La publicación española 69 se aventuró en un tributo al crooner francés por excelencia: Serge Gainsbourg. En este, además de reunir talentos hispanos y latinoamericanos, presenta las traducciones a estos himnos de descaro, sensualidad y mucha elegancia. En la descripción del compilado, bajo el nombre de Serge Gainsbourg: Degenerado hace una extraordinaria conmemoración al talento, legado y personalidad de Gainsbourg que levanta las expectativas desde antes de escuchar la primera nota.

Entre los diferentes nombres que aparecen en la lista, aparece Algodón Egipcio con un vívido cover a “Couleur Café”, la melódica y elegante “Ah! Melody” por parte de Madame Recamier y la fiel, pero actualizada y atmosférica rendición de Francois Peglau a “2012 Année Erotique”. Destacan la versión psicodélica, llena de capas y abstracta de la colombiana Lido Pimienta a “Les Sucettes” (“El Chupete  de Anís”), el contundente shoegaze de Odio París a la canción que interpretara France Gall pero escribiera Gainsbourg “Poupée de Cire, Poupée de Son” y la participación rítmica de Los Negretes, que recrean en un estilo muy rítmico y latino “L’Hippopodame”.

Más allá de la obvia referencia a los usuales tributos que interpretan a modo de quien lo honra, este tributo destaca por darle variaciones y colores al trabajo de un hombre que se distinguía por cantarle al amor en todas sus facetas. No se trata de una extraordinaria recopilación –pues incluso hay versiones demo dentro de esta–, pero siempre resulta interesante escuchar como se recrea el trabajo de un extraordinario autor como lo es Serge Gainsbourg.

A continuación, la página para que lo escuchen en su totalidad:

http://revista69.com/

Soledad es un dúo formado en la Ciudad de México por Brett Schultz y Esteban Aldrete. Según el perfil de bandas de su actual sello, Valevergas Discos, son “una bataca, una lira, una voz y un portal, furia y narcosis, virtud y soledad”. Además de exponerlos bajo la consigna “Anger is an Energy!” (¡El enojo es una energía!) para denotar su estilo desesperanzador, el sitio del sello los promueve como este sonido que “hace que los corazones se retuerzan, que las heridas dejen de sanar…” y cuyo estilo no difiere sin intensificar.

La primera muestra es el EP Fe, el cual presenta en seis canciones de duración promedio un claro estilo que se desfasó al menos veinte años de la época que mejor lo habría adoptado. Su clara inclinación hacia el shoegaze, tonalidades bajas, cantos de lamento y percusiones sólidas hacen que sobresalgan de la “modita” de hacer música en capas; sin embargo, lo que más destaca de este proyecto capitalino es la capacidad de regresarle al apelativo “oscuro” su verdadera esencia.

Es un proyecto en el que sí es posible creerles que sienten lo que escriben. No juegan a ser “oscuros porque se visten de negro y escuchan a Joy Division, Bauhaus y Clan of Xymox”, sino que en dos personas condensan el sonido de los primeros álbumes de The Cure, con guitarras al estilo de Jesus and Mary Chain y dejos de una voz a la Nick Cave. Los títulos de sus canciones se reducen a una sola palabra y en algunos momentos, la voz se pierde y se convierte en una capa más dentro de los barridos auditivos de su sonido.

“Soledad” abre con la energía de ese enojo y velocidad necesaria para prestarles atención por los veinte minutos que le siguen al EP. “Atormentada” y “Repetir” hacen gala de buena composición al colocar las difuminadas guitarras en ascenso para no obstruir o saturar el atípico proceso de escucha del trabajo. Aunque cansa tanta recurrencia a emociones como vacío, lamentación y la constante invasión de sensación de pérdida, Soledad escribe desde esa sensación de auto abandono que se evidencia con claridad en “Sombra”. Ahí es cuando las entonaciones al final de “Luz” y la inexplicable tranquilidad que deja “Fe” –el corte más extenso y de mayor fuerza- cobran sentido. Seis coplas dedicadas al lamento, pero al final exaltan el lado más humano de la esperanza.

En términos generales, Fe es un trabajo sincero que expone a un dúo en proceso de perfeccionamiento. El EP es corto y directo, aunque puede tornarse un poco cansado y repetitivo. No es apto para todos ni promete convertirse en su favorito, pero como primera muestra rebasa su objetivo. Esperemos no sea un proyecto pasajero y que le den más oportunidad para que su mensaje cobre mayor significado y no se pierda entre la proliferación de ofertas shoegaze en la escena.

Si están interesados, pueden descargar el 7” Digital que la banda tiene en la página del sello Valevergas Discos o escuchar desde su página en Soundcloud:

Reina Republicana‏
Reina Republicana‏
(Limbo Starr, 2011)

La semana pasada presentamos el video “Que cunda el pánico” de Reina Republicana‏, de su disco homónimo lanzado recientemente después de un Split con Las Robertas y el Clonidina 7″.

Bajo el sello Limbo Starr, este proyecto dirigido por Israel Medina y acompañado por Iñigo, Apeto, Iván y Maite nos presenta un disco que va por todo: Las notas percutidas iniciales del piano estallan en un sonido a lo My Bloody Valentine (“Que cunda le pánico”), nos lleva hacia claras influencias de The Jesus and Mary Chain clásico (“La reina”), pero también texturas suaves a lo “Just Like Honey” (“Los días ya no iluminan”) y hasta pueden sonar repentinamente a Dënver (“Dime qué vas a hacer”) o darnos un bossa lento (“Mar Diamante”, ¿Giño a “The Diamond Sea” de Sonic Youth?).

Los más conocedores de la escena española tienen presentes a estos músicos de pop reverberado de Pamplona desde el 2009, ya sea por una relación con Los Planetas o por ser parte de una ola que evoca al “sonido C86″ inglés. Los de la disquera Limbo Starr opinan al respecto: “nos sentimos muy orgullosos de editar este álbum, porque tenemos la certeza de que hará el mundo un pelín mejor”, en Panamérika estamos de acuerdo.

Desde su Bandcamp podemos escuchar 5 tracks, incluyendo el sencillo “Que cunda el pánico”:

O simplemente puede dejar de creer todo lo que le dicen, no tomarse todo tan literal y mejor disfrutar del dubstep del brutal sencillo más reciente de Pedro Infame “Música Chingona” disponible para descargar.

La primera ves que vi físicamente el nuevo disco de The Plastics Revolution lo hice con una rápida y mal dedicada mirada, lo admito. Entonces, el principio del título: ‘King Bono’ lo mal-confundí con “King Kong”…y de ahí pal’ real… después de escuchar el floreado y tropical estilo de las canciones, creí ciegamente que lo que había en la imaginación de estos músicos al componer su material era un planeta prehistórico-tropical con bestias míticas (entre ellas King Kong) que convivían amigablemente bebiendo en vasos adornados con sombrillitas playeras y lentes de sol, mientras, de fondo, las soleadas notas de esta banda inundaban la Pangea.

Apenas hoy descubrí que el verdadero título del disco King Bono VS Los Flight Simulators no tenía nada que ver con bestias buena onda ni con ningún tipo de chango gigante descansando en un trópico primitivo, sino que éste realmente surgió a partir de los dos equipos que la propia banda formó durante las retas de videojuegos que armaron cuando se fueron a componer a una cabaña en la playa (por lo menos la idea de la playa no estaba tan pacheca).

A estas alturas y después de repetir un sin fin de veces el disco, será muy difícil que la idea de “canciones para musicalizar una prehistoria cool” abandone mis pensamientos, pero a pesar del malentendido, creo que, si usted lo imagina y lo ve de esta manera, se dará una muy buena idea del estilo y el sonido del disco completo. King Bono VS Los Flight Simulatorses un LP cuyo contenido se escucha empapado de todo lo que ronda la, a veces no tan basta, estratósfera independiente actualmente. Pero a diferencia de lo que varias bandas gabachas podrían ofrecer, The Plastics Revolution inyectan una dosis de distintos recursos sonoros en este disco: como silbidos pajarescos o maracas churriguerescas, aunados al obligado sintetizador pero con un matiz caribeño.

Sólo es cosa de escuchar “Cleptosaurios” para entender que los típicos “beeps” con los que regularmente Hollywood adorna a las naves espaciales, más una que otra voz procesada (así como la de E.T,) pueden construir una rola fresca sin llegar a ser un cliché. “Kibera” es una canción que con la ayuda de un cencerro y uno que otro wuoh-oh-oh, logra deleitar desde la primera escucha con un jugo distinto y de mucho sabor.

Pero definitivamente “Invasión” el sencillo oficial (que de hecho pueden descargar por tiempo limitado desde aquí), es el éxtasis que contiene el tipo de arreglos y adornos sorpresa que se agradecen. “Invasión” equivale a buscar huevos de pascua en un jardín desconocido: al principio encuentras un huevo tornasol que crees que es el más bello y de pronto descubres otro tres veces más grande y entonces quedas excitado porque sabes que encontrarás algo mejor hasta que la experiencia termina (piénselo así pero interpretado en música).

Sea lo que sea que usted imagine o lo que este disco le haga sentir no deje de escucharlo. Y recuerde descargar la canción que le ayudará a limar asperezas aunque sea por un ratito: “Invasión” -que además es canción de la semana en iTunes-.

Como dirían los vendedores de verduras de los mercados sobre ruedas: Sí hay remixes. Isa GT, –conocida en Panamérika por ponernos a bailar desde el primer día en que la conocimos– ya lanzó una nueva entrega con remezclas de su EP Leyenda. Este, que es un segundo volúmen, le contiene aquellos hits que vierten nuevas versiones de sus canciones: “Madre Tierra”, “El Monito” y “Alegría” pero la cosa no se termina ahí, hay que ver quién las hizo.

Desde Age of Consent, un dueto de compadres ingleses que le dieron toques góticos a la canción “Madre Tierra”, pasando por una versión andina de la misma canción–con flautas de pan y todo– hecha por el argentino Fede Flores. El colectivo texano de Peligrosa aparece bien representado por su exponente más hot right now, El Dusty, que le hizo un remix a la colaboración entre Isa GT y Lido Pimienta: “El Monito”, y así se destacan 8 piezas de puro sabor latino limítrofe y desterritorializado, para el dancefloor,  o para que  impresionen a sus amigos en las fiestas.

Acá lo escuchan:

Acá lo descargan: www.mediafire.com/download.php?444eo47lsjh4dsd

Protistas, aparte de ser un reino de microorganismos, y por tanto el más pequeño de la tierra, es un cuarteto de Santiago de Chile que después de su primer LP Nortinas War y de su primer sencillo de 2012 “Granada”, que seguramente estará en sus tops del año, presentó su más reciente LP Las Cruces financiado por fans de la banda que por medio de aportaciones voluntarias e intercambios lograron llevarlos a un estudio profesional y a ser producidos por el líder de Astro, Andres Nusser, quien por cierto, pasa por un gran momento creativo al enlazar Astro con su proyecto solista Karakoram – Mekong y a la vez haciéndola de productor de un disco bastante serio.

Desde el track abridor “Rosetta” se siente la calidez y solemnidad de la banda que parece estar en el lugar preciso con los temas precisos. Al paso de las complejas y melódicas letras de Alvaro Solar se puede notar alguna influencia del Fome o La sangre en el cuerpo de Los Tres (nada raro en bandas latinoamericanas, menos de Chile); Algunos fantasmas, encuentros carnales, Cristo y por supuesto sangre humana. Otro tema remarcable del disco, después de “Granada”, es “Supertroll” que suena a su segundo sencillo, y que habla de la vida desde el punto de vista de un ser que observa al humano haciendo y deshaciendo a su antojo “Hasta él es un Supertroll, míralo caminar”.

Pude ver en Buenos Aires a Protistas en vivo y suenan con gran personalidad y apegados a los arreglos del disco, debido, por supuesto, a que Las Cruces fue grabado casi en vivo a excepción de la voz. Lo cual es un gran acierto cuando se quiere dar vida a 12 temas ciertamente melancólicos.

Este disco estuvo libre para descargarse gratuitamente la primer semana de su lanzamiento y hubo quienes estuvimos pendientes de bajarlo. Para los que no, su disquera, Sello Cazador, editará el disco en cd y vinilo, también pueden escucharlo ahora directamente desde su Bandcamp:

“El sol no va a estar más, ya lo dijeron los mayas”.

No se lo pierdan por acá en el sitio de Playground.

Helado Negro

Island Universe Story One 

(Asthmatic Kitty, 2012)

Roberto Carlos Lange se encuentra en indiscutible período de creatividad. El año pasado lanzó su elogiable segundo larga duración, bajo el alias Helado Negro, de nombre Canta Lechuza. Se mantuvo activo con presentaciones y algunas remezclas; sin embargo, no pudo no parecerle suficiente. Con innegable ímpetu de aprovechar esta creatividad, Roberto ahora lanza un nuevo EP bajo el sello norteamericano Asthmattic Kitty con la intención de mostrar una “sub-narrativa” a la primera lectura de su trabajo tras el álbum previamente lanzado.

Se trata de una serie “infinita” de música que se inspira en “Isla”, obra escrita por Aldous Huxley. Roberto alude a este trabajo del autor al identificarse con un texto que señala cómo cada ser humano es una isla y cada grupo humano es un “universo isla”. En ese trabajo Roberto encontró la interpretación ideal para reinventarlo en ocho diferentes islas en las que, de alguna manera, se reencuentra con momentos de redefinición musical y en otros de declarada experimentación.

Contrario a lo escuchado en Canta Lechuza, Island Universe Story One se toma la licencia de presentar temas con duración un poco más libre. La que abre esta colección es “Mamember (Long Largo)”, la cual es una suerte de “kraut” electrónico que reincidirá casi al final del trabajo en una versión “Dubble Edit”. Ésta es seguida por una nueva versión a “Con Suerte” del álbum previo, pero un poco más trabajada y cargada de finos grooves e inclusiones de teclados que simulan cuerdas, hasta entregar una pieza totalmente madura. Otra que también cuenta con la elegante característica de arreglos bien logrados es la tercera al orden: “Enfocando”. Ésta exquisita pieza electrónica toma aisladas notas de trombones que se unen con atinados arpegios, sobre una rítmica base de percusiones.

En este tenor, Lange hace gala de su capacidad folk y en menos de dos minutos interpreta “Pequeño”, misma que hace dupla con la menos común en el conjunto; “Pressed” es una serie de loops que montan sonidos de la naturaleza para lograr otra breve muestra de experimentación sonora. Para este momento, queda perfectamente clara la intención de “isla” que conceptualiza al extended play. “Paz a Ti” es una declaración de apreciación amistosa en la que Roberto expresa sinceras emociones hasta dejar la inevitable sonrisa en la expresión. Una pieza instrumental, introspectiva y elegante cierra este material bajo el título “Octubre 22”, con la que Roberto –nuevamente– expresa la variedad de emociones, manifiestos y sonidos que habitan en cada “isla universo”.

En la constante proliferación de materiales musicales intrascendentes que han devaluado el concepto de “duración extendida” (entiéndase EP), resulta más que refrescante hallar un trabajo que redefine el concepto de una pieza ya entregada. Escuchar Island Universe Story One ha resultado una experiencia completa que provoca escucharla en más de una ocasión, de manera natural. Los temas gozan de forma definida y clara e incluso, resultan tan interesantes como el mismo trabajo de Huxley. De ser este un nuevo rumbo en la carrera de Roberto, podemos augurar una carrera larga y llena de reconocimientos que sólo los verdaderos amantes de la música sabrán apreciar.

Al principio no estábamos seguros si Culipandeo era un verbo, adjetivo o un instrumento del Amazonas inventado por alguna tribu salvaje. Después de una exhaustiva investigación, descubrimos que Culipandeo, además de ser el título del nuevo EP de Piyama Party, “es un baile sin reglas muy semejante a una posición sexual”, que además cuenta con su propio ritmo suave-tropical. Sí, yo culipandeo ¿y tu?

Este material está conformado por un conjunto de rolas sueltas que no siguen una línea temática ni musical. Las canciones incluyen ideas irónicas e inocentes que van desde la sexualidad de Elton John, las teiboleras que viven (o vivieron) en la casa de Bret Michaels y la absurda utopía de la llegada de un joven a la presidencia del país. Con el sonido pasa lo mismo, en Culipandeo no hay un género que predomine, Piyama Party toca desde sus ya clásicas rolas garage, un poco de western, y bueno, el rarísimo híbrido dancefloor en “Culipandeo”, canción que coquetea con sintetizadores promotores de desnudos.

Digamos que Culipandeo es un EP que no debe tomarse tan enserio, es más un disco dominguero para escucharse acompañado de su chela favorita. Pero, si ya de clavados hablamos, le recomendamos escuchar “Elton”, un tema experimental apto para ardidos (sólo cambie todos los “Elton” por el nombre de quien usted prefiera), “Culipandeo” por supuesto y la mejor del disco “Siéntate en mi cara” una rola estilo Dávila 666, que, esa para que vea, sí invita al desnudo ¡pero el desnudo de adeveras!

Descargue gratis Culipandeo desde aquí.

España nos sigue sorprendiendo con una generación impresionante desde Nadal, a la Selección española de futbol, a El Guincho, CANADA… y bueno, ¿cuál crisis con tal apantallante productividad?

Acá lo pueden escuchar enterito:

Los Evangelistas

Homenaje a Enrique Morente

Por: Rodrigo Márquez Tizano

I.

La Noche Blanca del Flamenco es una fiesta de reciente aparición en Córdoba, en donde el objetivo es recorrer los distintos espacios de la ciudad (la celebración coincide con el esplendor de los patios, por ejemplo), mientras se escarba en la rica tradición de la música andaluza. Las rejas y los balcones colmados de flores, la aparición sorpresiva de rasgueos y tarantos en cualquier rincón de una ciudad consagrada a los diminutos espacios, y un ambiente colmado de momentos extáticos, han hecho que el festival, durante sus cinco años de vida, haya conseguido reunir a los artistas más destacados del género en veladas para archivar en la memoria. La iniciativa, que cobró fuerza durante los últimos años, comenzó como un ensayo general del hipotético nombramiento de la ciudad califal como Capital Europea de la Cultura, en 2016. Recuerdo el medio día infernal de junio cuando se propagó la noticia de la derrota: desde Pedroches hasta Las Quemadas, los cordobeses seguían atentos  la última etapa de las votaciones, pegados a las ondas de la radio, con las miradas fijas en el traje claro de algún presentador de televisión. La cosa es que en la recta final Donosti se adelantó por banda y los cordobeses se quedaron sin capitalidad y con serias dudas sobre el futuro de su modelo cultural. Al fin y al cabo, durante un lapso de casi diez años, el ayuntamiento invirtió lo indecible en el sector cultural, con el objetivo de realzar la belleza y complejidad artística de una ciudad única en su tipo, que por fuerza tenía que concentrar todo su duende en una noche como no hay otra en el mundo. Fue precisamente en la edición del 2011, y bajo la sombra del recién fallecido Enrique Morente, cuando en la Plaza de las Tendillas se destaparon Los Evangelistas.

II.

Aquella fue una noche interminable: las luces violetas bailoteaban en el escenario mientras Los Evangelistas formulaban pactos con el otro mundo. El ruido y la retroalimentación se atornillaban entre las palmas formando sonidos imposibles: había que tener la piel gruesa, como de rinoceronte, para no caer desmayado, rebasado por la fuerza del momento. Uno podía sentir el vibrante timbre del capo granaíno, único y espectral, flotar entre la concurrencia. Lo que sucedió allí fue un hito del flamenco, una sesión de espiritismo. Enrique Morente es considerado por unanimidad entre sus fieles y los no tanto (¿cuál si no es la auténtica trascendencia?) como una de las cabezas más serias y amuebladas del cante jondo, y por otro lado, como uno de los músicos que más escatimaron en trincheras y zonas de confort: lo suyo fue un ir y venir sin ataduras, el trayecto libre del esteta y librepensador de un género que ha sido desvirtuado hasta el agotamiento por fusionistas de ocasión, y peor aún, endurecido por ortodoxos recalcitrantes, quienes han cortado las alas al ave más magnífica que haya surgido de la fragua donde se unen la llama y la sangre.

III.

Los Evangelistas es un grupo homenaje formado por miembros de Los Planetas (Jota, Eric y Florent), y el cantante de Lagartija Nick, Antonio Arias, quien ya antes había colaborado con Morente para la confección de Omega, pieza única en el género, a la que mi generación ha tenido a bien considerar su particular Leyenda del tiempo, lo cual no es poco decir. Omega se convirtió de pronto en uno de los elementos axiales en la renovación del flamenco:  aquel nutrido y selecto troupe de colaboradores reunido en torno a las figuras de García Lorca y Leonard Cohen consiguió cristalizar el experimento en un producto real y consistente. El disco resultó un parteaguas en la carrera de todos los que colaboraron en su creación: pocos años después, Morente curó y constituyó aquel atrevido triángulo transatlántico que reunía la musicalidad de Senegal, Cuba y Cádiz en un ensamble compuesto por los mejores exponentes de las tres orillas. Algo se había roto, para bien, y el desapego se volvió marca de fábrica. Incluso Los Planetas, colegas de la vuelta granadina y paladines del indie facturado en casa, que por aquel entonces promocionaban Pop y andaban aún en pleno enamoramiento con el shoegaze mediterráneo, fueron poco a poco cediendo ante la aplastante influencia que Omega significó para todo aquel que escuchó música en España durante la década de los noventa.

 IV.

La capilla ardiente se instaló en  el Teatro Isabel la Católica de Granada, donde ríos de gente: amigos, seguidores: se reunieron para lanzar el adiós definitivo frente al féretro. Cuando Luis García Montero dedicó unas líneas a la memoria de su amigo, apenas pudo balbucear: “Las palabras son insuficientes, no es posible nombrar el vacío, la desolación. Has muerto lleno de vida, de fuerza, siendo manantial”.

V.

Vuelvo a lo de Camarón: había tanto de visionario en José Monge como en Enrique: uno era payo, el otro gitano, pero cuando dos voces privilegiadas como las que ambos ostentaban consiguen unirse en un mismo hilo, el entramado de las raíces se disuelve. Si bien es cierto que la interpretación del cante que ofrecía el de San Fernando estaba cimentada en un discernimiento natural, casi intuitivo, y que por otro lado, Morente poseía una visión más cerebral del arte, ambas escuelas se traslapan y embonan en una perfección fortuita, casi desinteresada. Allá por el 86, Morente encumbró la suya en el Teatro Real, Camarón hizo lo propio durante las tres noches seguidas en las que abarrotó el Cirque d’Hiver, en París. Así era la música de ambos: surgida de la esencia y capaz de conmover aún en los estratos más culteranos y asépticos.

V.

Se pusieron Los Evangelistas porque decidieron convertirse en los emisarios de la palabra de Morente. Porque saben que el mundo, en su sordo movimiento, es a veces inmune ante las frágiles voces de los genios que lo habitan. Y porque el vacío es muy grande, muy hondo. Por eso decidieron formar el grupo y grabar un disco y reinterpretar las canciones del ídolo que les abrió los tímpanos hacia desconocidas extensiones sonoras, hermanadas mediante finos trazos con la música que ellos mismos ejecutan. Después de todo, las distancias se hacen más cortas cuando uno consigue identificar a los compañeros de viaje. Entonces reclutaron a Soleá –la hija del maestro– a Carmen Linares y a Martin Glover –de Killing Joke– para firmar un álbum rebosante de sonidos espectrales y capas de sonido robustas, ricas en detalles, cúpulas de ruido en las que uno puede despegarse del mundo físico y dar un paseo por las alturas: la percusión precisa y trepidante funge como una columna a la que se van adicionando –con pausa, sin prisa– elementos que arrebatan y toman por sorpresa al unísono: vocales desgarradoras, destellos de feedback, ida y vuelta en ese milagro que reduce las distancias y convierte los eventos hieráticos en sencillas explosiones de luz. ¿Claves? La tonadilla de J cuando encarna “Amante”, ese fandango salpicado de genialidad que parte por la mitad el entrañable Sacromonte (1982); “Yo, poeta decadente”, una versión espacial del poema de Manuel Machado, al que Morente transformó en un potente y delicado himno de cámara; o el pellizco en carne viva que acompaña a “Encima de las corrientes”, poema del místico San Juan de la Cruz con música original de Don Enrique. Los trece cortes se suceden de forma natural y pasan casi sin querer, como el agua. Da la impresión de que Los Evangelistas pudieron haber duplicado o quizá hasta triplicado el contenido de este homenaje: se les escucha a gusto, movidos por el sentimiento auténtico de la memoria: no es imposible imaginar a Enrique Morente trepar con astucia sobre cada una de estas canciones: se sentiría como en casa, entrando y saliendo a voluntad por la puerta grande del flamenco que defendió: sin límites, volátil.

Y le echamos este choro porque hace un rato nos llegó el EP de la encarnación más reciente de Juan Data, se trata de Bondi Blaster un proyecto que desde San Francisco surgió de la colaboración entre su colectivo Stronghold Family y su amigo Tami.

Sonidero compay internacional: en este material titulado Lo Juimo!, participaron desde los raperos mexicanos Nes, el colombiano Ephniko, Gabriel Navia de Bolivia, y Kinky Electric Noise de Miami, hasta Bigote del colectivo español Caballito. Ahora sí que le cayó varia banda al estudio.

Pues púchele play al video debut de Bondi Blaster y disfrute de la “Salchicha primavera”, entre otros temas con todo el sabor del techno, dubsteb, cumbia y hip hop mezclados en la medida correcta, ¿si me entiende, no? Ni muy picosos ni desabridos, ¡al punto pues! A través de este link

“Alta Farra” – Bondi Blaster Feat. Gabriel Navia from Bondi Blaster on Vimeo.

Klaus & Kinski

Herreros y Fatigas

Jabalina Música, 2012

Del electro pop, pasando por el folk, la copla y la canción española, pero con un toque espacial, hasta un tema noventero shoegaze-gungero como el tema “Cumbres Profundas”, hay que escuchar a esta agrupación murciana varias veces para aprovecharla al máximo. Con su nombre de actor alemán, Klaus & Kinski presentan su nuevo LP Herreros y Fatigas (Jabalina Música, 2012). Y sí que es un Long Play, con 15 tracks y casi los 70 minutos que dura un CD estándar, este disco abraza la bandera de producción independiente para explorar la libertad creativa.

Con 4 años en este negocio, Klaus & Kinski no temen sonar intimistas y tampoco temen a burlarse de todo (Basta ver el chascarrillo en su cuenta de Facebook: “Ah, ah, ah, ah, Stalin alive, Stalin alive”). Irónicos lírica y musicalmente, sus videos son igualmente entrañables, sensacionales y libres de prejuicios. Con ver “Forma, sentido y realidad”, video que sacaron hace dos años para su disco Tierra, trágalos (Jabalina 2010) nos queda clara la loca genialidad de esta banda.

Aquí les dejamos “Ojo por Diente”, primer audiovisual de este nuevo disco, actuado por la pareja que conforma la banda:

Tony Gallardo II es su pupilo más reciente. Hace poco sacó un EP titulado Líder Juvenil, en el que se escucha durísimo que a este nuevo lado le encantó la onda locochona del Super Vato de Rebolledo. (Si quieren saber más chequen la reseña desde aquí).

Y para que se divierta un rato y se decida a irlo a ver al Festival Nrmal le dejamos el teaser de su material más reciente.

Lorena Álvarez y su Banda Municipal 

La Cinta

(Sones, 2012)

Podríamos pasar un muy buen rato interpretando la histórica necesidad de vivir en el pasado, y podríamos construir varias hipótesis psicoanalíticas a partir de varios sujetos y canciones. Pero para qué haríamos una cosa tal cuando tenemos una respuesta sencilla e inmediata a la mano: amamos la nostalgia porque reconforta, y ya.

Lorena Álvarez es uno de esos proyectos que se preocupan por jugar en el terreno de ese confort. ¿Que cómo lo sé? Porque, así, sin muchas etiquetas, la primera ocasión que me enfrenté a una de sus canciones, algo de mi nostalgia heredada fue estimulado. Me pasó con ”Ya no me acuerdo de ti”, y, hay que decirlo, reconocí ahí algo de ese pasado que no es mío pero que comparto, como habrán de hacerlo, en México, algunos otros nietos de españoles con sus abuelos. Porque esa es la gente a la que le pertenecían ese tipo de canciones. Mi abuela es de esos y además le encanta cantar, así que algo me sembró de esa España añeja, que para ella es la única que existe. Así como Lorena Álvarez mi abuela se quedó en ese pasado; en una España que ya no es tan así, la España de las coplas, las jotas, los chotis, los pasos dobles, los romances y las verbenas. Esa –lo quiero entender así– es la España que parece que Lorena quiere mostrarnos también, y qué bueno. La crítica española le celebra ese retorno exhaustivo a las raíces ibéricas, acá se lo agradecemos.

Lorena Álvarez y su Banda Municipal acaba de editar un cassette con 7 canciones que actualizan ese paisaje regresivo de la música española, y repetimos que están en cassette, para poner énfasis en lo que parece hacer de la nostalgia un discurso estético contundente: con una edición limitada, de confección artesanal, que incluye un reproductor Walkman, un libreto con las tablaturas de las canciones y un estuche elaborado a mano, y desde luego el cassette. Todo eso en conjunto es un lanzamiento de la disquera Sones que lleva por nombre La Cinta.

De ese cassette resalta el humor españolete, irónico por demás, que varios disfrutamos con picardía en la música que nos llega de allá. Para muestra habrá que escuchar “Muchas Gracias” o “Novias”, por ejemplo.  La conjunción es agridulce, un tratamiento posmo, cuasi-hipster (por no decirlo con todas sus letras) de un amor desencantado y del desamado que se entrega con acidez y total sinceridad frente al inevitable despecho. Pero también habrá paisajes bucólicos, de donde salen las más inocentes criaturas que dejan una impronta de enseñanza. En pocas palabras, la musicalidad, en conjunto con sus letras son algo que no estamos acostumbrados a escuchar a estas alturas, en el 2012, y así pues, a ojo de buen cubero, vaya la mención: es una extraordinaria curiosidad, ya sabremos luego qué opinan nuestros abuelos de ella.

Acá dejamos un video en el que encontramos a Lorena Álvarez en una interpretación de una vieja canción sefaradí que no está incluida en el álbum, pero para escuchar las 7 canciones de La Cinta pueden visitar su Soundcloud aquí.

LORENA ÁLVAREZ – EN EL KAFÉ D’AMANESER from WAAAU.TV on Vimeo.

“Súbito sonido punzante”, frase de su propia cepa que sirve muy bien para describir este nuevo álbum de la chilena Anita Tijoux. Y claro, todo inicia con un rítmico y marcial sonido de balazos que auncia el gran regreso combativo de Anita, demostrando además una sorprendente madurez lírica, sonora y militante. Lo último no es gratuito si recordamos su nacimiento en medio del desarraigo al que obligó esa infame dictadura que aún es defendida y añorada por algunos dentro y fuera de su país.

Y qué mejor para esa postura titularse con aquel símbolo de represión y violencia: la bala.

Y en cuanto a lo sonoro, no hay más que sentarse a oir este sincero y directo álbum de sonidos contemporáneos con un fuerte beat callejero. Estamos ante una producción en diez cortes que llegan a parecernos pocos luego del banquete que hemos recibido. Pero como una bala, transcurrió rápido, certero y llegó de modo fulminante al corazón.

Y con las líricas, sólo hay que esperar que nuestra Tijoux arranque a pronunciar uno tras otro un mundo de frases tan certeras como ingeniosas acerca de esta vida de nuestros países: ”Se derramó la primera gota ya por la sien“, “La bala suspendida bailaba un asesinato girando“, “El ángel le suplica al Coronel” en esa teatral y profunda apertura que es “La bala”; “No permitiremos más tu doctrina del shock“ o ”todo este económico modelo condenado de dinosaurios“, en ese encendido manifiesto titulado “Shock”; “Soy el último eslabón de la pirámide… en el limbo quizás fracasé” en ese rap a la desazón del individuo que es ”Desclasificado”; “Liberarse de todo el pudor, no tomar las riendas, no rendirse al opresor” (“Sacar la voz”); “Todos esperan y todos quieren el trono, aquel trono gastado por años de codicia…” en “El rey solo”, una increíble radiografía a la voracidad del poder.

Esa es la honesta y la urgente poesía que piden a gritos nuestras violentas sociedades, la cual se remata en ese serio llamado a “Las cosas por su nombre” donde ridiculiza la cantaleta de algunos: “Que tenga cuidado, que se me van a cerrar las puertas… pero seamos claros: nunca estuvieron abiertas“.

Otro grato detalle de este álbum son las sorpresivas compañías que también a pulso se han dado un ilustre lugar en los sonidos latinoamericanos: una maravillosa declamación rapera a cargo del maestro uruguayo Jorge Drexler, las lecturas brasileñas del hip hop que nos trae Curumin, la sorpresa bilingüe en la voz de Mónica Blaire, la subida de revoluciones con la potencia cubana de Los Aldeanos, la posiblidad de que entre los sonidos callejeros se conozcan a dos nuevos talentos chilenos: el prolífico cantautor Javier Barria y el alegre beat de Solo di Medina.

Al terminar el último corte queda una sentencia clara que no nos cansamos de repetir en este tiempo ¡Vivan las propuestas alterlatinas que hace Chile! Y cómo viven con el talento de Anita…

PS: Y recuerden que el primer single de La bala, ya lo tenemos en nuestro programa 181.

No se pierdan “CI (Devil Town)” por Los Punsetes o “Big Bussines Monkey” por Odio París.

Algunos miembros de la comunidad “panamerikana” creen que el 2011 fue el año en el que las cenizas de My Bloody Valentine y The Jesus and Mary Chain emergieron y contagiaron a más de un chaval obsesionado con la reverberación. Nacional o internacionalmente el abuso de eco se imprimió en un tiraje especial de poco más de un año que se repartió hasta en los lugares más recónditos e inimaginables. La cosa no acaba aquí y es que el 2012, todavía sin un rumbo definido, aún se arrastran las migajitas de este atascón musical, que no se crea, a nosotros también nos encanta.

El ejemplo perfecto es Granit, una banda nueva que nomás con la salida de un tema, lograron una expectación tremenda hacia lo que vendría siendo su EP debut en su país. De Barcelona, Alba Blasi (Extrapelo, Albaialeix) y Cristina Checa (participó en Pop Negro de El Guincho), movieron la emoción de fin de año –la época más difícil de conmover- con “Aresta,” una canción melancólica al estilo Chromatics, con bellos sampleos y voz interestelar.

El EP ya está disponible y déjeme decirle que las cuatro canciones que lo componen no son ninguna decepción, es más, que gusto que aunque tarde, las muchachas llegaron con una versión light de lo que pensábamos un estilo bien machorrin.

El EP puede comprarlo desde su Bandcamp, y si de veras  le gusta háganselos saber y ordene el EP de 10’’ en granitgrup@gmail.com (ay luego se arregla con ellas para aquello de los gastos de envio).

 “Lo más probable es que no te guste porque no estás en onda y nunca escuchaste Super Vato,” es lo que dice el final del brief de la presentación del nuevo EP de Tony Gallardo II, Líder Juvenil. Y sí, nosotros más que nadie sabemos lo difícil que es seguirle el paso a los ‘chiavos’ modernos que cantan sobre mangos sudorosos que se tocan entre sí. La realidad es que, por lo menos en este país, no traemos la costumbre, en el oído pues, de escuchar sonidos cuambiancheros tan abstractos y “sin orden aparente” que seguramente harían que a un bigotón de esos que enseña “flauta dulce” en el pre-escolar, le reviente la cabeza.

Mejor tómelo con calma e imagine que Líder Juvenil suena a un viaje ácido acompañado por techno house guarachero revolucionado en un mundo de psicodélica y placer, mientras un enano le hace manicure con los colores más extraños.

Qué viva la experimentación. Descargue el EP de Tony Gallardo II Líder Juvenil aquí.

Juan Cirerol 

Haciendo Leña 

(Intolerancia/ValeVergas Discos, 2012)

Apenas ha pasado poco más de un mes de que Haciendo Leña fue presentado y ya pululan las reseñas y entrevistas en torno a este disco. Algo nunca visto en el panorama del periodismo musical mexicano de años atrás, que, excepto por un par de buenos blogs, siempre optó por el camino malinchista de hacer malas traducciones de Pitchfork antes que celebrar la maravillosa escena independiente del país. Lo más impresionante de todo esto es que la prensa que habla de Cirerol en la actualidad es bastante coherente y atinada; tanto como el discurso de él mismo.

Sumemos que, aunque disponible en stream, Haciendo Leña es dificil de descargar “ilegalmente” al día de hoy,  Juan logra vender su música en una amplia región acostumbrada a no pagar y logra hacer respetar de forma totalmente natural su creciente culto. He ahí el fuerte de este LP –que ya se siente histórico a su cortísima edad– y el de su autor, que nos ha dado para creer en el renacimiento y reinvención del folclore mexicano.

Por todo esto, no hay mucho que yo pueda decir aquí que ustedes no sean capaces de captar en una presentación en vivo o dando un par de escuchadas a este material. Puedo contarles, por ejemplo, de la experiencia de ver trabajar a Juan Cirerol y a Martín del Prado juntos, previo a este lanzamiento: veías ahí a dos tipos verdaderamente sumergidos en real trabajo de campo exhaustivo para llevar sus melodías y composiciones a niveles superiores; ávidos investigadores de su instrumento y estudiosos natos de géneros inexplorados en la dinámica musical mexicana. De Leadbelly al Flaco Jiménez a Motown Records y todo el camino de vuelta.

Puedo añadir también la observación de que Haciendo Leña no es tan puro como Ofrenda al Mictlán; sin duda lo es en contenido, pero, en cuanto a producción, no puedo evitar esa imagen mental que muestra a tres personas del otro lado de la cabina pidiendo otra toma. Quizá sea el precio de que alguien lo produzca. Por supuesto está el lado positivo de que gracias a Intolerancia, hoy Juan tiene fechas en eventos masivos como el Vive Latino y está atrayendo una audiencia cada día más abierta y confiada en su voz.

Es remarcable también que clásicos instantáneos como “Trucha porque no hay tiempo”, “Corrido chicalor”, “Noches de prisa”, “Tabaco guapo”, “Varado en Guadalajara” o “Nomás sirvo pa cantar” no formen parte de este conjunto de canciones. Supongo que sólo los grandes compositores se pueden dar el lujo de dejar tal puñado de excelentes temas fuera de su nuevo material.

Haciendo leña, o algo así como “pateando traseros”, es un A Hard Day’s Night contemporáneo. Jamás olvidaré la sensación que me invadió cuando escuché en vivo “Metanfeta” por primera vez.

Escúchalo completo: (vía Círculo Mixup)

Juan Cirerol by Circulo Mixup

Del acetato a los medios digitales, los influyentes sonidos del caribe colombiano han resucitado en esta recopilación a cargo de Quantic, destacado DJ radicado en Medellín que más de una vez nos ha sorprendido con su amor por los ritmos latinos. En esta ocasión nos ha traído una recopilación de esas que la memoria histórica pide a gritos pero que, torpemente, no son los sellos colombianos los que las promueven.

Así, con un gran olfato de curador, Quantic nos ha traído una selección de temas grabados entre 1948 y 1979, la era en la que estos sonidos campesinos navegaron Magdalena arriba para escalar al gusto citadino (en la Costa y los Andes), a los estudios de grabación y a la élite del repertorio sonoro de Colombia. Por entonces y lentamente, también vendría la internacionalización de los aires cumbieros por todo el continente.

Tan históricas grabaciones requerían de un cartel de lujo cuyo legado en el desarrollo de la cumbia fue fundamental: el saxofonista Rufo Garrido, grandes acordeoneros como Andrés Landero, Aníbal Velásquez, Aniceto Molina, Carlos Román (el del “Very Very Well”) y el Rey Vallenato Alberto Pacheco, los sonidos sabaneros de Santader Flores, la gran orquesta de Pedro Salcedo (donde nacería “La pollera colorá”), el juglar y gaitero Toño Fernández, los aún adolescentes Hermanos Ferreira (quienes en los sesenta llevarían la cumbia a Estados Unidos), junto con imprescindibles difusores del folclor como el conjunto Cumbia Soledeña, la cantaora Celia Estremor o hasta una grabación titulada “El niño llora”, a cargo de un conjunto desconocido de gaitas campesinas.

A la impresionante lista se suma el trabajo de compositores históricos cuyo repertorio lo encontramos en numerosos cantantes y orquestas, pero cuyas grabaciones propias no son tan conocidas por el gran público: Chico Cervantes, Crescencio Salcedo (a quien el mexicano Tony Camargo debe su célebre “Año Viejo”) o el pionero en eso de divulgar la cumbia por el mundo José María Peñaranda. Con el álbum, vale la pena conocer artistas que el tiempo olvidó pero que también ayudaron a la heroica tarea difusora: Gastón (mejor conocido como bolerista al lado de Los Isleños), Los Indígenas evocando la tradición aborigen de La Guajira, Betopey cantando a los cumbieros del exterior o la 11 de Enero en representación de las incontables bandas de viento sabaneras que hace un siglo darían forma al ritmo del porro.

Este apreciable esfuerzo viene a sumarse a otros trabajos de reciente aparición como Afrosounds of Colombia (Vampisoul, 2010) o Palenque Palenque (Soundway, 2010), donde se han rescatado del vinilo las joyas que han dado origen a este impresionante y variado movimiento cultural que ya hoy cautiva a oídos subterráneos del mundo entero. Y este álbum cuenta con la gran virtud de reunirnos las grabaciones más remotas en el tiempo que dan cuenta de la gestación de ese milagro.

Una escena que no se celebra a sí misma es una escena inexistente. Como manifiesto de que existe una sólida comunidad musical en Costa Rica –no tan diversa pero sí congruente– está esta recopilación grabada a finales de 2011 de forma totalmente análoga con una grabadora de cassette de cuatro canales. La compilación documenta con frescura los dotes de 9 bandas diferentes a través de 18 temas interpretados, muchos de ellos, totalmente en vivo: desde las ya conocidas Robertas, pasando por los emergentes Monte y mostrando al mundo otras poco conocidas como Niño Koi y Zòpilot!. El trabajo de producción e idea general corrió a cargo de Vito Petruzzelli, originario de New Jersey, quien quedó maravillado con el trabajo de estas bandas en alguna visita que hizo a San José y armó este proyecto que bien puede hacerle honor a las históricas recopilaciones de Matador Records o “No New York, curada por Brian Eno.

Sí San José es un documento importante para inmortalizar una escena de la cual podemos esperar mucho más shoegaze, lofi, stoner, experimental y que afortunadamente viene acompañada de un documental a cargo de Doyle Club (por Diego Arias) que saldrá próximamente en video para mejorar la experiencia.

Acá el trailer del documental:

Descarguen gratis la recopilación acá.

La idea es dar inicio a una serie de recopilatorios decembrinos y anuales bajo el título Navidades con Etoro, donde en formato digital se presenta una rica recopilación sonora para estas fiestas. La primera edición cuenta con la selección musical de nuestra consentidísima Isa GT, con el gancho de que el track 12 “La cumbia”, está disponible para descarga gratuita (el tema es de Isa, remezclado por el DJ Chief Boima).

Escúchelo en soundcloud, descargue el regalote del Niño Dios, antójese y adquiéralo.
Etor003 Navidades con Etoro 2011 by etoro

Feliz 2012 para todos.

Formaditos que llegó el WOW 2011: Como cada año Discos Tormento recopila las propuestas musicales más finas de su entorno, con el único objetivo de promover música sencillita pero re-mona y de calidad .

Le advierto que aquí no encontrará pretensiones, al contrario, Discos Tormento se preocupa por que cada track sea interesante y único pa’ que lleguen calientitos a oídos de usté y de la escena nacional e internacional.

Sírvase de este ponche mezclado por Alex Dorfsman en la fotografía, Maru Aguzzi en el diseño y Gabo Reyna de RecPlay en el master.

Lo bueno no se olvida, si les gustó el compilado,  aquí les dejamos el link para que descarguen el compilado anterior, WOW 2010. 

Compilado WOW 2011 by Discos Tormento

Parece que fue ayer cuando sacábamos la lista de lo mejor del 2010 y cuando menos nos dimos cuenta ya estamos una vez más aquí, en esa época del año en la que andamos todos despeinados y ojerosos pensando qué fue lo que más nos gustó. Finalmente aquí está:  el Lado B de los 20 discos iberoamericanos más chingones del 2011.

20. Los Animales Superforros – Coplas EP – Independiente [ARG]

Solemos descalificar a lo hispanoamericano y nos apantallamos por la deslumbrante –aunque engañosa­­– luz que emerge de los entornos anglosajones. Eso pasa con el folk: nos hemos acostumbrado tanto a proyectos como Animal Collective o Grizzly Bear que difícilmente nos sensibilizamos más allá de las fronteras culturales y geográficas que estos proyectos marcan; como si el folk sólo pudiese evocar a las Rocallosas, y nada más. La banda argentina Los Animales Superforros reproduce un sonido similar –quizá sin reinventarlo– pero con plusvalía: una paleta de instrumentos que remiten a los Andes, la Pampa o la Patagonia que ilustran majestuosos paisajes que cobran vida a lo largo de sus canciones. Su EP Coplas es un buen punto de partida para ahondar por el lado b del folk sudamericano, que tiene tanto que ofrecer.

02 – Señor de la Montaña by los animales superforros

19. Algodón Egipcio – La Lucha Constante – Independiente [VEN]

Algunos piensan en la música de Venezuela con charangas, voces con temblorina e instrumentos autóctonos-regionales. Afortunadamente Cheky –la mitad de Jóvenes y Sexys– ha cambiado estas percepciones con su proyecto Algodón Egipcio, en el que aderezó esta música con ingredientes más bien ácidos. Su debut, La Lucha Constante, podría estar inspirado por su afro, pues hipnotiza con paisajes psicodélicos vivos: un laberinto de viejas secoyas sin principio ni final, como su cabellera. El disco es una obra de Van Gogh que resalta perdido entre una exposición de Monet, una alternativa interesante pero sobretodo diferente de lo que Venezuela suele exportar.

18. Odio París – Odio París – El Genio Equivocado [ESP]

Hay muchos discos que poner para adquirir el gusto por Odio París. Y es que nos recuerdan al mismo tiempo a los ya clásicos de Ride y My Bloody Valentine, o a los más contemporáneos The Radio Dept. o The Pains of Being Pure at Heart. Y claro, sí, a aquellos que dieran fama Los Planetas. Más allá del namedropping, ¿cómo saber cuando una banda hace buen shoegaze, cuando éste es un género con parámetros tan difusos? Para estos barceloneses, en su debut, bastó con provocar esa extraña sensación entre la euforia y dolor, tormenta y paz, distorsión y melodía.

17. Los Mundos – Los Mundos – NWLA [MEX]

35 minutos de aguerrido garage, dreampop y shoegaze mexicano, de Los Mundos para el Mundo. Chivo y Luis llegaron como una buena oferta en tiempos de crisis, con un primer álbum homónimo de letras en español, fluidez narrativa, guitarras épicas, cuerdas procesadas y ese ácido sabor atmosférico que detona imágenes de nebulosas y algodones de azúcar rosados. Genuina actitud independiente que resulta en una buena oportunidad para disfrutar su más latente propensión al tinitus.

16. Da Cruz – Sistema Subversiva – Six Degrees [SE]

Sonidos enriquecidos de la diáspora africana con este material de un Brasil asentado en la lejana Suiza. La bahiana Mariana Da Cruz, destacada revelación de su país, trabaja ahora con el productor Anne H en una celebración a la diversidad que integra jazz, kuduro, sonidos etíopes, afrobeat, tribal y por supuesto la esencia de la música popular brasileña. El resultado: una rica gama de beats electrónicos y voces en portugués que deambulan por 16 cortes.

15. Varios – Gilles Peterson presents Havana Cultura 2: The Search Continues – Brownswood Recordings [UK]

El inglés Gilles Peterson, personaje conocido por su hambre de música latinoamericana, presenta un proyecto reprentativo de (lo que él considera) lo mejor en la música de vanguardia cubana. Se atrevió a tomar el riesgo de no sonar a World Music y ganó. Los temas impresionan tanto por la calidad de las grabaciones como por la coherencia discursiva del disco entero: una mezcla de jazz latino con hip-hop, trova, rumba y cha cha chá. En palabras del propio Gilles, su trabajo “ya no es una clase de historia sobre música cubana… es (escribir) la historia de lo que está pasando”.

14. Pedro Piedra – Cripta y Vida – Quemasucabeza [CHI]

Cripta y Vida es el producto de la inquieta imaginación de un niño hiperactivo que está aburrido y en la casa de su abuela. La fantasía de un puberto inventor al que el mundo nunca le será suficiente y que se enfrenta a él con lacónico humor negro, bajo un peculiar sabor a rock sudamericano. No es fácil saber qué de este disco es lo que lo hace tan seductor, quizás los hits instanáneos o el desencanto pop que se hilvana en todas sus letras, o quizá sea la incubación de algunos guiños e intenciones que saben a las más lúdicas ocurrencias de un nuevo rock latinoamericano.

13. Jessy Bulbo – Telememe – Independiente [MEX]

Humor negro, juegos vocales y sonoros, rebeldía creativa y ante todo, independencia a cargo de esta ingeniosa dama. Un auténtico viaje que pasa por los más variados destinos: bailes ácidos y burlones, una solemne declaración de amor, paisajes sonoros melancólicos y de nuevo la burla en un alegre corrido mexicano. Telememe es una indefinible bomba hecha con can-can, bolero, jazz, electrónica y lo que venga, en un álbum que le falta el respeto a los formalismos.

12. Helado Negro – Canta Lechuza – Asthmatic Kitty [EUA]

Helado Negro entregó en 2011 el íntimo Canta Lechuza, un álbum creado durante un internado en Connecticut, EUA. En éste gozaba de la tranquilidad del bosque y los humeantes despertares con un té por la mañana que proyectó en las once canciones del trabajo. Roberto Carlos Lange ilustró con el protagonismo de su voz suave, electrónica sutil y programaciones sencillas, una serie de paisajes idóneos para caminar en exteriores naturales. El resultado es un material único que departió libremente de lo que ya conocíamos del músico. La hipnótica “Lechuguilla” y la acogedora “Globitos” son los mejores ejemplos en la introspectiva placa.

11. Rob0ta – Vulgar Display of Power – Independiente [MEX]

Crecer con las fábricas de Vallejo como soundtrack de la infancia te puede dejar orate. No había que nacer en Sheffield o ser amigo de Daniel Miller para traducir los wastelands de la urbe marginal, en una música maliciosa y deshumanizada: ‘Kraut-Gandalla’ la llama Hugo Quezada, coleccionista dogmático de lo análogo y líder de este drone-trío chilango. Sea un pedal Ring Modulator o un sinte Roland MC-4, el mérito de Rob0ta está en el trabajo metódico de sacarle jugo a estos cacharros en desuso y después construir canciones (o meros grooves maquinales) con la agudeza clínica de un obrero cuya chamba es revisar la calidad en una línea de producción de tornillos y rondanas. Y a eso sabe y huele este disco: a Diesel quemado y al incesante martilleo de una troqueladora oxidada.

Con textos de: Felipe Arias,  Rodrigo Fernández de la Garza “Fo”, Almendra Hernández, Rodrigo Jardón, Claudia Jiménez y Uriel Waizel. Arte de Óscar Reyes.

Parece que fue ayer cuando sacábamos la lista de lo mejor del 2010 y cuando menos nos dimos cuenta ya estamos una vez más aquí, en esa época del año en la que andamos todos despeinados y ojerosos pensando qué fue lo que más nos gustó. Finalmente aquí está:  el Lado A de los 20 discos iberoamericanos más chingones del 2011.

10. Klezmerson – Siete – Tzadik [MEX]

Este no es el soundtrack de Cerdos y Diamantes, es Siete, el más supersticioso y afortunado álbum de Klezmerson. Después de dos discos, esta banda del D.F. trascendió la palabra “fusión” –malgastada por el World Music– para finalmente mostrar su proyecto a base de conceptos musicales vivos como una gringa de pastor que se sirve en un pan árabe. ¿Qué le vale a un disco un galardón si no transformó en algo a sus creadores? El tercer álbum de Klezmerson es el punto de ebullición de un proceso de trabajo que ha durado más de 8 años para lograr ser conciso. Klezmer, son, huapango, jazz, rock y agresiones musicales son los ingredientes con los cuales se cocinó este exquisito pozole kosher.
06 Zuntik by PanamériKa

9. Mostro – Libre para regurgitar a la intemperie – Quemasucabeza [CHI]

Nuestra primera escucha de Libre para regurgitar a la intemperie del dúo chileno Mostro, ocurrió por accidente, al seleccionar un disco que nos mantuviera despiertos a la medianoche, en la carretera. Más que brindar paz para el volante, el math-rock motórico, y perturbador, parecía el soundtrack para un videojuego maldito. Mostro prueba que basta una batería elemental y un teclado retro, para hacer algo que suena como IDM acústico, post-rock anfetaminado o una pesadilla donde Miles Davis jammea contenidamente en un versus contra Four Tet, Fuck Buttons y Arto Lindsay. Malviajoso, pero intrigante. No se preocupen, llegamos bien a nuestro destino: con tinitus en el oído, taquicardia y bien puestos.

8. Alex Anwandter – Rebeldes – 5AM [CHI]

Productor, director y músico multi-talentoso: Alex Anwandter ha pasado de ser el líder de la exitosa banda Teleradio Donoso a convertirse en el Prince de la escena chilena –en su papel de Odisea (2010)– y de ahí a una faceta mucho más personal, ahora bajo su propio nombre. Resulta menos agresiva musicalmente, pero es mucho más fuerte en un sentido íntimo; denota el crecimiento discursivo, mucho más desnudo, en sencillos como “Tatuaje”. Una nueva cara críptica y emocional cuyo culto al pop sigue protagonizando esas rupturas musicales y las escenas más bailables y nocturnas de la música de Anwandter. Esta es una placentera embestida de estrobos y neón, amarga y a la antigüita.

7. Frente Cumbiero – Frente Cumbiero Meets Mad Professor – Radiocápsula/British Council [COL]

La vanguardia y memoria histórica hechas sabor en este ensamble son el que Mario Galeano resume años de investigaciones sobre las raíces de la cumbia. Detrás del baile, aparecen las remezclas en dub del legendario Mad Professor, en un genial reencuentro de sonidos de la afro-diáspora. Mientras que el sabor contemporáneo se deja ver en las colaboraciones de La 33, Monareta y Li Saumet. Y como un valor agregado, este es el primer álbum de cumbia que se vuelve a editar en vinilo, tras más de quince años. El Profesor Loco y el Frente Cumbiero, en busca del Eslabón Perdido entre África, las Antillas y Colombia.

6. Kali Mutsa – Ambrolina EP – Shock Music [CHI]

“Sonido sultánico” de las cumbres andinas o, para simplificar, un álbum sorprendente y cosmopolita. La chilena Celine Reymond, con este EP, nos propone saltar bruscamente del Imperio Incaico al Imperio Mogol (con lo que quepa en el medio) a través de evocaciones rituales, psicotrópicas, andinas, gitanas, amazónicas e indo-bombásticas. A pesar de lo corto del viaje, vale la pena hacerlo alucinando con las letras, melodías y videoclips de una “gata negra” que dará mucho de qué hablar en 2012.

5. El Columpio Asesino – Diamantes – Mushroom Pillow/Terrícolas Imbéciles [ESP]

Los integrantes de El Columpio Asesino no son unos críos que acaban de comprarse un disco de Spacemen 3 y citan a los Silver Apples en sus conversaciones, cruzados de brazos al fondo de una bodega convertida en club under. No, para los de Pamplona este es el cuarto trabajo en 11 años de andar por la angulosa senda de lo punzocortante y autodestructivo. Diamantes es el álbum más claro y directo de la banda, en el cual abren un abanico de kraut, shoegaze e industrial, donde “Toro” resulta la epítome de sus intenciones, y funciona como trampa para caer en el vértigo de nueve cortes que saben a aspirinas masticadas, manchas de sangre y resaca a mediodía en la carretera.

4. Juan Cirerol – Ofrenda al Mictlán – ValeVergas Discos [MEX]

Corrían los primeros meses de este año cuando en el Distrito Federal comenzaba a sonar el nombre de Juan Cirerol. Su disco ya existía pero a penas llegábamos a él, o él a nosotros, como traído por un juglar demorado en épocas de la Revolución. Ofrenda al Mictlán cobró un agudo impulso durante este año, a pesar de ser, por mucho, el fenómeno más extraviado en la escena de la música alternativa mexicana. A Dios gracias lo tenemos aquí. Heredero del Piporro, del Flaco Jiménez o de Los Pikadientes de Caborca, el punk más folk de nuestra escena llegó con torta bajo el brazo: 15 estrictas canciones de poesía oral, y una tradición norteña referida por la mirada y el estilo de vida de un huerco contemporáneo, pero no cualquiera, uno con una musicalidad evidiable.

3. Adrianigual – Éxito mundial – Cazador [CHI]

Este disco es más que un disco; es una fiesta que celebra la reinvención del pop con ironía posmoderna, salvaje y desenfrenada mezclando música electrónica, disco, pop ochentero y funk. Líderes de la escena que ha explotado en Chile, Diego Adrián y Nacho Aedo presentan un álbum que engancha con sencillos pegajosos como “Arde Santiago” y “Me Gusta la Noche” (con sus respectivos y originales videoclips), pero con temas cotidianos de manera cínica: como la posmodernidad, el juego de la desigualdad social y la superficialidad del mundo nocturno de la fiesta. Señores, nuestro mundo es una porquería; mejor hay que bailar.

2. Astro – Astro – Discos Río Bueno/Terrícolas Imbéciles [CHI]

Henos aquí, en el 2011, atestiguando un nuevo episodio musical de Ahí viene… Cascarrabias en su versión tropical, con colores vibrantes, imágenes fantásticas y trazos épicos; una lectura seductora y psicodélica del universo, que se desdobla en trillones de viajes hacia cualquiera de las galaxias. Bienvenido al imaginario de Astro, con extrema amabilidad será recibido por sus excitadas líneas musicales que destellan multidireccionalmente entre coordenadas de sintetizador. El disco homónimo de Astro es un manifiesto de un estilo trabajado, un desfile de estímulos transversales a la era digital. ¿A alguien le importa a qué banda über-hipster se parecen?

1. Bam Bam – Futura Vía – Arts & Crafts [MEX]

Monterrey ocupa un lugar muy pequeño en el mapa del Cosmos: Sin embargo, un freeway intergaláctico está por ser construido en este 2012, y más vale que los regios tomen caminos alternos porque no habrá intervención divina, sino un inevitable choque de galaxias. A todo esto, unos rockeritos de garaje han sido contactados por una entidad supra-humana llamada Metatrón, para prevenirlos de la inminente catástrofe e iluminarlos con una música que canalizaron y plasmaron en el accidentalmente genial Futura Vía: Obra magna del space-kraut-progre-drone-rock nacional, un álbum de concepto en espiral, acerca de viajes transdimensionales, producida por Martin Thulin de Los Fancy Free, con impecable edición de Arts & Crafts México. Mitad Hombre Sintetizador, mezclada con la melancolía de los Flaming Lips, los Bam Bam crearon una especie de Dark Side of el Cerro de la Silla. Surfeadores del Zuvuya, saquen los porros: En este disco está la guía para el mochilero de la Galaxia, el Talmud del Apocalipsis Maya en el 2012. Damas y caballeros: estamos flotando en el espacio…

Con textos de: Felipe Arias, Rodrigo Jardón, Claudia Jiménez y Uriel Waizel. Arte de Óscar Reyes.

Uno de los álbumes independientes más celebrados del año es el resultado de un enriquecedor diálogo: Mariana Da Cruz, una hija del nordeste brasileño radicada en los lejanos Alpes luego de haber pasado espiritualmente por las costas africanas. Así de compleja nos resulta la sorprendente integración musical que nos ofrece Systema Subversiva, tercer álbum con el que se consagra esta revelación de su país, ahora con la bendición del productor suizo Anne H y el apoyo del sello estadounidense Six Degrees.

La posibilidad de ese esfuerzo se materializó en un viaje sonoro que nos porpone Da Cruz por Sudamérica, África y Europa en una celebración a la diversidad cultural desde la esencia de la electrónica y la música popular brasileña. El resultado: una rica gama de beats electrónicos, melodías afro y voces en portugués que deambulan por 16 cortes.

Así, Sistema Subversiva se convierte en una amplia apuesta por la samba (“Tudo Bem Aqui”), el kuduro angoleño (“Boob boom boom”), las evocaciones del jazz etíope (“Ethiopia”, original del vibrafonista Mulatu Astatqé), tribal con aires a jazz latino (“Moça Feia”), aires a bossa nova que no deben confundirse con sonidos de cafetería (“Jangada”), al melancólico nordeste brasileño (“Sexta Feira” y “Papo De”, la última con un fuerte mensaje de denuncia), la potencia funk (“Zero a Zero”, “Chega”, “Tshu Tschu”) y nuevas lecturas a la canción brasileña (“Balada”). Reconocimiento aparte merece “Curumin”, samba jazzeada con el destacado aporte del saxofonista Marc Stucki.

El sabor negro de estos 16 temas se complementa con una destacada puesta en escena y unas poderosas invitaciones a encender la pista de baile. Por supuesto, la invitación es propositiva, profunda, extensa y muy rica en sabores y contenidos. Este álbum es, de esta manera, el ejemplo de algo que ya se les ha advertido en este espacio: la riqueza musical del Brasil se reescribe por una generación que dejó atrás la Tropicália para incursionar en sorprendentes y cósmicos sonidos. Eso sí, para fortuna de los viejos maestros, el prestigio musical del gigante sudamericano sigue vivo.

Antiguo Autómata Mexicano

Surspacea

Static Discos, 2011

Ángel Sánchez, mejor conocido como Antiguo Autómata Mexicano, lanza como descarga gratuita su nuevo EP Surspacea (Static Discos, 2011), un trabajo fino que va de momentos de lo Tron a un Krautrock envolvente, una composición compleja que evoca reminiscencias visuales del espacio. El título Surspacea significa algo así como “el espacio en el que transitamos en concreto, no el exterior del espacio sino el lugar de todas nuestras trayectorias, el espacio de lo que es nuestro, el espacio de todo lo que ayuda a encontrarnos a nosotros mismos”.

Se antoja mucho ver en directo este disco pues su Space-electro-rock hecho con sintetizadores, guitarras, bajos y baterías tiene una propuesta mucho más profunda que la que encontramos normalmente en música electrónica. Este regio es ya una eminencia en la escena underground mexicana, con más de 20 años experimentando, colaborando, produciendo y auto-produciendo en distintos proyectos y seguro lo han visto en los últimos años en algún show con Carlos Icaza o en alguno de los sets que abrió para RATATAT.

El disco está disponible para descarga gratuita AQUÍ.

Para conocer más de los múltiples proyectos de Ángel Sánchez visite la página de OTRAS MÚSICAS.

La Polinesia Meridional

(Elefant Records, 2011)

Han pasado varios años, grupos y hasta una crisis económica desde La revolución sexual (Elefant Records, 2007), el disco definitivo de este proyecto barcelonés de culto. Ha ocurrido de todo, pero el sonido de La Casa Azul sigue igual –igual de bien, hay que aclarar. Esto significa fans contentos, así como nuevos escuchas que se sorprenderán con un pop impecable y veloz; aunque también algunas críticas en torno a un aparente estancamiento lírico, musical y de arreglos. El sonido de La revolución sexual resulta tan maduro, tan acabado, que era de esperarse que sería difícl superarlo. La Polinesia Meridional funciona, pues, como una afortunada evolución de aquel, y esa puede ser una gran noticia. El tema de apertura, “¿Qué Se Siente Al Ser Tan Joven?”, anticipa uno de los fondos del disco: el drama de crecer. “Sucumbir” lo confirma con una letra nostálgica que contrasta bien con el espíritu machacante de la canción: Y me perturba el deseo de tener otra vida más tranquila, más ajena al bullicio. Pero crecer no está tan mal. También se aprenden cosas, en el caso de La Casa Azul a adaptar la música disco al lenguaje punk de, digamos, los Ramones. Así suena la canción homónima, que se presenta suavecita, poderosa y con cara de éxito. “Una Mañana”, “Sálvese Quien Pueda” y “Terry, Peter Y Yo” son otros temazos que seguro sonarán en un montón de pistas de baile. Pero el premio se lo lleva “La Niña Más Hermosa”, con la que cierra uno de los discos más esperados de los últimos años en España, el cual llegó al primer lugar en iTunes en pocas horas. Se trata de un tema elegante, memorable, total, que causará mucho entusiasmo durante los conciertos de la gira que arrancará en marzo en España; luego no se sabe cuántos años, grupos y crisis hasta llegar a México. Para escuchar La Polinesia Meridional hay que entrar en este enlace, y para saber más, mirar el siguiente video.

MPeach

Vengo por ti

(Abstractor + NWLA, 2011)

En nuestra emisión No. 166 “Tecito de Ayahuasca (por favor)”, les presentamos “Venamo” un tema de Mariana Martin Capriles alias MPeach cuyo sonido electro-cumbianchero sensual nos ha cautivado a tal grado que decidimos saciar nuestra sed de sonidos changa tukky con Vengo por ti, primer EP de esta artista venezolana.

En esta producción los samplers y sintes de Pacheko & Pocz, hicieron el trabajo sucio y llevaron el estilo guetto de los bajos barrios de Caracas hasta Brooklyn – hogar de la señorita Mpeach-.

El músico barcelonés, Cardopusher, también metió su cuchara tropical, en un remix en el que se desabrochó el cinturón para acelerar el pitch de los beats europeos más exclusivos, y fusionarlos con las maneras callejeras de MPeach. Otros djs que participaron fueron los interpretes de raptor house, Dj Yirvin y Baba.

Vengo por ti es uno de esos discos que, si se toca temprano en la fiesta, probablemente espante a uno que otro estudiante de administración: todos los temas cuentan con compases violentos que revelan el lado más oscuro de la vida popular latinoamericana. Entrada la noche -y los psicotrópicos, el éxtasis, y la desinhibición- el material cumplirá con su promesa y arrancará ropa y vergüenzas con su obscura combinación de reggaetón, rap, y afro caribeño.

Vengo por ti es una amenaza, es la pastillita azul que te regresa al tentador estado tribal; una vez ahí, no hay vuelta atrás. ¿Abrirías la boca?

Para descargar el EP da click aquí. Vía NWLA

Venamo (Cardopusher remix) by abstractor

Alex Anwandter 

Rebeldes

(5AM, 2011)

Resguardado bajo el seudónimo Odisea, el productor Alex Anwandter editó su primer disco solista en el 2010. El material homónimo resultó un concentrado de aspiraciones personales que Anwandter reprimía mucho antes de la separación de Teleradio Donoso, banda que lideró desde 2005.

Odisea significó su primer paso hacia la emancipación del sonido rock, con el que se le encasilló tanto tiempo. Aunque fue un buen arranque y fue considerado un proyecto ágil e inteligente, el disco se sintió precipitado; una obra en el que los beats de Anwandter saltaban cargados de tenacidad, por lo que perdían definición. Tal vez por la urgencia de que el material vislumbrara la luz, no alcanzó a puntualizar detalles y aún así significó un excelente debut.

Parece que su segundo intento: Rebeldes, lo convenció aún más que su carta de presentación. Para este disco Anwandter ya no se escuda de sobrenombres y se presenta como autor. En la portada se afianza al centro con un inquieto gesto estilo Bradford Cox, mediante una fotografía tomada por Rocío Aguirre (quien también trabajó en el disco anterior y en algunos de sus videos). El álbum ha sido editado bajo el sello 5AM — del cual Anwandter es propietario — y cuenta con el trabajo de Cristian Heyne, productor de tres de los álbumes chilenos más deslumbrantes del 2010: Audiovisión de Gepe, Música, Gramática y Gimnasia de Dënver y Mena de Javiera Mena.

Rebeldes es un trabajo más concreto que el anterior, en éste se percibe mayor planeación, el disco contiene canciones bien definidas que esclarecen que la genialidad de Anwandter y su destreza musical no puede compararse con otros trabajos y es una promesa para vislumbrar la capacidad de este autor, talento al cual le queda mucho jugo por exprimir.

El sonido del álbum se asemeja mucho al trabajo que Anwandter hizo con Adrianigual. “Cómo puedes vivir contigo mismo” abre como una píldora que alimenta directamente la sensualidad —como sucede en Éxito Mundial—con un pop electrónico que de inmediato augura que un glamouroso producto se materializará. Aunque en esencia el pop es el motor de todos los temas, se pueden identificar distintos matices territoriales: desde el toque minimal- house de Mamacita, un funk regional que no deja de saber a Giorgio Moroder, hasta baladas estilo Javiera Mena, con acústicos reinventados por computadora.

Anwandter intercala las baladas “Tormenta”, “Cómo una estrella” y la encargada de cerrar “Fin de semana en el cielo”, contrapeso que estabiliza la robusta energía que se percibe en los seis tracks restantes. La jugada se agradece, pues seguir el compás de este disco sin pausas sería una tarea complicada. “Rebeldes” y “Tatuaje” son el eje del disco, dos canciones construidas estratégicamente que demuestran la agudeza auditiva que posee Anwandter, así como su envidiable facilidad para crear hits.

En general la lírica del disco es triste y melancólica, y en algunos temas se percibe un cierto temor hacia la revelación de emociones más profundas pero Rebeldes transmite mucha sinceridad, a diferencia del pop coloquial. A través de letras que conmueven, logra deleitar y a la vez enternecer a quien lo escucha. Logra convencer como pocos han podido.

Rebeldes será distribuido en Chile por Feria Music y estará en Streaming en Panamérika del 22 de noviembre al 6 de diciembre.

Rebeldes – Alex Anwandter by PanamériKa

Varios Artistas

Gilles Peterson Presents Havana Cultura: The Search Continues

(Brownswood Recordings, 2011)

Gilles Peterson, famoso DJ de la BBC de Inglaterra, es conocido por su curiosidad y gusto por propuestas nuevas, lanzó este mes Gilles Peterson Presents Havana Cultura: The Search Continues (Brownswood Recordings 2011), producido en colaboración con DJ Simbad. Se trata de un álbum doble no apto para quienes buscan un grupo de cubanos que les toquen “Comandante Ché Guevara” mientras pagan en Peso Cubano Convertible su comida en Varadero.

Havana Cultura es el proyecto en el que Gilles colabora con la marca Havana Club para buscar lo mejor en la música de vanguardia cubana. A través de grabaciones, presentaciones y distribución comercial, busca que músicos radicados en la Habana logrén el reconocimiento mundial. The search continues es justamente eso, la búsqueda de un DJ por continuar un proyecto que comenzó en el 2009 como una ventana a una cultura que le resultaba desconocida y así salió la primera versión de Havana Cultura en el 2010 y Havana Cultura Remixes en el 2011.

En palabras del propio Gilles, a diferencia de los anteriores proyectos, esto “Ya no es una clase de historia sobre música cubana…es (escribir) la historia de lo que esta pasando”. Es así que el osado productor asume el reto de lanzar una compilación usando nombres jóvenes y frescos con el riezgo de resultar incomprendido.

El chiste de buscar el apoyo de una marca para producir un proyecto de semejante magnitud sobre la música cubana no es que suene a Putumayo World Music, sino tener la libertad que no dan los estereotipos culturales de las instituciones. El álbum suena a distintas generaciones entrelazadas en una red de productores, músicos y cantantes que plasman la evolución melódica de un pueblo.

Es de esperarse el tipo de sonido cálido en estos dos discos, mezclas de jazz latino con hip-hop, con trova, con rumba, con cha cha cha… Lo que realmente es sorprendente son los resultados, no sólo en la calidad de las grabaciones, sino en la coherencia discursiva del disco: ya sea en los temas más cortos de menos de un minuto de duración, o las largas secciones instrumentales de las piezas que duran más de seis, este licuado de personajes habaneros sólo podía dar un resultado apestosamente catastrófico, o una pieza clave de arte e historia, con la mano de Gilles Peterson

Un disco ampliamente recomendado para comprar. Para covencerse totalmente sólo hace falta ver un poco del proceso que llevó a cabo su creación en el sitio del proyecto o en el sitio de Gilles Peterson.

Adrián Juárez

Tu nombre es fresa

(Frígida Records, 2011)

Adrián Juárez, originario de La Plata, Bs As, Argentina, se presentó de manera aleatoria por medio de un tímido mensaje vía Facebook que contenía un breve saludo y la liga de su Bandcamp. Puse play, y en lo que menos pensé, su modesto folk con dejos de IDM se apoderó de la habitación. Cada segundo de marcha andante dejaba ver con claridad una juguetona, compleja e increíblemente austera orquestación que caía, en forma de mermelada, sobre consistentes ritmos chocolatosos de guitarras y charangos; todo acompañado de deliciosas melodías, y —muy importante— sin dejarme en un coma diabético.
Investigué un poco más y encuentro que Adrián estudió piano durante 7 años para un día tomar cualquier otro instrumento a su alcance y sacarle el mejor de los provechos. También tiene en su historia por lo menos 3 materiales (para sorpresa de todos, el joven tiene más discos que Aerosmith y nos pidió corregir esta nota para hacerle honor a sus 80 producciones. Si no nos creen, acá pueden preguntarle) como solista y otro par con contribuciones bajo el sello que él mismo dirige llamado Frígida Records; netlabel que cuenta con 80 discos disponibles para descargar gratuitamente, entre ellos un EP viejísimo -2006, je- del ahora reconocido proyecto chileno El Sueño De la Casa Propia.
Tu nombre es fresa nos propone 10 temas que en sólo 22 minutos dan vida a un clásico redondo y de bolsillo que te conquistará con la sinceridad de sus letras y la grandilocuencia de sus arreglos.

Escucha y descarga acá

La salsa brava ha vuelto a resucitar.

Y como se ha hecho común en la última década, la resurrección se da a conocer a través de experimentos con origen ajeno a sus tradicionales canales: músicos formados en una tradición rockera (La 33), europeos cautivados con los aires caribeños (Salsa Céltica, Cubismo), la  raíz africana a veces ignorada por el gran público (Africando). Renovaciones que nos han sorprendido mientras que buena parte del público latino sigue mirando al estancado stablishment de Miami, ese mismo con iconos que se arrogan el derecho de hacer películas interpretando a Héctor Lavoe.

Y a pesar de la indiferencia de las hegemonías, el turno ahora le llega a una propuesta nacida de Nueva York, uno d elos principales hervideros de la salsa: la Williambsburg Salsa Orchestra (WSO). Del homónimo barrio de Brooklyn, se armaron de la mano del timbalero Gianni Mano con músicos de Estados Unidos, Panamá, Argentina y Colombia. Por el momento, y con un claro interés en popularizar su bravura, el repertorio de la WSO es de covers que siguen una creciente tendencia en las músicas independientes: lecturas exóticas de temas reconocidos de la música rock. Y a pesar de la frecuencia de este estilo, el talento de la orquesta hace muy meritoria la fórmula.

La novedad radica en que las bandas reinterpretadas son además figuras vigentes del indie rock: el punk canadiense de Fucked Up (“Black Albino Bones”, como apertura), el aparentemente lejano sonido sueco de Peter Bjorn and John (“Young Folks” es lo que sigue), los ya célebres Arcade Fire (“Keep The Car Running”, bien descargada), los maestros texanos de Spoon (“I Turn My Camera On”, con toques de guaguancó), la nunca extraviada raíz afro de Santogold (increíble adaptación a guajira de “L.E.S. Artistes”), sus reconocidos conciudadanos los Yeah Yeah Yeahs (con una “Cheated Hearts” en clave de son montuno que pone el álbum en su punto más alto) y los también neoyorquinos de TV On The Radio (un “Wolf Like Me” que devuelve a los tiempos del clan Palmieri). De remate y a la manera de las leyendas salseras, el álbum termina con una guajira abolerada, que es nada más y nada menos que “Someone Great” de LCD Soundsystem.

La WSO, como muchas sus propuestas contemporáneas, no son necesariamente una renovación del género, ya que en buena medida reproducen formatos de los 70; así, algunos les criticarán su escaso fogueo en los círculos salseros “tradicionales”. Y avalando esas salvedades, incluso, encontramos una salsa innegablemente hecha con el corazón, propositiva, honesta y desentendida del plano discurso actual de la “gran industria” latina. Como dirían los maestros del Gran Combo de Puerto Rico: “Esto no es ensaladita light… esto tiene su truquito”. Y la WSO lo conoce, a pesar del poco ortodoxo origen.

Para afirmarlo, este álbum nos conmueve con una lectura de movimientos musicales en apariencia distantes, pero que muchos de sus lugares de memoria están a unas calles de distancia, entre Lower East Side y Spanish Harlem. Así que la WSO también puede ser un ejemplo de la riqueza cultural de una ciudad que, volviendo a la orquesta de marras, “lleva sus añitos pa’ tocarse como es”.

El Gas – Pellejos from Terricolas Imbeciles on Vimeo.

Pellejos

Pellejos

(Terrícolas Imbéciles, 2011)

Pellejos es una agrupación conformada por cuatro chilangos con un alma puramente oscura y citadina, detonada como efecto de vivir en una gran urbe en donde la locura es parte de la rutina. Es justamente eso lo que en esencia conforma su música y su cambiante discurso, canción tras canción y presentación tras presentación.

Su pasado artístico se centra primordialmente en las artes visuales, pero de manera muy natural y con el único interés de ampliar sus espacios y formas de expresión frente a su crítica y visión social, estos hombres se han entregado de lleno a la música con un primer álbum que resulta incluso un fenómeno antropológico muy llamativo para escuchar.

Música apocalíptica que en tan sólo 8 cortes va “de los pellejos hasta el tuétano”, terminando por contagiar una reflexión acerca de lo que nos está acercando al fin de una era, que nos hace vivir en la podredumbre y que quizá aún seguimos cargando, a pesar de ya estar mórbido. Un vistazo crudo y cercano a lo habitual dentro de lo decadente y lo insano, pero a la vez plasmado con un humor negro que resalta lo que amamos de nuestro lenguaje y cultura popular mexicana.

Quique Rangel, conocido miembro de Café Tacvba, fue el encargado de pulir el sonido de estos hombres que van desde un rock pesado, hasta algo bluesero, luego atmosférico e incluso western, usando todo elemento a su mano para dejar caer por su propio peso las verdades de nuestro entorno colectivo, bañando en concreto.

Otra de las apuestas aplaudibles de Terrícolas Imbéciles, que pone al alcance de los escuchas lo que otros considerarían falto de atractivo comercial. Es aún tiempo de acercarse a lo que Pellejos está exhibiéndonos (en su amplio sentido) en la escena.

Red Hot + Rio 2

The Red Hot Organization (Entertainment One Music, 2011)

A mediados de este año una impresionante curiosidad fue presentada en Brazil: Red Hot + Rio 2 (Entertainment One Music, 2011), una reinterpretación a manera de tributo al famoso movimiento cultural brasileño de los años 60´s denominado Tropicalia, que en su expresión musical fusiona elementos de la música africana con el Jazz, Bossa Nova y hasta el Rock and Roll de la época.

Hace más de una década Beck ya había hecho a una ofrenda a esta música en su disco Mutations (Geffen Records, 1998), cuyo nombre hace referencia al grupo pionero de este género Os Mutantes, acompañado del exitoso sencillo Topicalia. Ahora, este tema es reinterpretado en el Mario C 2011 remix y cantado en portugués por el famoso Seu Jorge como parte de los dos discos que integran a 57 artistas en 33 temas.

Existe toda una historia detrás de esta entrega: Red Hot + Rio es también un proyecto filantrópico para apoyar proyectos en lucha contra el SIDA, a través de la ONG The Red Hot Organization con distintas disqueras, en esta ocasión con Entertainment One Music. Esta segunda producción salió después de 15 años de que Red Hot + Rio (Antilles / Verve, 1996) viera la luz como un tributo al Bossa Nova de Jobim, Astrud Gilberto y Gilberto Gil e incluía a artistas como Stereolab, Everything but the Girl y hasta George Michael.

La organización ha producido a través de muchas conexiones una veintena de álbumes con artistas de lo más variado, desde Silencio=Muerte: Red Hot + Latin (H.O.L.A Records, 1997) que contenía temas de Sepultura, Café Tacvba, Andrés Calamaro y Los Lobos, hasta Dark Was The Night (4AD, 2009) en el que encontramos a Grizzly Bear, Feist, Bon Iver y The National. Este último es en cierta forma el disco que abrió camino de una línea más “indie” de artistas que vemos en Red Hot + Rio 2 como St. Vincent, Neon Indian, John Legend, Seu Jorge, Beirut, Of Montreal y José González.

Producidas por Béco Dranoff, John Carlin y Paul Heck, las reinterpretaciones de Red Hot + Rio 2 no son puro name-dropping, sino que muestran tendencias muchas veces ocultas de artistas ya conocidos, que ofrecen joyas musicales inesperadas y la oportunidad de demostrar el propio altruismo, vale mucho la pena.

A coruja e o coração

(Warner Music Brasil, 2011)

Qué bonita suena “Você Não Vale Nada”, original de Dorgival Dantas, con esa guitarra que parece seguir descalza, en pijama y lloriqueando a una Tiê tristona. Una segunda oída revela la influencia cardiovascular de las percusiones sobre el que escucha. Recomiendo empezar así la aproximación a este disco de la guapa cantautora brasileña, cuyas influencias se dejan ver con facilidad: Cat Power, Aimee Mann, Elliott Smith, Sufjan Stevens. Enseguida hay que dejar correr “Pra Alegrar O Meu Dia”, la cual verdaderamente alegra a través de un coro como infantil, memorable. El resto de los temás se acompañan con eficiencia entre ellos, de forma que este disco parece una compilación de éxitos. Lo es parcialmente, pues algunas canciones son versiones, como “Na Varanda Da Liz” de George Harrison y “Só Sei Dancar Com Voce” de Tulipa Ruiz. La colaboración de Jorge Drexler en “Perto e Distante” y el sonido bluegrass de “Hide And Seek” son otros motivos brillantes para escuchar el segundo álbum de Tiê. A continuación un video sobre la grabación de A coruja e o coração, que salió en la primavera y sigue sonando a ésta.

El festival del beso

(Independiente, 2010)

El cantante y guitarrista de Los Mataplantas, grupo argentino que dio de que hablar en 2005 gracias a El sueño del hombre pulpo, lanzó el año pasado un disco en el cual el ukulele resulta tan esencial como la voz lastimosa, como de contratenor, de Pablo. También hay guitarras, ruiditos, aunque ninguna percusión; esto último no se nota, sino hasta después de escuchar el álbum varias veces. Queda claro que el ukulele, como cualquier otro instrumento, es suficiente cuando se utiliza adecuadamente. En el caso de El festival del beso el equilibro entre la voz y la instrumentación es delicado, pero consistente, como si ambos elementos dialogaran tranquilos entre sí, a la usanza de los juglares. La alegre y no tan veloz “Vamos al Agua” es una buena manera de empezar a escuchar este disco que en México sólo puede conseguirse de forma física en Vértigo Galería (Colima 23, Roma, Ciudad de México, www.vertigogaleria.com), pues presenta el espíritu de Paulo, entre juguetón y azotado (lluvia de animales cuando la conocí, piedras en el alma cuando no nos vimos más). “Mañana Bucólica”, cuyo video aparence a continuación, sale de tono con un sonido más serio y doloroso. Las demás canciones transcurren con naturalidad y buen ritmo. El festival del beso de Paulo Malaurie es en verdad un festival de besos, pero de esos que no se dan, o si acaso sólo en la imaginación, de esos que duelen y suenan a ukulele.

La música de Astro sigue teniendo el encanto al que nos tenían acostumbrados, pero ahora es mucho más completa. El despliegue electrónico y el bombardeo de sintentizador sigue estando presente y es el vehículo sobre el cual recorremos esa estimulante imaginación en sus letras:  imágenes fantásticas, situaciones oníricas, hongos, frutos tropicales, conejos y tortugas bailadoras, variopintos animales y muchas onomatopeyas.

Así debería ser el mundo en general. Por lo pronto el universo  de Astro —ingenuo  o psicotrópico, como quiera verse— es una buena lectura de él.

La campaña de difusión trata de lo siguiente, ustedes pueden descargarlo absolutamente gratis desde aquí (ojo, la descarga es por tiempo limitado), escucharlo y opinar al respecto.

Me quiero casar contigo

(Elefant Records, 2011)

Por fin un disco nuevo, con sólo tres temas, pero por ahora bastan para saciar a los fans que no escuchaban ninguna novedad desde Nuevo futuro (Elefant Records, 2009), ese discazo que produjo Ibon Errazkin (Single, Le Mans) y al cual trataron tan mal algunos críticos. Carlos y Nando presentan como canción principal de este sencillo digital una versión juguetona de “Me Quiero Casar Contigo” del cantante brasileño Roberto Carlos, con arreglos de Antonio Galvañ (Parade). La producción de este tema la hizo nuevamente Ibon Errazkin. “Un Final Feliz Para Este Cuento” es una disculpa hecha canción, mientras que “La Fiebre de Carlos” recuerda por su letra a “El Hopital” de Carlos Berlanga. Ambas presentan melodías dulcísimas y casi psicodélicas. Para escuchar este single del dueto español hay que ir a este enlace, y para comprarlo a este otro. A continuación la versión original de “Me Quiero Casar Contigo”.

Constantina

Haveno

(La Petite Chambre, 2011)

La agrupación instrumental originaria de Belo Horizonte, capital del estado de Minas Gerais en Brasil, lleva haciendo música desde el 2003 y este año presentaron en distintos foros que incluyeron el SXSW en Austin, Texas, su nuevo álbum: Haveno (La Petite Chambre, 2011), años después de su aclamado EP ¡Hola Amigos…! (La Petite Chambre, 2008).

El nombre de Haveno proviene del Esperanto y significa Puerto, este es el punto de partida conceptual para este post-rock brasileiro inspirado en el mar y su bello horizonte, que retoma elementos del jazz y guiña al bossanova, pero a la vez incorpora secuencias electrónicas y guitarras eléctricas. Estos componentes nos llevan por varias rutas y paisajes inmensos como el mar que marcan sus diferencias con distintas intensidades percutivas en batería, marimba y bajos.

Desde su sitio web podemos por una parte ver las formas y figuras azul con blanco que caracterizan la estética del conceptual álbum, así como descargar los temas del disco de manera gratuita y leer la historia de esta agrupación, para entender el proceso que han llevado a cabo para presentar “Haveno”.

Compartimos con ustedes un video en vivo del excelente segundo tema del disco “Azul Marinho”:

Naturalesa Salvatge

Una llum infinita

(Hombre bueno discos, 2011)

“Cinco tipos se reunieron alrededor de unas pizzas y unas cervezas en un piso de Barcelona a finales del verano de 2010. Poco después de eso tenían un grupo. Este grupo.” Así es como se presenta Naturalesa Salvatge. Este año llegó el dreampop catalán de este grupo con su EP debut Una llum infinita (Hombre bueno discos, 2011), para colocarse de manera sencilla como sus canciones entre los mejores lugares de la web, incluyendo el compilado Fonogramáticos 13 de Club Fonograma.

Nos ha quedado muy claro que en España ocurren cosas buenísimas en materia de música pop, Naturalesa Salvatge coquetea por momentos con el shoegaze pero siempre con simpleza popera, sin ser pretenciosos ni rebuscados. 5 temas en inglés y uno en catalán es lo que ofrece de momento esta despreocupada agrupación que razguea las guitarras y canta desganada, él álbum está disponible para descarga gratuita desde su Bandcamp.

A continuación, el video de Tykler Broek para el tema “Tiembla es Sueño”:

Los Esquizitos 

Tú quieres ser como yo

(Intolerancia, 2011)

Durante diez años de estar presentes en la escena con un LP y un EP anteriores, los “esquizos” fueron ubicables por su surf en un inicio y por ser uno de los grandes de la escena under. Ahora, los encabezados por el explosivo Güili Damage, han sido capaces de desarrollar y reflejar en su sonido un garage aderezado con punk que les fluye muy naturalmente por sus venas.

En este gran álbum integrado por 12 cortes finos y agradablemente oscuros, es claro el homenaje que Los Esquizitos realizaron a grandes bandas que se distinguen por su historia bajo tierra y que no pudieron evitar salir al mainstream — como la Velvet Underground, The Ramones, The Cramps (dedicando el álbum al fallecido Lux Interior), The Gun Club e Iggy Pop—, dejando pistas clave en sus piezas, entre las cuales se enmarca una tercia de covers: “One of These Days” a la Velvet, “I Wanna Be Sedated” de los Ramones y “Sex Beat” de The Gun Club.

Quizá los sencillos escogidos para su rotación mediática no fueron los más atinados, ya que no reflejan en su totalidad el trabajo realizado en todo el álbum.  Pero el streaming previo del disco, dispuesto en la red para el público, fue clave para que sus seguidores se identificaran de nuevo con la banda y de paso se adhiriera un montón de gente más a sus filas.

El gusto por componer, tocar y por interpretar en vivo de esta banda integrada por Brisa Vásquez, Alex Fernández, Nacho Desorden y Güili Damage es notorio, se van a la raíz de lo que significa expresarse mediante la música y transmutar la rabia e incomodidad social y/o individual a través de letras que elegantemente arrancan también un par de sonrisas con su ironía.

Tú quieres ser como yo declaran así Los Esquizitos, quizá haciendo referencia a las bandas que buscan sonar tanto a algo o a alguien, que terminan por no proponer nada. Bajo esta premisa ellos lograron lo contrario y sutilmente invitan a que la originalidad vuelva a los escenarios y los estudios de grabación.

Finalmente señalamos algo muy importante para este disco, como ellos mismos recomiendan en su contraportada: “Escúchese mucho muy fuerte.”

Nó na Orelha

(Independiente, 2011)

El segundo disco del hiphopero Criolo no suena únicamente hiphopero. Su personalidad se desarrolla canción a canción, aunque con comunes denominadores desde el primer compás: bajos y percusiones contundentes y melodías que se pegan en la memoria sin necesidad de sonsonetes, por mencionar los más notorios. También la voz –más cercana al esfuerzo vocal que a la rabia o los susurros– y la moderación en los sampleos y scratches atrapan con facilidad, como se demuestra en el sencillo “Subirusdoistiozin” que el paulista dio a conocer en la primavera. La versatilidad del disco se confirma con “Samba Sambei”, un reagge elegante que precede a “Sucrilhos”, el tema más denso y adictivo. Más adelante “Linha de Frente” es una canción de hip hop con personalidad de samba, o quizá al revés, que cierra este poderoso álbum en portugués producido por Daniel Ganjaman y Marcelo Cabral. A continuación el video de “Não Existe Amor em SP”.

Monna Bell y Aldemaro Romero

La Nueva Onda en México 

Vampisoul, 2011

La mujer más ovacionada en el primer Festival Internacional de la Canción de Benidorm, en 1959, murió hace tres años y pico en Tijuana. Su nombre era Nora Escobar y nació en Santiago de Chile en 1938. Pero aquí no termina la sucesión de ciudades y fechas en esta reseña. En 1970 esta cantante mejor conocida como Monna Bell grabó con Aldemaro Romero (Caracas, 1928) el discazo que ahora nos ocupa. Lo produjo un mexicano que tuvo la excelente idea de hacer un álbum de canciones mexicanas al estilo Onda Nueva, un género musical venezolano inventado por el propio Aldemaro inspirándose en el joropo, la bossanova y el jazz. La edición original de La Onda Nueva en México (Discos Musart, 1970) nació, sin embargo, con mala estrella. El gobierno mexicano lo censuró a causa de la portada, en la que aparecen los músicos de estudio –algunos de los mejores que había entonces en México, como Gualberto Castro, que canta en “El Balajú”– vestidos a la usanza revolucionaria. Décadas después renace en forma de CD y vinilo, con un valor agregado: el paso del tiempo. El disco es un tesoro no sólo debido a la nostalgia, sino también a que se trata de una de las pocas grabaciones de Onda Nueva con cantante. La voz de Monna Bell suena cristalina y alegre, lo que empata afortunadamente con los arreglos osados de por ejemplo “La Bamba”, que cambia de tono con acertado disimulo, o “La Bikina” con su largo y bello comienzo instrumental. Monna y Aldemaro están muertos, pero su colaboración renace en un tiempo en el que tópicos como “Cielito Lindo” necesitan reinventarse so pena de empolvarse sin remedio.

China

Moto Contínuo

Independiente, 2011

Un “Moto Continuo” es una maquina que reutiliza infinitamente la energía generada por su proprio movimiento para perpetuarlo, es conocida como “Máquina de Movimiento Continuo”. Según Wikipedia estas maquinas son hipotéticas, ya que contrarían leyes de termodinámica; según el personaje conocido como “Chinaman” o “China”, esto es posible.

China es uno de los VJ´s favoritos de MTV Brasil, es necesario tomar en cuenta la importancia que ha tenido este personaje para la música popular contemporánea en este país a través de sus programas televisivos “A las brasas”: MTV Na Brasa (En el que presenta videos) y Show Na Brasa (En el que presenta bandas y toca con ellas).

El tal “Chinaman” presenta un proyecto vanguardista como cantante y compositor. Rodeado de excelentes músicos, Moto Continuo (Independiente, 2011) es un disco que tiene de todo y para todos, alegría y delicadeza, baile y nostalgia. Aprovechando que el disco se encuentra completo en Soundcloud, es pertinente escucharlo con atención tema por tema.

El tema con el que comienza Moto Contínuo llega hasta los huesos, “Biga Viagem” nos prepára para algo grande. El disco continúa hasta arriba con el sencillo “So Serve Pra Dancar” que aclara: no es música para entender, es música para bailar. La misma prendidez se repite en “Distante Amigo”, “Nem Pensar Em Voce” y “Espinhos” con líneas melódicas a lo Franz Ferdinand con giros punk y electrónicos. Hay también un guiño más directo al rock de estructura clásica como “12 Quedas”.

Por otro lado, tenemos lo tranquilo: “Overlock”, una canción bellísima con una combinación de voces femenino/ masculinas que crece y crece. En esta misma línea, “Terminei Indo” y “Mais Um Sucesso Para Ninguem” mezcla estilos y vuelve al diálogo con la voz femenina en un tono triste hasta llegar a una linda canción de despedida: “Anti Heroi”.

Si usted entiende portugués, escuche las letras y díganos qué piensa. A continuación, el video del tema “So Serve Pra Dancar” en el que varias personas se grabaron bailando en sus casas el tema para componer este divertido trabajo:

Torreblanca

Bella Época.

Arts & Crafts México, 2011.

Torreblanca lanza su álbum debut bajo el nombre Bella Época, con una portada en tono sepia y arte alusivo a tiempos clásicos. Se conforma por once canciones con cuidadosa instrumentación, donde destacan la perfeccionista ejecución del piano, la destacable coordinación del quinteto como banda y la amplia gama de colores auditivos que suenan a lo largo del trabajo. La producción corrió a cargo de Quique Rangel (Café Tacuba) y es editado por el sello filial de la canadiense, Arts & Crafts México.

Más allá de la ficha técnica, Bella Época es un gran álbum de música pop, con características contundentes de sonido colorido, letras que enganchan e instrumentación detallada. Juan Manuel Torreblanca –líder del quinteto- cuenta que padecía de ciertas inseguridades que afloraron a lo largo de su carrera como la voz; sin embargo, a lo largo de esta producción el cantante denota confianza vocal e imprime un sello único a cada composición. Esta situación ejemplifica una de las tantas impresiones que deja escuchar la totalidad del álbum: composiciones honestas de un grupo que empieza a tomar confianza.

Bella Época empieza con “Las Horas”, una canción donde lucen el piano de Juan Manuel y el acordeón de Andrea Balency –quien también presta su voz a los coros en el álbum-, y donde le canta a una entrañable amiga que padece desventuras amorosas. Esta línea lírica es una constante en el álbum: letras dedicadas al amor en facetas de desencanto, amistad, y ensoñación inspirada a partir de éste. El sencillo “Si” es una melódica inocente y alegre que se ejecuta con atinada constancia hasta provocar movimiento contagioso que terminan en baile. Le sigue “Roma” –uno de los puntos altos a lo largo de la oncena- donde destacan los alientos y la sensación de estar en un musical con coreografía montada sobre una calle de adoquín de colores. Otros de esos momentos sobresalientes es “Lodo”, que sobresale como leitmotiv que nombra al álbum y ese claro homenaje a “Rarotonga” del cuarteto insigne de Satélite, Estado de México.

Otros temas como “Dejé de Ser Yo”, “Barbazul” y “Otra Decepción”con aseveraciones sentenciosas exploran el lado temperamental y hasta coqueto en un sentido no literal, causan desentono en la línea que lleva la placa; sin embargo, este tipo de “desentono” es una característica distintiva de la capacidad de Torreblanca. Ellos saben oscilar con acierto entre las melodías más comerciales y agradables, para romper con piano agresivo intercalado con silencios que termina en una ejecución prodigiosa del instrumento. “Lobo” marca su entrada con fuerza y una percusión constante que sólo interrumpe para dar paso a la ejecución protagónica de Juan Manuel y un elegante acordeón francés.

Un buen material pop siempre debe contar con baladas pasionales. A diferencia de otros músicos descaradamente comerciales, Torreblanca hace un pop mucho más elegante y por lo mismo, sus baladas no apuntan a los famosos clichés del “te amo, te extraño y me duele”. “Lola en el Sillón” es una de esas que recuerdan los instantes de infancia con una caja de música, que parece contar la triste escena de una niña en medio de una situación complicada que se refugia en el sillón. En ese tenor, “Hueco” es un reclamo expreso desde la voz de Andrea y cuyo coro reprocha la venta de la hija ante el llanto de sus padres –y que de alguna manera acerca la música al arte gráfico y su intención de antigüedad-. “J.B.” enmarca el cierre de Bella Época con una canción fina y perfecta para escucharse a la medianoche –según el mismo Juan Manuel- y que deja en claro que una de las virtudes del quinteto es crear momentos impredecibles.

Bella Época encierra una paleta de colores muy notoria a lo largo de sus casi cuarenta minutos de duración. Tiene otra de esas virtudes que Torreblanca hizo distintiva desde su EP Defensa: la incómoda primera impresión pero la necesidad de volver para entenderlo mejor y terminar por apreciarlo como un trabajo auténtico. El resultado de este breve álbum es interesante, aunque a momentos provoca ansiedad y es necesario dar tiempo para terminarlo. Es un excelente álbum pop, pero esa también es su peor sentencia, pues se muestra indeciso entre un público que exige una serie de ganchos comerciales para sentirse identificados o una audiencia que le demandará menos puntos de obviedad. La ventaja con la que cuenta Torreblanca, es que tiene herramientas suficientes para proponer música que llegue a diferentes escuchas y el talento para hacer que trascienda.

Desde finales de agosto está disponible para medios digitales el esperado EP debut de Los Rakas, dos primos de origen panameño que llevan los arraigados sonidos de la ragga panameña a la Costa Oeste de Estados Unidos, generando una atractiva proyección de flow panamericano.

Desde su look caribeño, se habían dado a conocer en los últimos años con giras y remezclas promovidas por figuras como Collie Buddz, Stereotyp y Uproot Andy. También se destacaron como artistas revelación en el cartel de la edición 2010 de LAMC en Nueva York, donde también presentaron una destacada puesta en escena.

Con estas credenciales era más que esperado el lanzamiento de su material propio. “Ta lista” fue el sencillo que dio la noticia, con un riddim que evoca la cultura hip hop norteamericana pero con una entonación rapera con el inconfundible sabor caribeño y una dedicatoria sentida a guerreros mexicanos y chicanos. Con samples más panameños que californianos nos sorprenden con temas que hacen sentir al folclor del istmo como “Vengo de Panamá” o “La chola”, en la breve track que incluye una voz cantaora que evoca la música campesina que generaciones atrás parió iconos como la cumbia y el tamborito.

Y cómo no, hay un lugar privilegiado para la calle, el ingrediente fuerte de la cultura rapera y reguesera del istmo (y de muchísimas ciudades del hemisferio). ‘Tengo mi pistola y mi diente de oro…’, así dice la frase más pegajosa de “Soy Raka”. Y raka o rakataka es como se le conoce en Panamá a la persona proveniente de los barrios más humildes, en una expresión usualmente despectiva que se asocia al mundo delincuencial. Así que ser raka en este EP es también un esfuerzo reivindicativo, como se ve también en la ya mencionada “Ta lista” (‘Me quieren detener pero no me echo pa’ atrás’).

‘Yo estaba birriando en la calle con los frienes… siempre tengo puesta camisetas bordá‘ ¡Escucha pana! Escucha la imaginación, el talento y la potencia de unos buenos, excelentes rakatakas, que dignifican la calle, que allá mismo cuerean lo que está mal cuando hay que hacerlo, y también cuando toca, le meten flow y erotismo al baile. Que lo diga el siguiente videoclip plagado de multicultura, juventud y flow ventia’o, presentado para la última versión del South By South West:

Pueblo de Brujos EP by trokeroficial

Ante la potencia que se desboca con la fusión de géneros, ritmos caóticos y dimensionales, Troker salta a la vista y a la escucha con su particular jazz rock y las imágenes mentales que logra fabricar en pocos segundos.

La agrupación oriunda de Guadalajara está a punto de dar un paso importante en la escena musical de nuestro país tras presentar su más reciente EP Pueblo de Brujos, y así buscar sumergirnos en un sendero fantasmagórico de sonidos que, hay que decirlo, suman potencial con la energía nocturna. Nuevamente la disquera Intolerancia abre sus arcas a lo no habitual y permite que el universo musical se expanda. Para no entrar en descripciones de lo que solo la emoción puede descifrar, aquí ponemos a su disposición todo el EP de 19 minutos, que sin cortes, ha sido subido a Soundcloud para nuestro deleite y libre albedrío en su escucha. Esperamos lo disfruten

Adrianigual
Éxito Mundial
(Cazador, 2011)

Diego Adrián y Nacho Aedo son Adrianigual, una mezcla entre música y discurso de lo más interesante y bien estructurado, con influencias de música electrónica, disco, pop, funk. Su disco más reciente Éxito Mundial (Cazador, 2011) no puede tener un nombre más atinado, un álbum que busca a través de la ironía en las letras hacer crítica social bailable, protestar crudamente sobre la posmodernidad.

Cantar letras con una necesidad de decir las cosas cínicamente recuerda un poco a lo que hacían Illya Kuryaki and the Valderramas cuando apenas terminaba su adolescencia: música de protesta alejada de la obviedad de la trova. Algunas veces el baile es la única salida para la presión del individuo, en términos de lo que actualmente sucede, ante la indiferencia de la sociedad. Éxito Mundial es una Intervención artística y discursiva en la música pop.

Definitivamente más intenso que su disco pasado Baila Baila Canta (Independiente, 2007) que contenía temas tranquilos con guitarra acústica y voces desganadas, este disco es de reinvención, ciertamente algo que nadie más está haciendo. Adrianigual ya lanzó dos sencillos con sus respectivos videoclips para este disco: Arde Santiago, un tema con un estilo que de primer momento recuerda a la música pop en español de los ochentas como Magneto, y Me gusta la noche, funk electrónico épicamente fiestero.

Además de estos sencillos, Éxito Mundial es un disco que vale la pena explorar tema por tema ya que sus letras abarcan desde la pérdida de la humanidad por culpa de la posmodernidad (“Siglo XXI”), el juego de la desigualdad social (“Bang bang bang”) y la superficialidad del mundo nocturno de la fiesta (“Me cargan los ochentas”).

Es realmente interesante la escena que se ha gestado en Chile de la que forma parte Adrianigual, un circulo en el que encontramos también a Alex Andwanter, talentoso productor del disco, director de videos y ex vocalista de Teleradio Donoso, un personaje de culto en la escena chilena, quién ha logrado impulsar proyectos como el de Adrianigual y odiSEA (Su propio proyecto) apostándole a una reinterpretación muy inteligente del pop, retomándolo como un género arriesgado con influencias como la de Michael Jackson y no un recetario de fórmulas para vender.

El disco está disponible para descarga gratuita desde la página de Sello Cazador AQUÍ.

Rob0ta

(Independiente, 2011)

“…a los humanos les fue dada una tecnología muy avanzada con la cual tuvieron la habilidad de crear robots con inteligencia artificial. Pero a través de los siglos, la entropía y los malos manejos han tenido consecuencias. La humanidad se ha revertido a una era preindustrial, en un mundo poblado por bestias quiméricas… Los robots han iniciado un programa de exterminación humana. Pero los mismos robots están al borde de la extinción, ya que sus propias tecnologías de reproducción han dejado de trabajar”

Sinopsis de Robota, novela de ciencia ficción escrita por Orson Scott Card (2003)

La fantasía de un amante robótico es un concepto que probablemente inició con la feminoide que suplanta al personaje de María, en Metropolis;  que no sólo es sexy, sino también lanza discursos incendiarios y actúa como líder de una revolución contra la estructura política de aquella ciudad del futuro. ¿Qué decir de La Esposa de Frankenstein (1935)? Aquella de movimientos furtivos, con una mirada intensa, pero vacía, proveniente de una mujer extremadamente guapa, concebida artificialmente por la ciencia (oscura). O el rostro grisáseo y mórbido con el que H.R. Giger metamorfeaba a una catatónica y candente Debbie Harry (Blondie) en una especie de “Bride of Alien”, para el álbum Koo Koo (1981). ¿Y qué decir de Rachel? La dulce y melancólica replicante en Blade Runner (1982). Por último (y para finalizar un recuento de sólo algunas de las robots más mediáticas), nos quedamos con la sutileza con que los amantes mecánicos se acarician en “All is Full of Love“, en el video de Björk dirigido por Chris Cunningham.

¿Y si vendieran a cualquiera de estas cuatro, como robots “de compañía”? Basta googlear palabras como “Sex” y “Robot”, para descubrir que las relaciones con robots no sólo están a la vuelta de la esquina, sino que están ocurriendo ya, al menos en versiones prototípicas. ¿Y qué será de las relaciones humanas cuando Apple decida dar el paso adelante, con el equivalente al iPod en cuanto a amantes robóticos? El libro Love + Sex With Robots de David Levy, contiene respuestas para varias de estas incógnitas: Es 100% factible que a las generaciones que actualmente poblamos el planeta, nos toque experimentar con este dilema. ¿Seremos tan adictos a las máquinas, como lo somos a nuestros SmartPhones o a las Redes Sociales?

Extrañamente, el googleo de las palabras “Sex” + “Robots” no sólo lleva a fantasías con muñecas cibernéticas, sino a máquinas de brutal potencia que ponen a prueba la stamina de, incluso, las pornstars más aguantadoras. Ver para creer (bajo riesgo propio).

Es en la conjunción de los panoramas y posibilidades antes mencionados que entra la música de Rob0ta: trío de México D.F. conformado por Alejandro Heredia, Alfredo Moreno y Hugo Quezada -este último, asistirá como representante mexicano a la Red Bull Music Academy de Madrid, 2011-. Desde 2004, los tres músicos se han avocado a rastrear y coleccionar cualquier tipo de cacharro musical proveniente de tiempos remotos, capaz de generar secuencias electrónicas, filtros de onda y efectos análogos. Influídos por la estética del rock industrial, el tecno, el kraut-rock y replicando modelos de actos editados por Mute Records como Throbbing Gristle, Laibach o Add N to (X) <- Checar especialmente “Metal Fingers in My Body” y “Plug Me In“, dos de las canciones/videos donde los londinenses exploraban las fantasías del cachondeo con máquinas y osciladores (con mucho humor negro de por medio).

Como un robot que puede fabricar a otro robot, el trío mexicano ha tomado las plantillas de Add N to (X), para iniciar una búsqueda propia. Tras 5 años de ser uno de los actos que más expectativas levantaban en la escena underground chilanga, es hasta 2009 que se ponen las pilas para editar al fin su debut en formato de cassette, insertado en una cajita reminiscente de los juguetes antiguos que hoy se encuentran en mercados de pulgas como La Lagunilla. La grabación llevaba enlatada desde 2005 y había contado con la producción de Bona Bonzon y Martin Thulin (de Los Fancy Free, ambos), personajes por más influyentes para perfeccionar el sonido kraut/space-rock. (No es coincidencia que otro gran álbum del 2011 sea el Futura Vía, de Bam Bam; también producido por el sueco-chilango Martin Thulin). BTW, el debut de Rob0ta se puede conseguir gratis en Bandcamp.

Llega 2011 y Rob0ta continua su muy particular saga con el álbum que ofrecemos en streaming, a través de Panamérika. Éste está disponible en formato de vinyl-LP, así es que si los sonidos son de su agrado, puede darse a la tarea de comprarle una copia a los mismos Rob0ta, contactándolos en Twitter  ¿Qué se puede adelantar, a manera de reseña? Un álbum impecable, de sonidos crueles, maquinales, que remiten a universos desoladores e industriales. Es música para anfetaminas, que logra acelerar el pulso y poner la mente en un ánimo rabioso, punzocortante y ultra-violento. Lo mismo hay vapor de locomotoras, que detritus glitchero. Guitarras con arreglos post-punk, ambientes de noise y secuencias anodinas acentuadas por agrestes vocoders; Robots capataces que explotan a otros robots, en maquiladoras subterráneas, donde el acero se troquela para generar ejércitos de más autómatas (algo me recuerda las secuencias apocalípticas del capítulo de Animatrix: El Segundo Renacimiento).

Si se puede hacer una única observación (no tan positiva) a Rob0ta, es que, a diferencia de Add N to (X), los ingleses encontraron una línea discursiva donde imperaba lo irónico, gimmicks a los clichés del heavy metal y stoner rock, historias à la Aeon Flux, pobladas por dictadores de ciudades distópicas llenas de conspiraciones y orgías. Al segundo álbum de Rob0ta aún le falta una voz, una historia que contar, más allá de reproducir una línea estética por números. A veces dan ganas de robotizar a Juan Cirerol…

Si hemos de recomendar al menos dos tracks para escucha, por si usted no goza de tiempo, les recomendamos la dupla de rolas: “Troqueladora” / “Arm & Hammer”.

El álbum Vulgar Display Of Power de Robota estará disponible en streaming del 22 de septiembre al 14 de octubre en Panamérika.

Compra y playlist

Aunque se trata de un recopilatorio editado hace casi dos años, vale la pena seguir promoviendo este maravilloso esfuerzo del sello español Vampisoul por rescatar para el mundo las diversas, inmortales y cada vez más influyentes joyas del prestigioso sello colombiano Discos Fuentes.

Aunque estos esfuerzos no son fáciles de materializar. Fundado en 1934, Fuentes fue pionero de la industria discográfica colombiana y en esa calidad, se convirtió en el sello que grababa en Medellín a los artistas más populares de la música que se hacía en el país suramericano. De rebote, las ediciones de Fuentes contribuyeron a la popularización, la urbanización y la marca nacional de géneros como el vallenato en los cuarenta, el merecumbé en los cincuenta, la cumbia orquestal y urbana de los sesenta, la salsa en los setenta y hasta colados por ahí, nacionalizaciones de géneros foráneos como el rock and roll o la chicha peruana.

En consecuencia, Fuentes posee un impresionante catálogo de artistas reconocidos internacionalmente como Joe Arroyo, Los Corraleros de Majagual, Fruko y sus Tesos o Rodolfo Aicardi, junto con precursores inmortalizados desde el folclor o los primeros experimentos urbanos como Peregoyo, Afrosound y Los Golden Boys u otros no tan recordados por el mainstream como Cumbia en Moog y Michi Sarmiento. Ante la falta de conciencia de las posibilidades de divulgación que tiene su colección, han sido algunos sellos independientes foráneos los que se han dado a la tarea de rescatar para el mundo las joyas de Fuentes. El turno de Vampisoul, es con artistas como los mencionados.

Como el nombre del compilado lo insinúa, el hilo conductor está en sonidos de fuerte raíz africana, expresados en géneros tradicionales (cumbia, del Caribe, currulao del Pacífico) y sonidos vanguardistas que confunden las fronteras (champeta, salsa y hasta funk). La selección se limita por el momento a grabaciones de los años sesenta y setenta, la edad de oro de Fuentes, con muchos temas incluidos en los tradicionales 14 Cañonazos, compilado decembrino en el que aun en la actualidad este sello exhibe anualmente sus grabaciones más populares.

Así es como encontramos clásicos de la pista de baile como “La cara de payaso”, “La negra Celina”, “Manyoma”, “Los sabanales”, “Tabaco y ron” o “El vampiro”. A ellos se suma la memoria del folclor del Pacífico en un momento en que los ritmos de esta costa olvidada vuelven a cautivarnos gracias a una nueva generación (“Chenchudino”, “Descarga Vacaná”); también aparece la manera como Fuentes respondió al incontenible despertar de la champeta (“Dog, Cat”, “Fiebre de lepra”) y diversas experimentaciones que incorporan los ritmos afrocolombianos a nuevas instrumentaciones y tecnologías (“Cumbia de sal”, “Salsa boogaloo”, “Jungle Fever”). En total son 43 cortes que reflejan el panorama de los más influyentes sonidos colombianos de hace cuatro décadas, donde vale reconocer el liderazgo del gran Julio Ernesto “Fruko” Estrada en la gran mayoría de estos documentos sonoros.

Hoy que las fronteras cada vez se abren más, que encontramos influencias de ritmos afrolatinos en proyectos que emergen desde Norteamérica, Asia y Europa, celebramos estos trabajos difusores. Nos ayudan a poner en su lugar una parte del estado de cosas de la música independiente que de cuando en vez invocan el pasado, que nos enseñan que la actual “revolución” de las fusiones sonoras es apenas la continuación de un proceso inherente al desarrollo de la música popular. Sólo que ahora desde afortunados canales difusores, tenemos la dicha que lo que ayer se grabó en Medellín, hoy lo lean (digamos) Copia Doble Systema en Copenhague o Mad Professor en Londres.

Después de la reseña del nuevo material de Ainara LeGardon, nos hemos dado cuenta de que falta voltear más al País Vasco, pero necesitamos ayuda y es justamente ahí en donde entra el catálogo ARTO ARTIAN. No es una disquera o un simple colectivo, es una nueva plataforma de comunicación para la música que organiza fiestas, muestras de música y distribuye discos; en su página oficial se define a sí misma como “un catálogo para la difusión de las músicas mínimas y el disco artesano. No está especializado en ningún estilo concreto, su principal propósito es proveer y promocionar SONIDOS de algunos de los artistas más interesantes y particulares de la geografía vasca y alrededores.”

No sólo aboga por la autonomía de la distribución de la música vasca, sino por la pluralidad en los medios de producción ya que no buscan hacerse ricos cooptando bandas sino canalizar a las bandas a su público, asociados de una manera ni siquiera de “disquera alternativa” o “cooperativa cultural”, son sólo un colectivo de personas preocupadas por dar referencia de lo más contemporáneo de lo que pasa culturalmente en su tierra.

Es una pena, por un lado, que la distribución sea tan limitada, pero esto hace que cada disco sea una pieza con gran cuidado en la calidad de su versión física: desde la hermosa caja de madera que envuelve el disco de Txorietxe (casa abandonada) hasta versiones descargables de música para performance, todo en la línea del DIY. Por otra parte, esta limitante (que algunas veces no obstaculiza la distribución en masa) le da cierto estatus de culto y logra alejar estas obras de la contaminación y prejuicios de la industria.

Es difícil hacer alguna recomendación acerca de la música mínima ya que sus autores están más cerca de ser artistas sonoros  que músicos, cada uno con un estilo y una identidad muy diferentes. Recomiendo ampliamente descargar la compilación V/A RUIDEMOS #100 para darse cuenta de qué es lo que este catálogo maneja y leer el manifiesto de lo que ARTO ARTIAN busca.

Ainara LeGardon
We Once Wished
Aloud Music / Winslow Lab, 2011

Mucho rock duro y un poco de folk es lo que nos trae en esta ocasión la cantante Ainara LeGardon nacida en Bilbao, País Vasco, su música es una especie española de Black Keys pero con un sabor violento y femenino a Lydia Lunch, Patti Smith o hasta una PJ Harvey densa y enojada. Es así que esta mujer nos presenta su tercer disco We Once Wished (Aloud Music / Winslow Lab, 2011), disponible para descarga desde la página de Aloud Music, disquera de España que nos ha presentado artistas como AtletA.

Cabe destacar que Ainara ha creado su propio sello Winslow Lab, a través del cual ha autoeditado sus discos anteriores: Each Day a Lie (Winslow Lab, 2005), In the mirror (Winslow Lab, 2003) y Forgive me if I dont come home to sleep tonight (Winslow Lab, 2009). En las anteriores entregas denota una auto-exploración de sus propios sentimientos y anécdotas con toques melancólicos y una preferencia por el idioma inglés como herramienta de salida para esta amalgama de emociones.

Una artista muy prolífica, Ainara está al el mismo nivel creativo que sus influencias mencionadas anteriormente, tal vez no llene los mismos foros pero logra evidenciar una intensidad espiritual folk en transición que actualmente ha ido dejando el sonido acústico de su guitarra española para sustituirlo por su semi-sólida Fender Coronado con la que se le ve actuando en vivo.

A continuación el videoclip un tanto escalofriante de “Thirsty”, primero del disco:

Siete

(Tzadik, 2011)

Siete piezas componen el álbum Siete de Klezmerson, un ensamble de la ciudad de México conformado por siete integrantes en su sección de créditos. El tercer álbum en la carrera de esta banda del Distrito Federal, se construye sobre un escenario poco aceptado pero presente en la mayoría de nuestro andar: la superstición. Toma con humor la superchería y la sabiduría popular que otorga al azar y a la mala suerte un papel protagónico en nuestro acontecer; no hay nada que tomarse en serio en esta vida. El tratamiento del álbum es suficientemente inteligente como para adentrarnos con gracia a este mundo de lo ridículo y lo hilarante de los malos infortunios, sin perder el respeto por los conceptos que le dieron origen a su propuesta. Pero indudablemente es descarado, seductoramente descarado.

 Mucho sabrá Klezmerson de la buena y la mala suerte pues este tercer disco ha sido editado por una de las disqueras más importantes para la música judía contemporánea y para el avant-garde neoyorkino, desde luego que hablamos de Tzadik, la disquera del mastermind John Zorn. ¿Cómo llegaría una banda mexicana a las manos de un monstruo de ese tamaño? Claro, como parte de una serie de eventos afortunados en los que alguna situación adyacente impulsó un trabajo serio que venía gestándose desde hace mucho. Benjamin Shwartz, compositor de Klezmerson, no tuvo más que aprovecharse del momento. El álbum se compuso, se grabó y produjo en un proceso (pesadillesco, probablemente) que duró poco más de un mes y los resultados son sorprendentes al escuchar la calidad de grabación y masterización de la que se hace alarde en Siete. Como dirían por ahí en las esferas futbolísticas: “Sí se puede”.

El klezmer por sí mismo es una música de celebración tal como el huapango, el son o la charanga que intervienen en este proyecto. Un espectáculo cultural como el jazz o el rock que son los elementos que hilvanan todo el sonido en la propuesta de Klezmerson. Hablar de una fusión entre el klezmer — música de la Europa Occidental— con escalas gitanas, son, huapango charanga, y rock, pareciera un elemento orgánico en la formación de cualquier judío mexicano como músico, pero no siempre había sucedido así. Klezmerson es una banda única en su especie, un proyecto que ha implicado un estudio profundo para lograr un sonido auténtico, y que ha involucrado un proceso en el que se ha cultivado una preocupación continua desde 2003 y que al 2011 ha madurado.

Han superado esa barrera que impone la palabra “fusión” como una estrategia del mercado del World Music. Lo que habla aquí son conceptos vivos, imaginarios culturales que dialogan, como dialogan en la cotidianidad. Así como es posible tener una sincronizada en pan árabe, era culturalmente obvio que alguien tocara klezmer con mariachis, o klezmer con son y estas dos con jazz y rock duro.

Escuchar el proyecto de Klezmerson trae a la superficie uno de los elementos más ricos en la construcción del México contemporáneo, la multiculturalidad de la que gozamos producto de las múltiples oleadadas de migración durante el siglo XX. Los trazos del disco componen imágenes corroidas de un pasado que sigue en transformación. Memorias colectivas, y presentes que las intervienen. Hablamos de los judíos migrantes y de sus nietos, en este caso judíos europeo-mexicanos de quizás tercera generación que bien pueden ser judíos guadalupanos, o músicos empapados por la música regional con la que crecieron. Abuelos que llegaron a México a principios de este siglo, provenientes de una situación depresiva y monocromática para arribar a un Veracruz en technicolor. Se habla de sus nietos que hicieron todo más complejo, que crecieron entre muchas otras cosas con Mr. Bungle, durante los 90 y que ahora tienen la oportunidad de responder directamente a esas influencias.

Lo identitario se construye conforme a una constelación de elementos vivos en la gente, que mantienen a las culturas en procesos dinámicos al tiempo en que van construyendo lo que cada persona es, y lo que lo caracteriza en su presentación frente al mundo. Esto puede ser una canción tal como un son-klezmer dedicado a la migraña (un infierno que resulta epítome de lo personal) como “Migra-son”, pasando por la adaptación de una tradicional canción Sefaradí convertida en un “narco-klezmer” en “Se va”. Mientras tanto el disco navega por travesías instrumentales, jaranas resignificadas, guitarras, metales violentos y seductores, escalas aumentadas, distorsiones, ruidos, y baterías pesadas.

Pero también por la desafortunada historia de Shmuel en “Zuntik” un personaje maldecido a quien Dios le ha enviado un loco como empleado, una canción cantada en Yiddish por el Hazan Moshe Mendelson, el cantor que preside casi todas las ceremonias religiosas de la comunidad Ashkenazi de la ciudad de México. Por si fuera difícil dimensionar lo irreverente de la situación, imaginen a su líder religioso de preferencia, con toda seriedad, cantando sobre guitarras distorsionadas y baterías pesadas.

Siete es más que un álbum, es un detonador de imaginarios. Quien tenga la suficiente disposición de aproximación a él tendrá 41 minutos de grata escucha y de reflexión (¡caray, hace cuánto, en México, no nos dan algo positivo en qué pensar!). Quien esté familiarizado con el trabajo de John Zorn, Mike Patton, Cyro Baptista o algunos otros talentos de la disquera Tzadik, encontrará fuertes elementos para engancharse en esta travesía.

Escuchar este álbum de Klezmerson es compartir con ellos algo de sí mismo que trastoca muchos ámbitos entre la música y su papel en las culturas. Sólo algunos sentirán la profundidad de sus raíces, pero para los otros espectadores de ese teatro multicultural, podrá resultar francamente placentero y desafiante escucharlos. Judíos europeos en el mundo, mexicanos, rockeros y melómanos podrán encontrar en Siete una parte que les hable directamente.

El disco Siete de Klezmerson estará disponible para escucharse completo en streaming en Panamérika desde el lunes 26 de agosto hasta el 16 de septiembre del 2011. ¡Mazeltov, cabrones!

Juanra Urrusti fue durante varios años guitarrista y cantante del grupo mexicano de rock psicodélico Sour Soul, sus caminos se separaron y el año pasado presentó el EP Beliefs (Independiente, 2010), un bello disco de folk en solitario. Ahora Urrusti nos trae Neighbor to Solitude (Independiente, 2011), un compendio de canciones que fue acumulando durante años, composiciones que no le iban a su grupo anterior, así como temas muy introspectivos y hasta crípticos.

Diferentes músicos, algunos de Sour Soul, lo acompañaron entre el 2009 y 2010 en sus esporádicas presentaciones en Pasaje América, el Tokyo Pop, Blue Bar y D´Polak. Es así que la alineación de este grupo ha ido cambiando con las circunstancias e inclusive el disco fue grabado durante un largo proceso de meses mientras cada músico aportaba su colaboración.

Es difícil catalogar el género de este disco, Neighbor to Solitude mezcla elementos del pop, rock sesentero, folk y hasta muestra influencias del rock progresivo muy clavado en bandas como Gentle Giant por algunos momentos, la novedad es que esta variedad de géneros no se da entre los cambios de tema sino dentro de una misma canción: Tenemos por un lado cambios armónicos de ritmos y arreglos complejos y hasta rebuscadas anacrusas, ejercicios recurrentes que quieren demostrar que Juanra Urrusti ha estudiado música.

Existe por eso mismo un extraño balance en el disco que hace necesario escucharlo completamente varias veces, un recorrido por distintos lugares, narraciones de la vida de Juanra, recuerdos de la primera gira con Sour Soul como “Heart Full of Song”, historias sórdidas de asesinato como “Babe” y su segunda parte “Angela Simons”, la romántica “María” que dedica Juanra a su novia y el cierre del disco con un potentísimo cover de “The Future” de Leonard Cohen (Sí, la de Natural Born Killers).

El disco es un despliegue de arreglos sorprendentes y un cuidado extremo en el sonido. Hay que seguir las presentaciones en vivo para ver si los músicos del proyecto de Urrusti le hacen justicia al disco. Durante dichas presentaciones también hay covers como “Bad Days” de Adrian Belew (King Crimson) y “Miss You” de The Rolling Stones.

A continuación dejamos el sencillo popero “Broken Love” y la más interesante “Angela Simons”:

Broken Love by URRUSTI

Angela Simons by URRUSTI

Lorelle Meets The Obsolete
On Welfare
(Captcha Records, 2011)

Lorena Quintanilla (Lorelle) y Alberto González (The Obsolete) son un dúo tapatío que recientemente vino a instalarse a la Ciudad de México para presentar el proyecto Lorelle Meets The Obsolete con su disco On Welfare (Captcha Records, 2011).

La banda se define a sí misma con la vena psicodélica, Psych Rock, en una tendencia a mezclar lo masculino y lo femenino a lo Velvet Underground & Nico o los más actuales Midnight Movies.

Esta confrontación de género crea un ambiente que se va complementando, no estalla de repente ni se torna violento sino que su intensidad se da gradualmente. Cuando se inicia un disco con tanta decisión, no es necesario llenarlo de matices. Percusiones hipnóticas como panderos, teclados con sonidos de órgano, bajos inflados, guitarras sólidas y semihuecas una sobre otra y títulos en inglés que pudieran pertenecer a la literatura Beatnik; esto es lo que el disco ofrece.

Este es el puro DIY, fue grabado y mezclado por el mismo Alberto González y la misma portada no muestra más que una foto en blanco y negro con una imagen texturizada de los músicos tocando. Arte sencillo y directo que luce impresionante en vinil como las portadas que Charles Peterson hacía para los sencillos grunge de Sub Pop en los noventas.

En su red de compas está Mentira Mentira y Robota, esta banda podría ser parte de lo que esta ciudad necesita, la variedad de géneros de una escena musical directamente relacionada con otros lugares del país y plenamente dispuestos a competir en el mercado internacional para que sus amigos no sean su único público.

El disco entero se puede escuchar en su Bandcamp:

Mexicans with Guns

Ceremony

(Innovative Leisure, 2011).

Mexicans with Guns es el proyecto de Ernest Gonzales, un músico radicado en San Antonio, TX, que encontró cobijo para sus demonios bajo una máscara de luchador y la electrónica pesada. Su estilo conjunta géneros como dubstep, drum n’ bass y electrónica de 8-bits que le ayudan a retratar panoramas inciertos, intenciones oscuras y realidades difusas. La primera producción discográfica del enmascarado se titula Ceremony, y presenta todas las cualidades citadas bajo la firma del sello Innovative Leisure; sin embargo, una de las virtudes que hacen única y digna de repasarse entre la oferta musical del presente año, es la integración del folclore hispano y sonidos rituales étnicos que probablemente son parte del legado cultural de este personaje.

Ceremony es un trabajo lleno de bajos densos, memorias a los videojuegos y pasajes instrumentales que inspiran a no cerrar el ojo en toda la noche; sin embargo, también cuenta con la facultad de motivar el auto conocimiento por sitios que la conciencia procura omitir. Es un álbum dinámico e impasible que pasea con sutileza por los géneros más socorridos de la aprobación crítica, aunque con la capacidad suficiente para no caer en lo obvio y complaciente… al menos no en su totalidad.

“Opening Incantation” da introducción con una voz que reza “soy la montaña… soy el mar…”, acompañada de tambores prehispánicos que delatan el sonido predominante en el material. “Jaguar”, “Fields” y “Deities” mantienen el paso de manera satisfactoria y alcanza su punto sobresaliente al llegar a “Restart”, que con la voz de Sasha Perera termina de enganchar al escucha, hasta que quiere revisar la totalidad del álbum; sin embargo, tanta exploración de géneros musicales como el hip hop, regionalismos y dance de ultratumba puede terminar en un conflicto del que no siempre se sale airoso.

Piezas como “Highway to Hell” que integra hip hop, o las intenciones tropicales cubanas en “Me Gustó”, desdibujan el avance logrado y nulifican el intento de regreso en tracks como “Mirage” o “Corazón”, las cuales se diluyen en el paso titubeante del exceso de experimentación. Ceremony continúa con el ágil dubstep de “El Sol y la Luna”, pero choca nuevamente con el hip hop y cae en la peor inconsistencia: “You Got Me Fucked Up”, la más desafortunada entre las catorce canciones.

“Dame Lo” –sencillo más reconocido en el debut de Mexicans with Guns- marca el clímax del álbum, al hacer gala de un buen sampleo vocal y bajos profundos que toman buena forma gracias a sonidos de 8-bits y veloces percusiones; aunque para este momento, la sensación es más cercana a “coitus interruptus” que a la plena satisfacción. “Death and Rebirth” preserva la atención del escucha para que el cierre de Ceremony, “El Moreno” sobresalte la atmosférica colaboración de Helado Negro y deje una mejor impresión al final.

Mexicans with Guns ofrece un trabajo completo y lleno de momentos interesantes que vale la pena revisar más de una ocasión. Su fallo radica en la integración de géneros obvios como el hip hop y el exceso de repetición a lo largo de 52 minutos de duración. Este fenómeno torna la escucha en un proceso largo y agotador, al punto de no distinguir los puntos altos de los momentos incómodos y por lo mismo, no lograr satisfacción total. Tal situación elimina el misticismo y gracia logrados en la primera mitad para terminar con desencanto e incertidumbre como impresión final.

Afortunadamente para Ernest Gonzales, este álbum debut refleja que su música no tiene barreras, sino malas decisiones. Conforme su trayectoria se desenvuelva, encontrará la experiencia que le ayudará a fortalecer su música en las virtudes y eliminará los jugueteos con estilos que le restan cualidades. Ceremony no es un paso en falso, sino la promesa de un futuro satisfactorio que aún está en su etapa de gestación.

Jessy Bulbo

Telememe

(Independiente, 2011)

De un mundo de ser y hacer surge la naturaleza de este nuevo álbum Telememe por parte de Jessy Bulbo que nos invita, como siempre, a hacer del juego y el humor una creación sonora.

Definir éste disco, es de entrada una tarea difícil, y se agradece. Jessy vuelve a demostrar que lo verdaderamente independiente en un artista o grupo, debe ser la libertad en el momento de realizar sus composiciones. Ella en conjunción y complementación principalmente con Alexis Ruiz, han logrado cambiar de atmósfera la música de Jessy Bulbo y exponerla a distintos escenarios que salen del garage y llegan hasta etéreos encuentros con “Belcebú”, en sus canciones.

Es justo esto, la variación constante de ambientes, lo que hace de este disco algo particular, yendo de pasajes ácidos (como en el track de “Telememe” mismo) a dulces reclamos dirigidos a la cotidianidad y a la moralina, como “La Cruda Moral”. No existe una línea que trace el rumbo del disco en conjunto, pero hay algo que descubrir en cada melodía y ese algo es lo que impulsa a adentrarse en el disco de una forma más íntima y distinta a la que nos tenían acotumbrados.

Los dos, Jessy y “Galaxis”, han expresado haberse estado empapando de nueva música, y hasta de nuevas amistades en su día a día, lo que se ha acabado reflejando en su enriquecimiento en interpretación y producción musical, sin que esto signifique negar el pasado. Todo esto, aunado al amor natural que sienten desde siempre por otros géneros musicales que van desde el jazz y la electrónica, hasta los boleros… ahora se manifiestan.

Para entrar en polémica agusto, el disco está a libre descarga en su sitio www.jessybulbo.com

Qué disco tan festejado. Algunos de quienes lo aplauden argumentan una madurez lírica respecto al anterior –aunque eso haya significado dejar a un lado la desfachateza de letras como la de “Muérdete la Lengua”–, mientras que otros se concentran en la brillante producción a cargo de Vicente Sanfuentes (Gepe, Señor Coconut), el somalí-canadiense Mocky (Jamie Lidell, Feist, Puppetmastaz) y la propia californiana de padres chilenos, quienes seguramente escucharon con insistencia y añoranza a Violeta Parra y Víctor Jara durante los años formativos, y de exilio, de Francisca. La instrumentación y los arreglos le confieren a las canciones –que bien podrían tocarse desnudas con sólo una guitarra acústica– un tono dulce, afilado, como de soul perfecto que queda muy bien con la voz joven de Francisca. Si conoces The reminder (Polydor, 2007) de Feist sabrás a qué nos referimos.

Este álbum es importante porque exhibe la evolución de una voz chilena universal, más cercana a Parra y Jara que a, digamos, Javiera Mena. Francisca Valenzuela sería a Chile lo que Joan Baez a Nueva York o lo que Julieta Venegas a México. Prácticamente todas las canciones funcionarían bien como sencillos promocionales. El primer tema, homónimo del álbum, anuncia a una Francisca briosa y con un “buen rabo”. Una continuación más ligera de esta declaración de principios es “Mujer Modelo”, que se antoja remezclada para bailar. Por su parte el sencillo “Qué Sería”, pegajoso a morir, suena más a celebración que a lamento. En general Buen soldado (Feria Music, 2011) es un álbum animado, como para sencillamente alegrar tiempos muertos, así como ponderar posibilidades personales, de pareja y sociales –sorprende positivamente que el disco termine con “Salvador” (yo quiero ser un faro y guiar este país, que está tan país, quiero ser su salvador). Francisa podría ser la salvadora del pop chileno. Que no abandone nunca su cetrería pop.

Odio París
Odio París
(El Genio Equivocado, 2011)

Desde Barcelona llegan guitarrazos, sintetizadores, pedales de efectos y sonidos nostálgicos shoegazeros en el primer LP homónimo de la banda Odio París. La cultura cíclica nos hace voltear a ver 20 años atrás cuando esta música era la novedad, para descubrir que los elementos de la más pura tradición del noise pop siguen vigentes.

Personalmente, lo primero que noté en las fotos que vi del grupo son esos encuadres, colores degradados, miradas, chamarras y gabardinas que Rachell Goswell y Neil Halstead (Slowdive) portaban en sus buenas épocas. Odio París no busca fusionar el shoegaze con sonidos modernos o con tendencias electrónicas de nuestros días, sino que persigue un objetivo back to basics de Ride o My Bloody Valantine, pero ahora en español y con un nombre enigmático: el “Odio” al lado de “París”, ciudad cliché del amor.

El disco cumple su objetivo, tiene este aire de música densa que crea atmósferas enmarañadas de feedback, con canciones que por momentos resultan pesadas pero no por ello depresivas, de hecho son melodías alegres en general, con letras que hablan de amor a través de voces reverberadas y que crean momentos épicos como el tema “San Antonio”. Esto sólo se logra gracias a que es un ruido que realmente está trabajado; suenan muy bien, hay una búsqueda de limpieza, no de saturación gratuita, en el sonido de estudio. Como cualquier gran banda atmosférica, deben de ser un gran show en vivo.

Al no existir una gran escena de noise shoegazero en español, vale mucho la pena darle una escuchada a este disco. A continuación el primer video “Uno de noviembre”, cuya letra hace referencia al católico Día de Todos Los Santos en España:

Austin TV
Caballeros del Albedrío (Disco doble: ‘Han’ y ‘Seeb‘)
(Terrícolas Imbéciles, 2011)

Por fuera, el concepto gráfico del álbum físico -siempre tan importante para Austin TV-, está basado en la etapa amarilla con negro y de figuras asimétricas que maneja la banda en este momento; tendrá ‘pop-ups’ de cartón, además de suajes y tarjetas para cada canción. El trabajo está dividido en dos discos complementarios: ‘Han’ y ‘Seeb’.

Pero antes de entrar en la parte apreciativa, hay que entender un poco sobre la concepción de este álbum. Durante un periodo de retiro en Avándaro, el grupo se reunía a ver películas por la noche, de cada película elegían una frase y luego la codificaban en números para convertirse en la base melódica de cada tema. Para algunos puede resultar un choro rebuscado y pretensioso, dudando inmediatamente de una obra musical que requiere de una justificación más allá de sí misma, para otros, es justamente el concepto que necesitan para sentirse identificados.

En el panorama mexicano existen bandas que buscan obsesivamente la aceptación de los medios masivos de comunicación para así llegar a la gente mientras que Austin TV construyó a su público tocando, tocando y tocando: desde el foro Alicia hasta Coachella. Es así que se acercaron a sus actuales fans, quienes portan orgullosos pines de la banda y marchan desde el Tianguis del Chopo hasta el Teatro Metropólitan.

Para un chico que va en la secundaria o prepa en el DF es difícil identificarse con los grupos furiosos del norte quienes cantan sobre cómo salir a la calle es un deporte extermo, en cambio, este grupo florece y acompaña el desarrollo de chicos que experimentan el amor, la soledad y la incertidumbre del crecer, sentimientos cercanos para jóvenes que viven atrapados en el escenario de un país en perpetua crisis social.

En este segundo álbum oficial, los miembros de Austin TV han pasado de ser los niños eternos de Fontana Bella, a ser voceros de un ejército de adolescentes que quieren vivir en un mundo feliz. ¿Una aspiración inocente? Tal vez, pero sí una aspiración diferente. Esta no es sólo la banda que llena de fans los foros con el rollo de las máscaras, esta parafernalia es mercadotecnia que ningún otro grupo mexicano ha sabido explotar, es un universo que incluye el discurso implícito en la ausencia de palabras; el sello de ser instrumentales es un compromiso conceptual de una dialéctica discurso-no discurso con el que una generación de jóvenes fans mexicanos se sienten identificados en una época en la que un discurso con palabras no vale nada.

‘Han’

Cuando tuve por fin el ‘Han’ de Austin TV en mi disco duro pensé inocentemente, por el adelanto que ya habíamos tenido del tema “El Hombre Pánico”, que me enfrentaría a un disco que tiraba a lo electrónico-matemático, y nada más equivocado. Jamás pensé que éste fuera tan distinto a ‘Seeb’.

El intro con guitarra acústica pasa a un rasgueo que evoca los ritmos jaraneros y se fusiona con sonidos que recuerdan a una melódica -muy recurrente en estos días pero no siempre tan bien utilizada-, pasando por un interludio que termina con las palabras “el mundo sería mejor así” en una voz femenina, y llega a un final que tira hacia el post-rock característico de la banda, con explosiones y paisajes dibujados musicalmente.

Sobra decir que la música de este grupo es muy cinematográfica, verdaderamente crea momentos de tensión y calma. La gama de sonidos que en este disco abarcan convierte al escucha en un viajero entre imágenes, una odisea que va pasando por escenarios diversos con los que cada persona va a armar su propia película. Un trabajo impresionante, complejo, que va evolucionando y atrapando con cada tema y también cada vez que se escucha. Hay que darle play muchas veces.

‘Seeb’

Esta es la parte más ruda de Caballeros del Albedrío, aquí se integran estos elementos electrónico-matemáticos a los que me refería con el sonido de guitarras y sintetizadores más característico de la banda, pero con un giro más limpio, más trabajado y más pensado.

El disco tiene momentos simplemente geniales y a diferencia de mucho post-rock que se clava en poner capas y capas de sonidos, este disco busca ser muy, muy dinámico: cuando piensas en el sonido que estás escuchando ya tienes otro y los cambios de ritmo sorprenden a cada instante, los sampleos son escasos y me parece que al final podría ser el soundtrack de una película que a muchos nos daría gusto ver.

Esto es lo que hay en ‘Seeb’, a decir verdad es muy difícil describir con palabras un obra de arte que no contiene ni una sola (excepto por los sampleos y el conteo en “El Hombre Pánico”). Junto con ‘Han’, esta parece ser sólo una pieza del universo que Austin TV está armando, un universo conceptual más allá de los disfraces, y que es justamente el legado de la banda.

El asunto de las películas y los códigos no cambia la esencia de este grupo y parece más un esfuerzo por buscar ser diferentes en un plano creativo que por ser mejores músicos. Ciertamente cada tema en el disco mantiene una identidad, pero tampoco parecen estar determinados por características nuevas o sorprendentes gracias a la introducción del nuevo método, que al final es más pretencioso que la música que resulta de él. Si la música es buena o mala, si gusta o no, será por la propia música y no por alguna explicación.

A continuación el video del primer sencillo “El hombre pánico”:

Helado Negro

Canta Lechuza

(Asthmatic Kitty, 2011)

Helado Negro es el proyecto de Roberto Carlos Lange; un músico de origen ecuatoriano pero radicado y activo en Miami, Florida desde los inicios de su existencia. Su historia musical data desde el 2006 y en 2009 editó su primer trabajo oficial como músico titulado Awe Owe. Este le mereció el reconocimiento de públicos internacionales gracias a la fusión de géneros folklóricos de la nacionalidad de sus padres. Este 2011 lanzó su segundo trabajo discográfico titulado Canta Lechuza, bajo el sello Asthmattic Kitty, propiedad del renombrado talento de Sufjan Stevens.

Más allá de cualquier etiqueta, el mayor mérito que Lange tiene bajo su alias, es la capacidad de generar atmósferas de ensoñación tratadas desde una máquina de loops y una melódica voz, aunque sin destacar cualidades más allá de la entonación. Canta Lechuza invierte sus casi cuarenta minutos de duración en relatos subliminales de las experiencias de su creador, a veces sin forma definida y otras, con el misterio que toda composición requiere guardar. La intimidad es el sello de identidad que defiende la historia que Roberto narra en los once episodios de este trabajo.

Esta misma característica requiere la paciencia de un público que no acostumbra asumir la introspección en la experiencia “superficial” de escuchar un disco. En una entrevista exclusiva para PanamériKa, Roberto comenta que la creación de Canta Lechuza fue durante un internado en Connecticut, donde no compartió sus avances ni con la gente que habitaba su residencia. La página de Asthmattic Kitty comenta que durante este tiempo (Noviembre de 2010), Lange despertaba por la mañana, se bañaba, vestía y preparaba una taza de té para salir a contemplar el bosque hasta terminar su bebida. Después de eso, se metía a la casa para trabajar en el álbum. El resultado final es tal cual lo describe esta escena: una serie de meditaciones, paisajes y disertaciones sobre su entorno.

Uno de estos ejemplos -explica Lange- es la letra del primer sencillo de este material “Globitos”, descrita como “la paranoia de todos los ojos de la gente que lo observa en medio de una presentación”. “Lechuguilla”, una de las canciones más sobresalientes en el álbum, es una composición de diferentes palabras que construyen ideas como “let-you-guide-me” (dejo que me guíes). Este es el nombre de la tercer cueva más grande en Estados Unidos y representa un juego en el que la fonética de la palabra y la idea de la cueva adquieren el sentido con el que Lange relaciona sus ideas al momento de tener relaciones sexuales, según dijo el mismo Roberto durante la entrevista.

En la extensa conversación que tuvimos con este músico, pudimos aclarar varios de las ideas preconcebidas que surgieron tras innumerables escuchas a la totalidad de Canta Lechuza, entre ellas las influencias musicales que ayudaron a la composición de este material. Él aclaró que le gusta refrescar su inspiración musical en cada material, pues no le gusta repetirse y trata de crear algo genuino en cada uno de sus álbumes. Roberto dejó en claro que su interés musical no radica en dar complacencias, sino en crear algo legítimo que acoja a su público en su imaginario. Esta razón es la que lleva el contenido general del segundo en su discografía a alcanzar una apreciación de culto, alejada de la aprobación crítica.

Canta Lechuza no es fácil de llevar en una, dos o hasta tres escuchas; es un álbum que se lleva muy bien con la intimidad nocturna, pero que no hace mayor eco hasta la proximidad del sueño. La mayor parte de su contenido puede pasar desapercibido, pero a la vez distingue su desnudez, la sinceridad con la que se revela ante el escucha. A pesar de la paradoja, Helado Negro consolida su talento en un álbum que exige ser escuchado como el parteaguas de otro músico de origen latinoamericano que será reconocido en círculos internacionales de reputación consolidada.

Para mayores referencias, escuchen la conversación que tuvimos con Roberto Carlos Lange, presentada en nuestro programa 149 (Abuelita Púrpura).

¿Recuerdan que hace unos días subimos el Lado A del nuevo álbum de Los Esquizitos? Pues a una semana de su lanzamiento el 1 de julio. Llega a nuestros oídos el Lado B, por tiempo ultralimitado. Acá se los dejamos para que le den su merecida escucha.

TÚ QUIERES SER COMO YO – LADO B by losesquizitos

Hace casi año y medio les recomendamos un videoclip de la banda venzolana La Vida Boheme. En esa ocasión nos sorprendió un grupo de jóvenes que estaban siendo ponderados como la nueva generación de la música rock en su país, con sus dosis de electrodance e indie rock.

Poco después salió editado el álbum Nuestra para distribución gratuita por el sello All of The Above. En este 2011 el mismo álbum fue noticia al ser distribuido por el prestigioso se llo Nacional Records, alianza que permite al mundo conocer de muy cerca cuál es el sonido que ha cautivado a la escena venezolana y qué tiene el mismo para prometer llamar la atención del universo alterlatino.

El álbum comienza con un enérgico gabba-gabba-hey. Así  nos corean los cuatro “chamos” de La Vida Boheme, invitándonos a la parranda con “Radio Capital”, un homenaje a la estación que difundió en los años 90 los sonidos alternativos de los melómanos venezolanos. Luego “El cigarro” nos mantienen arriba con sus dosis punk, mientras que “Huxley” se presta para salir a una pista de baile sin perder el aliento rockero (muy a la manera del primer corte). Más electrónicos y experimentales se insinúan en “El sentimiento ha muerto” y en el cierre que titula el álbum.

“El buen salvaje” o “El Zar” invitan a descifrar toques británicos entre una actitud latina que no se puede evitar. Toda una conexión que de Caracas (parando en La Guaria y Punto Fijo) nos manda a Cardiff, Glasgow o Manchester. Aunque “Calle Barcelona” y “Nicaragua” nos insinúan que los anteriores no son los únicos viajes propuestos.

En enero este cuarteto culminó su gira local con la promesa de que prepararán un nuevo álbum. Así que los estaremos esperando para seguir contagiándonos de ese espíritu viajero.

Popemas

(Elefant, 2002)

Este disco salió en 2002, sí, pero vuelve a estar en boca de muchos, pues desde hace unas semanas es posible conseguirlo en vinilo, además de que su interpretación en el Primavera Sound, en España, puso contentos a los fans y creó nuevos. A continuación una reseña de este disco esencial de Elefant Records –producido por Ibon Errazkin y con colaboraciones de artistas como Nacho Vegas– y en realidad de todo el pop español, canción por canción. Puedes comprarlo aquí.

“Arte”. Uno de los valses más memorables del pop en castellano reciente. La letra nos anuncia el tono lírico del disco: el gozo de una relación bonita que por supuesto tendrá que terminar. Puedes mirar aquí el video.

“Agarradita”. El gozo continúa. La chica está feliz con su relación, aunque sl mismo tiempo se le nota angustiada. El clímax, profético: “Y le pondrás una medalla en el corazón que pinchará, que llevará con honor”.

“Copiloto”. Enojo, ánimos de venganza, emancipación. “Yo ya sé conducir, yo hoy fijo un rumbo nuevo a mi corazón.” La batería comienza a destacar.

“Polilla”. El primer popema melancólico. Dos voces se dan paso la una a la otra para hablar de la nostalgia.

“Mejor”. Una de las favoritas del disco, con poco más de un minuto de duración. La chica se lamenta por el final de su relación bonita. “Y si hoy estoy contenta con todo lo que tengo es porque te recuerdo un día sí, un día no.” Nacho Vegas en los coros.

“Tan Sólo Por Los Besos”. Más melancolía, esta vez con lluvia. La chica está desconsolada.

“La Canción De Aquel Momento”. Esta la escribió Montse. Se escucha más animada que las últimas canciones, pero continúa con el tono de lamentación que caracteriza al disco. Otra vez sobresale la batería –los platillos.

“Gloria”. Regresa el optimismo. La que canta tiene un plan para esquivar el dolor: perderse entre las calles, bailar por el pasillo que está tan frío, mezclar chocolate y leche para un batido, pegar saltos en la cama y más. Esta es una de las canciones que nos conectan con la genialidad del Popemas. Puedes mirar aquí el video.

“Corazón Colilla”. Un retazo de canción muy bien producido. O mejor dicho una canción, sin lo de retazo. La ausencia de verso, coro, verso y coro no reducen este maravilla a retazo. Es una canción en forma, o en el lenguaje de las Nosoträsh, un popema.

“Nada”. Este popema habla de ese sentimiento de renovación tan característico después de una desventura romántica, en este caso una renovación fallida. Nos encontramos a la mitad del disco.

“Cenicero”. Casi un himno de optimismo, o una declaración de principios. Empieza a quedar claro que este disco es ideal para después de terminar una relación. La melodía es gozosa, y gusta mucho el “nananana” al final.

“Recuerdos Que Olvidé”. Otra vez un tema nostálgico. La esperanza, no obstante, está ahí: “Algún día, no sé bien, no sé cómo ni por qué, estaré junto a las nubes otra vez”.

“Electro-Jeanette”. Tristeza total, la niñez evaporada, desconsuelo. La canción seguro tiene un origen romántico, pero también suena a salmo: “Si te alejas tú me quedo sin luz”. Dios, ayúdala.

“Doméstico”. Imágenes que nos recuerdan a “Arte” o “Gloria”. El corazón está confundido. Sale el Sol, pero el frenesí de la guitarra sugiere nerviosismo. Algo está mal, y no se sabe qué.

“Maldito Color Gris”. Otra canción que parece religiosa, será la melodía, el ritmo lento. En esta canción de Natalia se vislumbra un porvenir más brillante, un corazón sano, un cielo menos gris.

“Sobre Mi Pecho Un Alud”. Otra canción que nos recuerda a “Gloria”, quizá por la batería. La melodía es linda, coqueta, casi folclórica. Qué bien les quedan los valses a estas asturianas.

“Por Los Restos”. Un tema difícil de desentrañar, pero disfrutable. Dan ganas de escucharlo varias veces seguidas. Se queda en la cabeza la frase: “Es mejor mojarse, es mejor oler a sal”. A disfrutar el llanto, pues.

“Simulacro”. Otro vals. Los Cola Jet Set deberían hacer una versión de esta canción, les quedaría muy bien. Suena alegre, y uno imagina a las Nosoträsh sonriendo cuando la grabaron.

“Sentada Al Borde De Mí”. La chica lo consiguió: “Salté y en un momento conseguí olvidarme de ti”. Qué bonito ese órgano que de pronto da paso a la batería.

“Tres Tristes Tigres”. Nacho Vegas otra vez. La canción en la que la amistad se convierte en la conclusión del dramón gozoso que es el Popemas. “Vamos a decir que es amistad ¡y no se hable más!”. Luego viene el track escondido, con el que abrieron su concierto en el Primavera Sound. Es bonito, optimista y funciona re bien como final: “Y ahora que no estás en ningún lugar quiero comenzar, quiero despertar, hoy vuelvo a pintar, hoy vuelvo a pensar, hoy vuelvo a besar, hoy vuelvo a abrazarme”. ¡Bravo!

El tomar una guitarra y armonizar lo inarmónico del día a día, es un fenómeno muy propio de la música, pero en cada caso se manifiesta de distintas e interesantes maneras. El caso específico de Juan Cicerol es uno muy peculiar ya que es de esos personajes cotidianos que ha decidido retomar el lenguaje de uso común de los mexicanos —como el viejo rock urbano solía hacerlo— para reflejarnos en el espejo social y recordarnos una parte esencial de nuestra historia musical, que quizá empezó desde Chava Flores y después mutó a importantes representantes como Rockdrigo o la Botellita de Jerez.

A manera de poemas y letras de insipiración callejera, este hombre de Mexicali, Baja California, se ofrenda a nuestra escena como un narrador de las causas perdidas, olvidadas o quizá hasta destiladas por una noche de perdición; un folclore que es expresado por una persona pero que identifica a un país.

Dentro de su disco, muy bien llamado Ofrenda al Mictlán es seguro que en algún tramo de sus melodías nos toparemos de frente con algo de nosotros mismos, y podremos transmutarlo a algo más positivo con alguna de las risas detonadas por su despreocupado ritmo, libre de juicios.

Sin duda ésta es una propuesta que en vivo debe multiplicar sus virtudes por la interacción que se desarrolla con los asitentes; y así como poco a poco este hombre ha llegado a distintos oídos a lo largo de la República Mexicana, marcará paulatinamente nuestra escena en poco tiempo, con ayuda de su aventurera y emprendedora disquera Vale Vergas Discos, que por cierto ofrece a descarga gratuita esta producción en su web www.valevergasdiscos.com

Sr. Chinarro

Presidente

Mushroom Pillow, 2011.

Antonio Luque tiene una extraordinaria capacidad para la narrativa. A cada canción, el crooner andaluz ilustra los pasajes de su vida en pequeñas historias contadas en sus letras; y aunque sus relatos no parecen diferir completamente uno de otro, es casi imposible sucumbir ante el encanto vocal del español.

Esa es fortaleza del experimentado proyecto musical de Luque, Sr. Chinarro. Su lanzamiento 2011 Presidente, no dista de la imagen convencional del mujeriego cuya musa principal es la figura femenina, y cuyo amor es el lenguaje. En este trabajo, Antonio crea once cuentos que van del elegante recuerdo de un impulsivo encuentro sexual (“Una Llamada a la Acción”) y la idealizada visita al edén (“Vacaciones en el Mar”), a la insistencia a lograr un amor no correspondido (“Fotos No”), o la desgarradora historia de “María de las Nieves”, en un juego constante de metáforas que conmueven hasta poner nudo en la garganta.

Mientras Antonio hace gala de su habilidad con la rima, la música cobra un papel casi de acompañamiento con melodías sencillas basadas en rock pop. La mayor parte de las canciones no presentan mayor riesgo en la composición, con las notorias excepciones del big band jazz en “La Lección”, el solo extendido al final de “Babieca” o la orquestada y ya citada “María de las Nieves” –una de las piezas más completas y emotivas a lo largo del álbum-. Pese a que la oferta musical no innova, el álbum de Chinarro es cautivador y la armonía tampoco requiere de esfuerzos exagerados para encajar a la perfección con la lírica.

A lo largo de la placa, sobresalen las memorables frases con las que Luque tatúa sus composiciones en el inconsciente: “…Aparta las fotos y vente conmigo, que el agua pasada no mueve molinos…” de “Fotos No” es un manifiesto racional en la búsqueda de la seducción; mientras que “Una Frase Socorrida” afirma sin temor a equivocaciones que “… las chicas malas van a todas partes, y las buenas sólo al cielo si es que van…”. Ambas representan el articulado discurso de un hombre de corazón amplio y obligado nomadismo, que también refleja su personaje en un deporte que se distingue por digno e individual: “El Boxeo”.

Presidente bien puede ser reflejo de diferentes facetas en la personalidad de Sr. Chinarro, aunque no deja de ser una incógnita. Es un trabajo maduro que hace justicia a la carrera de Antonio Luque, con canciones sólidas y honestas, cuya autenticidad no exige de una elaborada producción. El papel que jugará este álbum en la carrera del conjunto español no será el más trascendente, pero fortalecerá el legado del andaluz, quien seguirá coreado por las voces que lo siguen desde hace diecisiete años y que disfrutan sus relatos como si fuera la primera vez que lo escuchan.

SMOD

Esta semana (oficialmente el 23 de mayo) Nacional Records presenta para el mercado norteamericano al grupo SMOD, conjunto rapero de Malí proyectado para el mundo de la mano del célebre Manu Chao. La  historia de esta presentación comenzó cuando la estrella franco-vasca produjo el álbum Dimanche à Bamako (Because Music, 2005) de Amadou & Mariam, esa sensacional pareja de músicos invidentes de Bamako (la capital maliense), quienes con los más tradicionales instrumentos de Asia, África y América revolucionaron hace dos décadas el afro-blues. Ellos también se hicieron famosos fuera del circuito World Music al grabar con Herbert Grönemeyer la canción oficial de la Copa Mundo 2006.

El legado de Amadou & Mariam fue recogido por Sam, hijo de ambos, al fundar en 2000 a SMOD. En su carrera, el rap y la conciencia social se ha ido proyectando con los años a un collage de sonidos urbanos que se integran a aires folk, blues y los géneros tradicionales de Malí, asumiendo además el ancestral espíritu del griot, aquel rapsoda presente en las comunidades tribales del África negra. De la savia de unas calles de los hijos de una sociedad amenazada por la corrupción y la pobreza, donde clandestinamente calaban hondo las canciones de Tupac Shakur y Snoop Dog, Sam encontró a Ousco y Domsky. Armados de sus voces y una guitarra, dos años después sus canciones ya salían en la radio y la TV y SMOD perdería esa inicial condición clandestina. El encuentro con Manu Chao vendría en 2005 en la casa de los padres de Sam, refugio por entonces del grupo. Cuentan ellos que el trabajo duro y las letras comprometidas cautivaron al Manu, recordándole su infancia musical en Paris.

Y el reencuentro vino desde 2009 al gestarse la grabación de este proyecto. El resultado del experimento, son unos golpes de SMOD que se incian con una clara declaración de rebeldía política: “Les Dirigeants Africains”. Y la cosa sigue con gran virtuosismo entre colaboraciones (el rapero francés Keny Arkana los acompaña en “J’ai Pas Peur Du Micro”), atmósferas festivas en medio de la denuncia que recuerdan la discografía del productor (“Ca Chante”, “Tidjidja”), golpes de rebeldía que en otro lugar se asimilarían al punk (“Dakan”) y cadenciosas canciones de espíritu folk (“Nedetado”, “Simbala”, “Problemes Dans Ma Tête”). Todo entre un producto que bajo los ropajes clasificadores del blues o el hip hop, nos recuerda en qué continente se encuentra la raíz sonora de esos géneros.

SMOD es su tercer trabajo en once años de actividad, pero hasta ahora es su debut en la globalidad melómana. El estreno mundial promete, ya que no sólo habla de una conciencia frente a la dura situación política de su continente, sino también a un compromiso igualmente noble: la preservación, reinvención y evolución del patrimonio musical de Malí, pero también de África y de los ritmos que entre diásporas revolucionaron la música que durante el último siglo se ha hecho en los cinco continentes.

Le Butcherettes
Sin Sin Sin
(Rodríguez López Productions, 2011)

Con presentaciones memorables y después de promocionar en vivo avances de su nuevo material como la rola “Henry don´t got Love”, Teri Gender Bender, la chica que se hizo mundialmente famosa con un sólo EP, regresa con un disco bien macizo de Le Butcherettes: Sin Sin Sin (Rodríguez López Productions, 2011).

El álbum busca un sonido crudo pero con melodías poperas (“The actress that ate Rousseau”) y letras retorcidas (“Mr. Tolstoi”), así como una voz femenina que por momentos recuerda a Karen O (“New York”) pero que a veces tiene una identidad particular. En muchas canciones se nota un cierto efectismo en tanta ira punk, lejos de la simpleza clásica del género. Personalmente siento que esta violencia es para llevar la contra de la cursilería que suena estos días.

Este disco fue producido por Omar Rodriguez-Lopez, quien, con mano de experto, exalta lo mejor de la música de Teri: no se nota una idea viciada de cómo debe sonar y mucho menos suena a algo de lo que toca Rodriguez-Lopez, a pesar de haber grabado el bajo en todos los temas. Lo acompañan Lars Stalfors como Ingeniero de Audio y Mixer y Normandi Heuxdaflo en la batería.

Por el momento Le Butcherettes se encuentran de gira promocionando el disco, al lado de los Deftones y The Dillinger Escape Plan con una alineación talentosa que acompaña a Teri: Gabe Serbian, el irreal baterista de The Locust, banda legendaria del grind core-math rock y Jonathan Hischke de Hella y El Grupo Nuevo de Omar Rodriguez-Lopez, quien se une como tecladista/bajista. Con una búsqueda internacional, no hay nada como una “identidad nacional” que rascarle a este disco, una apuesta atinada.

A continuación un video en vivo del tema “Henry don´t got Love”, tercer track del disco:

A sus 45 años, Adriana Calcanhotto se ha convertido en una de las principales figuras de la MPB (música popular brasileira), aquel movimiento hijo del pop y la Bossa Nova que ha marcado las últimas décadas de urbanización e integración con las vanguardias gobales de la música del Brasil. Como buena hija de estas corrientes, en sus trabajos se encuentran elementos de jazz, funk o samba y unas letras con marcadas influencias literarias que van del experimentalismo (Gertrude Stein, Augusto de Campos) a un reciclaje del modernismo de hace un siglo (Oswald de Andrade, Mário de Sá-Carneiro).

También nuestra Adriana es de Rio Grande do Sul, un estado del Brasil culturalmente vinculado con la cultura rioplatense. Desde las posibilidades de este puente entre Brasil y el Cono Sur, puede ser que su música haya cautivado tanto a ambos lados de la enorme frontera (y claro, en el autosuficiente mercado brasileño, es por supuesto enormemente conocida nuestra cantante). Así es como este año ha resultado un homenaje colectivo de artistas sudamericanos a nuestra Adriana. Nao Moro Mais em mim (no vivo más en mí) se ha titulado a este bello experimento.

En el álbum las propuestas son tan homogéneas como variadas. La apertura binacional de Zeep (una brasileña y un inglés) invitan a reconstruir un paisaje invernal desde las posibilidades de la electrónica; los rioplatenses Cineplexx, Entre Ríos y Franny Glass nos regalan geniales auras pop para la canciones “Cantata”, “Vambora” y “Escuadras” (dos muy enchufadas, la tercera cálidamente acústica); en revoluciones sonoras que para nada desentonan Los Mil Jinetes de Chile proponen girar al hiphop en “Cariocas” y los niuyoricans de Balún visten de shoegaze la canción “Sudoeste”.

Jóvenes y Sexys y Lido Pimienta son la cuota de dos artistas consentidos de esta casa. Los primeros proponen una letra bilingüe siguiendo la línea folk que tanto reconocimiento le ha dado a este dueto venezolano, mientras que la colombiana le mete al tema “Segundos” el genial pálpito de una caja vallenata. La experimentación entre géneros más “arriesgados” la traen dos proyectos noveles: el argentino Coiffeur con su lectura electroacústica y Mima, con un arpa minimalista que desde Puerto Rico nos canta en portugués.

Grata, gratísima sorpresa del primer semestre del año. Este bello regalo musical lo hizo posible Si no puedo bailar, no es mi revolución, genial colectivo de Sao Paulo que precisamente ha buscado integrar el trabajo de jóvenes artistas latinoamericanos con escenarios y públicos del Brasil. Al promover estos variados y atractivos homenajes a una figura que goza de gran popularidad en su país, se han anotado el primer gran punto, el segundo lo anotan con la opción de descarga gratuita de este álbum (recomendadísimo además el diseño del sitio web del álbum). Estamos ante todo un producto panamericano.

La pregunta que varios héroes habían respondido sólo en la ficción, ahora se abre ante la realidad que nos acongoja: Y…¿Ahora quién podrá defendernos? No lo sabemos, pero ya tenemos la banda sonora para la causa. Los escenarios apocalíticos y la sombría atmósfera que nos acecha, parecen haber motivado a los surferos del Acapulco perdido.

Once tracks conforman éste album lanzado el 12 de Marzo de éste 2011 ¿Será que el track 12 vendrá para el polémico año del choteado “fin del mundo”? No lo sabemos, pero tenemos un disco digno de amenizar sacudidas nocturnas (de cualquier tipo), escapes a máxima velocidad y antros de luz neón; en donde el folclore y la tropicalización de clásicos del surf-rock  se han fusionado con las visiones kitch sobre lo mexicano —que siempre se hacen presentes en esta banda—.

El arte lúgubre y a la vez pseudo radioactivo, es, sin duda, gran parte de lo que redondea el sentido de este disco encabezado por el siempre atinado y retro Dr. Alderete. También lo son las pequeñas referencias escritas dentro del disco, que retratan mejor el significado de cada canción que Lost Acapulco busca hacernos más cercano.

Anécdotas de la cultura sensacionalista, pop y del catálogo personal de la banda en relación a sus toquines en España y Japón, sirven también como una buena retrospectiva de identidad a título personal de la agrupación, para propios y extraños.

Se recomienda escuchar ésta producción de principio a fin y… acompañado de un adulto que sepa contener sus ansias de pisar demasiado a fondo el acelerador. Varios nos perdimos la magnánima presentación en vivo de este álbum, el mismo 12 de marzo en el Casino Metropolitano, pero esperamos pronto detonar un baile radioactivo en las pistas con ayuda de la expolsión de esta entrañable banda y su disfrutable música.

Zoé es la banda que ejemplifica a la perfección la dualidad amor/odio: mientras que León Larregui consolidó su estatus de indeseable gracias a la “revolución del alcoholímetro” y otros desvaríos de rockstar, la producción y sonido en las entregas musicales del conjunto son maduros y bien logrados. La prueba de ello es su material unplugged:

A diferencia de sus complejos materiales de estudio, Música de Fondo desnuda y expone la autenticidad musical de esta banda de Cuernavaca. La guitarra de Sergio Acosta y el bajo de Ángel Mosqueda llevan el liderazgo en la mayor parte de las canciones y se acompañan con acierto en repetidas ocasiones por un ensamble de cuerdas que aporta momentos más intensos a las grabaciones a las que estamos acostumbrados -aunque a momentos exceden el aprovechamiento del recurso-. Desde el inicio del álbum con “Sombras” donde hay un lejano acercamiento al trabajo de Mikel Erentxun con Duncan Dhu; pianos de clara inspiración britpop en “Vía Láctea”, emotivos violines en “Soñé” y la sobresaliente unión de “Poli” con “Love”. La presentación genera aprecio y simpatía por la placa, pese a las polémicas letras del ya citado vocalista.

A lo largo de este trabajo desenchufado podemos escuchar voces invitadas que en algunos casos logran superar a su versión original. La participación de Adrián D’Argelos (Babasónicos) en “Dead” otorga mayor cadencia a la versión aunque resulta predecible. En tanto, “Luna”, con Lo Blondo (Hello Seahorse!), intensifica la emoción y aunada a la orquestación lleva a un necesario clímax la compilación plagada de éxitos. El tercer colaborador vocal fue Enrique Bunbury cuyo estilo barroco encaja a la perfección en la naturaleza de “Nada”, pero no aporta algún elemento sobresaliente como los otros participantes y termina por caer mal.

En términos de trascendencia Música de Fondo representa la consolidación de Zoé como conjunto mainstream. Ya son la banda grande que podría cerrar el escenario principal de un Vive Latino y llenarlo de asistentes. También es prueba de una gran habilidad para generar himnos que la gente corea indistintamente y cómo su capacidad musical puede llegar a lugares más ambiciosos. Queda por definirse si estos logros no se nublan por la incómoda necesidad del rockstar y si están dispuestos a superar la dualidad de opiniones para lograr una aprobación generalizada.

Zoé

Música de Fondo (MTV Unplugged)

(EMI, 2011)

Hace un par de años la sorpresa y los aplausos; hoy un montón de expectativas cubiertas –la más importante: las canciones están emparentadas musical y líricamente con las del primer disco. La producción la hizo otra vez David Rodríguez (Beef, La Estrella de David), ahora algo más concentrado en destacar las influencias, que en este caso van desde lo árabe hasta lo electrónico, pasando por rumbas y hasta música flamenca. El disco empieza con palmas y el cajón al que ya nos acostumbramos desde “De Momento Abril”; luego aparece el sencillo “Hoy”, con violines del Magreb y un coro pegajoso como la belleza. “La Muralla China”, por su parte, pinta para convertirse en uno de los clásicos de La Bien Querida gracias a su brillante tono pop. Pero la pieza que más llama la atención es “Monte de Piedad”, un paso de Semana Santa en el que colabora la Banda de Música Mestra Montserrat y que ya aparecía en la maqueta de Romancero. Las canciones de Fiesta son diversas en sus influencias, pero todas hablan del amor y el desamor, esos grandes temas universales en cualquier fiesta. Dan ganas de regalarle este álbum a las personas que queremos, pero también a las que decidieron no querernos. Empecemos por invitarlos a entrar aquí.

La Bien Querida

Fiesta

(Elefant Records, 2011)

Desde hace casi un mes el grupo chilango Sour Soul se encuentra promocionando su nuevo álbum L’appel Du Vide (Independiente, 2011). Con un ligero cambio en la alineación original, la banda ha tomado rumbos que apuestan más a un jam de funk con ritmos latinos que al rock psicodélico con el que comenzaron hace ya cuatro años.

A diferencia de su primer álbum Liquid Sky Divers (Independiente, 2008), en este disco incorporan sonidos de un sintetizador moog, una trompeta, un saxofón y hasta una voz femenina (en el tema “Liquify pt Deux”), dejando atrás el banjo y las guitarras rockeras que los caracterizaban.

Esta mezcla tiene un sentimiento arraigado a la música Soul (ahora mucho más Soul que Sour) y nos ofrece una gama de temas que van desde canciones introspectivas como “July” o “I´ll Drown Alone”, hasta el bailable sencillo “Fum Fum Fum/Rather Spectacular”.

Actualmente estos músicos buscan abrirse las puertas en el mercado norteamericano. Recientemente estuvieron en el SXSW 2011 y desde allá nos regalan tres temas para escuchar.

El single “Fum Fum Fum/Rather Spectacular”:
Fum Fum Fum/Rather Spectacular by MarcoPaul

“Liquify pt Deux”:
Liquify pt Deux by MarcoPaul

Y “July”, una balada soul poderosa que, a mi parecer, demuestra la madurez que este grupo va adquiriendo poco a poco…
July by MarcoPaul

A continuación, algunas imágenes de la presentación del disco el pasado 26 de febrero en México antes de partir a una gira de 65 fechas por Estados Unidos…

Toy Selectah

“Regio” llaman en el altiplano colombiano a aquello que resulta óptimo, fabuloso, bien hecho. Regio (regiomontano, pa’ más señas) también es don Toy Selectah. Triunfal ha regresado de recorrer el hemisferio en las Red Bull Music Academy Info Sessions, donde ilustró (como autoridad que es de las tornamesas) a cientos de aspirantes a becarios de este fabuloso proyecto. La gira incluyó el pasado seis de marzo un sueño cumplido de nuestro héroe cumbiero: una presentación en el mítico e imperdible Carnaval de Barranquilla (pronto las pruebas fotográficas de aquello).

“Regio” fue también que su periplo coincidiera con la presentación de Mex Machine (Mad Decent, 2011), un nuevo EP lanzado el pasado 8 de marzo. La primera noticia grata es que se trata del primer trabajo discográfico que reúne obra original de don Toy (de hecho en iTunes hasta ahora sólo se conseguían sus apariciones en recopilatorios de Talka Records y Enchufada).

El EP incluye el sencillo que desde el año pasado sonaba a manera de manifiesto cumbiero: “Half Colombian Half Mexican Bandit”, promocionado con un imperdible videoclip donde recorre Bogotá en los días en que calentó el Festival Centro. Y contiene más sorpresas: “Ani Riddim” une el registro del acordeón corralero al beat del DJ de Londres Mumdance; Toy se queda en la capital inglesa para acompañarse de la colombiana Isa GT en el discotequero relato de “No pasma”; en “La ravertona”, salta a Cartagena sampleando los gritos de batalla  de un picó champetero.

Por su parte, “Sonidero compay” es la joya de este trabajo. Se trata de un collage sonoro impreso sobre potentes versos de la tradición oral cumbiera, el cual es ejecutado a cuatro manos con el joven boricua DJ Blass, “El Sandunguero”. De la misma rola también se incluye un remix cortesía del reggeatonero de Nuevo León Sheeqo Beat, donde se remata la intención loable de dar a conocer grandes talentos del under electrónico universal.

Y para los interesados, hay una sabrosa edición limitada en vinilo que pueden solicitar por acá.

Revivamos entonces y sabrosiemos esta simbiosis mexilocombiana que nos ha traído el Toy.

Toy Selectah – Half Colombian Half Mexican Bandit from Mad Decent on Vimeo.

Free

(Nacional / Gozadera, 2011)

Lo decimos de entrada, éste es un álbum bien sorpresivo. La cosa arranca con “Free”, canción que además da título a este trabajo: un tema acústico y melódico absolutamente alejado de la pasión discotequera de su habitual banda. Con eso, ya sabemos a qué sorpresas atenernos con el debut como solista de DJ Afro, guitarrista, compositor y co-productor de los sensacionales Amigos Invisibles.

Al tiempo que con su banda se ha lanzado Not So Commercial (Nacional / Gozadera, 2011), José Luis Pardo (su nombre de pila) irrumpe con este lanzamiento en el que demuestra gran madurez y no menos destacada versatilidad. Y es que la cantidad de ideas que se gestaron durante la producción de Commercial (Nacional / Gozadera, 2009), dieron para producir nuevo y enérgico material por punta y punta.

Ritmos latinos más cadenciosos, sampleos, eventuales instrumentaciones acústicas y un ineludible sabor componen un material que además se enriquece con un muy buen pool de talentos. En “Este bolero es para tí” (homenajazo al centenario y romántico género) brilla la soprano Heather Buck; el divertido y recomendadísimo Gianko le ayuda con la cumbia “Rata”; hasta el disertante y conferencista Carlos Fraga aparece por ahí haciendo sesudas reflexiones sobre el ser humano en “Vivir”.

Los ídolos y amigos de nuestro invitado también llegaron a hacer duetos: “Recuerdos” no mata el funk con Pedro Perez, leyenda del under caraqueño ya homenajeada en Super Pop Venezuela (Gozadera, 2006); hasta la singular tesitura de Guillermo Carrasco, referente de la balada romántica en Venezuela, se toma un inédito aire en “¿Dónde estás?”.

Free es otra manera en la que DJ Afro ha explorado los sonidos del mundo, incluso estrenándose como voz líder en el corte “Quédate a dormir”. Un coctel de paisajes nocturnos, nuevas exploraciones al acid jazz, evocaciones disco, ineludibles guiños discotequeros… Un auténtico collage, bien ecléctico para retratar las variadas influencias musicales de un personaje que, evidentemente, va más allá de sus Amigos Invisibles.

Ya en iTunes y desde el 15 de marzo en formato CD distribuido por Nacional Records.

Algodón Egipcio

Ezequiel Bertho, mejor conocido como “Checky”, es la mitad del grupo venezolano Jóvenes y Sexys (al lado de Lorena Orlando “Loocila”). Para este 2011, el joven Checky —de abundante cabellera— presenta su impresionante proyecto paralelo: Algodón Egipcio. Su primer álbum es La lucha constante (Lefse Records, 2011), un disco lleno de ambientes sintetizados y melodías suaves que evocan al dream pop.

Es una grata sorpresa iniciar el disco y encontrarse de pronto pasando de un tema a otro como si se tratara de una sola canción. Sumergido totalmente por miles de sonidos sutiles —ordenados de la manera más cuidadosa— que denotan una gran madurez musical de una manera lúdica, sin buscar pretenciones.

En su Myspace oficial menciona influencias de lo más variadas: desde las Spice Girls y Destiny´s Child hasta My Bloody Valentine, esta última es bastante más evidente, ya que el disco retoma las guitarras y voces del shoegaze de finales del siglo pasado. Con pequeños tintes de Slowdive y Ride, Checky renueva esta fórmula con letras completamente en español (de las cuales, todas comienzan sus títulos con un artículo: El, La o Los), ritmos mestizos (“La Transformación”) y hasta loops industriales (“Los asuntos pendientes”).

El álbum será lanzado al mercado el 22 de marzo de este año pero ya podemos escuchar algunos tracks como “El ingenio humano” a través de Soundcloud:
Algodón Egipcio – El Ingenio Humano by Algodón Egipcio

Uke

Los olvidados

(El Milenarismo, 2011)

A los que le gusta ver el vaso medio lleno puede parecerles que ya falta poco para la primavera, pero para el resto del Hemisferio Norte aún nos encontramos en pleno invierno. Ambos bandos celebramos la llegada del nuevo EP de Uke, unos por optimistas y otros porque el corazón tiene frío y pide música como esta.

Los españoles Roberto y Laura se toman un descanso de los instrumentos de juguete que han caracterizado su sonido y esta vez deciden emplear guitarras, de esas que les hablan a la nostalgia, a los desamores y a la esperanza, así como un bajo potente y un piano casi alegre. ‘Los olvidados’ (El milenarismo, 2011) es, así, una de las primeras sorpresas del pop ibérico de este año, al tiempo que continúa una serie de dos EP previos: ‘Los niños terribles’ (El Milenarismo, 2010) y ‘Truco o trato’ (El Milenarismo, 2010). En esta tercera entrega el dúo ofrece cinco temas grabados en su propio estudio, de descarga gratuita en Bandcamp. La canción homónima –instrumental, como de paisaje y machacante– constrasta, aunque no del todo, con “La Prostituée”, igual de turbia, aunque más recordable. “Cuando Todo Haya Terminado”, en cambio, es una linda canción de pop triste que se quedará en las favoritas de aquellos que en este invierno no ven ni lo medio lleno ni lo medio vacío del vaso porque ni siquiera hay vaso que mirar –para ustedes va esta música que recuerda un poco a lo primero de Four Tet.

AtletA

Catedrales

(Aloud Music, 2010)

Acá en los países ex coloniales es común que se dé por hecho que el pop español es vano o demasiado alegre. Quizá nos haga falta escuchar más bandas como AtletA, que presentan un primer disco de rock instrumental realmente poderoso y lleno de intención –como las catedrales.

Jaime L. Pantaleón y José Roselló –ex integrantes del llamativo grupo catalán 12Twelve, que interesó a más de un productor y enterado a principios de la década pasada– logran en Catedrales (Aloud Music, 2011) un sonido ambicioso que combina sampleos, pedales de  guitarra semi alocados y una experimenación electrónica justa. Las canciones de este disco recién presentado en Barcelona suenan a a kraut-rock, progresivo y hasta sicodelia. Recomiendo prestarle atención a la hipnótica “Perros Estelares” y a la maravillosa “Amor 500″, que desde ya se ha convertido en mi favorita para trabajar sin interrupciones.

Wow 2010 es una compilación de dos caras que reúne al talento de esta disquera independiente y a diferentes artistas invitados de origen y reconocimiento internacional. El álbum doble presenta una personalidad diferente en cada uno de los discos; pues mientras su parte “A” se distingue por melodías sencillas, sinceras y concretas, el lado “B” es mucho más guapachoso y cumbianchero, al más puro estilo de Discos Tormento.

El álbum presenta los nombres “de casa” como Songs For Eleonor, Pau (con su amigo Hoodie Hoo!) e Ibi Ego, entre muchos otros. El cartel de huéspedes es conformado por destacados invitados de lengua hispana como el Instituto Mexicano del Sonido, Javiera Mena o Los Punsetes, así como músicos angloparlantes de la talla de Gruff Rhys (Super Furry Animals y Neon Neon), Thieves Like Us o los germanos Pollyester. La faceta bailable de Wow 2010 es engalanada por la distintiva personalidad ácida del Sonido Changorama, el Sonido Desconocido II, y Afrodita, entre muchos otros más.

A diferencia de la primera edición del compilado Wow, las veintiocho canciones que lo conforman abandonan el estatus de maqueta para sonar más profesional, aunque no todos los casos gozan de esta característica. “Que Llegue el Verano” de Los Punsetes es un hit casi instantáneo y un buen punto de origen para la continuación de Yo Soy Dios y Asia Today, pero al llegar al experimento de Almeyda con su hija Mar en “Yo Quiero Otro”, la distorsión vocal agota y necesita de más recursos para fluir con éxito. Sobresalen también “Techno Eyes” de los norteamericanos Sex Rehab y el “So Clear” de Thieves Like Us, que dan un cierre electrónico elegante a una primera parte que deja más satisfacciones que cuestionamientos.

Para la segunda parte, el dub argentino de Nairobi cambia acertadamente los ánimos con “No More”. Afrodita da gran seguimiento con el tema que aportó para la película Año Bisiesto “Flores para Ti”, y pasa con destreza por los tracks de Chancha vía Circuito y Los Wendys, hasta llegar a “Liga de Sabor Digital” de El Remolón… a partir de ahí todo se convierte en “fiesta hasta que amanezca” con Sonido Changorama, Sonidero Travesura y el IMS. La pegajosa aportación de DJ N-Ron “La Calle es Toda”, la kraftwerkiana “Cumbia de los Lixiviados” del Sonido Desconocido II y “Kenia” de DJs Pareja, cierran la entrega, en lo que podríamos considerar -dentro de la metáfora de fiesta- como la parte en que sólo quedan necios, borrachos y los amigos que los deben llevar a sus casas.

Si algo se podía criticar en la entrega 2009 de Wow, era que no se contaba con una selección bien producida y amalgamada. Para 2010 se afinó este detalle y aunque todavía tiene puntos por mejorar, la escucha del álbum no se dificulta hasta recorrerse tres cuartas partes de su totalidad -cuando la rítmica fiesta toma tintes políticos y repercute en los ánimos alcanzados-. La curaduría del material, así como el orden de las canciones, es un constante acierto que para mejores resultados, hay que saber identificar y acomodar en las distintas facetas del día.

Discos Tormento da un buen paso para afianzarse -con su debida calma- al continuar con la tradición de su acoplado anual. Son pocos los que apuestan por lanzar un disco doble de modo gratuito que esté dirigido principalmente a las audiencias en línea, y más cuando esta se ofrece a nivel internacional. Esta es una de esas tradiciones que pueden ayudar a romper con esos clichés incómodos que siempre acarrea el fin de año y que ayudan a empezar mejor el nuevo.

AfroCubismo

(World Circuit/Corason, 2010)

Es claro que la etiqueta del “afrocubanismo” se refiere a la influencia de África en Cuba; poco menos sabido es que la diáspora de músicos cubanos, cual bumerang, esparció el español y las melodías del son montuno y la salsa (gracias, también, a programas de radio) en el continente africano, cuando arribaron a la vida nocturna de África en los años 60 y 70. El intercambio y entendimiento fueron casi instantáneos y efervescentes.

Dado este panorama musical, en 1996 el sello inglés World Circuit fraguó una idea original. Con apoyo de Ry Cooder y Wim Wenders, se decidió conjuntar África con Cuba; pero las fronteras —las visas— impidieron que los músicos africanos salieran y grabaran en Cuba, por ello se reconfiguró la grabación, la cual se concentró en las figuras de las isla, dando pie al nacimiento del Buena Vista Social Club y Afro-Cuban All Stars.

Buena Vista Social Club actuó durante años por todo el mundo y se despidió en el 2005 (un 13 de abril en la ciudad de México). Ya Ibrahim Ferrer, Rubén González y Compay Segundo, ídolos del barrio panamerikano, han muerto; Omara Portuondo colaboró en solitario este año con Amparo Sánchez, y ahora le toca a Eliades Ochoa completar un círculo, 14 años después.

En el 2008 comenzó a materializarse el proyecto original y ambicioso de World Circuit. Se trata de la unión de músicos de Mali y Cuba, en el que participan Eliades Ochoa y el Grupo Patria, junto con Toumani Diabaté, Bassekou Kouyaté, Djelimady Tounkara, Jorge Maturell, Kassy Made y Lassana Diabaté. Así es, AfroCubismo es lo que hubiera sido Buena Vista Social Club, pero no fue y podemos alegrarnos por ello, ya que ahora la historia de la música afrocubana cuenta con dos grandes proyectos.

En esta placa, a las guitarras se unen la kora, el n’goni y el balafón, y a las voces de los cantantes —de trovas fascinantes—, la tradición de los griot africanos. Es de suponerse que en AfroCubismo la tradición oral de Mali prevalezca, por ejemplo en el tema “Jarabi”, junto a la poesía cubana que se registra con la emblemática composición de José Martí, la “Guantanamera”, entre otras piezas clásicas como “La culebra” (que no, no es de Banda Machos, sino un éxito de Obdulio Morales que popularizó Benny Moré).

Tambores, contrabajo y marimbas sazonan este trabajo, en cuyas voces prevalece el tono melancólico y picaresco de la música campesina. Aquí empieza una jornada que, en el arte del disco, alude los trazos del arado, los mismos del garabato —la tradicional danza afrocubana—, para abrirse paso en la tierra. Al garabatear, la voz se siembra en la vida.

Desde finales de octubre, AfroCubismo está a la venta y disponible para descarga.

Tracklist

1. Mali Cuba
2. Al vaivén de mi carreta
3. Karamo
4. Djelimady rumba
5. La culebra
6. Jarabi
7. Eliades tumbao 27
8. Dakan
9. Nima Diyala
10. A la luna yo me voy
11. Mariama
12. Para los pinares se va montoro
13. Benséma
14. Guantanamera

Entren los que quieran

Sony BMG, 2010

Era 2006 cuando una rara experiencia musical invadió los oídos usando el caballo de Troya del reggaeton. Horror de horrores: “Ya sé que tienes el área abdominal que va a explotar como fiesta patronal, que va a explotar como palestino”. La tensa relación que por entonces tenían los seguidores de la música independiente con el blinblineo caribeño, hizo recibir a Calle 13 como uno más entre los deleznables y repetitivos fenómenos que inundaban la oferta recalcitrante de la radio.

De ahí la grata sorpresa que cuatro años después, Calle 13 sea uno de los protagonistas más destacados de la música latina, muy bien recibido por igual en los circuitos masivos y los medios independientes. La presunta fórmula para ese logro nos la explicó la banda desde hace meses en su sencillo “Calma pueblo”: “Me infiltro en el sistema y exploto desde adentro”. Y no sólo la infiltración vale, ya que desde el álbum Residente o visitante (Sony BMG, 2007), el dueto boricua demostró las posibilidades expresivas (creativas, políticas o hasta líricas) de los sonidos urbanos que la moda había confinado al perreo y la gasolina. Indudablemente, su postura no era nueva, ya Tego Calderón llevaba varios años explorando la riqueza del folclor de su isla. Lamentablemente, a diferencia de este dueto, los experimentos de don Tego no son bien conocidos fuera de la órbita hiphopera.

Así, la ecléctica posición de Calle 13 se ratifica con el esperado álbum Entren los que quieran (Sony BMG, 2010). Lo que se venía con este trabajo se anunció al mundo con el ya mencionado “Calma pueblo”, donde la arriesgada invitación a Omar Rodríguez-López acabó de derrumbar los prejuicios que aun existían en los círculos independientes. Ahora viene “Latinoamérica”, una enérgica canción marcada por la percusión afrolatina, con el lujo de tener a tres de las grandes voces femeninas del continente: Totó La Momposina, María Rita y Susana Baca unidas en una romántico oda a nuestro suelo, claro, con un discurso sentido que sorpresivamente aun funciona entre nuestros políticamente escépticos pueblos (“Tú no puedes comprar la lluvia”).

Y como no, la reivindicación es permanente desde diferentes propuestas. “Aquí se baila como bailan los pobres”, “Hay poca comida, pero hay muchas balas”, “Mis letras groseras son más educadas que tu silencio”, “El trabajo en la oficina lo cambié por las estrellas”. Eso sí, en buena medida las fórmulas de otros álbumes no necesariamente se repiten: Más los sencillos ya mencionados, ‘Vamo’ a portarnos mal’ trae visos de merengue dominicano, ‘El hormiguero’ es una cumbia que elogia a los migrantes, ‘Digo lo que pienso’ revive los aires del clásico hip hop gringo, y ‘Muerte en Hawaii’ trae un cálido ukulele. Aun así, las claves del éxito van más allá, al ser todo el álbum una continua invitación a desentenderse de sus letras y usar apropiadamente su música para bailar pegao toda la noche.

Y para su dicha, la actitud fiestera-pero-contestataria, con buenas dosis de humor y bueno es decirlo, riqueza de influencias, les funciona muy bien. El éxito de esta fórmula les permitió por igual juntarse con Shakira, Tego Calderón, Bajofondo, el propio Omar Rodríguez-López, Julio Voltio, Vicentico o Mercedes Sosa. Semejante espectro tan variado puede aventurar una conclusión: habrá Calle 13 para rato, en el mainstream y en el under, con el correspondiente aplauso de ambas orillas. Para imaginarlo, no nos olvidemos de lo dicho en el intro de este álbum: “Calle 13 ha recibido muchas amenazas de muerte, muchos Grammys y nos han censurado en la radio”.

Por supuesto, también habrá para rato incómodos desubicados que asuman que un músico no tiene derecho a recibir ganancias de su música por que lo suyo es “soltar la lengua y que resbale por la pista”. También habrá para rato circuitos políticamente inmaduros que si René critica a un popular sátrapa andino, lo acusen de “comunista” ¿Así de desacreditado está el libre mercado?

Palenque Palenque

Soundway, 2010

Hace casi cuarenta años la diáspora africana recibió un duro golpe. Las canciones de los músicos del sur y el occidente de África llegaron a Cartagena para ser escuchadas por los aguerridos descendientes de esos tíos lejanos que forzosamente cruzaron el Atlántico en los siglos coloniales. Del encuentro nació uno de los fenómenos más importantes de la música colombiana: la champeta del picó, del suburbio caribeño, de los nuevos héroes del canto popular. Pero también nació una expresión que no obstante su marginalidad, influiría en la creación de artistas tan diferentes como Joe Arroyo, Carlos Vives, Fruko, los rockeros de Bajo Tierra y más recientemente, los afamados cocteles de Sidestepper, Bomba Estéreo y Systema Solar.

Las creaciones que representaron la aurora de este movimiento han sido reunidas en la recopilación Palenque Palenque (Soundway/Palenque Records, 2010), la cual ha cumplido con la heroica misión de armar una antología de las grabaciones champeteras que vieron la luz entre 1975 y 1991. Así se resume la diversidad de exponentes que influidos por los sonidos del afrobeat, el soukus, el highlife transformaron los aires del Caribe colombiano que durante décadas se habían mantenido intactos.

El nombre Palenque, recuerda los asentamientos que desde finales del siglo XVI fundaron los esclavos sublevados, siendo el pueblo de San Basilio de Palenque su ejemplo más célebre, además de ser cuna de buena parte de estos transformadores del folclor. Picó, apócope de pick up, sería la máquina que con sus parlantes, luces y tornamesas haría al suceso audible, bailable y perdurable. Por su asociación con la champeta, cuchillo usado por los vendedores callejeros de frutas, la élite cartagenera denominó de este modo despectivo a la naciente cultura. Villa Estrella, Olaya Herrera, La Candelaria, Nelson Mandela, fueron los barrios marginales donde se dio el milagro que luego se extendería a Barranquilla, Santa Marta y décadas más tarde escalaría los fríos Andes.

La antología es por lo tanto, recordatoria de cómo se puso a rodar la movida champetera. Desde los barrios bravos surgieron los primeros ídolos: Abelardo Carbonó, Son Palenque, Manuel Álvarez, Cumbia Siglo XX. Ellos llegaron al vinilo amparados por la tenacidad de sellos independientes como Curramba, Machuca, Discos Costeña, Felito Records. Pero Palenque Palenque también nos recuerda que el mainstream local no fue indiferente a tan poderosa influencia, el titán Lisandro Meza y el poderoso sello Discos Fuentes de la mano de Wganda Kenya, también figuran con sus aportes al desarrollo champetero. A ellos se unió la posibilidad de integrar leyendas del folclor, como la cantante campesina Irene Martínez de quien figura una de sus primeras grabaciones (cuando ya contaba con 75 años) al lado de Los Soneros de Gamero.

Este álbum complementa la antología El vacile efectivo de la champeta criolla (Palenque Records, 1998) en el cual se seleccionaban a los principales exponentes de la champeta en los 90 y el álbum póstumo de Paulino “Batata” Salgado Radio Bakongo (Network Medien, 2004) donde uno de los grandes del folclor afrocolombiano se hacía acompañar de las figuras champeteras del momento como Luis Towers, Viviano Torres y Milton Mendoza con leyendas del afrobetat como Kassiva, Dally Kimoko y Makambile.

En los tres proyectos ha estado presente Lucas Silva, gestor del sello Palenque Records con el que lleva desde hace más de diez años promoviendo la música afrocolombiana alrededor del planeta. Su tenacidad estuvo ahora sumada al interés de Soundway, sello dirigido en Londres por Miles Cleret, el cual venía de reeditar material de músicos de Ghana, Nigeria y Panamá. Por el penoso desinterés local, a pesar de reconocidas menciones de este compilado en medios como Shock y Radiónica, no ha habido un proceso de distribución formal de este álbum en Latinoamérica. En Colombia se consigue directamente con Lucas y en México a través del Café Sangre Negra, proyecto de Fernando Machado en las ferias que eventualmente se instalan en Parque México, el Zócalo, el Museo de Antropología y Reforma, donde venden café colombiano y material de discográficas independientes. El que pueda, que lo busque pronto, porque hay pocas copias y vale mucho la pena conservar una.

Los dejamos con una de esas leyendas: Son Palenque interpretando el bello himno de su natal San Basilio de Palenque.

Javiera Mena

Mena

(Unión del Sur, 2010)

Para quienes no conozcan a Javiera Mena, se trata de una cantante chilena nacida en el año de 1983, editó su debut discográfico Esquemas Juveniles (Unión del Sur, 2006) hace cuatro años y hoy nos demuestra con Mena (Unión del Sur, 2010) su segunda producción, lo mucho que ha madurado y la mujer en la que se convertido.

Mena consta de nueve tracks que oscilan entre el dream pop, el synth pop y el electro pop. Las letras de este álbum son románticas y sencillas pero directas. La madurez respecto a Esquemas Juveniles es evidente, se escucha a una Javiera Mena adulta, llena de confianza en sí misma y muy segura de su música, sentimientos que nos transmite a lo largo de Mena.

Con este álbum, Javiera hizo un soundtrack para una noche de fiesta, empezando por el ritual de ponerse guapa (maquillarse, hallar la vestimenta perfecta, perfumarse y verse sexy frente al espejo) para ir con sus amigas, pasando por la noche llena de baile en discotheques y terminando en una banca de parque compartiendo audífonos y recordando la noche que ha terminado. Una mezcla de Saturday Night Fever y The Warriors.

El track abridor es “Ahondar en ti”, una balada romántica pop en la que Javiera hace una directa confesión a su amado. Marca el inicio de la desenfrenada noche que le espera a Javiera y sus amigas, en la cual, Javiera espera encontrarse a su príncipe azul y ahondar en él. “Hasta la verdad” fue el primer single de esta producción. Una canción cien por ciento radiable, es un excelente sencillo. Las amigas de Javiera han llegado y todas están listas para ir a la disco. El taxi ha llegado por ellas.

“Primera estrella” sube el beat del álbum y nos saca a la pista de baile para bailar en pareja. La primera parada de la noche llegó. Javiera es toda una diva en el dancefloor. Un tema lleno de electro pop suave y bonito. “El amanecer” sigue la línea del track anterior, apoyado en sintetizadores y baterías electrónicas. La diva sigue conquistando miradas y rompiendo corazones, su príncipe no ha llegado aún. La letra es sencilla pero clara: “No tengo razones para sufrir, tampoco tengo alguien a quien amar…”.

“No te cuesta nada” es el tema más obscuro de Mena, la letra es dura y al rostro: “No te cuesta nada, mirarme a los ojos y decir la verdad, no te cuesta nada, no te cuesta nada, prefieres soñar con la felicidad…”. La verdad duele pero es indispensable. Javiera por fin halló a su galán en la pista de baile mientras bailaban pegadito despacio. Para su poca fortuna no todo es color de rosa como en las películas. Después de secarse las lágrimas causadas por la canción anterior, “Luz de piedra de luna” nos regresa a la pista de baile y hace a un lado las penas. Javiera y su pandilla abandonaron el lugar para ir a la segunda parada de la noche: el antro de moda. El sonido de esta canción nos recuerda un poco al sonido tropical de algunos temas de los regios Quiero Club.

A pesar de tener un nombre melancólico, “Sufrir” es una pieza totalmente bailable, la cual pone a prueba su destreza en el dancefloor y nos remite a las discotheques de los 80’s y 90’s en las cuáles Javiera situó su segundo larga duración. Este tema cuenta con la participación de Jens Lekman (cantautor sueco de folk). “Acá entera” es más de lo mismo, synth pop mezclado con unos ganchos para la pista de baile y Javiera luciéndose, cual bella es, enfrente de los chicos. Sin embargo, hay un cierto halo de melancolía que nos hace pensar en su príncipe bailarín. Como por arte de magia el susodicho hace su aparición y Javiera está de nuevo en sus brazos.

La canción más bella de Mena es “Un audífono tú, un audífono yo”. La noche ha terminado, Javiera y su apuesto príncipe están abrazados en una banca del parque. Ella trae la chamarra de piel negra que dice “The Warriors”, propiedad de su galán. Su frente está ligeramente recargada en el hombre del guerrero. Acto seguido, ella saca su walkman y sus audífonos y le pone play a la cinta. La velada parece eterna para Javiera en los brazos de su héroe.  Al igual que la noche y sus aventuras, el álbum Mena ha terminado, es tiempo de ira a casa.

Un excelente disco que más allá de colgarse de la moda del synth pop y el dream pop, logra utilizar ganchos conocidos para darles la vuelta y crear canciones de amor en la pista de baile.

Nacidos en 1994 como un power trío de adolescentes, años después viraron a las influencias afro: reggae, salsa, ska y los uruguayísimos aires del candombe y la murga. Desde 1999 llegaron la fama y las giras locales, estadios llenos, teatros agotados y cifras inéditas para una banda autogesiva e independiente. Hoy suman siete trabajos discográficos, incluyendo el último que nos convoca, luego de conquistar mercados independientes del continente gracias al ingenioso videoclips de su tema “Pensar”.

Por lo menos hoy (Popart, 2010) fue lanzado el mes pasado en simultánea para Argentina, Uruguay, Brasil, Colombia, Venezuela, Perú, España, México, Chile y Estados Unidos. Producido por Juanchi Baleirón, guitarrista de Los Pericos y también jefe en sesiones de Auténticos Decadentes, La Mosca y Ataque 77; la mezcla estuvo a cargo del ingeniero Eduardo Bergallo (Mercedes Sosa, Soda Stereo, Charly García y el ya recomendado Pala).

El álbum sorprende al reducir las dosis caribeñas y afro de otros trabajos de NTVG, es de cierto modo, más rockero; pero aun en ese carácter, el look latino de la banda fluye por sí solo. El resultado ha sido una propuesta tan intimista como festiva, muy esmerada en sus letras, de las cuales recomendamos “Los indiferentes”, “Ángel con campera”, “Memorias del olvido” o “El equilibrista” (de esta última también agrada su adición de un coro gospel).

“Cero a la izquierda” es su primer sencillo promocional, cuyo videoclip estuvo a cargo de Agustín Ferrando, niño prodigio del audiovisual charrúa.

No te va Gustar, Por lo menos hoy (Popart, 2010), escúchalo en Soy Rock y en el podcast de Rock.com.ar.

Otros Aires

Tricota

(Otrotono, 2010)

“El vínculo acústico entre la tradición y el Buenos Aires moderno”. Así es descrita por sus propios autores la novedad más difundida de 2010 del tango contemporáneo. Así, como “contemporáneo”, se ha elegido denominar a las diversas propuestas que han integrado el centenario “dos por cuatro” a valoraciones estéticas más universales (¿No es eso lo que hacía Piazzolla hace medio siglo?). Proyectos tan disímiles como Gotan Project, Daniel Melingo, la recopilación producida por Santaolalla El café de los Maestros (Universal, 2005) y ahora Otros Aires, suelen integrarse bajo esa etiqueta.

Otros Aires, a diferencia de los proyectos mencionados, se formó en Barcelona por el argentino Miguel di Genova e integró en sus inicios a músicos españoles. En siete años suman dos álbumes de estudio, una grabación en vivo y frecuentes giras por Europa y Norteamérica. Su arriesgada propuesta bien podemos decir que oscila entre la misma diversidad del “tango contemporáneo”, al integrar de en sus grabaciones la tradición orquestal rioplatense con las posibilidades expresivas de la electrónica, con una puesta en escena que explora los terrenos del videoarte.

Su tercer trabajo de estudio es Tricota (Otrotono, 2010), un tributo al tradicional formato de tango orquestado, que alcanzó su cenit en los años 40 a través de titanes como Juan D’Arienzo, Aníbal Troilo y Osvaldo Pugliese. Pero al tiempo que rinde homenaje, también trasgrede. En palabras del grupo, el tango así es “desintegrado y vuelto a crear”.

El álbum se grabó seleccionando dos orquestas tradicionales de tango, las cuales muestran su virtuosismo en “No sé”, “Essa” y especialmente “Quisiera que estés conmigo”. Al sonido de estas orquestas se le integran ingeniosos elementos pop en “Mariposita” y “Junto a la aurora” y expresiones mucho más alegres (con ayuda de la electrónica y el sampleo) en “Barrio de amor” (recomendada también su ingeniosa letra). Además, la electrónica y la acústica también se complementan en un tema tan expresivo como “Tristeza de arrabal”.

Han dicho que se trata del álbum de tango más pedido en el Río de la Plata en el último semestre. Más allá de eso, estamos más ante una recomendada manera de apropiarse de aquello que desde hace un año, según Unesco, hace parte del patrimonio intangible de la humanidad.

Varios Artistas

Nos vamos juntos: un tributo a las canciones de Caifanes/Jaguares Vol.1

(EMI, 2010)

Para hablar del polémico tributo a Caifanes/Jaguares: Nos vamos juntos hicimos un ejercicio, pedimos a dos de nuestros colaboradores que lo reseñaran desde diferentes puntos de vista y el resultado es lo que ahora publicamos. Los encargados de las reseñas en este caso son Felipe Arias (desde Colombia) y nuestro locutor Jorge Medina. Encuentren esta reseña 2 en 1 después del salto. Este es el  tracklist del álbum:

1. Bunbury – “Afuera”
2. Enjambre – “Estás Dormida”
3. La Original Banda Limón – “No Dejes Que”
4. Panda – “La Célula Que Explota”
5. Juan Son – “Ayer Me Dijo Un Ave”
6. Disco Ruido – “Mátenme Por Que Me Muero”
7. Andrés Calamaro – “Los Dioses Ocultos”
8. Aterciopelados – “Para Que No Digas Que No Pienso En Ti”
9. The Secret Machines – “Quisiera Ser Alcohol”
10. Adanowsky – “Como Tú”
11. Hello Seahorse! – “Hasta Morir”
12. Ozomatli – “Nubes”
13. Alfonso André – “Hasta Que Dejes de Respirar”
14. Austin TV – “Aviéntame”

Por Jorge Medina:

Nos vamos juntos… pero también revueltos. El Tributo a Caifanes/Jaguares

Llegada la fecha de lanzamiento del “Nos Vamos Juntos. Tributo a Caifanes/Jaguares” la polémica y las opiniones encontradas están seguramente por desatarse, y aquí no será la excepción. Y es que siempre es arriesgado rescatar y re-interpretar reliquias sonoras del baúl de los recuerdos; de la memoria colectiva de un país, y más sobre una banda tan importante dentro del llamado rock en tu idioma, como lo es Caifanes.

Sin duda la música de esta banda (enfocándome siempre más en Caifanes que en Jaguares) marcó un discurso, estilo y una lírica épica en la historia de nuestro rock 80´s-90´s, por lo que resulta difícil sacudirse las versiones originales de la mente, ya de entrada.

Pero siempre un tributo tiene la doble función de honrar, por supuesto a la banda o personaje en cuestión, y volver a poner sobre la mesa éxitos enormes del pasado para que se reconozcan por las nuevas generaciones. En razón de esto, una convocatoria fue lanzada para que bandas nacionales o cercanas a la escena de rock mexicana, hicieran su versión sobre alguno de los innumerables éxitos de Caifanes. En la selección final encontramos 14 tracks con 14 intérpretes distintos de los que resaltan Calamaro, Aterciopelados, La Original Banda Limón y Ozomatli como los de mayor trayectoria.

Ahora bien, mi crítica iría ahora un poco en contra de las demás bandas seleccionadas para el resto del álbum (cierto, algunas sí hicieron buenas re-interpretaciones), ya que coincidentemente son también de las más populares en el momento.

Claro, lo sé, nos guste o no esto debe ser a su vez un negocio, pero ¿dónde quedó el tener una intimidad con la historia de Caifanes? ¿qué comparten con ella grupos como Panda, Disco Ruido y Austin TV? Y digo, si supuestamente era una convocatoria abierta, yo, escuchando sus versiones la verdad no creo que el filtro haya tenido un parámetro muy concreto y definido para la selección.

Más que covers, lo que yo busco en estos tributos son canciones que me hagan sentir algo distinto a lo que ya me transmitía la versión original, y en base a eso es todo lo dicho.

Ustedes tendrán la mejor opinión pero no hubiera estado mal incluir a bandas que compartieron escena con la banda también y que obviamente hubieran enriquecido la perspectiva.

Como tributo cumple, pero no sé si lo tendría en mi estante de discos como otras aproximaciones más emotivas en los tributos a José José o Tin Tán, por ejemplo.

Para ser más específico, a mí en lo personal las canciones que me gustaron fueron:

Por supuesto la versión de La Original Banda Limón a No Dejes Que que ya se ha estado escuchando desde hace días, y es seguro su éxito por una larga temporada, y por lo pronto, para este fin de año y todas esas pachangas venideras. Lo que nos recuerda que la calidad no es exclusiva de ciertos géneros musicales.

Aterciopelados hizo un muy buen trabajo con Para Que No Digas Que No Pienso En Tí. Calamaro muy fiel a su estilo le entra a gusto a Los Dioses Ocultos. Enjambre me sorprendió gratamente con Estás Dormida. Adanowsky hace una versión muy bien balanceada entre su estilo y el de Caifanes con Como Tú, The Secret Machines se vio creativo en su versión, pero su carencia de buena pronunciación del español opaca un poco el trabajo hecho en Quisiera Ser Alcohol, Hello Seahorse! no lo hace mal, pero ya medio que cansa en Hasta Morir, y finalmente, nunca pensé decirlo, pero… me gustó Afuera interpretada por Bunbury por la base musical utilizada.

Pero bueno, lo rescatable de este trabajo discográfico es el honrar y poner sobre la mesa nuevamente a una banda tan significativa y grande como lo fue Caifanes, y ya un poco menos Jaguares. Ojalá esto nos sirva para reencontrarnos como nación rockera con la música que no sólo es forma, sino también, mucho fondo.

Por favor no dejen de opinar y esperemos que disfruten este disco cuando lo adquieran.

Por Felipe Arias:

Fue en 1997 cuando en el movimiento de rock/pop hispanoamericano se inició la epidemia de los álbumes tributo. La propuesta tenía muy buenas intenciones: a veces combinaba el talento de los más destacados iconos del rock latinoamericano, otras veces daba a conocer internacionalmente a artistas que en otras condiciones, su despegue continental hubiera tomado más tiempo. Además, el tributo permitía reivindicaciones históricas donde se cruzaban fronteras de idioma, tendencias, generaciones y hasta géneros, en un interesante ejercicio de apropiación.

El primero fue, si no estoy mal, Hollywood Records con su Tributo a Queen (Hollywood, 1997). Gigantes como Fito Páez y Nacho Vega al lado de iconos noventeros como Aterciopelados e Illya Kuryaki en siniestra combinación con El General-a. Más lejos se llegó al homenajear a los dos más grandes exponentes de la bálada romántica: Sandro y José José; México, a su vez, dio a conocer sus vanguardias rockeras interpretando los éxitos de José Alfredo y Los Tigres del Norte en trabajos con muy buen recibiento. Llegó el cambio de milenio y el turno fue para las propuestas que daban a conocer el underground de países como Chile, Colombia y Argentina gracias a los homenajes a Soda Stereo (el primero de una cadena que aun no concluye) y Los Prisioneros. Inolvidable fue la unión de Cerati con Andy Summers en el homenaje a The Police.

Pasaron diez, trece años, y la tendencia siguió, hoy dejándonos un formato (bueno es decirlo) saturado. El turno en 2010 es para Caifanes y su secuela Jaguares, las leyendas del rock mexicano. Homenajes merecen cuantos vengan, al tratarse de la banda que abrió el rock mexicano a los oídos del continente, un rock que por mil motivos no salía de las fronteras de un país habituado a exportar su música. Ahí es cuando se justifica editar Nos vamos juntos (EMI, 2010).

Pero igual a estas alturas, asaltan las dudas: ¿Valía la pena rendir ese homenaje con el ya desgastado y módico formato del álbum tributo? Puede que sí analizando las firmas que se estampan en él. La grabación incluye a leyendas como Bunbury (“Afuera”), Calamaro (“Los dioses ocultos”) y Aterciopelados (“para que no digas que no pienso en ti”), los cuales hoy, como artistas de mucha cancha, hacen una contribución que hoy puede ser olvidable, ya que no es, sin duda, lo más trascendental de sus discografías. Pero igual la jugada sirve: sus marcas venden el disco a la vez que mañana este material también podrá recopilarse en su antología de rarezas.

A la manera de tributos ya nombrados, también figuran referentes de las escenas independientes de México y Estados Unidos, algunos haciendo aportes (tal vez estos sí) significativos a la lectura del legado de la banda de Saúl Hernández. Es así como en un mainstream continental que poco sabe de la actualidad de sus rockeros, alegra que el sello EMI comparta masivamente los diversos sonidos de la diáspora de Ozomatli (“Nubes”) y Enjambre (“Estás dormida”), una cara del polifacético Adanowsky (“Como tú”), el diálogo intercultural con los gringuísimos The Secret Machines (“Quisiera ser alcohol”) y la virtuosa propuesta post-rock de Austin TV (“Aviéntame”).

Mención aparte merece un válido cruce de géneros: La Original Banda el Limón y su versión de “No dejes qué”, bien lograda, aunque poco ambiciosa para las posibilidades que la cultura grupera ya demostró en el recordado tributo a El Tri. Curioso (pero comprensible) que sean ellos y no las leyendas (ya veces no los rockeros) los que se destaquen en el álbum.

Concluye aquí otro capítulo de la historia de los álbumes-homenaje, cuya reproducción aun parece continuar en el futuro, un futuro que a pesar de los drásticos cambios de la industria y las escenas, aun persiste en repetir fórmulas del ya remoto 1997 ¿Cuándo acabará? Urge una reforma tributaria.

Gone Down South

(Lovemonk, 2010)

Oye, mamacita, injiere el pacense Gecko Turner para invitar a gozar desde el corte número 2 de Gone Down South. Mmm, papi, es la respuesta risueña que da comienzo a un booggie con son de chekeré; lo que demuestra la explosión de la marcada influencia de Cuba —la tercera raíz— en la música española pop, hoy día. (Pop Negro, el nuevo disco de El Guincho es otro ejemplo); aunque, en su mayoría, el disco esté cantado en inglés, excepto por la participación con Isayah Thomas, y un par de canciones más, agusteras como las del flamenco-soul de Tucara.

Es notorio, además, que estos “ritmos de negros” sean apropiados por el extremeño, luego de su colaboración con Novalima en el 2009 y, por supuesto, la ubicación geográfica en la que creció, inmersa en sonidos afrocubanos y afroportugueses. Sin embargo, el músico y cantante reconoce en Nueva Orleans parte de su afinidad musical (el Turner no es casual), así como la música que descubrió mientras el proceso de grabación del disco, entre España, Estados Unidos y Londres. Las fusiones de mestizaje son claras, sobre todo en el tema afromeño “Mbira Bira (Guadiana en los ojos)”, dedicado, obviamente, a las ensoñaciones del río natal, y al soporte sonoro de The Afrobeatik Orchestra, que lo acompaña.

En Gone Down South, Gecko entrega 12 cortes sabroseables (aunque no alcanzan la cumbre de materiales como Chandalismo ilustrado o Guapapasea!) en los que el funk y el soul revisten el piropeo de Gecko, a la hora del té, papi, pero con un estilo entre Medeski, Martin and Wood y reminiscencias a la legendaria melodía de Las gatitas de Porcel, de Earth, Wind & Fire, “Brazilian Rhyme”, que lo alejan un poco de sus comienzos más genuinos, por impulsivos  —no es precisa la madurez—, y seductores. Sin embargo, con temas como “Ámame, mímame”, “Truly”, “Tea Time” o “You Can´t Own Me” este disco es digno de una performance a la Full Monty. Hasta para la cabecera, luego de una noche post-dancing. Aquí una probadita, “Cuánta suerte”, pa’ Yemayá.

Tracklist
Truly
Cuánta suerte
So Sweet
Tea Time (And The Five O’Clock Jam)
Ámame, mímame
You Can’t Own Me
Mbira Bira (Guadiana en los ojos)
Holly Hollywood
Let’s Say Tonight
The Love Monk
When I Woke Up
Gone Down South

Monareta

Fried Speakers

(Nacional, 2010)

Hace quince años Andrés Martínez y Camilo Sanabria hacían parte de la heroica movida bogotana de rock alternativo, uno haciendo grunge en Yuri Gagarin y Los Correcaminos y el otro haciendo funk en Zigma.

Sin embargo, la carrera musical de ambos tomó en la última década otro rumbo al descubrir las posibilidades del hip hop, el break beat y los aires del Caribe colombiano. Así nació esta ecléctica y aclamada propuesta de nombre ciclístico: Monareta.

Con su sonido, llamaron la atención de Nacional Records y de exigentes escenarios como LAMC, South by South West, el Festival de Cine de Berlín, Rock al Parque o hasta la modesta pero no por eso menos agradable tarima del Pata Negra en Ciudad de México. Luego vinieron los elogios a sus álbumes Electronoche (Nacional, 2006) y especialmente Picotero (Nacional, 2009); llegaron también sus contribuciones a la música de producciones como La mujer de mi hermano, Ugly Betty y Pride and Glory.

Ahora entonces el turno es para Fried Speakers, trabajo discográfico lanzado esta semana. Sorprende por la exploración arriesgada de nuevas influencias musicales que van más allá de la fusión “serial” y forzada: aires funkeros y cumbieros en “El combate del parlante” (inevitable recordar aquí la champeta y como no, la difusión que le ha dado Systema Solar), devaneos discotequeros ochenteros de la “Cumbia invasiva”, elementos españoles en “Gitana Llorona” y “Las rutas del mar” (esta última dedicada a un amor que Andrés tuvo cuando vivió en Valencia). Por último, recomendamos un enérgico trabajo de percusión que recuerda el pasado rockero de sus integrantes en “Arrastrado”.

Preparémonos, señores, Monareta regresó a enseñarnos nuevas maneras de explorar las fronteras musicales. Y los que ya los hemos visto en tarima, seguro que aun no acaberos de sorprendernos con lo que tiene estos muchachos.

El Guincho

Pop Negro

(Discoteca Océano/ Young Turks, 2010)

No todos los discos merecen una sucesión continua de escuchas, y son aún menos aquellos que convierten eso en una necesidad, Pop Negro (Discoteca Oceano/Young Turks, 2010) es uno de esos discos. Pablo Diaz-Reixa lo había anticipado, se avecinaba un disco con mucha mayor calidad en la producción, atrás quedó aquel atrevido Guincho de bajo presupuesto que procesaba loops bajo cintas de cassette. Atrás quedó ese sonido lo-fi seductor y cadente cual grabación de campo de algún ritual antillano. Pero el Guincho creativo y excéntrico en gustos persiste. Ahora, con mucho mayor presupuesto, ha entregado 9 piezas de colección, y ya se le entiende a lo que dicen sus letras.

Hay dos vías para asimilar la escucha de este disco, una prioritariamente racional que destaca la cuidada producción del disco, y la otra, la más sencilla y genuina, que lo coloca en un plano sensible como un disco rico y alegre. Es un carnaval y este sí es un sello de Pablo Diaz-Reixa, da la impresión de que de esto no va a poder escapar porque al tocar el fondo, ahí sigue ese Guincho de los Steel Drums, tablas de surf, palmeras y palmadas, que al final del día, son una impronta en su música.

La segunda entrega del Guincho es uno de esos discos (ni el primero ni el último) que entran a la discusión sobre la figura del productor como creativo, y sobre la diversas posibilidades que existen para concebir la creación musical y acercarse a la definición de lo que hacer música significa. El Guincho no es músico, es un excelente productor, es exquisito, maneja nociones de cambio claras e imagina estructuras, sabe de arreglos y cómo manejar diversas capas, cómo revestir pequeños fragmentos sonoros y decorarlos hasta sacarlos de contexto para reacomodarlos en un nuevo jarrón. El resultado de esto es un tanto predecible: canciones de sencilla escucha pero con mucha profundidad en cuanto a referentes y texturas. A veces se le entiende, y a veces, con toda humildad, acepto que no.

En un plano sensible escuchar el Pop Negro se parece al ejercicio de repetir incansablemente la misma palabra hasta desnudarla de sentido y de ahí comenzar una nueva empresa con el afán de descubrir nuevas posibilidades en su sonoridad. Un ejercicio cuasi místico, en cuyo arenero, el sinsentido cobra relevancia y es un agente de emancipación, las piezas juegan por sí solas y van tomando un lugar por cuenta propia. Como un conjunto de espirales entrecruzadas, un caos ordenado en función del más sencillo placer en la escucha, todo gracias al acercamiento frente a un sinte, y un ordenador.

Y sí, el álbum juega en un terreno blando con un notable espíritu popero, ochentero y latino que pasa por encima de los estereotipos que cualquiera de estos términos podría significar para la industria musical. Como la cereza en el pastel están las letras, de una sencillez desafanada, cual forever de Pent House en Barcelona que surfeando encuentra desde el primer amor hasta el desencantamiento y promesas de una mejor programación radial. Quien no lo crea, deberá saber que la frase “Que triste es el primer adiós” en “Lyrica Mistral”, es un sampleo de la Onda Vaselina. De manera que está enfáticamente enmarcado por un sueño ochentero en el que se encuentran aspiraciones y referencias a Radio Futura, Luz Cazal, Mariah Carey, Fania, Toni Bisconti, y hasta Tricky Stuart, por mencionar algunas.

El Guincho desmenuzó los elementos que conforman las canciones de su disco, y esto fue publicado simultáneamente por el blog español de la Página de la Nadadora y Drowned in Sound. Aquí, lo que resalta es justamente eso, el infinito universo de sonoridades que aunque son estridentes y chocantes, están concebidas bajo una perspectiva de cómo acomodar en el lienzo los colores dispuestos en una paleta que parece que es muy vasta.

Hello Seahorse!
Lejos. No tan lejos.
(Mun Records / EMI, 2010)

Denise llegó a la banda fundada por Burgos y Julio Muñoz, tras ver un anuncio en MySpace. Juntos hacían canciones simples, felices e imaginativas. Su mundo era uno de ponis, palacios y desfiles de medusas en punto de las 8, en un país del nunca-jamás.

Hello Seahorse! llamaron a su grupo. Algunas niñas y niños Indie se convirtieron en amigos imaginarios de este club del caballito de mar. Denise usaba lentes de pasta dura y se paraba frágil sobre el escenario cual niña de coro. Mientras tocaba el teclado, Burgos movía la cabeza -con su gran copete de pelo chino- de un lado al otro, como seguramente lo hacía en la clase de música del kindergarden.

Inquietos, sacaron dos discos en dos años: …And the Jellyfish Parade (2006) y más tarde, con el curioso baterista Bonnz a bordo, sacaron Hoy a las ocho (2008). Eran los hermanitos ligeros y desenvueltos de los atribulados Austin TV, quienes con trabajos habían concebido su Fontana Bella (2007), recluídos en una cabaña en las profundidades de un bosque misterioso, lejos de la ciudad.

Algún día no registrado en los calendarios (el único testimonio ha de residir en algún diario de Denise), el grupo tuvo que renunciar a su inocencia. Pudo haber sido la naturaleza ponzoñosa en ese negocio alrededor del bonito arte de hacer música; o pudo ser algún golpe artero de la vida, que provocó el desvanecimiento de los sueños y la bienvenida a una cruda realidad diurna, urbana, donde el dinero y la fama es lo que rige. Entonces, ella se disfrazó de Vanilla Face; luego cambió su máscara y dijo llamarse Lo Blondo. Ahora, él llevaría el mote de Oro de Neta. (Incluso comenzaron a usar collares gordos y dorados y coquetearon con el Hip-Hop ¿?). Cambios: El miembro inicial, Julio Muñoz, dejaba el grupo, lo que los convertía de nuevo en trío. También vino una manager que sabría protegerlos de los lobos de la industria -y que sabía pelar los dientes y mostrar el colmillo, si fuera necesario-. Gaby Gómez los cobijó en el sello Mun y la agencia Booking Wolves: Fue notoria la profesionalización del grupo, con la mira puesta en un proyecto de vida. Durante esta temporada extraña, conocieron a Yamil Rezc, quien había trabajado con Zoé y Sub División. Las grabaciones que en un principio eran autoproducidas por Burgos, ahora encontraban a un mago de estudio que les enseñaría nuevos trucos y que puliría su sonido, para llevarlo a un segundo nivel en el incierto mundo del Indie.

No habían pasado más de dos años desde su debut, cuando Hello Seahorse! reapareció con el anuncio de una tercera obra llamada temerosamente Bestia, distribuída por EMI, una disquera “grande”. El sencillo, del mismo nombre, era una canción de antorcha oscura y potente: La letra, una enigmática revelación que dejaba escuchar algo de inocencia y maldad, resentimiento y aprendizaje, deshonra y orgullo. El grupo que primero sonaba a la nostalgia de “Here’s Where the Story Ends” de The Sundays, ahora lograba el “Zombie” de The Cranberries y más. La canción fue el himno del 2009, fue a dar a la tienda iTunes U.S. como sencillo gratuito -downloadeado por cientos de miles propios y ajenos a la música en español; e incluso, Julieta Venegas se inició como remixer, al hacer una fantasmagórica version downtempo. Los Hello Seahorse! habían ido de excursión a un bosque embrujado, del cual no habían regresado. Sólo sus fantasmas y los ecos de auxilio era lo que podíamos escuchar. Y en las fotos promocionales, los tres miembros posaban, dañados, recargados en la pared de una vieja y roída casa victoriana.

Los destinos a los que esta maldición los llevó, han sido de lo más lejano a la fantasía: No hay medio, negociante o institución (en México e incluso en los Estados Unidos) que no les haya querido echar la garra encima. La incógnita era si Hello Seahorse! podría resistir a la carga de mala vibra derivada de giras, nominaciones/premios y de la intensa sobre-exposición comercial. Cuatro años más tarde, y situados en el presente, el grupo demuestra no sólo haber sobrevivido, sino estar fortalecido y con suficiente madurez para saber dejar atrás la niñez y asumir su condición adulta, con un cuarto álbum que los encuentra Lejos. No tan lejos.

Ahora son un cuarteto. Llega un nuevo integrante de nombre Joe, que toca la guitarra y varios instrumentos más. Además, en la disquera los acercaron a un excéntrico productor -“Keyboard” Money Mark-, de fama por haber trabajado con los Beastie Boys y varias entregas para el prestigiado sello de trip-hop Mo’Wax; con él produjeron la mitad del álbum en Los Ángeles (y una canción en la Ciudad de México). Yamil Rezc continuó con la otra mitad de la producción del álbum, al grabar en una casita campirana a las afueras del D.F. (De ahí surge un argumento para el título del disco).

Lo más notable, es la manera en que Lo Blondo ha educado su voz: Ha desaparecido la tímida e inteligente niña-indie y ha nacido una banshee, que en ocasiones alcanza registros operísticos, o de música “etérea”, al estilo de las divas del sello 4AD (Liz Fraser o Lisa Gerrard).

Y es este el punto clave donde la crítica ha encontrado una zona blanda: Indudablemente, Lo Blondo expresa el desolado, melancólico y rabioso mundo que aflora en el actual discurso de la banda; los olanes y filigranas que decoran cada armonía de cada canción, son un lujo de histrionismo vocal. Artísticamente, Denise vive un momento climático: ha cantado el tema principal de la película bicentenaria Hidalgo: La historia jamás contada; y apareció con el “Cielito lindo” en la gala del 15 de septiembre, junto a las portentosas Ely Guerra y Natalia Lafourcade, dirigidas por Alondra de la Parra. La carrera de Denise acaba de despegar hacia un éxito imprevisto y desconocido, que incluso la llevará mucho más allá de las fronteras del mágico enramado de Hello Seahorse! Bien por ella. Sin embargo, el cúmulo de fans que se volvieron adeptos a Hello Seahorse! debido a “Bestia”, no saben bien-a-bien qué sentir cuando escuchan la robusta voz de Lo Blondo en el primer sencillo, “Casa vacía”. Están confundidos. Y no entrarán allí. ¿Qué pasó con la niña que vivía en esa casa? ¿A dónde se fue?

Aquellos que se aventuren, se encontrarán nuevamente con el papel tapiz victoriano. Y esta vez hallarán el retrato de una anónima mujer convertida por el tiempo en parte del estampado de los muros, percudidos por el agridulce olor a flores marchitas. También existen 11 cartas, todas en español, que ahondan en la ausencia, el abandono, la incomprensión, el paso del tiempo, el anhelo y el ensueño de un posible retorno al escenario donde tales paredes estaban vivas.

Musicalmente, el álbum vibra con secuencias eléctricas tremendamente originales y un enjambre de teclados viejos y nuevos: Sorprenden las ideas musicales avant-garde, que les ganarán comparaciones a Broadcast, Pram o Fever Ray. No hay un “Bestia” que literalmente funja como ‘Parte 2’, sin embargo, canciones como “7 días” o “Un año quebrado” continúan en la misma intensidad emocional ambivalente entre lo dulce y lo amargo; la inocencia y el recelo. “Perla blanca” es un hermoso tema donde la voz de Lo Blondo toca cielos de arias o de folklor celta (peligrosamente sonando a The Corrs). En la silenciosa “Velo de novia, existe un guiño a la canción ranchera/folk, al estilo de Carla Morrison (y que justifica la línea actual en que Hello Seahorse! covereó a Caifanes con “Hasta Morir” en el tributo Nos vamos juntos e interpretó “Cielo Rojo” para la compilación BiMexicano.

En todos los campos, no sólo el grupo rebasa sus propios límites (y expectativas del público) con su ingenio e inmensa vida interior. También los productores aportaron ganchos y una grabación pristina:

Lejos. No tan lejos. es un álbum que se sostiene de principio a fin con una atmósfera homogénea y un sonido que los referenda como lo mejor que hay en la escena mexicana y como un acto que dignamente editará por segunda ocasión una placa con el sello alt-latino por excelencia en los Estados Unidos: Nacional Records. Vaya, hasta a un Latin Grammy están nominados por Bestia.

- ¿A dónde se ha ido la feliz banda de indie-pop fundada por Denise y Burgos?

- Lejos. No tan lejos.

(Reseña originalmente publicada para Extracto -Disco de la semana de Ibero 90.9-)

Bimexicano reune interpretaciones destacadas de Jaguares (cantando un tema de Andrés Henestrosa), Aterciopelados (covereando a José Alfredo Jiménez) y el Sr. Flavio (skateando la canción escrita por los nayaritas Fidencio y Alberto Lomelí Gutiérrez); así como versiones interesantes de la cada vez más madura y sorprendente Natalia Lafourcade, Kinky, Sussie 4, Jumbo, Hello Seahorse!, y los ya muy autocomplacientes Enrique Bunbury y Ely Guerra.

El esfuerzo para organizar y congregar a una serie de artistas nacionales e internacionales es loable; sin embargo, el disco como conjunto involuciona y las densas atmósferas terminan por abrumar al escucha, si, a primera vista, piensa que escuchará un disco de festejo nacional.

1. Jaguares – La martiniana

2. Natalia Lafourcade – La cigarra

3. Enrique Bunbury – Vámonos

4. Ely Guerra – La llorona

5. Jumbo – De qué manera te olvido

6. Aterciopelados – Un mundo raro

7. Hello Seahorse! – Cielo rojo

8. Le Baron – El rey

9. Kinky – Sombras nada más

10. Sussie 4 – Bésame mucho

11. Yo camaleón – Cucurrucucú paloma

12. Sr. Flavio – El son de la negra

Chikita Violenta

TRE3S

(Arts & Crafts México, 2010)

Chikita Violenta es una banda que ha sido estigmatizada desde sus orígenes. Desde que el cuarteto apareció y mostraron su música, no han dejado de ser calificados como un grupo “trendy” y ante cualquier halago de la crítica, se manifiesta un repudio gratuito. Después de tres años de silencio discográfico vuelven al ruedo con TRE3S, su tercer material de estudio que, para sorpresa e incredulidad de muchos, posee cualidades que pocos álbumes han mostrado en los últimos años.

Grabado en la iglesia que Dave Newfeld adaptó como estudio, TRE3S consta de once canciones que oscilan entre el rock pop alternativo y las atmósferas experimentales que distinguen al productor antes mencionado; sin embargo, a diferencia de su antecesor Stars and Suns Sessions libera toda la tensión de trabajar con semejante nombre y expone la capacidad creativa del cuarteto. Desde los primeros instantes de “Roni” –primera canción al orden- se muestra la fuerza y seguridad que sus trabajos previos mantenían titubeante. El álbum presenta una banda sincera y con la intención de hacer música, sin importar realmente a qué se parezca o con cuantos se les compare, pero que suene bien y que sea algo propio. La mayor virtud de la placa es enganchar al escucha durante sus casi treinta y cinco minutos de duración y generarle la necesidad de revisarlo nuevamente y en más de una ocasión, con el fin de entender los múltiples detalles que presenta.

Escuchar la secuencia natural del trabajo durante sus primeras canciones no levanta mayores sorpresas, pero la primera gran muestra de evolución es “Holiday”, con un pasaje semi-instrumental menor a dos minutos de duración. La siguiente al orden rompe con todo concepto previo sobre Chikita Violenta y son los contundentes redobles de batería que dan inicio a “The Pause” –la canción más enérgica en el historial musical del grupo-; a partir de ese momento, escuchar TRE3S devela su evolución y presenta más detalles.

El pop folk de “ATPG” contrasta con notoriedad cuando retumba “The Monster (Was Last Seen Approaching the Power Plant)”, -el break instrumental más notorio en el flujo del playlist -. Los cambios de ritmo son una de las características más destacables en el proceso de entender el álbum: “España” y “Supercycle” son el ejemplo de cómo apoyar buenas melodías para mostrar la posibilidad de esta faceta.  En tanto, “Siren” y “My Connection” hacen alarde de los diferentes colaboradores que aparecen a lo largo del material, como el mismo Newfeld, la cantante de Broken Social Scene, Lisa Lobsinger, las baterías de Tony Nesbitt (The Most Serene Republic) y Loel Campbell (Wintersleep) y otros potentados del sello canadiense que los edita –e identifica en su estilo lleno de capas de guitarra, coros agridulces y buena vibra-, Arts & Crafts.

TRE3S es un álbum sólido que asemeja una pared de sonido vegetal, lleno de minucias que generan nuevos pretextos para disfrutar a cada escucha. Surgirán los ecos a nombres como Sonic Youth, Broken Social Scene, My Bloody Valentine, Pavement y muchos otros grandes, pero se preserva el estatus de propiedad y da muestra de la cuestionada capacidad musical y madurez en el grupo. Es un trabajo que se disfruta con facilidad y aunque tiene ‘ganchos’ evidentes a lo largo del trayecto, suena sincero más allá de cualquier calificativo de pretencioso y/o experimental. Su mayor cualidad es romper con los estigmas que le acuñaron desde sus inicios, pero le gana otros que involucran mayor reto de creatividad, y lo hace uno de esos pocos conjuntos que pueden ofrecer más a su audiencia de lo que el resto puede.

Rey Pila

(OCESA Seitrack / Sony, 2010)

Al recorrer la historia de los años 2000 en la música Indie de México, el álbum debut (y despedida) de Los Dynamite, irónicamente titulado Greatest Hits surge de inmediato como uno de los trabajos más completos y descriptivos de la época. Fue en 2006 que el proyecto fronteado por el melenudo Diego Solórzano compitió codo a codo en las radios del Distrito Federal, al sonar en Ibero 90.9 o Reactor 105 a la par de las bandas anglo que escribieron la historia de la década: Interpol, The Strokes y Killers. Bajo la excelente producción de Paco Huidobro (Fobia), Los Dynamite grabaron canciones perfectamente logradas como “TV”, “Katatonic” y “Ready Ready”; que si bien no crecieron hasta convertirse en himnos generacionales, serán recordadas por captar el sonido de la década, en su versión mexicana.

Cual supernova de champaña, la carrera de Los Dynamite fue intensa y explosiva: Entre 2006 y 2009, peinaron el mapa de venues del D.F., hicieron todos los tours posibles y le abrieron a cuanto acto internacional se pudo. Incluso fueron a dar a los Estados Unidos en pequeñas pero significativas giras que los hicieron tocar en foros de Austin, Chicago o Nueva York. Viajes, entrevistas, managers, cambios de alineación, contratos, patrocinios… truene.

Diego Solórzano no es el tipo de persona que busca la fama o la exposición bajo los cánones del “rockero”. Entre la curiosidad y la timidez, el hijo adolescente del periodista Javier Solórzano comenzó a hacer clicks, beats y atmósferas bajo el pseudónimo de Babún, en 2001 (Recuerdo cómo se paseaba por las oficinas de Radioactivo 98.5 en Prado Sur, en Las Lomas, Ciudad de México -mientras su padre hacía el noticiero en el piso de arriba, en Imagen 90.5- en busca de aprobación, Diego mostraba las maquetas a quien le tuviera paciencia: definitivamente había ideas musicales en bruto.)

Algunos de sus tracks y mixes aparecieron en las primeras compilaciones que lanzara Noiselab, ya como sello, en ese mismo año. A la par del 9/11, vino la nueva ola neoyorquina y fue tiempo de guardar las tornamesas, para sacar los amplis: Diego, en sus tempranos veintes, sorprendió a varios con sus demos de canciones que sonaban a Joy Division o Interpol, con regaños nasales que extrañamente remitían a Mark E. Smith, el misterioso vagabundo al frente de The Fall, banda punk de culto originaria de Manchester.

El chico sabía hacer música y sólo necesitaba de mentores que lo encaminaran para confeccionar canciones terminadas: Paco Huidobro fue quien lo produjo, aportándole un sonido de bajos contundentes, programaciones post-disco/new wave y ganchos perfectamente memorables; Héctor Mijangos lo abrazó de nuevo en Noiselab para lanzar Greatest Hits en 2007 y de pronto, Diego estaba en los reflectores, ante la sorpresa de la crítica, sin que él mismo hiciera alarde de su fama; más bien, el jóven Solórzano se probaba a sí mismo su amplio potencial. Y en el camino, dejaba boquiabierta a la crítica, a la par de destacar entre el estéril boom de bandas independientes contemporáneas.

Sin ahondar en las causas que hicieron de Los Dynamite un fuego fatuo (habría que hacer una entrevista a fondo con Diego, para conocer dichos motivos que hoy sólo son rumores acerca de las tranzas y novatadas en el inestable universo del Indie nacional), Solórzano desapareció de la escena, en una especie de autoexilio y regresa en este 2010, cual hijo pródigo, reinventado y con un proyecto solista como estandarte de la nobleza: El Príncipe de Solórzano se autoproclama Rey Pila.

¿A dónde se refugió en este sabático? Estuvo en uno de los epicentros para su inspiración, lugar donde ocurrió el movimiento musical que dio bases a Los Dynamite: Nueva York (Para ser más precisos, Willamsburg, en Brooklyn). Solórzano estuvo más de un año bajo la tutela de Paul Majahan: Wizard de estudio, artifice de gran parte del sonido neoyorquino al estar detrás de proyectos como los Yeah Yeah Yeahs, Liars, The National y TV on the Radio (Junto con Dave Sitek, Majahan ganó un Grammy por la producción de Fever to Tell, de los Yeahs). Hay que saber con quién juntarse. Y hay que ganarse el respeto de los grandes: así como lo hacía en los pasillos de Radioactivo, pero en la difícil escala de la Gran Manzana.

Rey Pila no se parece en nada a Los Dynamite. Adios al estridente sonido post-punk dosmilero; y venga un extraño y agradable híbrido que suena al primer Soda Stereo -con un aplomo nocturno, de neón- mezclado con los mejores trucos de Bloc Party, The Killers (¡la parte respetable de éstos!) y sobre todo, un falsete vocal que asemeja al de Tunde Adebimpe, de TV on the Radio. Tal parece que Solórzano y Mahajan se pusieron de acuerdo para elegir los recursos y materiales que el productor conoce y domina en su propio estudio, para ponerlos al servicio de esta grabación. El resultado: demasiado bueno para ser real. 10 cortes estupendamente logrados que suenan a muchas cosas conocidas, y al mismo tiempo, remiten a algo nuevo, inédito.

Incrédula como ha sido la crítica desde las primeras maquetas y demos de Diego, las impresiones generales de quienes han escuchado “No. 114” y “No Longer Fun”, los primeros sencillos de Rey Pila, ponen a tela de juicio cuánta es la aportación suya y cuánto, el porcentaje del productor. Sin embargo, a detalle, el álbum muestra un trabajo esmerado en secuencias, arreglos de guitarras, atmósferas de sintes y momentos con madera de hit, que hacen saber que esta música no es nada más un capricho de Diego Solórzano, confeccionado a la medida por Paul Majahan: Nuevamente, el músico dentro de Diego sale a relucir, para callar a los escépticos y reforzar su crédito como un jóven talento musical.

Con seis temas cantados en inglés y cuatro en español, el discurso de Rey Pila permanence indescrifrable, como el mismo Diego, quien suele ocultarse tras sus chinos y gafas oscuras. El hermetismo de sus letras (algunas coescritas junto a su hermano, Javier Solórzano -hijo-), adolesce del mismo mal de su generación: la negación a contra historias, dejándo sólo ambiguas polaroids emocionales que fallan en tocar el corazón de su generación con grandes discursos: Se intuye el hartazgo por la escena en “No Longer Fun”, la frustración tras la estafa de la industria en “Sordo” y la futilidad generacional en “Pictures on the Sun”, donde un coro de niños hace recordar a “Panic” de The Smiths.

Es un placer atestiguar el crecimiento musical de Diego Solórzano. Desde el house de alcoba, hasta la mímesis con los clásicos. ¡Larga vida a esta encarnación actual del autoproclamado Rey Pila! Y nos fascinará descubrir si debajo de esta capa, en siguientes aventuras y entregas, el príncipe puede blandir la espada como un rey.

Texto originalmente publicado para Extracto -disco de la semana en Ibero 90.9-.

El tercer material de estudio de este rapero defeño está inmerso en la estética de la posibilidad: el flow de las crayolas con que se desenvuelven rimas como Beef, Paga tus deudas y Bailar contigo, con las que se sugiere: “si te gusta el rap, suelta el cuerpo y baila como Carlton Banks”.

El arte es develar y develarse. Y entre la rima del hip hop y el verseo “poético” se comparte este ideal, en el que se debe ser constante y exigir vivir de lo que se hace. No ceder, como canta Eric El Niño; ser honestos, desde la trinchera escogida.

El trabajo rítmico y lírico de El Niño es divertido, lleno de color. El color elegido es el de la conciencia, el morado, y el mensaje de Yeah Boy!, el del esfuerzo y el respeto. Tal es el buen hip hop, el que demuestra que “gana porque suda”. Suda trabajando, suda bailando…y también al enamorar; ya la historia se cuenta en el track “Cosa de dos”, primera colaboración entre Eric El Niño y la MC Ximbo.

Yeah Boy! es un impulso más en la carrera de Eric El Niño, y en el desarrollo del hip hop en Latinoamérica. Este disco pueden encontrarlo en el Distrito Federal en la tienda de TT Caps, pero estén atentos porque la siguiente semana obsequiaremos algunos ejemplares para el público de PanamériKa.

Stereo Total

No controles

(Elephant, 2009)

Este no es un disco para melómanos exquisitos, y esta reseña tampoco es para quien busque novedades. Esta banda tampoco está en la media en PanamériKa —vamos, nuestros perfiles predilectos no suelen ser el de un dueto electropop franco-alemán firmado por la disquera abanderada del garage-punk-rock de chicas en Estados Unidos (Kill RockStars) —.

No es un disco para tomarse muy en serio a la hora de escucharlo, es más: no es un buen disco, y encima ni siquiera es nuevo, fue lanzado en noviembre del 2009. A estas fechas debería de estarse escribiendo una reseña que hablara sobre su producción de este año Baby Ouh! (Disco B/KRS, 2010) y sería más pertinente en la linea de tiempo. Pero No Controles es una rareza, no sólo en la discografía de Stereo Total sino en cualquier contexto, y sobre todo en el de la música alternativa en España al cual alude —y en el que, ya de por sí, se dan expresiones, por decir algo, “exóticas”— . Françoise Cactus y Brezel Göring se entregaron sin concesiones frente al absurdo, asumieron el papel del ridículo extranjero que persiste en la asimilación bajo la maldición de un lenguaje ajeno, poco comprensible y mal usado. Se enfrentaron a sí mismos con peculiar acidez y autocrítica, y editaron un LP en español bajo el sello de Elephant: No controles.

Hasta aquí es una curiosidad hilarante que Stereo Total nos obsequia a quienes le buscamos tres pies al gato de la multiculturalidad, y esto lo convierte en carnita tierna y desmenuzable frente a la mirada panamerikana. 15 piezas alcalinas lo conforman, 3 son covers extraidos del catálogo de la historia del rock en España como “No controles” de Olé Olé, “Voy a ser mamá” de Almodovar y McNamara y “C’est fini” de La Casa Azul; los demás tracks son autoreferencias de su propia discografía traducida, tanto de The Lolitas como de Stereo Total. Sobresalen: el éxito “Amo amor a tres” (antes “l amour a trois”), “Miau Miau (gato salvaje)”, “Bonito por atrás”, “Bailamos en cuadrado” , “Plástico” y “El Chico de anoche”.

Omitiré por un momento el elemento de proximidad en el lenguaje, que es lo que hace que muchas veces desdeñemos este tipo de canciones “extranjeras”. Este es un disco de Stereo Total con todas sus letras, en general es la misma música de sus discos pasados, con elementos sonoros que aluden a bandas como Stereolab, Kraftwerk, los Ramones y The Clash. Las reinterpretaciones de las canciones españolas están dotadas de una dosis fuerte de esa brillantez electrónica que es sello de esta banda, ofrecen una nueva aproximación a las mismas, están bien adaptadas y, como plus, condimentadas con ese encantador acento francés que pretende castellanizarse.

Ciertamente es un disco que conoce su propio género, lo embiste con emblemática actitud punk, y le propone nuevos retos. También es una propuesta excluyente: hay que conocer a Stereo Total para lograr entender el chiste que nos pretenden contar en este álbum (sí es que fuera así). A pesar de esto, concediendo que Stereo Total no es una banda que nos de mucho para hablar en este blog, podemos asumir que ese carácter no es tan sectario, quien se aproxime a este álbum sin conocer el trabajo previo de la banda no necesariamente encontrará restringidas las posibilidades de darle una lectura.  Escucharlo en español simula una experiencia parecida a escuchar bandas hispanas como Putilatex, Magic Johnson, Hidrogenesse o incluso los Fresones Rebeldes, que van del punk electro hasta un pop paródico con procesador, con letras absurdas, onomatopeyicas e inconexas y fraseos vocales sencillos. Para quien guste de esto, y este dispuesto a asumir esa fuerte carga de humor y singularidad, este es un disco disfrutable, incluso todo lo antes mencionado hace que merezca la pena escucharlo sin tantas precauciones.

Año Santo (Arts & Crafts México/Mushroom Pillow, 2010)

Tal parece que el año santo ha comenzado y con él un carnaval lleno de fenónemos y seres monstruosos que amenaza con destruir la paz y la tranquilidad del pueblo. El carnaval está comandado por unos jóvenes que se hacen llamar Triángulo de Amor Bizarro, vienen de Galicia y están dispuestos a conquistar el mundo. Para poder llevar a cabo su maquiavélico plan, juntaron nueve canciones en un larga duración: Año Santo, el nombre hace honor a una tradición patronal gallega. En una entrevista con Lifeboxset comentaron que un Año Santo para los gallegos es aquel en el que la fiesta de Santiago Apóstol – Patrono de Galicia- cae en domingo; 2010 es un Año santo.

El carnaval empieza con los reyes de espadas y su gobierno críptico en “De la monarquía a la criptocracia”, tema que nos lleva por pasajes sonoros que ya conocíamos desde la primera entrega discográfica de TAB. Las distorsiones y el ritmo son un lugar común de aquel álbum homónimo. Los “Amigos del género humano” se hacen presentes para acompañar a los monarcas en su camino al lado obscuro. Este track se encuentra dentro de la misma línea musical del tema anterior, sin embargo hay una frase que dice “La magia en tí ya está muerta” y ahí es cuando la situación empieza a tornarse un poco densa: la intensidad de las distorsiones y los tempos son evidentes, las líricas se han tornado más obscuras y más tenebrosas. “La malicia de las especies protegidas” logra dar ese salto que representa el segundo álbum en la carrera de toda banda con grandes aspiraciones. Ahora sí, TAB nos muestra su primera canción que suena a grito de guerra.

“El radar al servicio de los magos” ha marcado su curso. El carnaval debe de moverse rápido si quieren lograr que su música llegue a todos los oídos posibles. Galicia no es suficiente, España no es suficiente, Triángulo de Amor Bizarro es muy ambicioso y para ellos el mundo no es suficiente, aún así ponen en marcha su tercera guerra mundial comandada por los perdedores y los fenómenos, con esta pieza llaman a todos aquellos deseosos de combatir. Las cartas están sobre la mesa. “Yo no he perdido la esperanza y tú has perdido la gracia”. Los comandantes han decidido tomar un descanso y bajar el ritmo de la rebelión con “Super Castelvania IV” (sí, como el videojuego) toda una oda al romanticismo: “No importa que no me quiera, yo la quiero por los dos”. Hay “Muchos blancos en todos los mapas” y los chicos de TAB lo saben. En esta pieza desnudan sus más obscuros rincones y nos cuentan acerca de lo que pasaba pos sus mentes cuando tenían 15 años: “Cuando tenía 15 años, sólo quería participar en algo histórico”. La rebeldía que mostraban en un inicio de Año Santo ahora se ve reforzada por “El culto al cargo o cómo hacer llegar el objeto maravilloso”. Tema lleno de furia disfrazada de canción pop (con sus respectivas melodías). “El baile de los caídos” es la nueva danza de los triunfadores. El nuevo ritual de guerra es orquestado por el hombre más fuerte del mundo, la mujer barbuda y el hombre lagartija. El año santo ha llegado a su final, y con él Triángulo de Amor Bizarro nos regala su track más obscuro e introspectivo de todo el álbum. Nada mejor para describir lo que se siente nacer en un año santo que la canción del mismo título: “Es como un río de agua viva”. En 3:23 minutos la banda oriunda de Galicia describe todos los planes de su revolución comandada por su carnaval, los planes de guerra y de liberación vienen incluidos: “Encontraré en el remolino, todas las notas que nos faltaban, encontraré en el remolino, todas las voces que nos llamaban”.

…

-Los puntos suspensivos quieren decir que la guerra no termina mientras haya bandas que tengan una buena causa por la cual luchar y escribir himnos al respecto-

Primero, la escucha aleatoria me introdujo a “Budapest”. Luego vino el “Alfabeto”, con la rítmica propia del sur del continente, una samba que hipnotiza con su repetición. La imaginación. Siguieron las percusiones concatenadas de “Amigos vecinos” con las cuerdas nostálgicas de “Ayelén” y los fractales sonoros a lo largo de “Un día ayer”. Alto. Sigo.

Los surcos en Audiovisión —cuarto material del cantautor— están construidos encima de minerales, palabras-planeta con las que Gepe, hacedor de sueños, elige soplar su Universo, o “Estado de vista”.

Gepe (diseñador gráfico) traza, transcribe, transforma notas, sombras y colores; pudieron ser varios, pero eligió tres para resaltar en su sinestesia: el azul, el negro y el naranja. El color del agua y el viento; el del fuego y el del universo. Juegos de luz y oscuridad con el lenguaje que en la sensual “Lienza”, a dueto con Javiera Mena, se despliegan.

En Chile, la poesía parece ser tan natural como las lianas o los remolinos que el viento dibuja en sus desiertos. Y no es que haya, propiamente, un boom musical encabezado por la escena chilena; la tradición respalda el ludismo lírico, tan particular de Sudamérica y sus vanguardias.

Hablo de ‘ludismo’ (que comparte con Pedro Piedra y su “Inteligencia dormida”), aludiendo al movimiento social que se opuso a la introducción de la tecnología, por considerarla “anticreativa”. No es que Gepe comparta dicha ideología; sino que sus imágenes y metáforas obsesivas (las piedras, la tierra, los principios, en general) encajan con lo lúdico y la idea del ludismo, en el sentido de objetivar al arte como una manufactura, un proceso, en teoría, más cálido e íntimo. De mano a mano. De voz a coraza. Para muestra escuchemos “Salón nacional de tecnologías”.

Que el viento se lleve todo lo que se tenga que llevar… Ya podemos afirmarlo, es una marca de Gepe el cubrir parte de su rostro en las fotografías de sus álbumes (que él mismo diseña).  Y con telas. Ya sean prendas o vendas, las fibras con las que Gepe cubre su imagen son un signo del manto musical con el que nos acoge e invita a develar, por la ventana, los nombres que nos  “da vergüenza decir” o los que nos derrumban. La perspectiva es múltiplemente finita, como las ideas que viajan en barco y las letras del alfabeto.

Como dato, en el programa 48 pueden escuchar una entrevista minuciosa y tendida con Gepe. Y aunque “Lienza” la interpreta (con distinta versión) en el disco junto a Javiera Mena, aquí presentamos un video en el que Gepe es acompañado por Valeria Jara, su cómplice vocal desde trabajos anteriores, quien también participa en Audiovisión, un disco que, sin duda, disfrutarán.

Listado de canciones

1. Amigos vecinos

2. Por la ventana

3. 12 minerales

4. Alfabeto

5. Ayelén

6. Estado de vista

7. Lienza

8. Salón nacional de tecnología

9. Un día ayer

10. Victoria Roma

11. La bajada

12. Budapest

En el material participan Andrés Calamaro (con “Te solté la rienda”; la misma canción con que brindó en el Teatro Metropólitan de la ciudad de México el mes pasado), el Instituto Mexicano de Sonido, Javier Corcobado, Mercedes Ferrer, Refree, Leticia Servín, Bruno Galindo, Liber Terán, Twin Tones (que aparecen por cortesía de Producciones Alicia), Salev Setra, Monocordio, Projector, entre otros.

El disco puede escucharse gratuitamente en el portal de Títere Records. Hay tracks para todo tipo de membranas auditivas, pero aquí les rescatamos dos de los audios más destacados, a cargo de Monocordio, interpretando “Deja que salga la luna”, y “El Jinete”, con Bruno Galindo.

Riesgo – Compilación 8106 Voll. II (2010, Independiente)

México

Con motivo del tercer aniversario del blog 8106 y en complicidad con Reactor 105.7 (estación de radio de la capital mexicana) salió esta compilación llamada Riesgo, en la cual vienen varios de nuestros panas consentidos y uno que otro nuevo que se une a la lista de favoritos.

El primer track es de los porteños Banda de Turistas, quienes tuvieron una grata respuesta por parte del público en el festival Vive Latino y que ahora nos presentan su pieza “Lo comandas” pero revisitada por otro PanamériKa darling, Toy Selectah. El track en cuestión se llama “LoCo mandas (Toy Selectah remix)”. Una versión muy adhoc para este calor, menos guapachosa que los demás remixes de Toy pero muy agusto para caminar por la ciudad o tomar una piña colada en la playa.

Le sigue el primer sencillo de Rey Pila, nuevo proyecto de Diego Solórzano (ex vocalista y guitarrista de Los Dynamite) llamado sencillamente “No. 114″. Rey Pila fue el acto abridor del concierto de Muse en el Foro Sol en la ciudad de México. Ya habíamos posteado este track al igual que su video (el cual, dicho sea de paso, está muy bien hecho). Rock pop bailable aderezado con sintetizadores es lo que ofrece Rey Pila, el proyecto promete, esperamos escuchar el resto de su producción.

El turno del tercer track es para la dupla regiomontana formada por Quiero Club y She’s a Tease. De nuevo un remix que nos hará más llevadero el calor de los ultimos días. La canción original es “Música” de la última producción de Quiero Club titulada Nueva América, el remix corre a cargo de los nuevos consentidos del público capitalino: She’s a Tease, quienes (según dicen los rumores) sacarán muy pronto su esperado disco debut.

Otra dupla se hace presente pero ahora directo desde la capital mexicana, Disco Ruido se adueña de la canción “Diamantes” de los (antes conocidos como Six Million Dollar Weirdos o 6M$W) Abominables, proyecto de Abulón (Las Víctimas del Dr. Cerebro). Una versión muy amigable con la pista de baile, pop sencillo sin pretenciones.

Nuestros queridos tapatíos de Los Amparito hacen gala de su fina mezcla de música folclórica mexicana con beats y loops electrónicos, en esta ocasión nos presentan un track llamado “De allá de un mundo raro” haciendo referencia a José Alfredo Jiménez. Previo a su presentación con Caribou y Toro & Moi, los originarios de Guadalajara se hacen presentes en esta compilación logrando expandir sus dominios hasta territorios inexplorados.

Y para cerrar esta sexteta de canciones gratis, otro darling sale al quite. El turno es del ex-alumno de la Red Bull Music Academy 2010 y paisano de Los Amparito, Juan Son. El track que nos presenta es “Mr. Owl” una canción folk que nos cuenta la historia de un niño y el Sr. Buho o Mr. Owl. Una manera inesperada (pero grandiosa) de cerrar esta compilación, ya que los tracks anteriores tienen como target la pista de baile, sin embargo, este tema podría ser la canción perfecta para regresar a casa después de una noche alocada llena de baile y excesos.

Esta compilación es una gran iniciativa de 8106 y Reactor, ya que ponen a la mano de sus lectores, radioescuchas y del público en general nueva e interesante música, hecha con gran calidad y lo más importante, de talentos emergentes e independientes (algunos de ellos, no todos). En este link pueden ir directo a la página de Reactor y descargar gratis esta compilación.