amigos todos, los de la banda y nosotros, fue una cosa como muy familiar. Las voces, por ejemplo, las grabamos en su casa, ella cocina muy bien y cocinaba algo y después grabábamos entonces era como ir a una ‘comidita’ y después te grababas unas voces, eso era muy muy padre. Toda esa vibra se nota en el disco, creo yo.

P:¿Cuando Ely llegó con su maqueta qué fue lo que más te gustó y qué aportes le hiciste?

CF: Fijate que fue una cosa muy rara porque las maquetas ya estaban muy avanzadas, eran unas maquetas que sonaban muy cerca de lo que terminó siendo el disco. Las trabajaron ella y Hernán Hetch sobre todo, con la banda, con los Elys Guerras, y yo llegué al final, digamos. En cuanto a eso estaba como definido el disco, yo llegué a aportar las cosas más sonoras, si bien toqué teclados, hice algunos arreglos, que sé yo, ya estaba casi cocinado el disco. Yo estaba en Texas mezclando otro disco y la primer canción que me llegó fue “Colmena” y me impacto muchísimo esa canción específicamente. Creo que sigue siendo mi canción favorita del disco, de hecho. Entonces bueno, quedé muy impresionado con la voz de ella, fue un disco muy padre de grabar la verdad, fue una muy buena experiencia.

P: ¿Le metiste algún truco curioso?

CF: Hicimos varias cosas extrañas. Hicimos unas paredes de guitarras muy extrañas, que parece una sola guitarra pero hay como 20 grabadas. Que es muy muy raro, después si lo abres en la consola y lo soleas, en sí no dicen mucho, pero todas juntas…. en “Colmena” por ejemplo o en “Stranger” hay un wall of sound de guitarras ahí, muy muy chingón. Y la voz de ella está súper suave, ella está cantando muy muy quedito, me gusta mucho ese truco que hicimos de que sea antagonista la música con la voz, aunque la banda esté tocando a full ella está cantando súper bajito y como muy cerca, eso le da mucha intimidad al disco.

P: ¿A la hora de grabar, cómo fue el proceso creativo?

CF: A la hora de grabar, recuerdo que me reuní con ella después del Vive Latino del 2009 y comimos en su casa y me dijo “Bueno quiero que tú hagas el disco conmigo” y ella tenía un deal con un estudio en Querétaro y entonces empezamos a grabar en Querétaro, hicimos baterías y bajos ahí y luego nos fuimos a Texas a hacer las guitarras, sólo Daniel y yo, ella no fue. De ahí vinimos para acá y ella no sabía bien si (trabajar) acá en este estudio o en dónde, entonces dijo: “¿no me armarías un estudio en casa?”, entonces sacamos unos protooles de aquí y los llevamos a su casa, y llevamos un pre y un micro y empezamos a grabar ahí. Después no estaba planeado que yo fuera a los Ángeles y (Ely) me dijo que de verdad quería que yo fuera con ella a mezclar con Joe Chicarelli, que fue un placerazo máximo, Joe es un maestro absoluto… y nos fuimos a Los Ángeles.

P: ¿Cuánto duró el proceso en total?

CF: Dos meses y medio, casi tres, pero muy relajado, ella tuvo conciertos en medio, es que ella hace mil cosas, tenia compromisos de toquines osea que había fines de semana que parábamos. No fue a full el proceso, íbamos haciendo, ya después al final cuando terminamos las voces yo me las traje para acá y las edité acá tranquilo, todo en orden pues.

P: Cuando uno entrevista a los músicos les preguntas cuáles son sus influencias, pero cuando entrevistas productores eso queda como más raro, ¿cuáles son las cosas que te inspiran, qué productores o qué elementos de los discos te hacen pensar?

CF: Pues para mis los discos tienen dos niveles de lectura siempre, uno es el nivel profesional, lo que yo escucho como productor: cómo habrán hecho ese sonido o cómo habrán hecho esa tarola; y luego otro que es más bien sentimental, hay discos que no me gusta tanto como suenan pero sí me gustan las canciones, por ejemplo. Influencias, digo, son inevitables: George Martin, el que inventó este negocio, me gustaban los discos que hacía Rick Rubin en los noventa, me gustaba mucho Niles Woodrich, pero de ahora me gusta mucho Nick Launay, el que hizo a Yeah Yeah Yeah’s, además es amigo, es un tipazo. Pero influencias mil, yo soy un bicho extraño porque estudié composición clásica entonces en mi casa escucho rock y música clásica. No sé, escucho música, muchísima, soy un animal de irme a internet a investigar grupos nuevos. Lo que más me llama la atención es conocer bandas nuevas, me gusta trabajar con bandas nuevas, hacer bandas nuevas.

P: ¿Como qué bandas nuevas?

CF: Dirty Karma por ejemplo, Hello Seahorse! me gusta lo que hace, hay una banda que se llama Capo, otra que produjimos con Paco Ayala aquí que se llama Wapo. Bueno ahora me parece que están pasando cosas buenas, osea hay mucha movida y hay buenas bandas, porque hay muchas, hay otras malas pero es parte de.

P: Hubo un momento en la historia de la industria en la que el productor era el creativo, hacía a las bandas. Ahorita la industria está en una etapa en la que se está priorizando a los actos en vivo y al disco se le empieza a restar cierta importancia, no creo que desaparezcan los discos pero ¿cuál es el papel de un productor ahorita?

CF: Pues un productor hace muchas cosas, digo, yo creo que si bien se están vendiendo menos discos, (se) tiene que partir de un disco, eso no ha cambiado nada. Yo creo que es bueno lo que está pasando ahorita, creo que las bandas tienen que volver a tocar en vivo como era en los setenta, ¿sabes? Lo que me pasaba en los noventa o en los ochenta era que yo veía grabar una banda , o los grababa, o producía una banda o escuchaba el disco y sonaba cabrón y los iba a ver en vivo y era una cosa insostenible. Entonces es bueno que las bandas toquen, osea el poder del negocio tiene que volver a los músicos, no a los productores, no a las compañías discográficas ni a nadie más, ni a los managers. El músico va a volver a ser el protagonista, va a volver a ser el tipo que viene aquí, graba su disco y él mismo lo vende y él mismo gana su dinero. Creo que estamos volviendo más a la cosa artesanal lo cual me parece fantástico, me parece fabuloso.

El crecimiento desmedido de las compañías discográficas no fue nada bueno… esa cosa de grabar discos de millones de dólares… eso no tiene sentido. Hay que ser un poco menos codicioso y volver a centrar las cosas en la música, me parece que eso es lo más importante que va a pasar y me parece una cosa buenísima.

Simplemente para un productor, digo, los discos siguen estando ahí, y en lugar de hacer un disco y echar la hueva todo el año es mejor porque haces más discos, más discos de menos dinero pero más discos, entonces está bueno. Yo creo que está buenísima la época a mi no me da miedo ni nada, está todo mundo como espantado (por) la crisis y no sé qué… yo sigo grabando cosas aquí, nosotros tenemos este estudio donde trabajamos con gente independiente y este estudio se ha hecho así. Lo hemos construido entre nosotros Tito, Paco, y yo… no me parece que vaya a pasar nada extraordinario, me parece que todo va a seguir igual y que las bandas por más que hayan vuelto al en vivo, que me parece bien, tienen que hacer discos, digo, eso es normal.

P: Y por otro lado está una generación de gente que está haciendo música sin ser músicos, que hacen grandes discos pero no los pueden defender en vivo

CF: Bueno pasa mucho, los chavos no saben tocar pues, tienen la computadora entonces… no, yo siempre les digo a todos lo mismo: aprendan a tocar un instrumento. Porque eso te hace mejor músico, te hace pensar mejor y te hace ser mejor persona, digo tienes que tocar bien un instrumento, tienes que saber tocar tus canciones, eso es fundamental.

Por ejemplo el caso de Dirty Karma, yo hice su primer EP, hace como 4 años, ellos eran muy chavitos, las canciones eran buenísimas pero ellos tocaban muy mal y fue un poco eso, enseñarles a tocar y decirles qué sonaba mejor y cómo. Un productor también hace eso, enseña un poco a la banda cómo va el tiro. Cuando son muy chavos también les enseñas a trabajar, les enseñas que tienen que estar en el horario, que tienen que hacer las cosas bien, porque este es un trabajo. Muchas bandas vienen aquí con la idea de la limo, la chica, las drogas, el alcohol, la peda… eso después, pero en el medio tienes que trabajar duro, si no lo demás no sirve de nada.

Resumiendo creo que lo que pasó en los noventa y en los ochenta fue que el productor tenía demasiada importancia, yo creo que uno simplemente es el conductor de la música de otros, sugerís, ayudás, osea encontrás los caminos más rápidos para llegar a un lugar, pero el productor es simplemente eso. El que ensaya, compone las canciones, el que hace todo el trabajo es el músico, entonces yo creo que hay que volver un poco a eso, poner las cosas en su lugar y que los productores seamos una parte importante más no fundamental. Osea no puede ser que Rick Rubin cobre más plata que los músicos que graban el disco, es increíble, no tiene sentido, es un despropósito que el tipo cobre 10 millones de dólares y la banda reciba un adelanto de regalías de un millón de dólares, es una estupidez, no puede ser así.

P: Tú produces a Ely Guerra, a Dirty Karma, y Molotov pero además haces música para series de televisión, para telenovelas etc. Entonces parece que hay una parte en donde está la pasión por hacer música y otra en la que la música es un negocio, ¿cómo se concilian esas dos, cómo las negocias?

CF: Pues digo, yo cuando era más chavo era muy hippie entonces no me importaba nada absolutamente, después empecé a entender un poco que el dinero da un poco de libertad, desgraciadamente, yo puedo comprar todos estos juguetitos que suenan bien porque puedo ganar dinero de la música. Yo no lo pienso mucho, trato de hacer las cosas que me gustan, con lo cual siempre le voy a agregar cosas que tengan que ver conmigo o con mi forma de sentir las cosas. Trato de no hacer más cosas que no me gusten, durante mucho tiempo hubo que hacerlo, porque hay que tragar pues, pero ahora ya no. Las series que he hecho para TV son dos proyectos que son interesantes, ninguno es un culebrón ahí, he hecho novelas,  no me da vergüenza ni nada. De ahora Capadocia, por ejemplo, es un proyecto muy interesante, nunca me dijeron qué había que hacer, a mi me dijeron “tú dime cómo debe sonar Capadocia”, la gente de HBO nos dio toda la libertad del mundo para hacer lo que queríamos, nos dieron presupuesto para hacerlo, estuvo buenísimo, trabajar con Carlos Carrera, con Pedro Pablo Ibarra que son todos directores de cine, estaba buenísimo el proyecto. Y después, también, así como acabo de hacer la producción de Marcelino Pan y Vino que es una súper producción, también hago mis películas hippies de mis amigos que no tienen un peso y no me importa, para mí es la misma cosa. Primero hay que ver que me interese el proyecto y después hablamos de dinero, qué sé yo, así es un poco la cosa.

Fotos: Daniel Patlán

PanamériKa [P]: ¿De qué parte de “chilangolandia” son?

[3DM]: Somos del sur de la ciudad, de Coyoacán…ahí por los Viveros.

[P]: En la información de prensa, difunden que iniciaron tocando temas de los Power Rangers y los Thundercats, ¿por qué eligieron esta caricatura y serie, respectivamente, para interpretar?

[3DM]: Pues estos son sólo dos de los tantos programas con los que crecimos, y que idolatrábamos en ese entonces. Ésa era la música que cantábamos cuando niños. Al empezar a tocar todas estas piezas, descubrimos que son verdaderas obras maestras y decidimos rendirles un tributo. Además, los héroes en todas esas caricaturas (no sólo las mencionadas) nos inspiran y son nuestros ejemplos a seguir en el día a día.

[P]: ¿Qué carreras estudiaron? ¿Desde cuándo comenzaron a tocar?

[3DM]: Bueno: comunicación visual; Poni, arquitectura de interiores; Fish, ingeniería civil; Miots, es ingeniero de audio… Un poco de arquitectura, un poco de esto, un poco de lo otro. Empezamos a tocar hace 6 años.

[P]: ¿Quién compone las letras?, ¿quién las melodías? ¿Qué papel desempeña cada uno dentro de la banda?

[3DM]: Pues entre todos hacemos las melodías; por lo general, Fish empieza a improvisar una voz sobre la música  y se va creando por si sola una letra y una melodía. No hay un papel fijo para cada quien, al ser todos genios natos / multi instrumentistas / apuestos / mejores amigos nunca sabemos que va a pasar, es una aventura musical sin un rumbo definido.

[P]: Escuchándolos, se intuye que podría haber una influencia directa de Bob Dylan, ¿con qué géneros musicales se permearon y qué músicos —de preferencia hispanohablantes— los han alimentado?

[3DM]: Pues la verdad es que si escuchamos mucho folk de décadas pasadas…por lo mismo no hay muchas cosas hispanohablantes. Aunque sí hemos tenido facetas de escuchar mucha música de trío, y música romántica, en español. Aunque lo que más nos ha nutrido viene de nuestros vecinos del norte.

[P]: “Roller Coaster” es uno de los sencillos que grabarán con EMI, ¿qué otros proyectos tienen en mente y están próximos a realizar?

[3DM]: Sobre grabar “Roller Coaster” con EMI, no sabíamos; de hecho nos parecería necio grabarla de nuevo ya que es el sencillo del primer disco que estamos por sacar. Todo fue hecho en casa, grabado, mezclado y producido por nosotros. El arte, el empaque, todo es por nosotros, es una pieza artesanal. Es nuestro hijo. Ahora, sobre los proyectos próximos, hay varios en puerta: un mini documental (sobre el tortuoso pero necesario proceso de registro de canciones), rescatar algunas rarezas de la bóveda de 3dudes (para terminar con la serie de mini videos Analytic Geometry), un par de videos y un EP, totalmente nuevo.

[P]: En este momento, ¿a qué músicos de la escena independiente iberoamericana gustan escuchar?

[3DM]: … Mhmmm … Sin pretender sonar malinchistas, casi no escuchamos música iberoamericana (y de escucharla no son de la escena independiente ni son contemporáneos)…  Independientes y contemporáneos consumimos grupos norteamericanos, europeos, orientales y transnacionales… Sin embargo, de tener que mencionar algunos que escuchamos con frecuencia y cumplan con la “iberoamericaneidad”: A los Suave as Hell…A Delfín Quishpé, a la pequeña Wendy Sulca, por mencionar algunos.

[P]: Recomiéndennos bandas o proyectos jóvenes que merezcan ser escuchados.

[3DM]: Suave as Hell, Los Románticos de Zacatecas, 3 Dudes and a Mullet.

[P]: ¿Hay presentaciones próximas de la banda? ¿Dónde y cuándo serán?

[3DM]: Seguro. El 10 de diciembre en el Festival CDO en Alameda Poniente Santa Fe; el 17 de diciembre en la pre posada del Colectivo Yggdrasil, en el Bar 246, en Querétaro 246, colonia Roma.

[P]: ¿Con quiénes les gustaría colaborar en el futuro?

[3DM]: En un futuro cercano con Sean Lennon, en un futuro más lejano con John.

Cámara y edición: José Antonio Pontón

Este 2010, Balency ha lanzado al mercado su EP Mizraïm por lo que, en el marco de la presentación de esta artista, PanamériKa ha sostenido una entrevista con ella en el que se adentra a las atmósferas felinas de su disco, los músicos que admira, su participación en la nueva compilación de Fonogramáticos, volumen 10, y aquello que la recrea: sus libros y sonidos de cabecera.

PanamériKa [P]: Andrea, tu nuevo EP Mizraïm entreteje sonidos que evocan la música de Francia, Argentina y México, ¿qué significa su nombre? ¿Existen paisajes específicos que te llevaron a componer estas canciones?

[AB]: ‘Mizraïm’ significa “Egipto” en hebreo antiguo. Compuse las canciones de este EP inspirándome en imágenes y escenas de José y sus hermanos, de Thomas Mann, serie literaria que cuenta, a través de leyendas e historias mesopotámicas, el viaje de José El soñador por el desierto hacia Egipto. Definitivamente son paisajes los que me inspiran, como la imagen del desierto: para este EP escogí paisajes muy espaciosos y con colores cálidos, paisajes de hace mucho tiempo.

[P]: ¿Cómo decides establecerte en México?

[AB]: Mi venida a Mexico no fue elección mía; tuve que instalarme aquí por conflictos familiares, hace ya varios años, aunque estoy contenta de que haya sucedido.

[P]: Como buena políglota, combinas el lenguaje entre el francés, el inglés y el español, ¿a qué público le hablas? ¿Cómo recibe tus letras?

[AB]: Yo realmente intento no componer para un público en específico, porque mi ideal es que la música toque o pueda llegar a cualquier tipo de persona. Sin embargo, me gusta el tipo de público que sabe escuchar, ya que precisamente uno de los fines de componer en varios idiomas es ir al cuerpo sonoro de la palabra y no a su significado. Por suerte, el público ha recibido muy bien el proyecto, y pienso que es porque, poco a poco, se está empezando, por fin, a escuchar la música, y ya no tanto a “consumirla”.

[P]: ¿En “Mout” se escucha el maullido de un gato? ¿Quién es voz que narra?

[AB]: Se escucha el maullido de mi gata, Kimi. Mi voz canta a través de una princesa egipcia con el corazón roto, y los maullidos son una manera de reafirmar el carácter sensual de Mout y su elegancia gatuna, además de la importancia de este animal en Egipto.

[P]: ¿Tienes un libro de cabecera? ¿Cuál o cuáles son?

[AB]: Cartas a un joven poeta de Rilke, Pedro Páramo de Rulfo, y cualquier libro de poesía de Pizarnik o Paul Celan.

[P]: Si un caracol encierra el sonido del mar, ¿cuál es el sonido que para ti tiene la capacidad de evocar a la música?

[AB]: El de una orquesa afinando, o el de un acetato cuando se termina la música.

[P]: Como letrista y compositora, considerarías que, como a veces se afirma, las mujeres son prioritariamente orales? Es decir que se ocupan de la transmisión de la mitología —las historias de los pueblos—, más que de su producción, es decir de su escritura?

[AB]: Es verdad que en la antigüedad las mujeres no tuvieron la oportunidad de la transmisión escrita de la historia (aunque existen excepciones, como Safo en Grecia) ni tampoco, pienso, oral; su única manera de expresarse públicamente siempre ha sido a través de la música, como musas o cantantes. Afortunadamente, hoy en día muchas mujeres comienzan a ser las que cuentan la historia, y ojalá formen parte de la mitología de mañana.

[P]: Coméntanos de tu experiencia en la nueva compilación de Fonogramáticos y el cover de “Pez”, de Lisandro Aristimuño. (El video que acompaña la música, ¿tú lo escogiste?)

[AB]: Realmente yo no estaba muy enterada del proyecto que tiene Club Fonograma, pero hace unos meses quise musicalizar la canción “Pez” de Lisandro Aristimuño que, en su versión original, está grabada con puras voces, sin ningun instrumento. Además de que me gusta mucho la música de Lisandro, me parecía interesante meter instrumentos en una canción así, tan desnuda. Finalmente, se la enseñé a Juan Manuel Torreblanca, a quién admiro mucho artísticamente, para que me diera su opinión, y sin decirme nada la mandó a la compilación… ¡y quedó entre las escogidas! Fue una experiencia muy bonita porque fue muy espontánea (la canción la grabé en mi casa). El video no lo escogí yo, pero quedó hermoso con el cover.

[P]: ¿Cómo fue el proceso de musicalización de El Perro andaluz? ¿Cuánto tiempo te llevó montarlo? ¿Escogiste tú este filme, por qué?

[AB]: La musicalización de El Perro Andaluz de Buñuel fue un poco carrereada porque teníamos muy poco tiempo para hacerlo, cambiamos de película a último momento (íbamos a hacer Metrópolis, de Fritz Lang), pero fue un proceso muy enriquecedor sobretodo por lo que significa esa película para mí: es la primera película que realmente me dió miedo.

[P]: ¿A qué otros músicos dentro de la música hispanoamericana admiras?

[AB]: Podría dar una lista infinita, pero para resumir un poco, en este momento creo que serían Alex Ferreira, Ulises Hadjis, Jóvenes y Sexys, Verde Árbol, Paté de Fuá, Carla Morrison, Lisandro Aristimuño y Torreblanca.

[P]: Recomiéndanos tres artistas actuales e imprescindibles, hayas colaborado con ellos o no.

[AB]: Juana Molina, Grizzly Bear y Torreblanca.

Estén al pendiente, el día martes 31 de agosto, a través de nuestra cuenta en Twitter, @panamerika, daremos a conocer la dinámica para ganar algunos discos de este rapero.

PanamériKa sostuvo una conversación breve y online con Sol, en la que ahonda en su proceso creativo, anéctodas y la música que nutre a esta artista pa’ wachar, a quien pueden escuchar en nuestras emisiones 83 y 97.

Este jueves 26 de agosto podrán escuchar a Sol Pereyra en El Imperial, al lado de Silvano. Desde las 10 p.m.

PanamériKa [P]: Después de colaborar con varios músicos y conformar agrupaciones, ¿qué ha sido lo más satisfactorio de componer y grabar tu disco solista?

Sol Pereyra [SP]: Básicamente eso, componer y grabar. Ese trabajo es de los que más disfruto dentro de la música y le dediqué mucho a las dos cosas. Si bien ya lo había experimentado con mi grupo antes, hacerlo solita te pone en otra frecuencia, te tenés que hacer responsable de cada elección, cada paso, y la verdad eso también está buenísimo.

[P]: ¿Cuánto tiempo te llevó este proceso de grabación y manufactura?

[SP]: Hay canciones muy viejitas; algunas las tenía hechas desde el 2006, desde aquel entonces, hasta el 2009, hice una buena recopilación de material y así seleccioné las 11 que quedarían dentro del disco. Luego de eso, grabar, mezclar, pasterizar y sacarlo a la luz… me llevo unos 4 meses.

[P]: ¿Consideras que la condición del ser mujer te ha cerrado caminos profesionales o has experimentado algún tipo de freno que sus colegas hombres no? Sea en la música o en el teatro.

[SP]: No, la verdad no he sentido eso, al contrario, creo que cuando uno va muy seguro de sí mismo, o de lo que hace, el tema de la discriminación de género no tiene mucho lugar, es más…en todo caso me aprovecho de mi condición de mujer, cuando los hombres se ponen tontos se les hace ojitos y uno consigue lo que quiere, jaja.

[P]: En tus canciones prevalece la rima, ¿hay alguna influencia palpable de hip hop?

[SP]: No de manera premeditada, sí he escuchado mucho ese estilo, pero al igual que muchos otros, creo que se me fue un poco cerca del hip hop sin querer, pero fue una linda sorpresa porque me gustó y me dan ganas de seguir indagando por ahí.

[P]: ¿Cuál y cuándo fue la primera canción que escribiste? Cuéntennos una breve anécdota de tus inicios.

[SP]: La primera canción que escribí fue con un amigo de mi mamá y mi hermana a los 10 años, a nosotros nos gustaba, pero no trascendió. Luego, profesionalmente, mi primer canción fue dentro de Los cocineros, se llamaba “Mecánica del amor” y se trataba de una mujer que se tira de un edificio y cuando va cayendo les va cantando a todos sus novios, y cuando está en el piso no se muere y ahí les sigue cantando toda feliz y les dice que se tiró por amor… ¡Siempre me salen cosas tragicómicas!
Una anécdota de mis comienzos musicales: nos contrataron para tocar en un casamiento en otra provincia, llegamos un día antes; teníamos que probar sonido a la mañana, pero nos dormimos y cuando me levanté bajé corriendo al salón del hotel, que era donde se hacía el casamiento, y se había muerto el tío del novio. Decidieron que la fiesta siguiera, la familia de la novia se la pasó bailando, la familia del novio llorando y nosotros revisando que en nuestro repertorio no se hablara de ningún muerto.

[P]: ¿A qué otras mujeres dentro de la música hispanoamericana admiras? O, simplemente, sin condición de género, ¿a quiénes te gusta escuchar?

[SP]: Escucho muchísima música; nombro algunos: me gusta mucho el folclore latinoamericano en general: Cecilia Tood, Simón Díaz, Toto La Momposina, Violeta Parra, Atahualpa Yupanqui. Me gusta muchísimo Oscar Aleman (un jazzista argentino que era músico y actor). Dentro del rock, Café Tacvba, Sumo, El gran silencio, Ozomatli, Orishas, Los autenticos decadentes, Julieta [Venegas], Natalia [Lafourcade], Hilda Lizarazu, uh, son una barbaridad más estos son los que se me vienen más rápido la cabeza.

[P]: Recomiéndanos tres artistas actuales e imprescindibles.

[SP]: Los auténticos decadentes, Carla Morrison, Silvano Zetina.

[P]: ¿Qué disco y qué libro son los más cercanos de donde estás ahora sentada?

[SP]: Un disco de Orlando Infinito y el libro se llama El segundo sexo, de Simone de Beauvoir (pero no lo estoy leyendo).

[P]: ¿Qué otros escenarios y proyectos traes entre manos?

[SP]: Hacer mi segundo disco el año que viene. Seguir tocando Blablabla, por ahora, y también seguir tocando en el proyecto de Silvano Zetina por que me gusta y me divierto mucho.

Los dejamos con el quinto track de Blablabla:

Pueden contactar con Sol en @solsolito