Cuando entramos en el tema -Matilda Manzana- primero hay que hacer a un lado nuestro lado racional (el lado molesto que siempre tratar de explicarlo todo) y sólo dejarse llevar entre olas y olas de electromagnetismo musical muy bien procesadito. ¿Cuál es la fórmula? La misma que cuando en 2009 le entraron al Merriweather Post Pavilion de Animal Collective: flojitos y cooperando.

Pero si usted es del bando más duro, llámense “difícil de convencer”, he de decirle que para desmenuzar el último sencillo de Óscar Rodríguez a.k.a Matilda Manzana “Pez Espada”, usted no tendrá que hacer ningún esfuerzo por concentrar su chi interior o recitar mantras sacados de libros fumados; al contrario, “Pez Espada” –me atrevería a decir que– es, hasta ahora, su rola mejor aterrizada, no tiene cabos sueltos y todos los imanes que la forman tienen la carga correcta.

Y porque las acciones hablan más que las palabras o no creyó nada de lo que le dije, dese una vuelta por la presentación de Matilda Manzana este sábado a la 10p.m en Cinespacio (Av, Álvaro Obregón 185 4to piso) con motivo del Festival Marvin. Y de paso escúchese la rola.

La publicación española 69 se aventuró en un tributo al crooner francés por excelencia: Serge Gainsbourg. En este, además de reunir talentos hispanos y latinoamericanos, presenta las traducciones a estos himnos de descaro, sensualidad y mucha elegancia. En la descripción del compilado, bajo el nombre de Serge Gainsbourg: Degenerado hace una extraordinaria conmemoración al talento, legado y personalidad de Gainsbourg que levanta las expectativas desde antes de escuchar la primera nota.

Entre los diferentes nombres que aparecen en la lista, aparece Algodón Egipcio con un vívido cover a “Couleur Café”, la melódica y elegante “Ah! Melody” por parte de Madame Recamier y la fiel, pero actualizada y atmosférica rendición de Francois Peglau a “2012 Année Erotique”. Destacan la versión psicodélica, llena de capas y abstracta de la colombiana Lido Pimienta a “Les Sucettes” (“El Chupete  de Anís”), el contundente shoegaze de Odio París a la canción que interpretara France Gall pero escribiera Gainsbourg “Poupée de Cire, Poupée de Son” y la participación rítmica de Los Negretes, que recrean en un estilo muy rítmico y latino “L’Hippopodame”.

Más allá de la obvia referencia a los usuales tributos que interpretan a modo de quien lo honra, este tributo destaca por darle variaciones y colores al trabajo de un hombre que se distinguía por cantarle al amor en todas sus facetas. No se trata de una extraordinaria recopilación –pues incluso hay versiones demo dentro de esta–, pero siempre resulta interesante escuchar como se recrea el trabajo de un extraordinario autor como lo es Serge Gainsbourg.

A continuación, la página para que lo escuchen en su totalidad:

http://revista69.com/

Como la banda sigue promocionando su material grabado en el debut discográfico Moldes (Independiente, 2010), nos lanzaron hace un mes el videoclip del tema “El amante”. Ilustrando bellamente la historia de un posesivo y sádico amador, la banda se nos presenta en sociedad tomando la noche limeña como su más apropiado escenario. De fondo, se nos narra el probable desenlace de aquella historia del enfermizo amante, a través de una encarnizada venganza emprendida por la amada. Y como inesperado final de esa violenta historia de amor… que sean ustedes los que lo descubran.

Soledad es un dúo formado en la Ciudad de México por Brett Schultz y Esteban Aldrete. Según el perfil de bandas de su actual sello, Valevergas Discos, son “una bataca, una lira, una voz y un portal, furia y narcosis, virtud y soledad”. Además de exponerlos bajo la consigna “Anger is an Energy!” (¡El enojo es una energía!) para denotar su estilo desesperanzador, el sitio del sello los promueve como este sonido que “hace que los corazones se retuerzan, que las heridas dejen de sanar…” y cuyo estilo no difiere sin intensificar.

La primera muestra es el EP Fe, el cual presenta en seis canciones de duración promedio un claro estilo que se desfasó al menos veinte años de la época que mejor lo habría adoptado. Su clara inclinación hacia el shoegaze, tonalidades bajas, cantos de lamento y percusiones sólidas hacen que sobresalgan de la “modita” de hacer música en capas; sin embargo, lo que más destaca de este proyecto capitalino es la capacidad de regresarle al apelativo “oscuro” su verdadera esencia.

Es un proyecto en el que sí es posible creerles que sienten lo que escriben. No juegan a ser “oscuros porque se visten de negro y escuchan a Joy Division, Bauhaus y Clan of Xymox”, sino que en dos personas condensan el sonido de los primeros álbumes de The Cure, con guitarras al estilo de Jesus and Mary Chain y dejos de una voz a la Nick Cave. Los títulos de sus canciones se reducen a una sola palabra y en algunos momentos, la voz se pierde y se convierte en una capa más dentro de los barridos auditivos de su sonido.

“Soledad” abre con la energía de ese enojo y velocidad necesaria para prestarles atención por los veinte minutos que le siguen al EP. “Atormentada” y “Repetir” hacen gala de buena composición al colocar las difuminadas guitarras en ascenso para no obstruir o saturar el atípico proceso de escucha del trabajo. Aunque cansa tanta recurrencia a emociones como vacío, lamentación y la constante invasión de sensación de pérdida, Soledad escribe desde esa sensación de auto abandono que se evidencia con claridad en “Sombra”. Ahí es cuando las entonaciones al final de “Luz” y la inexplicable tranquilidad que deja “Fe” –el corte más extenso y de mayor fuerza- cobran sentido. Seis coplas dedicadas al lamento, pero al final exaltan el lado más humano de la esperanza.

En términos generales, Fe es un trabajo sincero que expone a un dúo en proceso de perfeccionamiento. El EP es corto y directo, aunque puede tornarse un poco cansado y repetitivo. No es apto para todos ni promete convertirse en su favorito, pero como primera muestra rebasa su objetivo. Esperemos no sea un proyecto pasajero y que le den más oportunidad para que su mensaje cobre mayor significado y no se pierda entre la proliferación de ofertas shoegaze en la escena.

Si están interesados, pueden descargar el 7” Digital que la banda tiene en la página del sello Valevergas Discos o escuchar desde su página en Soundcloud:

Su primer sencillo lleva por nombre “La Campana” y aunque contiene ciertos toques que se podrían clasificar como navideños, su contenido es de vigencia atemporal por su agradable letra y melodía.

El resto de las canciones producidas varían en ritmo, pero son igualmente acompañadas de bases suaves y muy llevaderas. Por cierto que uno de los tracks es un cover a la canción “Lento” original de Joselo de Café Tacvba y que venía incluida en el mítico álbum Revés/Yo Soy.

Si quieren darle una checada a lo mencionado, visiten los siguientes sitios para escuchar el EP y/o descargarlo

http://soundcloud.com/silva-de-alegria/sets/silva-de-alegria-presenta/

http://musicadesilva.tumblr.com/post/22261126670/geografianacional

En su empresa por dar lugar a la relación entre tecnología y naturaleza, además de las multipremiadas aplicaciones que ha lanzado para iPhone, iPad y demás dispositivos inteligentes, Björk está lanzando una serie de remixes a su álbum Biophilia. La tercera de las ocho partes de esta serie verá la luz en formato físico el 14 de mayo y ofrece: un remix de “Virus” por Hudson Mohawke y el remix que Pablo Díaz- Reixa, hizo a “Cosmogony”, en una apropiación que direcciona la original hacia un lugar distante y poco explorado en la obra del Guincho. Para escuchar este esperado track en el mundo iberoamericano, lo pueden hacer directamente en el Soundcloud.

Con la curaduría del cantautor Paulinho Moska, el evento consistió en hacer un doblete de revelaciones de la música brasileña (Pedro Luis, Marcelo Jeneci, Ana Cañas, Fernanda Takai) con figuras igualmente destacadas del resto del continente (Andrea Echeverri, Francisca Vaenzuela, Fernando Cabrera). El noble própósito de este encuentro, de acuerdo con el propio Paulinho, fue llenar el vacío que tenemos en el conocimiento de los desarrollos de la música contemporánea entre tanto país hermano.

La gran sorpresa del evento llegaría el sábado 21 de abril, cuando se presentaba a Marcelo Jeneci (joven músico que conocimos en nuestro programa 154). Para completar el doblete se preveía la presencia del argentino Lisandro Aristimuño, pero ante la imposibilidad de tenerlo para esos días en Bogotá ocurrió lo inesperado: Moska invitó a Kevin Johansen quien gentilmente aceptó la propuesta de dar un concierto sorpresa. La noticia se difundió velozmente por las redes sociales con un rumor que en cuestión de horas llenó el Teatro de Bellas Artes.

Para completar la noche de sorpresas inolvidables, también fue invitada a la tarima la cuota local con la gran Andrea Echeverri. De ese encuentro mágico y de difícil repetición en la ciudad, queremos dejarles algunas imágenes gentilmente cedidas por el fotógrafo Andrés Wolf. Y para rematar, los invitamos a ver un fragmento de esa velada, donde Andrea y Kevin interpretan “Oh My Love My Love”, sencillo que ambos grabarían para el álbum Logo.

Kevin Johansen y Andrea Echeverri

Paulinho Moska retrata a Kevin Johansen

Marcelo Jeneci

Un día después del debate que sostuvieron los candidatos rumbo a la presidencia de México el IMS ha lanzado un adelanto de su próximo álbum Político,  el sencillo hace honor al nombre del disco y promueve una queja colectiva bastante recurrente: el estado en el que se encuentra el país. La canción se llama “México”, con líneas de metales ultrapotentes y una actitud divertida frente a las adversidades, y ya la pueden escuchar en streaming desde el soundcloud de la banda.

Reina Republicana‏
Reina Republicana‏
(Limbo Starr, 2011)

La semana pasada presentamos el video “Que cunda el pánico” de Reina Republicana‏, de su disco homónimo lanzado recientemente después de un Split con Las Robertas y el Clonidina 7″.

Bajo el sello Limbo Starr, este proyecto dirigido por Israel Medina y acompañado por Iñigo, Apeto, Iván y Maite nos presenta un disco que va por todo: Las notas percutidas iniciales del piano estallan en un sonido a lo My Bloody Valentine (“Que cunda le pánico”), nos lleva hacia claras influencias de The Jesus and Mary Chain clásico (“La reina”), pero también texturas suaves a lo “Just Like Honey” (“Los días ya no iluminan”) y hasta pueden sonar repentinamente a Dënver (“Dime qué vas a hacer”) o darnos un bossa lento (“Mar Diamante”, ¿Giño a “The Diamond Sea” de Sonic Youth?).

Los más conocedores de la escena española tienen presentes a estos músicos de pop reverberado de Pamplona desde el 2009, ya sea por una relación con Los Planetas o por ser parte de una ola que evoca al “sonido C86″ inglés. Los de la disquera Limbo Starr opinan al respecto: “nos sentimos muy orgullosos de editar este álbum, porque tenemos la certeza de que hará el mundo un pelín mejor”, en Panamérika estamos de acuerdo.

Desde su Bandcamp podemos escuchar 5 tracks, incluyendo el sencillo “Que cunda el pánico”:

Ha salido el séptimo volumen de Antojitos Mexicanos, curado por Socsub y como siempre gratuito. Hace poco hablamos de la Fondeadora de Socsub que busca de su contribución monetaria (a cambio de ediciones físicas de estas recopilaciones) para lograr editar este compilado en CD y vinil y distribuirlo.
Más que una entrada de frijolitos con totopos y salsa, este volumen parece ser todo un buffet que va desde el pozole hasta el cabrito, pasando por tamales, chiles en nogada, tacos, cemitas, tlacoyos y sopes; está compuesto por 62 temas de 62 artistas diferentes, algunos son de bandas que quizá nacieron hace menos de un mes y de otras que probablemente no vuelvan a sacar nada nunca más. La escena global de música se maneja así últimamente; proyectos y proyectos más que bandas legendarias, y Socsub se encarga de recopilar y dejar en la memoria colectiva estos hallazgos. Por supuesto cuenta con una amplia gama de bandas en activo como Los Mundos, Los Negretes, Lorelle Meets the Obsolete, San Pedro el Cortez, Mr. Racoon, Hey Chica!, Agrupación Cariño entre muchas otras.
Antojitos mexicanos pone en la mesa toda la combinación e influencia del post-rock, shoegaze, pop, cumbia, folk de vieja vena y nueva psicodelia en un gran plato de mole que hasta el más ajeno puede llegar a disfrutar.
No creo que reseñar discos con tantos temas sea una práctica común desde el 69 love songs de Magnetic Fields. Sólo puedo decir que estas 5 horas musicales pueden amenizar una tarde como si se tratara de una expedición en busca de tesoros perdidos en alguna antigua pirámide del centro del país.

Acá lo bajan.
Acá Fondean.

Hay grandes diferencias de las visiones que puede llegar a percibir una hechicera a diferencia de las que experimenta un brujo, ¿qué por qué hacer hincapié en tan extravagante afirmación? Nomás échele un vistazo al nuevo video de Violeta Vil “Lápidas y Cocoteros” un paseo por el inconciente de una chamana, santera, bruja selvática o como usted le quiera llamar, que a través de un par de ritos y bailes eróticos-religiosos busca arrastrar a más de uno a su universo místico e intrigante –pero sobretodo incierto- del que seguramente no es tan sencillo escapar.

El video fue dirigido por Mónica di Francesco, sustancia fundamental de Violeta Vil, y es una ofrenda más -de la banda para su público- antes del estreno de su codiciado álbum debut que saldrá bajo el sello de Discoteca Océano. 

Ya sabemos que nos fascinan los juegos espirituales y sobretodo cuando involucran máscaras tribales en un entorno selvático, pero hay que tener cuidado con estas cosas: quien sabe si lo de “Lápidas” sea solamente una curiosidad del título.

Violeta Vil – Lápidas y Cocoteros (2012) from Violeta Vil on Vimeo.

Si la nostalgia fuera un pecado Gran Aparato Eléctrico seguro ya estaría en el purgatorio. El proyecto alterno de Cristina Plaza (Clovis) es un sustituto ideal del litro de helado que reconforta el corazón después de terminar una relación infinita. La contemplación individual a través del sonido análogo se ha convertido en un privilegio: muy pocas voces logran conectar tantas emociones con tan pocas herramientas técnicas. Definitivamente esta chica Cristina tiene un don con este proyecto que trae a la vida un cachito del espíritu de las distorsiones electrónicas de Broadcast.

¿Cree en los homónimos? Acá encontramos al de Joe Volume y es que el desmadre que Las Nurses son capaces de armar con tan sólo unos riffs neuróticos y una voz esquizoide no se ve todos los días. Esta banda es la evolución hispana y revolucionada de Los Ramones, sinónimo de punk rock ¿qué mejor para representar la cura al dolor que tanto pogo puede generar que un nombre como Las Nurses? Desde aquí puede ver un adelanto de su próximo disco

Vía Hipersónica

Como la banda sonora oficial de las pesadillas estilo “angustiosas pero intrigantes” es la música que reproduce Meridian Brothers. Originarios de Bogotá Colombia, Meridian Brothers le canta con el mismo sentido del humor irónico y negro al amor (específicamente al de una chica a la cual la pretenden 98 carniceros), a los ángeles entusiastas, a los falsos Reyes Magos y por supuesto al todo poderoso Rey de las tinieblas, Satanás.

Arte ruidoso combinado con instrumentos tradicionales del caribe y Perú con una exquisita selección de folk electrónico (tal vez del posible agrado de la señorita Dolly Parton, pero del más allá). Si el Día de Muertos tuviera un festival de música, Meridian Brothers se encargarían de liderar el cartel: su trabajo parece obra de espíritus chacarreros en busca de alienar las almas de los inocentes que aún creen en la salvación a través de la religión y la fe. Su crudeza y experimentación es una bofetada a todo lo “bellamente” establecido, esta banda no teme en jugar con la cumbia el pop y el minimalismo afro-funk de manera surreal y hasta rebelde-dadaísta.

Difícil de creer, pero he aquí una prueba de la distorsión mental que Meridian Brothers es capaz de generar con tan sólo una imagen bidimensional, un puñado de chichas peruanas, un retorcido mensaje social-religioso muy incomodo –muy incómodo- y claro el culto a Satanás que ya le mencionábamos- “Satanás seré un miembro de tu logia eres el patrono de Colombia gobiernas nuestra nación. Satanás cuando seas presidente le darás consuelo a la gente tendrán justicia e igualdad. Satanás tu me hiciste mujer yo te haré un hombre, bajemos al mundo a reír.”-

Para seguir presentando el material grabado en su debut Papaya Republik Vol. 1 (Independiente, 2011), nos han lanzado el videoclip del tema “Hola soledad”. Distanciados brevemente del folclor colombiano, este tema es una adaptación de tema escrito por Palito Ortega, que en el Caribe se inmortalizaría en la aguardentosa y callejera voz del gran Rolando Laserie, uno de los genios del bolero cubano.

‘Hola soledad, esta noche te esperaba… yo soy un pájaro herido.’ Y para honrar ese melancólico bolero, el videoclip trae licor, despecho, triste andanza callejera  y un pucho de la vida apretado entre los labios. Además, suenan limpios los metales que evocan a esa edad gloriosa de las orquestas tropicales al mediar el siglo pasado. Disfrutemos entonces esa otra cara del sonido de Papaya Republik.

“Unconvention” e “Ika” son dos fabulosas cumbias espaciales que nos ha traído el fabuloso grupo experimental colombiano Frente Cumbiero.

El Frente regresa con un nuevo trabajo discográfico, el cual ha sido editado en vinilo de siete pulgadas por el sello norteamericano Name You Can Trust. Sus habituales descargas instrumentales regresan con un sonido donde se destaca la psicodélica presencia de teclados retro, recordando los sonidos del moog y las guitarras chicheras que abundan en la admirable colección de discos tropicales de Mario Galeano, el melómano director de este destacado proyecto.

Las nuevas canciones serán presentadas el próximo 28 de abril, en el marco de la feria Internacional del Libro de Bogotá, aprovechando la alianza que el Frente ha hecho con la Silueta, empresa editorial que ahora incursiona en la música. Del sencillo, sólo hay cien copias disponibles en Colombia, las cuales se consiguen directamente con la banda.

Escuchemos entonces la cumbia enchufada, futurista, hipnotizadora y bien espacial que nos han ofrecido los panas del Frente Cumbiero en este nuevo single.

“No se trata de inventar nada, se trata de emocionar” dice el Bandcamp de Grushenka, en donde podemos escuchar completo su interesante EP sin título que salió en diciembre del año pasado. De la disquera española El Genio Equivocado, quienes nos ofrecieron a Odio París, llega esta banda catalana de Noise Pop experimental que se sumó al mapa shoegazero español desde el 2010 con su nombre de origen ruso. Mientras tocan con la mirada fija en su calzado, prometen este año un álbum completo.

En espera del LP, veamos el extraño video para el último tema de su EP titulado “Visión nocturna”, una especie de thriller-adolescente -in-drugs lleno de máscaras y con final sorpresa:

O simplemente puede dejar de creer todo lo que le dicen, no tomarse todo tan literal y mejor disfrutar del dubstep del brutal sencillo más reciente de Pedro Infame “Música Chingona” disponible para descargar.

El videoclip en YouTube es una gran oportunidad para bandas nuevas o viejas, famosas o desconocidas. Hizo para los VasquezSound lo que Myspace hizo para los Arctic Monkeys (o eso decían), por eso bienaventurados aquellos que lo sepan aprovechar. Cactus Gamarra, guayaquileños del Ecuador que se autodefinen como “Rock Desértico” (Mezcla de surf rock con psicodelia), llaman la atención con su video “En Las Vegas Estoy Muerto”, un impresionate audiovisual muy a lo Tarantino, la secuencia de Natural Born Killers del indio o The Doors de Oliver Stone, un gran trabajo a cargo de David López.

Los Cactus Gamarra próximamente lanzarán un DVD en vivo grabado en “La Cueva del Tigre”, así como su TIGRE DE BRONCE EP en colaboración con FEDISCOS, empresa que opera desde 1964 y que promovió la primera grabación ecuatoriana.

Es poca la información sobre esta banda en la red, pero estaremos buscando más sobre Guayaquil Rock City, mientras tanto pueden seguir a Cactus Gamarra en su Tumblr y deleitarse con este gran video:

Tenemos que admitirlo, todavía no superamos la emoción de que Panamérika, en asocio con Red Bull y el colectivo Las Peluqueras Asesinas, se haya tomado el campo del Festival Estéreo Picnic 2012 en Bogotá.

La toma se efectuó el pasado 30 de marzo (acá una foto-reseña de lo sucedido), mientras sonaban los gratos sones de Caifanes, MGMT, Amigos Invisibles y Toy Selectah, entre muchos otros. Y volvemos a retomar el tema del festival, ahora que les podemos presentar este bien producido clip que resume el gozo experimentado por el público colombiano en esa tarde-noche de viernes.

El trabajo es cortesía del melómano y realizador audiovisual Pierre Scholz, quien publica sus trabajos en elblogdelolas. Y para seguir orgullosos, la cosa comienza de la mejor manera: con el registro visual de nuestra peluquería itinerante, la cual aspira tomarse muchos más festivales alterlatinos alrededor del hemisferio. Con ustedes, entonces, esta genial video-reseña del Estéreo Picnic 2012:

Este año 2012, ha salido su primer LP llamado Todos Somos Ilegales: We Are All Illegals bajo su propio sello Outernational Music y The Sound Strike, el cual ha tenido un impacto positivo y adjunto a colaboraciones muy interesantes a lo largo de 18 canciones que incluyen a figuras como Tom Morello (involucrado también en la producción del disco en 3 canciones), Calle 13 y Bob Avakian, por mencionar sólo algunos. Lo que más atrae de esta agrupación es justamente que este discurso se está gestando ya desde adentro de EU, desde la conciencia local sin ascendencias ni ligas a ninguna nación en epecífico y además con aportes musicales bastante completos e interesantes que seguro darán mucho más de qué hablar ahora que logren irrumpir en escenarios y festivales de mayor envergadura.

Son tiempos de integración, de unidad y de tirar fronteras físicas y mentales. No es una moda, es una postura, y no hace falta que todos la asimilen sino que la implemente quien la adquiera, y para eso, la música siempre será un camino.

Por lo pronto he aquí el video de su más reciente sencillo The Beginning Is Here que acontece en ese emblemático lugar desértico que es un efímero escenario de tantas historias y dramas para infinidad de individuos y sobre todo imigrantes.

Si quieren escuchar el resto de los tracks de su más reciente álbum entren a su bandcamp: http://outernational.bandcamp.com/

“Echale! Latino Music Estyles”  es una fiestota que de cuando en cuando destroza el parque tejano de la Perla Histórica con una dosis de los mejores ritmos de Hispanoamérica. En la última emisión, Toy Selectah y el Instituto Mexicano del Sonido partieron plaza y por unas horas el territorio vecino se sintió a la par de la chilanga banda del otro lado del Muro de la Vergüenza.

Panamérika no se podía perder el regreso del IMS a Tierra Bonita, Texas, así que nos trajimos el chou hasta acá para que lo escuche con todo el lujo de detalle (por ahí viene un adelanto de su nuevo disco Político).

Let’s do some dancing people!! ¿O qué?…

Captan, obvio – La mala hierba nunca muere (La música es gratis, 2012)

Seis chicos de Caracas, Venezuela esparcidos por todo el mundo (E.U, Canadá, Argentina) se juntan las navidades en su ciudad natal a beber cerveza barata, comer doritos y a hacer grabaciones usando la menor cantidad de canales posible. Hay un sentimiento de improvisación latente (en dos días grabaron el disco y casi en vivo), gran reinterpretación del krautrock y la psicodelia, gags que van perfecto con su irónico nombre y un tema acústico que lleva a otro nivel a esta banda que entre corte y corte suenan a una verdadera radio del siglo XXI.

Bajad!.

Club Comfort – Control Punane (Casa Buenaventura/La música es gratis, 2011)

No sabemos con certeza si Club Comfort aún existe, pero sabemos que fue una de las bandas más celebradas de la escena regia cuando todavía había muchos músicos y promotores viviendo en Monterrey. La banda de Queco, Fede y Roberto Polo, (mejor conocido como Mr. Racoon), nos dejó afortunadamente estos 4 temas que, con el grandioso electropop que siempre les distinguió, hablan de ir a buscar la vida a la gran ciudad (“Si andas buscando algo jugoso”, “Chíspale Sedentari@”), de romper el embrujo de una relación (“Camino del árbol”) y logran hacernos bailar desencantadamente en “Jazzin in the replay”.

Bájalo acá.

Estamos Fritos – No le hagas caso a tus amigos (La música es gratis, 2012)

Apuesto a que no habías oído nunca nada proveniente de San Luis Potosí… El proyecto solista de Román te puede conquistar fácilmente con sus letras simplonas que recuerdan al Ween más joven y sus riffs desfachatados y círculos de 4 acordes con guitarras a la Spiritualized que te pueden hacer voltear a esa zona casi desconocida para todos. Es gracioso que al googlear este EP se lee la palabra “Porquería” varias veces. Bueno, siempre hay alguien equivocado en la red y esta vez no soy yo.

Bajar!

Las Ligas Menores – El Disco Suplente (Laptra, 2012)

Provenientes del barrio de Caballito en Buenos Aires, Argentina sale esta banda de 4 chicas y un chico, que al poco tiempo de comenzar a tocar fue editada y producida por el sello Laptra. Este EP es joven e inocente y por lo tanto se mantiene fresco. Pop ingenuo que por su simpleza puede alcanzar tono de himno, y por otro momento logra rockear tus auriculares. Las influencias absorbidas, (Pixies, Sonic Youth, Pavement, Stereolab), se canalizan para dar forma a algo nuevo y pegajoso.

Bajalo, che.

Yo mate a tu perro – EP 2012 (La música es gratis, 2012)

Aunque este trío de Santa Catarina, Nuevo León tiene menos de 50 likes en su página de Facebook, ya ha aparecido en recopilaciones importantes como Plásticos y Etéreos, compartido escenario con Yo! Linares y han sido producidos por Mou, a quién le reconocemos su trabajo como productor por el enorme primer EP de su banda Bam Bam y por el de Hypnomango; para los que han oído lo que hace ya se imaginarán por qué camino va este disco.
Después del éxodo a DF, Yo maté a tu perro con su pop/gaze marginal pinta para ser el joven heredero de la escena regia.

Y acá lo bajan.

Los poperos de Elefant Records nos ofrecen revivir a uno de los grupos españoles más importantes de la segunda mitad de los años ochenta: Aerolíneas Fedrales, con el reciente lanzamiento del vinilo “Hasta El Final Y Más Allá… [Demos 1983-1993]” (Elefant Records, 2011), así como una versión en español del tema ‘Non todo é o que parece’ cantada originalmente en idioma Galego (o Gallego, de Galicia), con un video realizado por Marta Gómez y Jonas Whale a manera de remake.

Con un coro pegajoso y un peculiar acento español (que recuerdan algo a la línea de “Los Punkitos”), los personajes son un poco más estereotípicos en la versión ochentera que en la nueva en Alta Definición, pero los clichés de una difícil conquista permanecen en este video de tintes retro con vestuario bien escogido pero una corrección de color un poco extraña y un filtro para que parezca película antigua que cansa un poco.

Aquí la versión anterior del video y la canción en su idioma original:

La noticia ahora es que Esteman está próximo a lanzar su álbum Primer acto y como anticipo se nos ha presentado desde hace unos días el sencillo “Aquí estoy yo”. Este dueto con su compatriota Andrea Echeverri, es una bella canción de amor con aire countryesco. Su videoclip, por supuesto ambientado en un escenario campestre, quiso evocar los melodramas del cine mexicano de los años cincuenta con el protagónico de estos vocalistas. Según el propio Esteman, el tema es una de sus primeras composiciones, la cual llegó a poner a consideración de Paulina Rubio para que hiciera parte de una reciente sesión de estudio. El tema, reconquistado por su autor, ahora llega en su propia voz, con la siempre admirable coloboración de nuestra Andrea.

El sencillo, ya está disponible en iTunes. El álbum, mientras tanto, aún se nos debe, con la expectativa de que cuenta con otras colaboraciones de otros tres cantantes colombianos. Que suene entonces el melodrama rural de Esteman.

La primera ves que vi físicamente el nuevo disco de The Plastics Revolution lo hice con una rápida y mal dedicada mirada, lo admito. Entonces, el principio del título: ‘King Bono’ lo mal-confundí con “King Kong”…y de ahí pal’ real… después de escuchar el floreado y tropical estilo de las canciones, creí ciegamente que lo que había en la imaginación de estos músicos al componer su material era un planeta prehistórico-tropical con bestias míticas (entre ellas King Kong) que convivían amigablemente bebiendo en vasos adornados con sombrillitas playeras y lentes de sol, mientras, de fondo, las soleadas notas de esta banda inundaban la Pangea.

Apenas hoy descubrí que el verdadero título del disco King Bono VS Los Flight Simulators no tenía nada que ver con bestias buena onda ni con ningún tipo de chango gigante descansando en un trópico primitivo, sino que éste realmente surgió a partir de los dos equipos que la propia banda formó durante las retas de videojuegos que armaron cuando se fueron a componer a una cabaña en la playa (por lo menos la idea de la playa no estaba tan pacheca).

A estas alturas y después de repetir un sin fin de veces el disco, será muy difícil que la idea de “canciones para musicalizar una prehistoria cool” abandone mis pensamientos, pero a pesar del malentendido, creo que, si usted lo imagina y lo ve de esta manera, se dará una muy buena idea del estilo y el sonido del disco completo. King Bono VS Los Flight Simulatorses un LP cuyo contenido se escucha empapado de todo lo que ronda la, a veces no tan basta, estratósfera independiente actualmente. Pero a diferencia de lo que varias bandas gabachas podrían ofrecer, The Plastics Revolution inyectan una dosis de distintos recursos sonoros en este disco: como silbidos pajarescos o maracas churriguerescas, aunados al obligado sintetizador pero con un matiz caribeño.

Sólo es cosa de escuchar “Cleptosaurios” para entender que los típicos “beeps” con los que regularmente Hollywood adorna a las naves espaciales, más una que otra voz procesada (así como la de E.T,) pueden construir una rola fresca sin llegar a ser un cliché. “Kibera” es una canción que con la ayuda de un cencerro y uno que otro wuoh-oh-oh, logra deleitar desde la primera escucha con un jugo distinto y de mucho sabor.

Pero definitivamente “Invasión” el sencillo oficial (que de hecho pueden descargar por tiempo limitado desde aquí), es el éxtasis que contiene el tipo de arreglos y adornos sorpresa que se agradecen. “Invasión” equivale a buscar huevos de pascua en un jardín desconocido: al principio encuentras un huevo tornasol que crees que es el más bello y de pronto descubres otro tres veces más grande y entonces quedas excitado porque sabes que encontrarás algo mejor hasta que la experiencia termina (piénselo así pero interpretado en música).

Sea lo que sea que usted imagine o lo que este disco le haga sentir no deje de escucharlo. Y recuerde descargar la canción que le ayudará a limar asperezas aunque sea por un ratito: “Invasión” -que además es canción de la semana en iTunes-.

Como dirían los vendedores de verduras de los mercados sobre ruedas: Sí hay remixes. Isa GT, –conocida en Panamérika por ponernos a bailar desde el primer día en que la conocimos– ya lanzó una nueva entrega con remezclas de su EP Leyenda. Este, que es un segundo volúmen, le contiene aquellos hits que vierten nuevas versiones de sus canciones: “Madre Tierra”, “El Monito” y “Alegría” pero la cosa no se termina ahí, hay que ver quién las hizo.

Desde Age of Consent, un dueto de compadres ingleses que le dieron toques góticos a la canción “Madre Tierra”, pasando por una versión andina de la misma canción–con flautas de pan y todo– hecha por el argentino Fede Flores. El colectivo texano de Peligrosa aparece bien representado por su exponente más hot right now, El Dusty, que le hizo un remix a la colaboración entre Isa GT y Lido Pimienta: “El Monito”, y así se destacan 8 piezas de puro sabor latino limítrofe y desterritorializado, para el dancefloor,  o para que  impresionen a sus amigos en las fiestas.

Hace poco nos topamos con Bang Data un proyecto que desde el gabacho le sube al volumen de sus raíces latinas. El proyecto intercala ritmos como rap, funk, reggae, rock, cumbia, ska y hasta r&b con tanta potencia y buen flow, que seguro podrían enorgullecer el alma del compadre mojado que ya se creía más gringo que el mismo Bush.

Bang Data es la ejemplificación ideal de lo que les espera a los estilos hispanoamericanos en Estados Unidos: una sutil y muy bien ejecutada combinación de melcocha regional con sonidos de la cultura musical estadounidense -que se siente y percibe tan natural- que hasta un rap a la Slim Shady del himno de Piero, “Mi viejo”, se pueden echar sin remordimiento a ser linchados.

El proyecto corre a cargo de Deuce Eclipse, MC de antepasados nicaragüenses y Juan Manuel Caipo, músico peruano y tremendo difusor de la propuesta “latino-alternativa” en San Francisco de donde es originario Bang Data. Su álbum debut La Sopa ya está disponible a través de iTunes, y por si este choro no lo convenció, le dejo su video “Bang Data”, para que se le antoje la fiestota que esta dupla es capaz de armar (a continuación, también escuche completo su álbum aquí mismo).

Acá lo escuchan:

Acá lo descargan: www.mediafire.com/download.php?444eo47lsjh4dsd

La cita este año estuvo encabezada por Caifanes, MGMT, Tv On The Radio y Cassius, a los que se sumaron las cuotas alternativas de Toy Selectah, Los Amigos Invisibles o Dënver. Del nada despreciable aporte colombiano podemos destacar a la gente de Superlitio, Monsieur Periné, Crew Peligrosos o La Mákina del Karibe. La música, como siempre, estuvo acompañada por una feria de diseño, deportes extremos y haciendo honor al festival, un sabroso picnic sobre el prado.

Mientras ocurría este deleite del público, Panamérika y Red Bull hicieron presencia con toda en el Festival. Con esa presencia que hacemos en Colombia -de la cual no nos cansamos de sentirnos orgullosos- ya llegaba el momento de llamar la atención con altura. Como ya lo habíamos hecho en el Corona Capital de México, instalamos una sensacional peluquería, de la mano de las Peluqueras Asesinas, colectivo de artistas y diseñadoras que desde hace un par de años impresionan con los cortes de pelo que promueven desde un local del Centro Histórico.

Más de sesenta conejillos de indias accedieron a que sus cabezas fueran objetos de la experimentación de nuestras peluqueras. Cortes punk, hippies, caribeños o lo que viniera, que en ocasiones se acompañó de sesiones de maquillaje. Con la estética unisex, el extraño corte de pelo y las melenas intervenidas, Panamérika volvió a hacer presencia en Colombia.

Así que aquí les dejamos el registro fotográfico de lo que fuimos a hacer nosotros y nuestras peluqueras asesinas. Muchas gracias a Ana María Rozo, de Red Bull Colombia, por suministrarnos las imágenes.

Protistas, aparte de ser un reino de microorganismos, y por tanto el más pequeño de la tierra, es un cuarteto de Santiago de Chile que después de su primer LP Nortinas War y de su primer sencillo de 2012 “Granada”, que seguramente estará en sus tops del año, presentó su más reciente LP Las Cruces financiado por fans de la banda que por medio de aportaciones voluntarias e intercambios lograron llevarlos a un estudio profesional y a ser producidos por el líder de Astro, Andres Nusser, quien por cierto, pasa por un gran momento creativo al enlazar Astro con su proyecto solista Karakoram – Mekong y a la vez haciéndola de productor de un disco bastante serio.

Desde el track abridor “Rosetta” se siente la calidez y solemnidad de la banda que parece estar en el lugar preciso con los temas precisos. Al paso de las complejas y melódicas letras de Alvaro Solar se puede notar alguna influencia del Fome o La sangre en el cuerpo de Los Tres (nada raro en bandas latinoamericanas, menos de Chile); Algunos fantasmas, encuentros carnales, Cristo y por supuesto sangre humana. Otro tema remarcable del disco, después de “Granada”, es “Supertroll” que suena a su segundo sencillo, y que habla de la vida desde el punto de vista de un ser que observa al humano haciendo y deshaciendo a su antojo “Hasta él es un Supertroll, míralo caminar”.

Pude ver en Buenos Aires a Protistas en vivo y suenan con gran personalidad y apegados a los arreglos del disco, debido, por supuesto, a que Las Cruces fue grabado casi en vivo a excepción de la voz. Lo cual es un gran acierto cuando se quiere dar vida a 12 temas ciertamente melancólicos.

Este disco estuvo libre para descargarse gratuitamente la primer semana de su lanzamiento y hubo quienes estuvimos pendientes de bajarlo. Para los que no, su disquera, Sello Cazador, editará el disco en cd y vinilo, también pueden escucharlo ahora directamente desde su Bandcamp:

“El sol no va a estar más, ya lo dijeron los mayas”.

Un año ha pasado desde que @basico3 y @johnatanmoran armaron el hashtag #miercolesdecumbia sin sospechar de la bomba que inocentemente habían detonado en Guatemala. Esta idea, que en un principio se pensó solamente para Internet, creció desmedidamente y se convirtió en un fenómeno que saltó de la pantalla y se transformó en un show en vivo, donde el primer miércoles de cada mes, distintos exponentes de la cumbia pinchan las tornamesas de recintos cada vez más grandes (y llenos también).

#miercolesdecumbia es el evento equivalente a los raves noventeros y a los conciertos masivos de hip hop que sucedían en el 2000. Funcionan por la misma razón que en aquel entonces, #miercolesdecumbia es la expresión de lo que la gente busca y necesita hoy en día. El bombardeo y flujo masivo de información provocado por las redes sociales e Internet puede volverse tan sofocante que a veces es preferible voltear hacia nuestras raíces en una búsqueda por el folclore popular, – gran parte la cumbia- que tan atractiva se ha vuelto últimamente.

En diciembre del año pasado #miercolesdecumbia no se dio abasto y se hicieron dos fechas para cubrir el evento. Por primera vez al aire libre, la gente escapaba del trabajo para correr al parque Concordia y ver el irreverente show de los Master Plus. La segunda fecha ocurrió en el Porvenir de los Obreros donde corre el rumor que había más gente afuera que adentro. Ambas fechas se transmitieron en vivo para Panamérika.

Nos dispensamos porque este post debió salir en diciembre, pero aprovechamos el espacio para dejar el audio de aquel mega concierto en el que seguro se gestó uno que otro “hijo de la cumbia”. También queremos mandamos unos shout outs a DJ Básico 3 y a todo el crew por este año en el que han despertado la espinita en uno que otro curioso por un género que también han innovado y exportado a regiones inimaginables. Y pues, si ya se paseó Mexican Dubwiser por aquellos bacanales, no sean gachos, piensen en nosotros y  tráiganse un #miercolesdecumbia a México, acá vemos como nos arreglamos.

Por si no se había enterado en la edición anterior de la Red Bull Music Academy, en Madrid, uno de los músicos latinoamericanos (específicamente peruano) que participó fue Chico Unicornio. Es curioso que antes de esta experiencia el material de Chico abarcaba desde folk regional con algunos sonidos espaciales- sintéticos, hasta canciones punk rock exaltadoras del espíritu adolescente. Es decir, en su música habían muchos matices pero sin llegar aún a nada concreto.

Sólo los participantes saben de los efectos secundarios de todas las pláticas y actividades de la Academy, pero por alguna razón todos terminan experimentando en nichos en los que nunca se hubieran atrevido a entrar. Este es el caso del nuevo tema de Chico Unicornio “Couscous With Spinach”, una colaboración con su compadre hindú, también salido de la Academy, Jivraj Singh cuya influencia se siente en el sonido psicodélico, el new wave y el post rock de The B’52-orientalesco, en una estructura mucho más uniforme, concisa, y bien aterrizada.

Lástima chavos, me temo que las inscripciones para la Red Bull Music Academy que este año se llevará a cabo en Nueva York, ya cerraron.

No se lo pierdan por acá en el sitio de Playground.

Matilda Manzana y El María y José hace poco lanzaron Gracias a Dios hay internet, un tributo muy a su estilo de dos canciones que representan la máxima plasticidad de la industria musical de los 90, (o tal vez su inminente decadencia). Si de por sí los temas originales ya son tremendamente insufribles, imagine que estas versiones tribaleras-jocosas de efecto hipnótico, con tan sólo un play, lograron llevarnos al extremo de la morbosidad y de la perversión. (Ni le cuento que pasó al play número 20).

Ya no sabemos si Matilda Manzana y su inseparable dupla -ahora bajo el alías Tony Gallardo II-, a propósito quieren orillarnos a la locura reviviendo los temas que manteníamos bajo llave en la sección, osotes de los noventa, aunque su nuevo sencillo “Vuela Vuela” (Sí, cover de Magneto) es todo lo que parece indicar.

Tal vez es momento de dejar el pasado atrás y usar esta canción de terapia reconstructiva post 1990, ayudados por la voz de Matilda Manzana y las envolventes frecuencias de Tony Gallardo II. Mientras tanto esperaremos a que un día algún rifado haga un cover de  la antíntesis bastarda de este tema, “La Manuela”. 

Casi casi como objeto de estudio para documental de Animal Planet fue el tema de la diversidad de público que hubo durante los tres eventos: la gente que asistió ayer no entraba ni el tono “joven maduro” ni “adolescente con onda”, de los toquines pasados, esta vez los recién salidos de la oficina, las parejas “adulto-bohemias” y uno que otro chaval/chiquillo español, se dieron cita para ver a una banda que abarrotó el lugar al mismo nivel que El Columpio Asesino; (qué crueldad la de Cortés ni que nada, México y España bien que se quieren, pero sobretodo se entienden).

Y después de una ola de silbidos y aplausos, Vetusta Morla se postró en el mini escenario para comenzar con su balada “Los días raros”, una rola que a pesar de ser de su nuevo disco fue coreada por las gargantas cigarreras y aguardentosas de los trajeados del lugar. Seguida de “Boca en la tierra” y “Mapas”, Vetusta Morla no dio espacio ni pa’ que la gente tomara aire: cada uno de los convocados con su respectivo acento, estilo, o pareja, coreaba las estrofas que los medrados del rock español poco a poco dejaban salir. Pasado el tiempo y ya un poco más solemnes con sus contemporáneos, los miembros de Vetusta Morla armaron la fiesta igual que en una corte medieval, donde una vez al mes a los empleados del reino se les permite asistir a echar el bailongo, el trago y la pachanga, todo para homenajear y recordar a su ciudad natal (en este caso “Tres Cantos”), que en más de una ocasión fue aclamada por los invitados de este banquete musical.

Ahora sí nos podemos dar el lujo de decir que la serie de conciertos ¡Sobrevive! Cerró ayer con broche de oro. De Chile, mole y España, todas las bandas igual que nosotros, se echaron un enorme maratón de rock y fiesta que probablemente no se vuelva a repetir en mucho tiempo, a menos claro que el público lo pida (que aún así esperamos no sea tan pronto pues ahora nos espera una playa llena de cocteles de camarón y piñas coladas con sombrillitas).

¡Felices vacaciones!

La noche de ayer Dënver y Astro hicieron del Caradura un refugio de sobrevivientes; cansados y ojerosos la gente, la prensa y los músicos nos dimos cita ahí para despedir el último toquín de la gira de estos músicos por México y Austin, Texas. Ya se le escuchaba una voz fatigada a Andres Nusser, de Astro después de no sé cuantos días de tocar y tocar, todo empezó aquel 10 de Marzo en el NRMAL. Un público muy joven, aunque mayor de 18 años, ocupó el lugar para ver por última vez a estas promesas de la música chilena, en comparación de la noche anterior con El Columpio Asesino, que atrajo un público mucho mayor, esta vez podemos decir que el Caradura se lleno de “Los Adolescentes”. Los encargados de abrir el toquín fueron ellos, con un set que presenta su primer álbum homónimo. Su público, ambicioso, les cantaba entre canción y canción sus propias letras, invitándolos a quedarse en México “ojalá se queden, y que no se vayan” gritaban un par de fanáticos que mostraron una inmensa dote de memoria al cantar todas sus canciones, “Ciervos”, “Coco”, “Colombo” y “Maestro distorsión” fueron las más coreadas. Astro dio muestra de un tremendo crecimiento profesional durante estos días, agradecidos con el país por la acogida que les ha dado el público desde hace dos años. La noche dio para muestras fraternales con sus paisanos y Milton y Mariana, de Dënver subieron al escenario para tocar una canción todos juntos. Al paso del tiempo subió este dueto a presentar en vivo Música, Gramática y Gimnasia, entre los gritos de los fans que declaraban su amor por la tímida chica que da tanta personalidad a la banda. Su público enardeció con “Lo que quieras”, “Diane Keaton”, “Olas Gigantes”, y “En medio de una fiesta” que fue coronada por un beso entre Mariana y Milton sobre el escenario. Al llegar el encore, los chilenos regalaron a su público una versión inédita de “Los Adolescentes” con todos los miembros de Astro sobre el escenario, el cierre de la noche, sucedió con una versión completísima y poderosa de esa que para muchos, está ya inmortalizada como himno generacional.

Aquí tenemos las fotos de lo sucedido:

Hace casi un año este personaje nos presentaba Una y otra vez (Cumbancha, 2011), un álbum con un potente sabor colombiano donde invitaba a músicos de destacados proyectos como Bomba Estéreo, La Mojarra Eléctrica o La 33. Con ellos y otros más se exploraban nuevos rostros de la cumbia, la salsa y el raggamuffin a través de la permanente experimentación de Sergent García (aquí la presentación del álbum que el propio García nos hizo en nuestro programa 146).

En 2011 su sello Cumbancha vuelve a presentarnos al francés con una nueva versión del sencillo “Mi son mi friend”, tema que en su momento grabó a dúo con Li Saumet y que ahora regresa en una nueva versión al lado de Zalama Crew, un colectivo experimental de artistas, músicos y trabajadores sociales de la ciudad de Cali.

Precisamente allí, en el centro de Cali Pachanguero, se creó la locación del videoclip de este tema, ahora titulado “Calentura mi son”. El video fue grabado en medio de una residencia artística que García hiciera en la Capital de la Salsa, haciendo un recorrido por el mundillo subterráneo de los melómanos, los trovadores de la calle y el calor sonoro del valle del Cauca.

Así que una vez más, a bailar con el Sargento, les ordena Panamérika.

Por Rodrigo Jardón y Rodrigo Fernández de la Garza

Llegó el día y comenzó nuestra serie de toquines ¡Sobrevive! en Caradura, en esta ocasión el escenario presentó a Napoleón Solo y El Columpio Asesino frente a centenas de fanáticos que abarrotamos el lugar pa brincarle un muy, pero muy, buen rato, con actitud insaciable después de 3 intensos días de Vive Latino.  Un poco retrasado comenzó el enérgico set de Napoleón Solo que fue extenso, pero tanto pop impacientó a los fans del Columpio Asesino, cansados ya de cargar sus viniles. A pesar de que varios asistentes cantaban los temas de Napoleón, cuando el Columpio salió, se vio de qué lado masca la iguana.

Desde 2011, El Columpio Asesino venía haciendo mucho ruido cuando iniciaron la promoción de su álbum Diamantes; con este regresaron a México para el Corona Capital 2011. Alcanzaron tanto éxito que fueron invitados -tras una votación de fanáticos- al más reciente Vive Latino 2012, para presentarse en el escenario principal. Lamentablemente para su causa, el apoyo recibido en estas fechas traía resultados encontrados que no hacían justicia a lo escuchado en sus trabajos de estudio. Tuvieron una última oportunidad para demostrar en México porque son la banda ibérica más relevante en lo que va de la década y el Caradura fue el escenario adecuado.

Arrancaron aplausos desde que subieron al escenario y milagrosamente, no generaron destrozos. El quinteto que encabeza Álbaro Arizaleta puso, de inicio a fin, a un pequeño espacio público en la arena de estadio más escandalosa. El público no paró de brincar, de hacer “crowd surfing”, de aplaudir y sobre todo, de cargarse de la potencia de los navarros.

Predominaron canciones del álbum en promoción como “Perlas” o “Dime que Nunca lo Has Pensado”, hasta cimbrar el pequeño venue de la colonia Condesa, y lo acompañaron de algunos clásicos de la banda como “Ye Ye Yee”. El momento cumbre -como se podía esperar- llegó cuando sonó el bajo constante de “Toro”, que coreaba el público hasta retozar en la “guitarra de aire” y la alusión al carácter sexual de la canción. Justo al terminar este tema, anunciaron una canción nueva del grupo que buscaba despistar a Raúl (Arizaleta), para cantar las mañanitas por su cumpleaños, y continuaron con una canción más para culminar su presentación.

El Columpio Asesino calló las bocas de los inconformes tras las encontradas opiniones por su presentación en el Vive Latino y dejaron claro el enunciado que volverán, por supuesto, por la puerta grande.

Helado Negro

Island Universe Story One 

(Asthmatic Kitty, 2012)

Roberto Carlos Lange se encuentra en indiscutible período de creatividad. El año pasado lanzó su elogiable segundo larga duración, bajo el alias Helado Negro, de nombre Canta Lechuza. Se mantuvo activo con presentaciones y algunas remezclas; sin embargo, no pudo no parecerle suficiente. Con innegable ímpetu de aprovechar esta creatividad, Roberto ahora lanza un nuevo EP bajo el sello norteamericano Asthmattic Kitty con la intención de mostrar una “sub-narrativa” a la primera lectura de su trabajo tras el álbum previamente lanzado.

Se trata de una serie “infinita” de música que se inspira en “Isla”, obra escrita por Aldous Huxley. Roberto alude a este trabajo del autor al identificarse con un texto que señala cómo cada ser humano es una isla y cada grupo humano es un “universo isla”. En ese trabajo Roberto encontró la interpretación ideal para reinventarlo en ocho diferentes islas en las que, de alguna manera, se reencuentra con momentos de redefinición musical y en otros de declarada experimentación.

Contrario a lo escuchado en Canta Lechuza, Island Universe Story One se toma la licencia de presentar temas con duración un poco más libre. La que abre esta colección es “Mamember (Long Largo)”, la cual es una suerte de “kraut” electrónico que reincidirá casi al final del trabajo en una versión “Dubble Edit”. Ésta es seguida por una nueva versión a “Con Suerte” del álbum previo, pero un poco más trabajada y cargada de finos grooves e inclusiones de teclados que simulan cuerdas, hasta entregar una pieza totalmente madura. Otra que también cuenta con la elegante característica de arreglos bien logrados es la tercera al orden: “Enfocando”. Ésta exquisita pieza electrónica toma aisladas notas de trombones que se unen con atinados arpegios, sobre una rítmica base de percusiones.

En este tenor, Lange hace gala de su capacidad folk y en menos de dos minutos interpreta “Pequeño”, misma que hace dupla con la menos común en el conjunto; “Pressed” es una serie de loops que montan sonidos de la naturaleza para lograr otra breve muestra de experimentación sonora. Para este momento, queda perfectamente clara la intención de “isla” que conceptualiza al extended play. “Paz a Ti” es una declaración de apreciación amistosa en la que Roberto expresa sinceras emociones hasta dejar la inevitable sonrisa en la expresión. Una pieza instrumental, introspectiva y elegante cierra este material bajo el título “Octubre 22”, con la que Roberto –nuevamente– expresa la variedad de emociones, manifiestos y sonidos que habitan en cada “isla universo”.

En la constante proliferación de materiales musicales intrascendentes que han devaluado el concepto de “duración extendida” (entiéndase EP), resulta más que refrescante hallar un trabajo que redefine el concepto de una pieza ya entregada. Escuchar Island Universe Story One ha resultado una experiencia completa que provoca escucharla en más de una ocasión, de manera natural. Los temas gozan de forma definida y clara e incluso, resultan tan interesantes como el mismo trabajo de Huxley. De ser este un nuevo rumbo en la carrera de Roberto, podemos augurar una carrera larga y llena de reconocimientos que sólo los verdaderos amantes de la música sabrán apreciar.

Sr. Amable es un viajero y un músico intermitente ¿o interminable?, que escucha y recopila distintos estilos sonoros característicos de regiones de Centro y Sudamérica. En un trabajo por demás perfeccionista y siempre con algún distintivo mexicano por ahí, al Sr. Amable se le da la escuela Animal Collectivesca (debería existir ya una escuela oficial de Animal Collective) y Devendra Banharteana, o por lo menos esto es lo que denota su último EP,  Himnos al Desencanto.

Este material aterriza las experiencias musicales y sociales de un individuo que durante sus paseos ‘mesiánicos’ absorbió lo que más le acomodó e impactó de la espiritualidad y el folclore latinoamericano (así cómo lo lee). Himnos al Desencanto es exactamente eso: una serie de poemas acompañados de un sueño onírico que, sin buscar la pretensión del reclamo gubernamental ni mucho menos, postra de manera simple y estética una situación desafortunada tolerada todos los días.

Capas y capas de disonancia dirigidos por una guitarra estilo peruano poco a poco moldean paisajes  que dan la impresión de haberse construido con los elementos más pomposos y barrocos. ¿Cómo le habrá hecho Sr. Amable para plasmar el efecto de orquesta renacentista en sus rolas?, ahí sí sólo él sabe, pero definitivamente es un detalle que que se disfruta y se le reconoce.

Sí, Himnos al Desencanto puede parecerse a muchos trabajos que rondan por ahí, pero lo que lo diferencía de los proyectos garasheros de moda -o de las bandas friendly folky-, es la diversidad regional con la que Sr. Amable construye cada una de sus canciones y logra conjuntar muchos elementos sin perder los detalles. Digo por algo se armó su propio género “electripper-pop/hipgaze”.

Este EP cuenta con la colaboración de El Tan en el bajo, Marco Zendejas en la batería y Sol Pereyra en el fluguel. Descárguelo desde acá.

La tercera es la vencida, y esta fue una jornada activísima como calurosa, y también entrañable. Entre que los chemos intentaban agarrar lo más que pudieran de las morras que iban pasando, a la banda se le caían las tachas, el sol nos asoleaba a todos y el polvo se nos metía con saña en la nariz. Ahí estábamos nosotros, intentando llegar de escenario a escenario para ver a algunos de nuestros consentidos. Systema Solar, de Colombia nos puso a bailar y brincar como pocas veces lo hemos hecho, cualquiera que esté en busca de fiesta perpetua deberá conocer a este grupo picotero cumbioso. Entre tanta entrevista y cosa que hacer y ver, estas son los actos que destacamos de la tercera jornada del Vive Latino 2012:

Flema:  Como semillero de excentricidades, curiosidades y uno que otro raro, la Carpa Intolerante fue el escenario indicado para albergar a los ya legendarios del “pankrock” argentino. Sin tanto entubado, pero con arto mohawk multicolor, Flema funcionó como detonador de disturbios en la pista: un brutal stage diving, y pogo se armaron durante toda la celebración del cuestionamiento a la autoridad y la represión. Anarquismo con cerveza, Flema conservó el espíritu punk y en 30 minutos complació a sus fanáticos con un set de 20 canciones con todo y los solos de guitarra (las bondades de las rolas de 2:30 min).  Y aunque ya le apuestan más al hard core y metal “Nunca seré policía”, la última canción, avivó la nostalgia de un pasado donde una cheve, una mujer y una cascarita panbolera eran la cura para cualquier mal.

La Lupita: La esperada presentación y regreso de la tan querida banda noventera fue bien encarnada ahora sólo en Hector Quijada y Lino Nava, que como ya sabíamos, son los dos únicos miembros originales de la banda que están escribiendo nuevas páginas en la historia Lupita. Sin embargo al poco tiempo muchos se olvidaron de ese factor y pudieron disfrutar y corear exitos de antaño como “JaJa” y “Hay que Pegarle a la Mujer”, bien conjuntadas con lo que se viene proximamente para su nueva producción discográfica llamada Te Odio que alerta sobre nuevos terrenos sonoros y géneros, que están por pisar y que ya adelantaron hace unas semanas con el sencillo “Maldito Amor” que ya se notaba reconocido por varios asistentes. Agradable y divertida presentación para abrir el apetito para una laaaarga y sorprendente última jornada.

Alfonso André: Muy exitosa fue la aparición de este legendario personaje del rock mexicano, que como bien sabemos desde el año pasado buscó moverse más allá de su bien manejada batería para sacar su primer álbum solista. Los terrenos para éste músico se han ampliado y la gente empieza a percibir de una manera más profunda su sello y esencia personal. A ya algunos meses de distancia del lanzamiento del disco Cerro del Aire, éste fue un buen momento para calar el impacto que tuvo en la gente éste sentido álbum, y fue justo a tiempo para percatarnos de que seguramente este será un camino que se ampliará para Alfonso y escribirá muchas páginas más, pues la gente conecta de forma especial con su nueva faceta y éste es un hombre que tiene mucho que decir y compartir.

Qué bárbaros los Manos de Topo. Cuánta energía en su concierto del domingo. Pero más impresionaba la respuesta del público en el escenario Danup durante uno de los últimos conciertos del Vive Latino. Casi todos al frente se sabían las letras, y las porras eran frecuentes –”¡Topos!, ¡topos!”. Además una pancarta revelaba la existencia de un club de fans mexicano. Realmente increíble para una banda de mediano éxito en España. Respetados, sí, pero jamás tan aclamados como en México. Seguramente regresarán con frecuencia, y harán bien. Esta presentación duró apenas 40 minutos, suficientes para escuchar una versión algo más veloz de “Es Feo”, y desahogar penas y alegrías con “La Estatua De La Libertad” al final. También “Lógico Que Salga Mal” y “El Pollo Frito” fueron particularmente celebradas. El cantante lucía una camisa que hacía juego con las palmeras iluminadas del fondo. Bravo por estos catalanes apoteósicos, aunque con aspecto de jóvenes buenos, que gustan tanto en México. (Cortesía de jorgepedro.com)

Es probable que la Carpa Intolerante nunca haya estado tan vacía como en el concierto de Manel el domingo por la noche, mientras Molotov hacía dar de brincos a medio Vive Latino en el escenario principal. Medio Vive Latino va a eso, ¿no? La otra mitad irá a darse besos, a beber o a recordar gracias a actos bonitos como El Personal, El Haragán o Jaime López. Pero ciertamente no irán a ver a Manel, una auténtica sorpresa en el cartel. Un puñado de catalanes –uno con una bandera de la comunidad autónoma–, algún vasco, dos o tres que se sabían las letras y un par de fans de Nacho Vegas que quién sabe cómo llegaron a Manel. Así era el escaso y agradable público que cálidamente recibía canciones como “Al Mar”, “Ai, Dolors”, “Boomerang”. Qué padre escuchar canciones dulces e importantes en catalán en un Vive Latino que brinca y se suena mocos negros. Después de platicar con varios fans me di cuenta de que la mayoría habían pagado su entrada al festival sólo para ver a Manel, quienes recién cancelaron una segunda presentación en el Centro Cultural de España. Que se van a Cancún, me dijeron luego del concierto. Mejor así. Ya iremos los fans a Barcelona algún día, y volveremos a disfrutar el sonido electroacústico, emocionante y adulto de estos jóvenes que algún día serán como El Personal, El Haragán y Jaime López.  (Cortesía de jorgepedro.com)

Molotov: Épica, memorable y explosiva fue la presentación de la poderosa banda, que ya está celebrando 12 años de éxito con su música, que curiosamente, sigue siendo tremendamente actual, debido a que la temática poco se ha visto modificada en un país como el nuestro, en donde las variadas virtudes de las que gozamos son igualmente proporcionales a las penas bizarras y torcidas que experimentamos. También, por otro lado, es posible que nadie haya registrado esto, pero es muy seguro que se hayan roto varios records de “el mayor número de gente gritando palabras altisonantes al unísono” en éste toquín, y es que ¿cómo no transmutar la frustración a través del canto y el brincoteo, gracias a las rimas y creativas letras que Molotov siempre nos ha regalado? Miles se hermanaron para aliviar por unos momentos con una cuasi terapia colectiva a nuestro inconciente colectivo, tan lacerado por nuestro egoísta entorno político y social que éste año está en un punto clave.

Illya Kuryaki and the Valderramas: Con una de las mayores expectativas del festival, el espíritu de los noventas regresó encarnado en los Illya Kuryaki, quienes dieron un show épico como en el primer Vive Latino de 1998, ahora con el con el pelo corto pero aún con atuendos extravagantes y la energía de dos niños hiperactivos. Despreocupados y sueltos en el escenario Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur acompañados por un virtuoso grupo de músicos abrieron con el tema “Chaco”, pero muy contrariamente a lo que el público esperaba, este concierto de poco más de una hora no fue puro baile, fue un paseo por distintas facetas de estos músicos ya maduros que incluyó desde clásicos no tan conocidos como “Expedición al Klama Hama” hasta momentos emotivos como la dedicatoria al “Flaco” Luis Alberto Spinetta, leyenda del rock argentino y papá de Dante, quien murió el mes pasado. Con las pilas recargadas,visuales locochones de Jesucristo y la Guadalupe y el nuevo tema “Funky Futurista”, con unos tintes que le hacen guiños, nos guste o no, a lo que hace Pitbull, fue un show de sorpresas, hubo, inclusive, un momento con solo de guitarra de Dante Spinetta que empezó un poco flojo y fue amasando poco a poco, esto fue probablemente lo más inesperado para quienes pensaban que esta era sólo una banda con la que iban a bailar un rato y terminó por ahuyentar a algunos asistentes. El músico acabó como siempre diciendo simplemente: ”gracias loco”. Cuando parecía que ya se iban regresaron con “Remisero”, juguetones en este jaloneo de encore ya se iban otra vez, ahora de verdad, y volvieron para dejar a todos bailando al ritmo de su más grande hit ”Abarajame” y poner en claro una cosa: “The funk is back, motherfucker“.

Pedropiedra: Como buen anfitrión, Pedropiedra vació la casa y se trajo a un enorme set de músicos: entre armónica, teclados, y hasta  un burbujeante coro, Pedropiedra se armó una tocada digna de los grandes. No sabemos si fue la vibra que el público transmite durante el Vive Latino lo que lo llenó de fuerza, o si habrá sido algo que comió (o bebió más bien) en el catering antes de salir, pero lo que es un hecho es que Pedro abarrotó la Carpa Intolerante y llenó el ambiente con el placentero reggae-rock de “Inteligencia dormida”, la rola que nos dejó claro que la prueba de tocar al mismo tiempo que Madness había sido superada, pues no hubo uno que se quedara sin corear.

Ritmo Machine: Por un momento, las palmeras y el pastito en el escenario Danup nos sacaron de Iztacalco, para transportarnos sensorialmente a una playa al sur de California: el olor de las hamburguesas y el sol de las 5:20 de la tarde, hicieron de esta tocada, un BBQ hiphopero acá, bien machín. Es inusual ver un arreglo de escenario donde al frente están las tornas y los timbales, los respectivos instrumentos de DJ Bitman y Eric Bobo, respectivamente, quienes apoyados por un bajista y un guitarrista, construían ritmos bien cholos que luego decantaban en grooves de reggae, rockabilly y hasta samba. Ritmo Machine es un acto modular que se adapta al presupuesto de la ocasión: con toda la carne al asador, podrían incluso traer a Ana Tijoux y a algún old-vato de Cypress Hill, quienes colaboran -entre otros- en el debut del dúo; para esta ocasión, fue Jack de Psycho Realm -un personaje con aspecto del Tweedle Dee de Tim Burton-, quien se subió al escenario como MC para recetarse unas rimas principalmente a la vida en el barrio bajo (sea Neza o East L.A.) y una que otra apología al 4:20 (if you know what we mean). Tsss. ¡Saca, sudaca!

Porque no hay plazo que no se cumpla, ni deuda que no se pague, ayer llegó el día en que millones de fanáticos tendrían a sus queridos Café Tacvba sobre el escenario de la XIII edición del Vive Latino, nosotros, entre que entrevistábamos bandas y las veíamos tocar nos dimos unos roles para lograr sacar algunas crónicas para ustedes, esta es nuestra colección del reseñas sobre la segunda jornada de la edición Vive Latino 2012:

Astro: Con sonidos animalescos y beats que iban creciendo, Astro fue uno de los más memorables actos del día. Comenzaron recordando que en el Vive Latino del 2010 no había ni una cuarta parte del público que en este 2012, cuando se percataron de que la mayoría de los asistentes cantaban sus letras, fue ahí cuando comenzó un estado hipnótico en la Carpa Danup del Vive al sonido de gritos cada vez más fuertes, golpes percutidos más duro y una energía que llegó hasta el momento más emotivo cuando, conmovidos por una bandera chilena entre el público, agradecieron al público de la Ciudad de México por el apoyo que ha brindado a esta banda y y terminaron con el fulminante “Maestro Distorsión” que quedó sonando en la cabeza de los asistentes que iban a otros escenarios mientras la coreaban.

Café Tacvba. Ir a ver a los tacvbos en un principio parecía toda una odisea, los mares de gente que se aglutinaron para presenciar el regreso de los ídolos satelucos intimidaban hasta al metalero más gañan. Los tacvbos después de abrir con las rolas con las que normalmente cierran, “El baile y el salón”, “Las Flores”, se echaron un popurock -como ellos lo bautizaron- de las canciones que marcaron a una nueva generación del rock como “Espiral” de Porter, “Pervert Pop Song” de Plastilina Mosh y “Nada” de Zoé, bandas que ellos vieron crecer y ahora rinden tributo en homenaje a todos los pubertos que los acompañaron en la trayectoria. Y cuando menos te dabas cuenta ya estabas hasta el frente bailando la “Chilanga Banda”, junto a un güey desconocido que ahora era más un compa: definitivamente las rolas de Café Tacvba están un escalón abajo del Himno Nacional, ya no son de ellos sino pertenecen a la gente.

Los Caligaris. Sonidos que tienen como base el ska –por lo general ajeno a nuestra línea editorial- pero muy bien sumados a dosis tropicales de su natal Argentina, incluyendo especialmente el tradicional sonido que allá denominan “cuarteto”, algo familiarizado con el merengue. Ese “cuarteto” ejecutado por una decena, sorprendió por la cantidad de fans que han arrastrado en México, identificables porque todos llevaban un globo, previo acuerdo hecho en las redes sociales, a pesar de la, también previa, negativa de los organizadores del Festival. Todo un carnaval en tarima que puso en alto el nivel de la fiesta y que nos invita a mirar la calidad de lo que se está haciendo en el interior argentino, tantas veces eclipsado por las mayoritarias propuestas que surgen en la capital y sus alrededores.

El Columpio Asesino Fue una decisión poco acertada poner al Columpio Asesino en el escenario principal como segunda banda, pero fue todavía peor ponerlos como jamón serrano en el sandwich de Sekta Core (Ska) y Lost Acapulco (Surf), durante las primeras canciones se escuchaba al joven público con máscaras de luchador pedir: “¡Acapuuulco, acapuuuulco!”. Afortunadamente los miembros del Columpio no son ninguna banda de principiantes y mucho menos unos complacientes, los españoles comenzaron a ponerle más y más sabor al jamón hasta llegar a “Toro”, tema con el que conquistaron al difícil público de una vez por todas, algo sólo apto para expertos.

Comisario Pantera. A veces a uno se le olvida que no sólo bandas como Café Tacvba y Los Esquizitos tienen un gran poder de convocatoria, y peor aún, que son lo único rescatable -o destacable- de un Festival como el Vive Latino. Pues tremenda sorpresota nos llevamos ayer, y que además trituró nuestra percepción “unipartidista” equivocada, cuando llegamos para ver a Comisario Pantera y vimos que no sólo son populares, sino además tienen un basto y bien surtido grupo de fans que corea, baila y que además les pide otra y otra rola de su rico y variado repertorio musical. Cuatro morros bien peinaditos y acicalados con sus instrumentos hasta arriba, casi casi atragantándose (homenajeando a los Beatles pero con el sello de la delegación Milpa Alta), exprimió los gritos y la gratitud de un público que se veía entregado a su rock pop pulcro y “mono”. En la Carpa Danup las bestiales olas de Lost Acapulco las secó el espíritu de Comisario Pantera, un proyecto que va que vuela para ser de los futuros destacados de este país.

Descartes a Kant hizo un manicomio del escenario blanco del Vive Latino para ofrecerle a su público una auténtica cátedra de ingenio. Después de haber terminado su disco Il Visore Lunatique  a este sexteto de dementes no les quedaba otra más que aventar toda, toda, la casa por la ventana,  toda la carne al asador para presentarlo, y vaya que lo consiguieron. Aquello ya no es más un berrinche, es la sublimación del SPM en su mejor momento: tienen agalla, están furiosos y además tienen talento. Con una puesta en escena cabaretosa, punkarra y demencial: visuales pixeleados, vintage y cinematográficos, una ejecución impecable, múltiples cambios de vestuario, un sonido amarradísimo y un estilo por demás trabajado los Descartes dieron muestra de cómo se hacen las cosas, de cómo es querer estar ahí, darle su lugar al escenario en el que están tocando y ser agradecidos con su público. “Gracias a todos los que prefirieron el punk, el punk rock, y no irse de hipsters” (en referencia a quienes prefirieron ver a Kasabian) decía una de las voces de ese monstruoso delirio de personalidades múltiples.

Juan Cirerol se ha construido un muy bien merecido espacio en el corazón de su público, mientras unos lo llaman el Johnny Cash mexicano, otros lo comparan con Bob Dylan. Lo que es cierto es que de todos sus escondites llegaron los fans al Vive Latino, una audiencia apretujada que coreaba las vulgaridades del norteño en la Carpa Intolerante. Pero más allá de lo divertido que es cantar las narco-ilegales letras de este joven, es impresionante ver como llena él solito el escenario, acompañado de su guitarra y eventualmente de su armónica logra un show que muchas bandas de muchos miembros ya quisieran. Es difícil saber si el futuro de la música de Cirerol seguirá en este círculo de música llamada “alternativa” con todo lo hipster que eso implica, o se irá por el camino de la música norteña de culto que podría hacerla vibrar en escenarios aun más grandes.

Lost Acapulco - Estando ante Los Obligados Racing Team, todo ritmo motiva a meter segunda y hasta tercera en el baile. La presentación de los mejores surferos de Acapulco puso a miles de personas a bailar. Motivados por los agradables visuales retro en la pantalla central y las sagaces y despreocupadas palabras del War Pig pidiendo ver más carne al aire,  todos sacudieron su cuerpo en variadas formas y maneras, pidiéndole al sol que se ocultó por unos momentos, que volviera a aparecer para darle legitimidad al momento, y así lo hizo. Un set plagado de rolas clásicas, hermandas con las nuevas melodías, llevaron al final del camino a que todos aparcaramos nuestro vólido en El Garage De Gina Monster. Una presentación de esas que hacen que el alma del Vive se vuelva radiante una vez más ante todos esos personajes, arriba y abajo del escenario, que conocen bien su esencia.

Siddhartha. Es una muy grata sorpresa descubrir la amplia acogida que ha tenido la propuesta de este músico tapatío: tenía la responsabilidad de abrir un escenario secundario (el Danup), lo llenó hasta más allá de la sombra de la carpa y para que no quedaran dudas sobre el artista que tanta gente vino a ver, todo se desocupó cuando se bajó de la tarima. Y el sonido no pudo estar mejor: calidad en vivo que refleja tal cual el buen sonido que le descubrimos en su segundo álbum, que aunque cadencioso y tranquilo, trajo sufieciente energía para que todo ese público aplaudiera durante media hora, en un click cuyo momento cumbre llegó con la interpretación del sencillo “Náufrago”. Su tarjeta de presentación como “el ex baterista de Zoé”, hace rato es obsoleta. Siddartha brilla con luz propia.

Perrosky. Dura responsabilidad la que tuvo este artista chileno y qué gran modo de asumirla. La difícil Carpa Intolerante estaba llena y entusiasmada para ver el encendido y potente rockabilly ejecutado tan solo por dos tipos en tarima, una guitarra, una batería acompañante y a veces una armónica que el Perrosky colgó a su cuello. Sólo eran dos y aun así hubo arsenal musical suficiente para sorprender a los que lo iban a ver y a los que caminando los toldos del Chopo se encontraban con estos enérgicos sonidos de road movie, bien propios para estar, como estábamos todos, a la orilla de una pista de carreras. Perrosky se dio la licencia para que del íntimo espacio de la pequeña carpa saliera una potencia que perfectamente cabía en el escenario principal, sin perder su particular esencia de músico callejero -ojalá que todos sonaran así.

Antes de que Puerquerama comenzara había sobre el escenario un podio con un logo que imitaba el del PRI (Partido Revolucionario Institucional) que leía PQRM, fue entonces que uno de la banda apareció como parodia del candidato Enrique Peña Nieto diciendo “A ver Gaviotas ¡Ya llegó su copetón!”. Con el resto del grupo usando su tradicional uniforme deportivo con un logo que parece salido de un puesto de carnitas en la espalda y las máscaras de puerco, un pequeño pero conocedor público bailaba y bailaba al ritmo de la más poderosa banda de Ska de Toluca mientras los puercos les aventaban papelitos que imitaban billetes. Con fuertes declaraciones políticas, los Puerquerama tienen una fuerte convicción anárquica y son uno de los pocos grupos que vemos en el festival buscando no sólo entretener, sino hacer reflexionar.

Riesgo de Contagio. El público que aún le es fiel a la tradición de bandas de antaño hispanas primeras en conformar el vive Latino (o que más bien se quedaron forevereando con los Ángeles del Infierno, La Lupita y La Castañeda), fue la que se dio cita en la Carpa Intolerante para ver el conmovedor-salido de las llamas del infierno, retorno de Riesgo de Contagio. Con todo e hijos -no quedó más que admitir que ya son 20 años del Riesgo de Contagio-, Fayo y compañía “Hicieron el Fuzz” junto a un público que no dejó espacio entre canciones y que coreó cada uno de los, ya himnos,  de esta agrupación mexicana, celebrando su regreso al festival después de 14 años. Riesgo de Contagio fungió como el anfitrión que entre surf, garage, punk y metal, convirtieron la Carpa Intolerante en un bar de Ciudad Aragón donde sólo los atrevidos le entran a los shots de mezcal y aguardiente en las rocas (equivalentes a temas como “Santo Padrecito” o “Nuevo Juguete”) bajo una rojiza luz de un show que al final prometió el próximo año se llevaría a cabo en el escenario principal. ¡Olé olé olé olé olé, Riesgo, Riesgo!

Toy Selectah - Toy ya es de la casa y con sus sets selectos, peculiares mashups y mezcla de ritmos puso a todo el escenario blanco a desquitar lo que quedaba en el tanque de gas al final de la jornada. Su contacto con el público hace sentir siempre que sus toquines son como una gran fiesta al final de la cuadra a la que puedes colarte, pues desde lejos se parecía que estaba buena la pachanga. Poco a poco la gente ubica cada vez más los exitosos sencillos de éste individuo con amplias millas recorridas en las tornamesas, pero también es del conocimiento popular que toda canción está expuesta a cambios que pueden ser de una sola ocasión y por eso hay que estar ahí.

The Wookies. Con enormes túnicas blancas cual monjes tibetanos listos para la evangelización, pero nomás que con unas peludas mascaras de “Chubaca” y familia -así-, este proyecto destrozó la Carpa Danup antes de que pudiéramos siquiera preparar nuestros mejores pasos. Los peludos DJ’s encendieron la pista e inauguraron el rave con visuales de coquetas vedettes que humedecían aún más el ambiente, y déjeme decirle que si minutos antes los chavillos que le cayeron al reventón estaban tirados en una recóndita esquina del Foro Sol a medio morir, la pachanga de The Wookies fue la que “magicamente” (o psicotrópicamente pues) los revivió y exprimió las últimas gotas de serotonina que aún quedaban en sus extenuados cuerpos. Definitivamente, y tristemente también, el remix que The Wookies se aventó de “Toro” prendió más que el tema original interpretado horas antes; ahora sí que estos modernos disfrazados de criatura peluda de Kashyyyk, terminaron despilfarrando todas las sustancias físicas de los presentes, que cual orgasmo, terminaron medio desmayados pero pidiendo más.

El primer día de actividades musicales en el Vive Latino 2012 es ya otra página más escrita en su amplia historia, y como siempre, uno nunca sabe con qué se va a topar más allá del cartel anunciado. El verdadero folclor viene comúnmente de parte de los asistentes que traen bien puesta la camiseta y que toman como pretexto estos días de rock para simplemente dejarse ser. Eso inevitablemente siempre nos roba varias sonrisas.

Por el lado musical he aquí lo que aconteció con  las 5 agrupaciones que observamos para uds. el día de ayer:

Antoine Reverb – La banda oriunda de Guadalajara se presentó por primera vez en el marco de este festival y fue un gran chance para que muchos les escucharan y quedaran atrapados. Si bien no había mucha gente al principio, poco a poco algunos individuos se incorporaron al escuchar ese espléndido juego de voces que se conjunta en tres de sus cinco integrantes. Quizá un entorno nocturno hubiese favorecido más su atmosférica gama de colores musicales, pero sin duda todos los asistentes nos fuimos satisfechos y con ganas de escuchar más. Apenas tienen un LP en su haber, pero algo nos dice que su historia puede escribir muchas más páginas en este festival y en la escena mexicana.

Bunbury (o Bumbury, como le dicen sus fans) es una religión. Asistir a un concierto sin ser adepto de El espíritu del vino, te puede dejar como en misa, cuando todos se dan golpes de pecho y recitan el “Padre Nuestro” con los ojos en blanco. Con un fervor papal, Bunbury saluda su querido México, adelantándoles que les va a tocar música cantinera y romántica, y con ello, se mete en la bolsa a todos aquellos que crecieron con la tradición familiar de escuchar boleros y rancheras, pero que por dogmas rockeros, suelen renegar de su herencia. Sobre el escenario, Bunbury es una salamandra de fuego. El sotaco de Zaragoza encarna una especie de Rey Lagarto con ojos viperinos y aretes gitanos que empuña un micrófono adornado con calaveritas à la Steven Tyler. Sus músicos, una impecable banda de zombies del viejo oeste que sostenía el tono lastimero de cada uno de los himnos del Licenciado Cantinas y discografía anterior.  Julio Iglesias, Raphael… ¿qué tienen los crooners españoletes, cuyo romanticismo de alubias con fabada, tanto gustan por acá, en la tierra del chilaquil?

Hoppo! – La Carpa Intolerante albergó a ésta peculiar alineación de individuos que en conjunto confoman una gran combinación. Sin duda muchos tuvieron oportunidad de escuchar y conocer su sonido por primera vez en ésta ocasión por dos razones: Una porque pocas veces ellos se pueden juntar a tocar en vivo, ya que unos son mexicanos y otros chilenos y cada quien hace su vida en su país. La otra, porque la peculiar tesitura de voz de Rubén Albarrán (vocalista de Café Tacvba), hacía voltear a varios que pasaban y acababan quedándose. Este proyecto se acerca mucho más a la personalidad y al profundo discurso espiritual y de conciencia social de Rubén y sus compañeros que mediante su música buscan crear entornos armónicos y en conexión con la tierra, que van desde cantos de la tradición guaraní, canciones populares como del gran Víctor Jara, hasta composiciones propias que dejaron ganas de más en muchos que se identificaron… otros a veces no dejan ir el hecho de la historia de su vocalista como tacvbo, pero la sorpresa fue para todos, pues su música tiene, sin duda, calidad.

Caravana –  Nadie imaginaba el supergrupo que compone la alineación original de Caravana, el proyecto de Rodrigo Santis, el acá y acá del sello chileno Quemasucabeza. Pedro Piedra, Gepe, Fernando Milagros, y Felicia (multi-instrumentista que es algo así como arroz de todos los moles de los proyectos en Chile) lo acompañaron ayer en vivo en su primera presentación en México. Caravana en vivo suena atmosférico, melancólico, muy potente y con un tinte folk sureño y absolutamente embelezante, con bases rítmicas que galopan y lo traen a uno de un lugar a otro como el cóndor en la cordillera andina. Pocos fueron los asistentes que tuvieron la suerte de darse este tremendo caprichito para exquisitos.

Catupecu Machu – Ya son más de 13 años de historia los sonorizados por la agrupación Argentina y quedó claro que para muchos son un gran recuerdo latente. Siempre ha sido difícil definir su sonido pues puede rayar desde riffs poderosos y oscurones hasta un toque de pop extrañamente sazonado para no dejar de sentirte rudo. La gente que disfrutó ayer de este reencuentro con la banda estaba totalmente sumergida en sus canciones, coreando, brincando y dejándose contagiar por la gran actitud que tienen sus integrantes, a pesar de sólo conservar a algunos de su alineación original, pero sí tocaron varios de sus clásicos, aunque recién el año pasado sacaron una nueva poducción. Éste fue un claro ejemplo de cómo el Vive Latino tiene la magia de adentrarte en lo que invade la escena actual, pero también recuperar de tu memoria, como de tu estante de discos empolvados, enormes emociones guardadas que se detonan al instante al reencontrarte con partes tuyas que habías dejado atrás y creías haber olvidado.

Dënver -Ya varios lo habían advertido: aguas con los chilenos, porque no sólo traen discos muy buenos, sino que este Vive Latino, tocarán con sus alineaciones más fieles. Así salió Dënver a defender por segunda vez en México su exitoso disco Música, Gramática y Gimnasia, pero ahora, en el monstruo que es este festival. Una actitud timida pero concentrada mostraba a una Mariana de voz finita, contenida, se antojaba un poco más potente, pero su vestido y su manera de desenvolverse en el escenario lo eclipsaba todo, menos la impecable ejecución de los músicos que hicieron su papel como pocos pueden hacerlo sobre el escenario. Quizás es porque Dënver traía consigo a los músicos con los que están acostumbrados a tocar, Lego Muoustache (de Astro) entre ellos. La juventud mexicana se dio una buena dosis de himnos generacionales como “Los Adolescentes”, la más coreada.

Los Esquizitos – Justo tras la presentación de Catupecu vino la esperada presentación de los Esquizitos y sus locuras. Sin duda un tiempo adecuado pa comprar una chela y tomártela y después aventar su contenedor (sin residuos de nada, aclaro), pues la conjunción de estos peculiares personajes en ésta banda hacen que la gente recuerde que el rock es también cuestión de querese divertir y burlarse un poco de la vida, el entorno local y uno como persona. Justamente el nombre de ésta agrupación resulta siempre muy atinado pues demuestran que no se necesita exquisitez, ni virtuosismo, ni licenciatura musical para expresar a través de rolas lo que ronda por tu mente. Los puristas podrán odiarlos o menospreciarlos, pero lo más chido es que a ellos les vale absolutamente madres.

The Sconek-T: Algunos preferimos pasar de Zoé y hacer la travesura de refugiarnos en la Carpa Intolerante, en busca de encontrar algo bizarro. Y sí que encontramos un yacimiento de extravagancia. Sí, el nombre es terrible: The Sconek-T. Si se llamaran The Churubusco String Quartet o algo por ahí, chance implicaría un acto glamoroso… pero son lo que son: Cuatro chavos matudos y flacos, vestidos como si recién hubieran salido de su clase de violín en el CNA. ¡Ah, pero qué pose y qué manera de empuñar los instrumentos eléctricos de cuerdas, con todo y vapor de hielo seco a contraluz! Comenzaron con unas terribles piezas finas como porcelana en casa de la tía, que remitían a la colaboración que André Rieu y Vanessa Mae jamás han hecho. Luego, se pusieron muy Kusorawa, con unas piezas llamadas “Anime II” y “Anime III”, tomadas de su nuevo álbum (de material original), llamado Corriente Alterna (¡¡¡Llamen a un asesor de mercadotecnia, por favor!!!). Ya se imaginarán a unos otakus en el público, haciendo headbanging. Lo mejor vino cuando se fueron urbanizando y sacar a relucir la raza de bronce, con el mejor repertorio de su álbum debut: en el clásico cameo de Vive Latino, Rubén Albarrán (Café Tacvba) se subió a cantar “Las Flores” ante decenas de cámaras horizontales que captaron el momento y gente coreando animosamente esta rola inmortal. Y luego, estos geniecillos impecables en su técnica, ya se soltaron el chongo con un cover en metal-polka a “Bésame Mucho”, otra rola muy de boda (que nos puso a bailar en círculos), luego otra bien cumbiera y finalmente, con un popurri inspirado en Los Fabulosos Cadillacs que puso a la banda a brincar como barra futbolera. Nuestra dosis de bizarres, quedó servida con cuchara copeteada.

Zoé – Si alguien dudaba aún que tan grande es ésta banda en nuestra escena, ayer quedó demostrado que “muy grande” es la respuesta. Esta fue su quinta presentación en el festival y ciertamente se demostró que ellos han ido creciendo junto con él. El escenario principal del Foro Sol lucía abarrotado, en donde miles de personas coreaban todas y cada una de las canciones que sonaban; ahora un poco cambiadas debido a los buenos arreglos e invitados que las han mutado a partir del Unplugged que realizaron el año pasado y al cual le han sacado mucho jugo.

Este fin de semana yo SÍ voy a cubrirme de pies a cabeza de bloqueador solar FPS 50+, llevarme buenos zapatos y peregrinar como alma buscando salir del purgatorio por los 4 escenarios del VLXII.

Quiero verlo todo. Me quiero insolar. Quiero caminar hasta que me duelan los pies y tener la nariz sellada con corchos enormes de polvo negro.

Soy entusiasta die-hard del Vive Latino. Lo espero todos los años. Me emociona muchísimo poder ver, en un escenario grande, con sonido decente, a muchas bandas que quiero y que me gustan y que normalmente sólo puedo ver en clubes de la Ciudad de México donde el sonido es más bien regular, o no fue el ingeniero, o llegó la delegación a clausurar. Me encanta pasar un día soleado de fin de semana viendo bandas en vivo, con una chela en la mano. Aunque me salga en UDIS.

Por lo tanto, espero este fin de semana tener el don de la ubicuidad, y que mi superpoder sea transportarme de un escenario a otro en 5 minutos o menos.

El viernes voy a llegar desde temprano a ver a Furland (16:45, escenario Indio Palillo) para ponerle un tono psicodélico al arranque. En el mismo escenario, para que me terminen de convencer en vivo, me quedaré a ver a Dënver (17:30). Ya en plan más cachondo, para transportarme a un apocalíptico atardecer en Los Angeles me iré a bailar cumbias con Mexican Dubwiser (18:30, carpa Danup), y para no quedarme en el viaje, me iré de ahí a ver a Vicente Gayo (19:15, carpa Intolerante). Acto seguido, reviviré uno de los mejores momentos del VL 2009 viendo a Los Esquizitos (19:45, escenario Indio Palillo), que ese año convirtieron el escenario principal en un Alicia grandototote, pero sin gotitas de sudor cayéndo del techo. Diversión!!  A las 22:30, en el escenario principal, correré a ver a Enrique Bunbury. Lo digo sin ironía. Los sombreros, las voces desgarradas y los fans die-hard desgarrándose las gargantas con el Licenciado Cantinas son algo que, como Luis Miguel y Juan Gabriel, todo mexicano debería experimentar, por lo menos una vez.

¡Viva el Vive!

Por Mafe y rAt 

SXSW es una oportunidad para que artistas se den a conocer a una nueva audiencia, se relacionen con personas influyentes en la industria musical y busquen colaboraciones que lleven a la fama. Este festival es visto por muchos como una forma para que el mainstream vea la nuevas tendencias en la música underground, las adopten y comercialicen.

En la escena de la música electrónica tropical global, SXSW es uno de los pocos espacios donde DJs, productores y promotores de distintas ciudades estadounidenses se reúnen, hablan sobre colaboraciones, sobre la escena en sus respectivas ciudades, estrenan remezclas (como el son jarocho electrónico de Uproot Andy) y descubren las nuevas tendencias de este escena.

¿Quien dijo Li, de Bomba Estéreo, en un track de Moombahton? El año pasado vimos como el Moombahton empezó a cautivar los oídos de productores y DJs. Este año, este tipo de musica ya es aceptado y adaptado, representado por djs com Dave Nada, Munchi, Sabo entre muchos más.

Ahora lo que vemos en la escena música electrónica tropical global un discurso que diferencia entre la música basada en ritmos folclóricos –mezclados con bases de bass y batería eléctrica… y música totalmente electrónica con una base de dembow. Ejemplo: DJs como Orion, Chief Boima, Uproot Andy y Sonora diferenciándose a DJs con una base más hardcore como Nadastrom y Dillon Francis. Lo que se espera de este movimiento es una convergencia de estos dos discursos, empalmando el territorio en común, mezclándose cada vez más. Lo nuevo es un LP que sera distribuido por el label de Sabo: Sol Selectas donde encontraran remixes de los mejores productores y más de estas dos escenas.
http://c460282.r82.cf0.rackcdn.com/SOLSEL019.4.B2.Orion_&_King_Louie_-_Tin_Tin_-_Peligrosa_Remix.mp3

Unos de los actos más energizantes en esta escena de DJs fue 3ballMTY. Estos muchachos siguen sorprendiendo en todos los espacios, con su estilo particular infectante y bailador. En el showcase de Nacional Records, la gente no paró de saltar y zapatear durante una hora de música tribal.

En la escena de música en vivo se vio una representación variada de bandas fusión, con mezclas de ritmos tradicionales con rock, Hip Hop y música electrónica. Nuestras bandas favoritas fueron Bambarabanda desde Pasto Colombia, con su sonido peculiar, donde sus 8 integrantes mezclan música andina, cumbias, rock y ska con una presentación teatral completamente energética. Otras bandas que llamaron la atención fueron Master Blaster Sounds System una agrupación de ex integrantes de bandas como Grupo Fantasma, y La Conquista. Esta banda sorprendió al público poniéndolos a bailar ritmos de música norteña, cumbia, dembow y una guitarra super heavy de rock. Otras bandas que valen la pena mencionar en esta escena son Sonido San Francisco, Kali Mutsa, claro no puede faltar Bomba Estéreo.

Lo que se solidificó durante SXSW es la importancia de Peligrosa, un colectivo de DJs radicados en Austin, los cuales abren sus puertas durante SXSW a una gran variedad de DJs para que toquen lo mejor de su repertorio en fiestas gratis y abiertas al público. Aunque a veces un poco mal atendidas durante SXSW, ya que la competencia es feroz, estas fiestas le dan un espacio a DJs como Lamin Fofana, un DJ set de Spoek Mathambo, DJ Dus y Sonora para que muestren lo mejor de sus producciones y nuevos mixes.Los que hizo Peligrosa fue crear un espacio de comunidad creativo tropical,dentro del gran ámbito comercial de SXSW.

Se vieron tambien grupos de todos partes del los EEUU que pretenden integrar la música nueva tropical a un proyecto cultural, como Sol Collective en California que integran la educación popular, agricultura comunitaria, conciertos gratis y talleres musicales como parte de su misión de cambio social.

Las preguntas que deja esta conferencia hablan sobre la representación de diversas comunidades en los djs y artistas. De por lo menos 20 djs solo se vieron 3 mujeres, JustJubiee, la cual nos puso a bailar con sus Miami Bass y Jen Lasher y su hardcore Moombathon. No pudo faltar MC Zuzuka Poderosa la cual pone a su audiencia a saltar y bajar hasta mas no poder.
Escuchen el EP de JustJubilee acá

SXSW deja entender las interacciones de personas en las diferentes escenas, las conexiones necesarias para ser reconocido en un circulo bastante pequeño de DJs y productores de la escena electrónica tropical global, y claro es la oportunidad de escuchar lo nuevo e innovador de una escena joven que está cautivando a una audiencia global, inmigrante, en busca de una identidad musical.

Mafe y rAt son DJs y promotoras parte del Maracuyeah DJ crew en Washington DC

Ya está muy cercana la fecha, o mejor dicho, las fechas para uno de los festivales anuales más importantes en éste país: el Vive Latino 2012, por supuesto. Por lo mismo es que debemos preparar muy bien el kit festivalero y sobretodo agendar muy bien mentalmente, las bandas que queremos disfrutar.

Hoy yo me tomo la libertad de  enunciar y compartir algunas de las bandas que considero más importante a ver, y sobre todo, escuchar a lo largo de las tres jornadas musicales:

Viernes 23 de Marzo

Hoppo!

En una mezcla muy orgánica de música tradicional que abarca desde México hasta Chile como su propia alineación de integrantes, esta agrupación, liderada por Rubén Albarrán, es de lo mejor que uno podría disfrutar en cuestión de calidad al ejecutar instrumentos únicos, con ritmos en verdad disfrutables y profundos.

Los Esquizitos

Si uno quiere disfrutar de un tremendo desmadre con sello vivelatinoso, seguramente ésta es una de las bandas que prometen caos en la pista con su rock acompañado de variadas especias,  y además robar algunas risas por su particular humor negro de siempre.

Screaming Headless Torsos

Una banda norteamericana con mucha tradición en los escenarios y con ya algunas visitas hechas a éste país. Jazz-funk con virtuosismo en cada uno de sus ejecutantes instrumentales y una tradición que viene desde 1989. Su mejor carta de presentación son, sin duda, las presentaciones en vivo, asi es que ¿qué mejor oportunidad que ésta?

Sábado 24 de Marzo

El escenario Indio Blanco atrae toda mi atención ese día. Resalto:

El Columpio Asesino

Estos españoles, este año y el pasado, han acaparado mucha atención mediática en México y cada vez se sabe más de ellos, pero ciertamente existe un pasado discogáfico en su música que es exquisito y que espero poder escuchar. Además, por si fuera poco, son grandes detonadores de energía al estar en el escenario.

Lost Acapulco

¿Hace falta decir lo que estos jijos de la golden pueden desencadenar con su fino surf? Es justo recordar que sacaron disco el año pasado y es en extremo subrayable junto con sus joyas de antaño.

Kasabian

Muchos tachan a estos ingleses como: “los que el hipster iría a ver”, pero, por Dios, su calidad es extremadamente ascendente en cada uno de sus 4 producciones con un montón de éxitos acumulados, súmenle que son grandes en las presentaciones en vivo y conectan de inmediato con la audiencia. Sólo se han presentado una vez en nuestro país en un evento privado y todo pinta para que sean memorables en ésta ocasión.

Domingo 25 de Marzo

Alfonso André

Con un muy agradable disco como debut solista, Alfonso André tiene una amplia experiencia que seguramente se expondrá en el escenario acompañándose de algún posible invitado sorpresa, como lo hizo en la realización de su disco.

Illya Kuryaki (sin sus Valderramas)

El regreso de Spinetta y Horvilleur es una noticia candente desde el año pasado y que los mexicanos no hemos podido disfrutar en pleno en un escenario… aún. Es seguro que el foro se llenará de una explosiva nostalgia y momentos épicos que sólo este par de argentinos saben manejar, y les aseguro que no han perdido su toque.

Madness

Si el ska tomó un auge tan importante, es en parte gracias a estos ingleses, como todo escucha de los ochenta y noventa sabe. Seguramente se mimetizarán con la energía de los asistentes y podemos esperar vivir momentos legendarios, sin temor a equivocarme.

Que la fuerza los acompañe para aguantar esos 3 vibrantes días ¡¡Y a gastar la suela se ha dicho!!

Al principio no estábamos seguros si Culipandeo era un verbo, adjetivo o un instrumento del Amazonas inventado por alguna tribu salvaje. Después de una exhaustiva investigación, descubrimos que Culipandeo, además de ser el título del nuevo EP de Piyama Party, “es un baile sin reglas muy semejante a una posición sexual”, que además cuenta con su propio ritmo suave-tropical. Sí, yo culipandeo ¿y tu?

Este material está conformado por un conjunto de rolas sueltas que no siguen una línea temática ni musical. Las canciones incluyen ideas irónicas e inocentes que van desde la sexualidad de Elton John, las teiboleras que viven (o vivieron) en la casa de Bret Michaels y la absurda utopía de la llegada de un joven a la presidencia del país. Con el sonido pasa lo mismo, en Culipandeo no hay un género que predomine, Piyama Party toca desde sus ya clásicas rolas garage, un poco de western, y bueno, el rarísimo híbrido dancefloor en “Culipandeo”, canción que coquetea con sintetizadores promotores de desnudos.

Digamos que Culipandeo es un EP que no debe tomarse tan enserio, es más un disco dominguero para escucharse acompañado de su chela favorita. Pero, si ya de clavados hablamos, le recomendamos escuchar “Elton”, un tema experimental apto para ardidos (sólo cambie todos los “Elton” por el nombre de quien usted prefiera), “Culipandeo” por supuesto y la mejor del disco “Siéntate en mi cara” una rola estilo Dávila 666, que, esa para que vea, sí invita al desnudo ¡pero el desnudo de adeveras!

Descargue gratis Culipandeo desde aquí.

España nos sigue sorprendiendo con una generación impresionante desde Nadal, a la Selección española de futbol, a El Guincho, CANADA… y bueno, ¿cuál crisis con tal apantallante productividad?

Acá lo pueden escuchar enterito:

Aunque el Vive es criticable por headliners como Zoé, Molotov, Bunbury, Kinky o Café Tacvba (vaya, la misma fórmula popular de siempre), es rescatable por apuestas a bandas nuevas como Astro, Sonido San Francisco, Dënver, o por actos internacionales difíciles de ver en México como Madness o Fatboy Slim.

Bien, imaginemos que iré. El viernes llegaría tarde… no hay nada que me interese mucho antes de las 17:30 hrs, hora en la que se empalman Dënver y Caravana, un par de bandas chilenas que me gustaría ver, aunque, casi seguro, iría con los primeros. De ahí me iría a ver a DLD (NOT!), me iría a Hoppo!, la banda alterna de folkypop orgánico del tacvbo Ruben Albarrán y de ahí por una dosis de guitarrazos por parte de Vicente Gayo; la verdad lo haría más para matar tiempo y dejarme sorprender que por mera elección. Para terminar pasaría a TV on the Radio que seguro deben tener un gran set para este momento de su carrera y culminaría con la leyenda Acción Sánchez y su proyecto hiphopero SFDK.
El sábado se antoja para hacer presencia un poco más temprano, quizá a las 15:00 hrs para ver de nuevo a El Columpio Asesino, quienes ya son cada vez más frecuentes en escenarios mexicanos y dieron una gran presentación en el pasado Corona Capital –y recientemente en el Nrmal de Monterrey–, luego iría sin duda a ver la psicodelia tropical de Astro para continuar en el mismo escenario con los españoles (y reyes del falsete): Napoleón Solo, cuyo disco Napoleon Solo en la ópera –del 2010– mantuve en alta rotación. Me gustaría quedarme ahí pero como algunos sabrán soy un gran admirador de Juan Cirerol (quien comienza a la mitad del set de los “Napoleones”) y por nada me perdería la presentación más importante de su carrera. Es un gran avance para la música independiente mexicana que Juan toque en tan buen horario y que no lo hayan rezagado a posición de abridor. Todo pinta bien en la Carpa Danup para volver y cachar el final del set de la chilena Francisca Valenzuela, y ponerme en mood sentimental con los tonos dulces de la norteña Carla Morrison, seguida por, la ya bien conocida, Javiera Mena. Aunque lo obvio para muchos sería ir a Kasabian, creo que iría a Descartes a Kant, banda que creía extinta y que siempre mostró un grado experimental inusual y seguramente ahora evolucionado.
El domingo llegaría con resaca y cansancio, ya algo evidentes, pero esperanzado por disfrutar del mejor día del festival; Para comenzar tempranito (14:25) iría en busca del swing-hop latino de la talentosísima argentina Sol Pereyra, para continuar con la reanimación pasaría a Gogol Bordello, donde no moverse al ritmo de sus gitanerías en speed será imposible, lástima me daría perderme a Robota, otro gran representante del independiente mexicano en esta edición. Seguiría al ritmazo de Sonido San Francisco y su “Género romántico”, de ahí será hora de empezar a mover, o mejor dicho de seguir moviendo con los Illya Kuryaki & the Valderramas, un fortuito reencuentro entre Dante y Emmannuel quienes brincan y cantan con la ligereza con que lo hacían en 1999. Seguiría con Jaime López y su Chilanga Banda, esperando por supuesto la aparición de grandes invitados. Se viene un empalme complicado al tener a Mandess, The Horrors, Manos de Topo y Pedro Piedra a la misma hora, seguramente descartaría a los que visitan México frecuentemente y terminaría con la leyenda Madness. Ejercicio de nostalgia del Vive Latino 2 – 0 Amable. Continuaría el baile con los colombianos Systema Solar y su super banda esperando temas nuevos, me pasaría a Molotov –a quienes ya vi como 15 veces (quién no?)– para esperar ahí el gran desenlace en el punto más alto y concurrido del Vive Latino con Fat Boy Slim. No viviste un Vive Latino si no te quedaste el domingo hasta el final.

En conclusión, mencioné a 20 bandas a las que vería seguramente. Podemos decir que el VL de este año cumple, y claro siempre se esperan mejoras y más propuesta frescas para años siguientes. También deberían surtirse bien de agua y ¡no dejarse caifas con el precio de la chela! Just sayin’.

Esperemos poder ver esa película, así como escuchar el soundtrack completo pronto.

Y acá el trailer de “Joven y alocada”:

Trailer ” Joven y Alocada “ from Mirinda Films on Vimeo.

Si con esto se quedan picados, cáiganle hoy 16 de marzo al Imperial, porque Beat Buffet la va a tocar en vivo con todo y el Uili Damage en escena.

Ni siquiera sé cuántos artistas se presentarán en el Vive. La lista es brava y extenuante al colmo de repartirse en tres días y cuatro escenarios abiertos durante más o menos diez horas. Por mi parte sólo sé que en unas horas tomaré un avión desde Bogotá con las ganas de saborear en carne propia aquel prometedor banquete musical que ya llegó a su versión número trece. Como un humilde recurso para el que, como yo, se enfrenta a ese extenso menú, les quiero dejar un listado de bandas que deseo ver aún estando a kilómetros de distancia (y con la cosa de los horarios compartidos, aspiro no quedarme sólo en el deseo):

Dënver.

Sí, los chilenos se ganaron el cariño de esta casa desde que supimos de su álbum Música, gramática y gimnasia. Para quienes aún no se hayan enterado, valdrá mucho la pena encontrarse con el pop tan alegre como profundo que nos proponen estos dos muchachos. Y sí que en vivo nos prometen dar una clase de música (sonido de calidad), gramática (letras encantadoras) y gimnasia (la vitalidad de sus videoclips lo acaba de encantar a uno). Hasta con una emisión propia de Panamérika ¿Cómo no recomendarlos? (viernes: Indio Palillo, 17:30).

Def con Dos.

Cultura alternativa de los 90 en sonidos e imágenes. Quien haya visto las sensacionales películas Acción mutante y El día de la Bestia de Alex de la Iglesia sabrá lo que pueden simbolizar; precisamente, con el tema de cierre de esta cinta la banda se conocería fuera de España. Uno de los grandes símbolos del rock de Vigo, misma ciudad que nos dio a (de pie, señores) Siniestro Total y Aerolíneas Federales (sábado: Indio Palillo, 20:15).

Monareta.

Eclécticos y aclamados compatriotas que este servidor vino a descubrir cuando hicieron su primera visita a México. Entre un movimiento de fusiones sonoras del Caribe colombiano con riesgos de saturarse, estos dos bogotanos han asumido el reto de abrirse a romper fronteras inexploradas y a enseñarnos un laboratorio de sonidos que pueden ir de la nostalgia discotequera de los 80 hasta un cante jondo más mediterráneo que Caribeño (sábado: Carpa Intolerante, 20:30).

Sol Pereyra.

Una multiinstrumentista que ha venido a enseñarnos la diversidad de esa escena argentina siempre generosa en talento. Un sonido pop de calidad con una bella voz y una banda de soporte que juega con el jazz, el rock y los sonidos del Brasil (de los cuales dio razón cuando nos trajo un fabuloso cover de la gran Rita Lee). Su presentación puede ser un paréntesis para relajarse, sorprenderse y enamorarse (domingo: Carpa Intolerante, 14:45).

Systema Solar.

Más de las posibilidades exploratorias de los sonidos tradicionales de Colombia en un cada vez más exigente movimiento. Cultores de los sistemas de sonido que hicieron grande a la champeta, este colectivo sorprende por la capacidad que tiene para hacernos bailar, lo cual no sólo está en los siderales beats que le imprimen a la cumbia colombiana, sino también en una colorida puesta en escena. Quien se los encuentre en tarima caerá hipnotizado al baile (Carpa Danup: domingo, 21:30).

Y por supuesto, están también leyendas de sobra conocidas por el gran público que vale la pena detenerse a escuchar: un Bunbury que regresa ultrarecargado de bohemia nostálgica; la vuelta al dueto de unos ya maduros Illya Kuryaki, el ilustre recuerdo de la identidad rockera tapatía con El Personal, el salto cumbiero colombo-mexicano de Sonido San Francisco, ese indie rock nutrido con electrodance de La Vida Boheme… y paro acá para poder cumplir con eso de seleccionar piezas del extenso menú.

Nos vemos en el Foro Sol.

Sin más preambulo, aquí les dejo las bandas que -según yo- valen la pena checar en este Vive Latino. Digo, poquitas pero contundentes.

DESCARTES A KANT

Hace poco me dijeron que el sonido de Deskartes A Kant se veía claramente influenciado por el proyecto de Mike Patton, Mr Bungle. La verdad es que yo no sabía ni de uno ni de otro, pero la cosa es que ya sea Sonic Youth, Mr Bungle -o que se yo- ver a esta banda interpretar rolas tan complejas, extravagantes y sobretodo únicas (todo aunado a que en su show combinan una teatralidad y dramatismo que ofrece mucho más que otros proyectos) no me las quita ni Kasabian, que se empalma en la misma hora. Además traen nuevo disco, material que, escuché por ahí, se viene bien bueno. ¡Chequen su nuevo video aquí!

 THE WOOKIES

Que a The Wookies les fue re bien en el festival de Cholula 72810 y que además son parte de la elite, secta, crew de Sicario y demás colectivos modernos, no es factor para que yo ya les compre todo el paquete. A pesar de que en sus grabaciones se les escuchan muy finos beats, quiero ver, con mis propios ojos, qué tal le mueven a las consolas -y ahora sí- comprobar si son tan buenos como dicen. Además cuenta la leyenda que sus peludos looks no son obstáculo para que se vayan acompañados todas las noches después de tocar, ver para creer, ver para creer.

 RITMO MACHINE

Sí usted piensa que el cartel del Vive Latino no es particularmente bueno, y que no encontraremos nada que nos levante los pelos de la emoción, ¿por qué no aprovechar la Carpa Danup y ver a Ritmo Machine?, el proyecto de Eric Bobo (Cypress Hill) y – entre el guetto y de los suburbios-, DJ Latin Bitman. Aún no sé como llegaron al cartel, pero se agradece, y aunque no sea asiduo del scratch y el rap este es un dúo que le aseguro no lo va a defraudar.

FLEMA

Supongo que nadie en esta lista (y en ninguna otra lista) le emociona que Flema va a venir al Vive Latino. Probablemente nadie sabe quien es Flema, además admito que si hubiera conocido los gemidos de Flema a esta edad, ni loca le hubiera entrado a su punk rock, pero dado que fueron una de las bandas que marcó mi “rebelde” adolescencia de patinetas y guitarrazos, son ahora uno de los grupos que más, si no el que más, me emociona ver en el cartel. Flema es una banda icónica de punk argentino que se formó en el 87, y les aseguro que a muchos como yo, aunque ya no estén en estas ondas locas y autogestivas, les emociona también ver a los personajes que marcaron una etapa importante de su vida.

Este año, México no exporta tantas bandas como años anteriores (gran parte afectados por el éxodo norteño a D.F.), pero sí va bien representado. Para ejemplo: Andrea Balency, dulce compositora y participante del Red Bull Music Academy 2011, Juan Cirerol el nuevo profeta del folk mexicano, el reggae/drone de White Ninja, Antoine Reverb; los editados en E.U, Lorelle Meets The Obsolete; 3 Dudes & Mullet, Joe Volume, Dirty Karma, Turbina; a los producidos por Joselo Rangel: Candy, los bien ponderados Bam Bam o Lila Downs, la única mujer que se le ha visto hablarle de tú a Chavela Vargas.

México lleva poco pero con interesante rango de calidad, me gustaría ver la reacción de la gente al ver a Juan Cirerol, quien ni de broma interpretaría algo en inglés, al folklore de Lila Downs o sintiendo en los huesos la finura y potencia de Torreblanca y Balency.

Adanowsky mata a su personaje otra vez. Con la ayuda de su padre, el mítico Alejandro Jodorowsky, logra armar un espectáculo teatral divertido con elementos ya clásicos del imaginario de este autor mezclados con los poperos temas de su hijo y la instrumentación de los músicos en vivo que hacen de esto una especie de Ópera Rock a lo Spinal Tap. Salido de una vagina gigante, Amador es recibido por monjas sexosas que exhiben su ropa interior y soldados romanos que ponían y quitaban las cosas del escenario y recordaban a los anuncios de las galletas Emperador.

Así comienza el espectáculo musical acompañado por varios idiomas, un viaje por distintas situaciones entre las que Adanowsky se ve amenazado por un enano vestido de mago con un truco mortal, enpiernado en una muchacha voluminosa, pintando y pintado con cuerpos femeninos; envuelto en un conjunto de bailarinas que asemejan a una criatura marina llena de tentáculos persiguiendo a un molusco, o tal vez se parecía al cúmulo de fans que extendían sus brazos para lograr tocar a su ídolo.

Después de contar una anécdota de como conoció a Devendra Banhart y sus reflexiones acerca de la higiene anal, una encarnación espléndida de la muerte con una máscara llena de brillos como de luchador es la que da fin a Amador, con las analogías de un pene gigante con el que Adanowsky penetra a un corazón (Pene gigante que terminó volando entre el público) y el personaje destrozándose a sí mismo (El cantante golpeando a un maniquí decorado con un corazón).

A continuación los soldados romanos que estaban a su servicio terminan por crucificarlo, como hace casi dos mil años hicieron con el mismísimo Jesucristo, para montarlo en un sarcófago colorido y pasearlo entre la audiencia, quienes lanzaban papeles, flores y ovaciones al paso del convoy. Al final, después de una ejecución musical de loop-station, nuestro personaje reaparece como ángel e invita a todos los involucrados en la producción a agradecer al público, recordándonos que la celebración de la muertees algo muy mexicano. Un show lleno de clichés pero visualmente muy atractivo.

Por si la imaginación no les ayuda a visualizar todo esto, pueden disfrutar AQUÍ las fotos que tomó Toni François.

Entre esas buenas noticias, esta revelación del swing bogotano nos ha entretenido desde el pasado viernes con “Suin romanticón”, videoclip de un sencillo que ya empieza rotar en radios independientes y que se convierte en el anticipo del esperadísimo álbum debut de una banda que con apenas un sencillo ha llamado la atención de festivales, veladas de premios y por supuesto, de esta casa.

Y en esta sabrosa road movie “volveremos al lugar donde todo comenzó… bailaremos al compás de mi ‘suin’ romanticón”.

Esperamos las noticias del Mesié para este 2012.

LOS MUNDOS

El primer acto que vimos entero y que ya tenía una audiencia considerable fueron Los Mundos, una banda que a pesar de tener poco tiempo de existencia, ya cuenta con uno que otro clavado que hasta se sabía el set completo. Como adolescentes rifándose en pleno toquín punkrockero dedicado a la novia (que ha de ser bien afortunada), Los Mundos nos lanzaron el primer rayito de sol con dream pop y paisajes sonoros puliditos y cuidados. Definitivamente una de las bandas que más ganas teníamos de ver y nos cumplieron las expectativas.

SOLEDAD

Antes de ver en vivo a Soledad pensábamos que sonaban a Jesus and Mary Chain con Jesus and Mary Chain y un poco de Jesus and Mary Chain región 4 y la verdad es que sí, pero también dan más que eso. El baterista, que es el vocalista, cantaba y sufría, sufría sin control durante todo el acto de este dueto mientras el guitarrista tocaba indiferente ante el drama de su pobre compañero. Pero no se sentía mal, según entendemos, de esto se trata el show. Sólo son dos güeyes los que logran el sonido expansivo y envolvente de Soledad, sólo dos, lo cual lo vuelve interesante. El escenario de Panamérika pequeñito, y modosito fue muy bien tratado por este par de intensos compas.

ADRIANIGUAL

Esperábamos mucho de Adrianigual y nos dejaron queriendo más de ellos. Un trío de jóvenes en estado inconveniente se presentó al filo de las 3:00 pm para confirmarnos que si nos gustaban, no nos equivocábamos. Impecable el sonido, el baile de Diego Adrián, y la ejecución de este dueto que tocó tanto canciones de sus viejas producciones como de la más reciente. El look de Diego Adrián, pandroso-sofisticado le imprimía dramatismo a ese techno-funk-rock-medio rapeado frente al cual es imposible no moverse, o no bailar, o no cantar o no hacer algo. Aunque éramos pocos los que los coreaban, sí se juntó mucha banda entre curiosos y fanáticos que le entraron duro al Èxito Mundial. Como dijo uno de sus seguidores en entrevista: Nos gusta la noche. ¿A quién no? Viva Chile, weones.

ASTRO

Las onomatopéyicas letras de Astro funcionan perfecto para las 6:00 pm en un festival; uno ya está suficientemente entrado en copas y otras sustancias como para cantar “A-E-O” sin mayor dificultad y con muchísimo sentimiento. Astro no nos la pudo poner más fácil. Amarrados, crecidos, madurados, dieron una de las mejores presentaciones en el festival, y una muy buena probada de lo que estamos por ver en el Vive Latino. Parecía como si los épicos riffs de “Maestro Distorsión” hubieran invocado a la lluvia en Monterrey, con esa fuerza impresa en una buena ejecución y conocimiento de sus virtudes. Astro jala, y bien.

ALEX ANWANDTER 

No había neón, ni ketamina, pero casi. Anwandter subió a un escenario mexicano por primera vez, y afortunadamente nosotros no éramos los únicos entusiasmados. De nuevo, la lluvia ayudó a este glamouroso chileno para que la gente lo escuchara, varios se arroparon en el escenario Panamérika escapando de mojarse y terminaron bailando sin piedad. Anwandter tocaba con una camisa brillosa al lado de sus refuerzos paisanos Nacho Aedo de Adrianigual y Lego Moustache de Astro. Ahí vimos que sí canta, que sí toca y que es tan bueno en vivo como en sus discos. Las más disfrutables: “Cómo puedes vivir contigo mismo”, “Tatuaje” y el cañonazo de su disco Odisea Odiseo “Casa Latina”. Presentó un set corto pero certero y contundente. Si la gente que lo vio quedó deslumbrada seguramente no fue sólo por su camisa.

DÁVILA 666

Se habrán encomendado a Malverde o al Anticristo o a la Santa Muerte, who knows, pero estos culones punkarros tocaron con toda la gracia y enjundia con la que los presumen. No se sabe aún si fue el Nrmal, que hace que todos suenen bien, o le echen más ganas; o sí es verdad que Dávila 666 es una muy buena banda… pero ahí quedó el testigo de que lo es. A lo mejor es que estaban frente a un público que no era gringo, que entiende sus letras, y que las canta con ellos con el puño arriba. La noche ya se estaba apagando cuando aparecieron, con esa actitud festiva y divertida de culeros rudos que la única bondad que sacan de su público es un moshpit demoniaco. Entre Menudo y Dávila 666 sólo está el run run de una motocicleta, la de estos últimos es una pinche chopper ultraruidosa.

DANI SHIVERS

El Festival Nrmal en su tercera edición fue inaugurado por Dani Shivers en el escenario Nrmal, ejecutando el sonido de un órgano vintage, mientras el público apenas comenzaba a llegar. Desafortunadamente, por ser de las primeras en el line up, no más de 25 personas estuvieron atentos a su presentación. Sin embargo Dani supo acoplarse en el escenario y dar un buen show prácticamente sola. El clima en Monterrey nos había dado una tregua en pleno marzo: un día frío y nublado, algo muy inusual.

SELMA OXOR

En el escenario Panamérika aparecía Selma Oxor de Nene Records, quien más que ofrecer música, ofrecía un performance acompañado de maracas, pequeños pianos, controladores y hombres vestidos con mayas y faldas negras, ademas de pelucas azules, y coreografías. Mientras Selma gritaba y cantaba eufórica, los bailarines se arrastraban sobre el pasto, dejándose caer ligeramente, definiendo a la perfección lo exótico que puede ser una presentación de Oxor.

JUAN CIREROL

Aunque Juan Cirerol ya había estado en el Festival Nrmal del año pasado, eso no fue razón suficiente para que no fuera uno de los artistas más esperados dentro del line-up. Desde sus primeras rascadas a la guitarra, el ánimo del público se iba incrementando. Las letras de Juan eran coreadas con tanto fervor que hasta se contagiaba. “Clonazepam Blues” fue la más cantada, aunque la mayor parte del set list se conformó por canciones de su nuevo disco Haciendo Leña. Posteriormente una armónica ajustada cerca de su boca, daba un toque más profundo a todo el folk bravo de Juan, dejando satisfechos a todos.

HUSKY

La lluvia cayó más fuerte y el único escenario que nunca dejó de sonar y que contaba con techo para el resguardo era el de Panamérika, lo cual funcionó como un refugio que obligó a la mayoría a dirigirse hacia él para ser todos testigos obligados de la aparición de Husky, banda regiomontana que logró borrar todo tipo de prejuicios locales. Husky dio un show a base de un rock inocente, pero no defraudador.

DIVE

Era el momento de Dive en el escenario MTYMX y el sol sorpresivamente comenzaba a salir de entre las nubes, junto con todo el reverb que sonaba en la mayoría de los instrumentos de Dive, banda de Brooklyn, conformada por cuatro chavos, quienes lucían muy cómodos con sueters rojos guangos, pants empolvados y ajustados a la cintura, (como buenos hipsters). Al momento en que inició la canción “Sometimes”, Zachary Cole no pudo evitar saltar y moverse efusivamente junto con su guitarra, sin perder en ningún momento la cercanía con el micrófono. Aunque extrañamente casi no cantaron y la mayoría de la presentación fue más instrumental, Dive conquistó a la gente que en ese mismo momento los estaba escuchando por primera vez.

GREATEST HITS

Greatest Hits desde Brooklyn encendió la actividad en el escenario MTYMX al inyectar ánimo al púbico con su pop místico y misterioso, o como ellos mismos lo describieron:”a sexual sound“.  Este dúo se percibía muy conectado entre sí, no nada más en lo musical, sino también en la vestimenta. Los lentes de sol en un día nublado fueron el plus para la personalidad de ambos. Finalmente concluyeron agradeciendo la oportunidad de haber estado en Monterrey por primera vez, sintiéndose plenamente satisfechos.

ARAABMUZIK

AraabMuzik salió al escenario proyectando hasta el último instante todo ese dubstep que se carga completamente en vivo,  sus dedos eran tan hábiles como rápidos, como si estuviese tecleando una calculadora y no precisamente unos pads, por lo cual no requirió de la ayuda de ningún tipo de secuencia, haciendo que todos movieran sus cabezas al ritmo que Araab proponía. Debido a la agenda apretada, AraabMuzik tuvo que estar casi al principio del line up, ya que más tarde estaría tocando en el SXSW y le esperaba un viaje de 3 horas de carretera. No obstante y pese a que todavía no había mucha gente, Araab se salió con la suya en el escenario.

GRIMES

El sol se había ocultado por completo y Grimes aparecía en el escenario Nrmal, donde sus ecos y la iluminación azul y rosada –además de un humo ambiental constante– aclimató a todos para recibir la noche en el festival. “Vanessa” y “Oblivion” fueron las más gozadas. Después de su presentación, Grimes se dio el tiempo para conversar de manera muy accesible con los fans que se acercaron a ella detrás del escenario para pedirle una foto, un autógrafo y hasta entrevistas.

JAVELIN

El parque Diego Rivera estaba lleno, el festival estaba en su clímax y en el escenario MTYMX aparecía Javelin. Con baterías electrónicas lograban un synth pop puro, además de una guitarra eléctrica que hizo a todos moverse a la par de las canciones. De repente los dos integrantes de Javelin comenzaron a lanzar camisetas blancas membretadas con el nombre de la banda en letras naranjas, haciendo que el público se empujara con tal de alcanzar el obsequio. La presión de un line up saturado evitó que Javelin tocara tiempo extra, así que tuvieron que despedirse del escenario dejando a la gente con ganas de más.

TEENGIRL FANTASY

Con pads, sintetizadores y mucha energía, Teengirl Fantasy salió en el escenario MTYMX, donde poco a poco la presentación fue subiendo de tono. Cuando inició “Dancing in a slow motion” de inmediato provocó que el público se moviera “in a slow motion“, para después concluir con “Cheaters” que hizo gritar de emoción a los asistentes.

FRIENDS

Con mucha sencillez pero con demasiada actitud aparecía Friends, quienes aclaraban el estar felices de encontrarse en Monterrey y por primera vez en México. Lesly Hann tuvo demasiada actividad en el escenario, desplazándose de un lado a otro y acercándose en distintas ocasiones al público, muy al estilo de Stevie Nicks pero en la versión hipster. Y no dudó en bajar del escenario en repetidas ocasiones para tener un contacto más cercano con la gente que no paró de bailar hasta que concluyó la presentación con las canciones “I’m his girl” y “My Boo”.

Por Almendra Hernández y Claudia Jiménez

A las 9 de la mañana llegamos a la ciudad de Monterrey que nos recibió con un amabilísimo clima de 9 grados que combinaba perfecto con nuestras chanclas y nuestras gafas de sol. La ciudad, medio desértica y medio apagada, nos ayudaba a levantar el ánimo que se enfriaba cada vez más, acentuado por la grávida belleza del Parque Fundidora. Monterrey, así tan industrial, es encantadora. A los pies del Cerro de la Silla que todo el tiempo manifiesta quién es el jefe.

Llegamos al Festival Nrmal a las 2 pm, o sea a barrer. Dani Shivers lanzaba conjuros a un par de incautos seguidores que se dieron cita para verla tocar. El Festival Nrmal es uno muy modesto, la extensión de su terreno no es más grande que la del parque de la esquina y aún así dio módico espacio a tres escenarios,  una rampa para los skaters, unos carritos chocones, la infaltable zona de comida para hanguear a gusto, un mercadito hipster para que los güeritos –que llegaron super bien vestidos– se pimpearan a lo largo del día (Ahí nos compramos unas chamarras y mayones para aguantar el frío) y unos tee pees indios para los enamorados.

Casi casi que nos sentíamos en Kermesse, o en una feria quita-pon. Pero hay algo en esto que le imprime al Nrmal un carácter único frente a otros festivales: que es cómodo y es íntimo y sus bandas también son el público y pueden chupar con sus fans y ver los toquines desde abajo del escenario, así que esta vez pudimos acosar a los músicos sin perseguirlos.

Ante los ojos chilangos este sería un festival amateur. Estamos acostumbrados a aproximarnos a las cosas con un ojo monumental: un Castillo de Chapultepec inmenso, un segundo piso sofocante, un Tlaloc enorme en Reforma, un Vive Latino o un Corona Capital ostentoso en su cartel;  una Pirámide del Sol gigante e imponente, pero que al final no es más que un conjunto de viejas piedras, ni tan brillosas ni tan resplandescientes. El Nrmal sería como Palenque, un espacio pequeño, pero cuidado, modosito y repleto de detalles. Está servido a la medida, es la porción adecuada para disfrutar el pastel.  Que, por cierto, permite degustar puras novedades sin atragantarse. ¿Que cuál es su secreto? Su cartel aprovecha estratégicamente la locación de la ciudad para agendar a aquellas bandas emergentes que están por tocar en SXSW, así que para los que no podremos ir, acá nos pudimos dar una buena dosis de frescura. Algo que facilita la ciudad de Monterrey es que puede darse el lujo de recopilar tres regiones: las bandas anglofonas más hype, la crema y nata de la escena chilena y las bandas mexicanas emergentes más chic. Gracias a esto pudimos ver gente como Adrianigual, Alex Anwandter, Javiera Mena o Dávila 666 (aunque son de Puerto Rico) contra Grimes, Girls y  Unknown Mortal Orchestra, pero también intensear con Soledad, ver a Los Mundos, Bam Bam o Antoine Reverb. Nos moríamos de frío, pero ah, cómo lo apreciamos.

El paisaje general del Nrmal mostraba las largas piernas de las morras en shorcitos frente a las chamarrotas de sus novios, que las arropaban mientras se avecinaba la lluvia que nomás siscaba pero que nunca se dejó venir del todo. Con el transcurso del cartel también avanzaban los grados de alcohol y las pericias de la gente por mantenerse en pie y caminar recto. Los escenarios del Nrmal son pequeños y modestos pero cumplidores. El escenario Panamérika tenía detrás una serie de lienzos de manta pintados a mano, con 5 colores, todo muy hippie pero adaptado a las circunstancias.  Un círculo pequeño al centro del escenario hablaba de nuestra casa presentando nuestro logo. La verdad los horarios se ‘cuatrapearon’ y al final ya no sabíamos ni que seguía, ni quién era quién, pero eso sólo lo hacía más emocionante. Estar en el Nrmal es entender el corazón de las escenas musicales gestándose desde su inicio, con poco presupuesto, con pocos recursos pero con muchas buenas intenciones.

Entre la confusión de horarios resaltamos las participaciones de bandas en el escenario de Panamérika,  como Uvi.lov que se aflojaron el cinturón y presentaron su set más atrevidos y amarrados. Andrea Balency en su nueva etapa con secuencias y loops; el ímpetu cortavenas de Soledad, dueto al cual le sentó muy bien un escenario así de pequeño para lograr invadir todo el espacio con un sonido expansivo y machado. Alex Anwandter que puso a bailar hasta a los que ni lo conocían, los punks de Los Negretes que arremetieron hasta contra los escépticos, Sonido San Francisco que, cual sonidero, logró llenar la casa con su cumbia electrónica de sabor colombiano; y Mentira Mentira con su versión grunge de “Hey Ho, Lets Go!“. La verdad es que le debemos  una disculpa a todas las bandas que tocaron después de las 10 pm, pero nos moríamos de frío y tuvimos que correr por nuestras vidas.

Así, acatarrados terminamos nuestra jornada con las ganas de tener más de estos festivales cercanos a nuestra casa. El Nrmal es una muestra clara del talento de nuestros músicos y del talento de los músicos y promotores independientes emergentes que le dan actualidad y nuevos bríos a nuestras escenas, que a veces tienden a permanecer algo estáticas.

No pueden perderse a Gaby paseándose con su altísima guitarra entre el público y haciendo excéntricos chistes este 10 de marzo a las 17:00 hrs. en el escenario Panamérika del Festival Nrmal.

Disfruten de “Turnaway” dirigido por Jaime Martinez:

Los Evangelistas

Homenaje a Enrique Morente

Por: Rodrigo Márquez Tizano

I.

La Noche Blanca del Flamenco es una fiesta de reciente aparición en Córdoba, en donde el objetivo es recorrer los distintos espacios de la ciudad (la celebración coincide con el esplendor de los patios, por ejemplo), mientras se escarba en la rica tradición de la música andaluza. Las rejas y los balcones colmados de flores, la aparición sorpresiva de rasgueos y tarantos en cualquier rincón de una ciudad consagrada a los diminutos espacios, y un ambiente colmado de momentos extáticos, han hecho que el festival, durante sus cinco años de vida, haya conseguido reunir a los artistas más destacados del género en veladas para archivar en la memoria. La iniciativa, que cobró fuerza durante los últimos años, comenzó como un ensayo general del hipotético nombramiento de la ciudad califal como Capital Europea de la Cultura, en 2016. Recuerdo el medio día infernal de junio cuando se propagó la noticia de la derrota: desde Pedroches hasta Las Quemadas, los cordobeses seguían atentos  la última etapa de las votaciones, pegados a las ondas de la radio, con las miradas fijas en el traje claro de algún presentador de televisión. La cosa es que en la recta final Donosti se adelantó por banda y los cordobeses se quedaron sin capitalidad y con serias dudas sobre el futuro de su modelo cultural. Al fin y al cabo, durante un lapso de casi diez años, el ayuntamiento invirtió lo indecible en el sector cultural, con el objetivo de realzar la belleza y complejidad artística de una ciudad única en su tipo, que por fuerza tenía que concentrar todo su duende en una noche como no hay otra en el mundo. Fue precisamente en la edición del 2011, y bajo la sombra del recién fallecido Enrique Morente, cuando en la Plaza de las Tendillas se destaparon Los Evangelistas.

II.

Aquella fue una noche interminable: las luces violetas bailoteaban en el escenario mientras Los Evangelistas formulaban pactos con el otro mundo. El ruido y la retroalimentación se atornillaban entre las palmas formando sonidos imposibles: había que tener la piel gruesa, como de rinoceronte, para no caer desmayado, rebasado por la fuerza del momento. Uno podía sentir el vibrante timbre del capo granaíno, único y espectral, flotar entre la concurrencia. Lo que sucedió allí fue un hito del flamenco, una sesión de espiritismo. Enrique Morente es considerado por unanimidad entre sus fieles y los no tanto (¿cuál si no es la auténtica trascendencia?) como una de las cabezas más serias y amuebladas del cante jondo, y por otro lado, como uno de los músicos que más escatimaron en trincheras y zonas de confort: lo suyo fue un ir y venir sin ataduras, el trayecto libre del esteta y librepensador de un género que ha sido desvirtuado hasta el agotamiento por fusionistas de ocasión, y peor aún, endurecido por ortodoxos recalcitrantes, quienes han cortado las alas al ave más magnífica que haya surgido de la fragua donde se unen la llama y la sangre.

III.

Los Evangelistas es un grupo homenaje formado por miembros de Los Planetas (Jota, Eric y Florent), y el cantante de Lagartija Nick, Antonio Arias, quien ya antes había colaborado con Morente para la confección de Omega, pieza única en el género, a la que mi generación ha tenido a bien considerar su particular Leyenda del tiempo, lo cual no es poco decir. Omega se convirtió de pronto en uno de los elementos axiales en la renovación del flamenco:  aquel nutrido y selecto troupe de colaboradores reunido en torno a las figuras de García Lorca y Leonard Cohen consiguió cristalizar el experimento en un producto real y consistente. El disco resultó un parteaguas en la carrera de todos los que colaboraron en su creación: pocos años después, Morente curó y constituyó aquel atrevido triángulo transatlántico que reunía la musicalidad de Senegal, Cuba y Cádiz en un ensamble compuesto por los mejores exponentes de las tres orillas. Algo se había roto, para bien, y el desapego se volvió marca de fábrica. Incluso Los Planetas, colegas de la vuelta granadina y paladines del indie facturado en casa, que por aquel entonces promocionaban Pop y andaban aún en pleno enamoramiento con el shoegaze mediterráneo, fueron poco a poco cediendo ante la aplastante influencia que Omega significó para todo aquel que escuchó música en España durante la década de los noventa.

 IV.

La capilla ardiente se instaló en  el Teatro Isabel la Católica de Granada, donde ríos de gente: amigos, seguidores: se reunieron para lanzar el adiós definitivo frente al féretro. Cuando Luis García Montero dedicó unas líneas a la memoria de su amigo, apenas pudo balbucear: “Las palabras son insuficientes, no es posible nombrar el vacío, la desolación. Has muerto lleno de vida, de fuerza, siendo manantial”.

V.

Vuelvo a lo de Camarón: había tanto de visionario en José Monge como en Enrique: uno era payo, el otro gitano, pero cuando dos voces privilegiadas como las que ambos ostentaban consiguen unirse en un mismo hilo, el entramado de las raíces se disuelve. Si bien es cierto que la interpretación del cante que ofrecía el de San Fernando estaba cimentada en un discernimiento natural, casi intuitivo, y que por otro lado, Morente poseía una visión más cerebral del arte, ambas escuelas se traslapan y embonan en una perfección fortuita, casi desinteresada. Allá por el 86, Morente encumbró la suya en el Teatro Real, Camarón hizo lo propio durante las tres noches seguidas en las que abarrotó el Cirque d’Hiver, en París. Así era la música de ambos: surgida de la esencia y capaz de conmover aún en los estratos más culteranos y asépticos.

V.

Se pusieron Los Evangelistas porque decidieron convertirse en los emisarios de la palabra de Morente. Porque saben que el mundo, en su sordo movimiento, es a veces inmune ante las frágiles voces de los genios que lo habitan. Y porque el vacío es muy grande, muy hondo. Por eso decidieron formar el grupo y grabar un disco y reinterpretar las canciones del ídolo que les abrió los tímpanos hacia desconocidas extensiones sonoras, hermanadas mediante finos trazos con la música que ellos mismos ejecutan. Después de todo, las distancias se hacen más cortas cuando uno consigue identificar a los compañeros de viaje. Entonces reclutaron a Soleá –la hija del maestro– a Carmen Linares y a Martin Glover –de Killing Joke– para firmar un álbum rebosante de sonidos espectrales y capas de sonido robustas, ricas en detalles, cúpulas de ruido en las que uno puede despegarse del mundo físico y dar un paseo por las alturas: la percusión precisa y trepidante funge como una columna a la que se van adicionando –con pausa, sin prisa– elementos que arrebatan y toman por sorpresa al unísono: vocales desgarradoras, destellos de feedback, ida y vuelta en ese milagro que reduce las distancias y convierte los eventos hieráticos en sencillas explosiones de luz. ¿Claves? La tonadilla de J cuando encarna “Amante”, ese fandango salpicado de genialidad que parte por la mitad el entrañable Sacromonte (1982); “Yo, poeta decadente”, una versión espacial del poema de Manuel Machado, al que Morente transformó en un potente y delicado himno de cámara; o el pellizco en carne viva que acompaña a “Encima de las corrientes”, poema del místico San Juan de la Cruz con música original de Don Enrique. Los trece cortes se suceden de forma natural y pasan casi sin querer, como el agua. Da la impresión de que Los Evangelistas pudieron haber duplicado o quizá hasta triplicado el contenido de este homenaje: se les escucha a gusto, movidos por el sentimiento auténtico de la memoria: no es imposible imaginar a Enrique Morente trepar con astucia sobre cada una de estas canciones: se sentiría como en casa, entrando y saliendo a voluntad por la puerta grande del flamenco que defendió: sin límites, volátil.

Y le echamos este choro porque hace un rato nos llegó el EP de la encarnación más reciente de Juan Data, se trata de Bondi Blaster un proyecto que desde San Francisco surgió de la colaboración entre su colectivo Stronghold Family y su amigo Tami.

Sonidero compay internacional: en este material titulado Lo Juimo!, participaron desde los raperos mexicanos Nes, el colombiano Ephniko, Gabriel Navia de Bolivia, y Kinky Electric Noise de Miami, hasta Bigote del colectivo español Caballito. Ahora sí que le cayó varia banda al estudio.

Pues púchele play al video debut de Bondi Blaster y disfrute de la “Salchicha primavera”, entre otros temas con todo el sabor del techno, dubsteb, cumbia y hip hop mezclados en la medida correcta, ¿si me entiende, no? Ni muy picosos ni desabridos, ¡al punto pues! A través de este link

“Alta Farra” – Bondi Blaster Feat. Gabriel Navia from Bondi Blaster on Vimeo.

Klaus & Kinski

Herreros y Fatigas

Jabalina Música, 2012

Del electro pop, pasando por el folk, la copla y la canción española, pero con un toque espacial, hasta un tema noventero shoegaze-gungero como el tema “Cumbres Profundas”, hay que escuchar a esta agrupación murciana varias veces para aprovecharla al máximo. Con su nombre de actor alemán, Klaus & Kinski presentan su nuevo LP Herreros y Fatigas (Jabalina Música, 2012). Y sí que es un Long Play, con 15 tracks y casi los 70 minutos que dura un CD estándar, este disco abraza la bandera de producción independiente para explorar la libertad creativa.

Con 4 años en este negocio, Klaus & Kinski no temen sonar intimistas y tampoco temen a burlarse de todo (Basta ver el chascarrillo en su cuenta de Facebook: “Ah, ah, ah, ah, Stalin alive, Stalin alive”). Irónicos lírica y musicalmente, sus videos son igualmente entrañables, sensacionales y libres de prejuicios. Con ver “Forma, sentido y realidad”, video que sacaron hace dos años para su disco Tierra, trágalos (Jabalina 2010) nos queda clara la loca genialidad de esta banda.

Aquí les dejamos “Ojo por Diente”, primer audiovisual de este nuevo disco, actuado por la pareja que conforma la banda:

Tony Gallardo II es su pupilo más reciente. Hace poco sacó un EP titulado Líder Juvenil, en el que se escucha durísimo que a este nuevo lado le encantó la onda locochona del Super Vato de Rebolledo. (Si quieren saber más chequen la reseña desde aquí).

Y para que se divierta un rato y se decida a irlo a ver al Festival Nrmal le dejamos el teaser de su material más reciente.

Si usted todavía no se ha tronado al ritmo de “Hijos de José” en alguna fiesta NAAFI, o con algún DJ escenoso en un estado mental “elevado”, no sabe de lo que se ha perdido. Y es que este tema del regio Daniel Maloso, se ha vuelto un referente para las tocadas de quienes dicen saber pitchear con los ritmos que están a la vanguardia de la electrónica alternativa más glam (o, “más acá”).

De la mano de Matías Aguayo, Gary Pimiento y Rebolledo, Daniel Maloso forma parte de la subdivisión “con onda” de la disquera alemana Kompakt, Cómeme. No aptos para cualquiera, los temas que conforman este catálogo se caracterizan por sonidos erótico-norteños, con el sabor del dancefloor para satisfacer a las necesidades más elementales de la libido.

Así que ya se imaginará por donde va el style de Daniel Maloso, un chamaco que por cierto acaba de estrenar tema en el compilado más reciente de Plásticos y Etéreos.

Muy a su manera –conceptual, y eso-, Daniel Maloso en “Balas de Plata” nos da su visión de una guerrilla, recreándola al ras de retadores beats, o quizá sólo se estaba divirtiendo haciendo música como acostumbra. En fin, Daniel Maloso se presentará el 10 de marzo en el Festival Nrmal y si usted pertenece a esta nueva y fina comunidad electrobit no se lo puede perder.

Hace algunos ayeres, MGMT estaba de moda y Astro era ya uno de los grupos consentidos en Panamérika desde su programa número 82, siendo su álbum “Le disc de Astrou” (Terrícolas Imbéciles, 2010) uno de los discos favoritos del 2010 y presenciamos en línea el lanzamiento de su disco homónimo a finales del año pasado. Desde Chile, esta agrupación astral tiene para este marzo del 2012 importantes presentaciones en México en dos grandes festivales del país: en el centro, vuelven al Vive Latino que ya los vió triunfar, y en el norte se apuntan al festival NRMAL, la promesa en cuanto a música chilena para este año al lado de Adrianigual y Alex Anwandter.

Ver a Astro será una experiencia inolvidable, de “drogas mágicas”. Aquí les dejamos distintas versiones de Maestro Distorsión, el sencillo que dio la vuelta al mundo:

Una excelente sesión en vivo para SIMPLETV.CL:

Un video que un compartido fan colgó en la red del Vive Latino 2010:

Y por último, el cover que Gepe y Pedropiedra hicieron para Fonogramáticos Vo. 10:

Sin duda el primer LP homónimo de Los Mundos, proyecto conformado por Chivo –ahora miembro de En Ventura– y Luis Angel de Piyama Party fue de lo mejor que sucedió en el panorama musical mexicano del año pasado. Como algunos saben, este LP debut fue trabajado a distancia entre DF y Monclova, lo cual dejaba dudas sobre cómo sería una colaboración directa –entre estos dos personajes de la escena emergente mexicana– tanto en modo de grabación como en acto en vivo. A escasos meses del lanzamiento del primer disco, el dúo apagó esta duda dando un par de conciertos magníficos (según me cuentan amigos que asistieron) y dejando este EP grabado en su encuentro en la ciudad de México. 4 re-versiones de su primer trabajo (“Ni un segundo más sin música”, “Fuera de horas”, “Punk Soccer” y “Nunca Cambies”) grabadas totalmente en vivo y un genial tema nuevo conforman este íntimo material que, a excepción del tema que le da título, va por un camino más dream-pop-ambiental que su antecesor. Cabe resaltar que Mi propia banda quiero ver EP fue editado en versión casera en Buenos Aires por Fuego Amigo Discos, label que tiene en sus filas a muy buenas propuestas argentinas como Tobogán Andaluz, La Ola Que Quería Ser Chau, Los Migues y Los Días, entre muchas más.
Es muy extraño que la versión existiera primero en Argentina que en México ¿no lo creen?

No duden en descargar gratis este disco, y si van a andar por el Festival NRMAL, (que si se lo pierden más vale que tengan una buena razón), los podrán ver en vivo haciendo sus grandiosos temas al lado de Mauricio Terracina (ex Zurdok, The Volture) en batería y Efrén Barón (ex 60 Tigres, División Minúscula) en bajo. Extraña pero imperdible combinación  para ese 10 de Marzo.

ACÁ lo bajan.

En algunas canciones White Ninja suena a una especie de alter ego de Barry White, pero con el BPM disminuido. Otras tantas suena a la conquista de aquel galán con exceso de gel, protagonista de muchas películas de los 80. En fin, con una biografía no muy clara, el regiomontano Leo Marz (antes Album) le da vida a White Ninja, un proyecto de electrónica que tunea los más finos beats al ritmo del funk más plástico y en slow motion.

White Ninja cuenta con dos álbumes: Guácala los modernos y su electro (donde colabora con Alexico), y su más reciente Sounds Like Cocoon Fever (que pueden descargar gratis –a cambio de un tuit- desde aquí). Tanta corporalidad expuesta en una húmeda pista de baile es algo que, por lo menos nosotros, no nos querríamos perder.

“Suponemos” que después de un pasón de ácidos y estupefacientes, lo único que uno quiere es aislarse del caos electro bit al que pueden llegar a convertirse estos festivales. Y por si esto le llegara a suceder (que esperemos que no) le recomendamos darse una vuelta -y un descanso-  por el acto de The Suicide of Western Culture un dúo barcelonés que convierte a las frecuencias más básicas en obras de arte con las paletas de color más efímeras y extensas. Rico contenido de electro rock alto en lo-fi emocional y melancólicos sintetizadores. Si quiere escuchar un poco más sobre The Suicide of Western Culture visite su sitio oficial. ¡Y ya merito se me va decirle! Esta banda ya fue telonera de uno de sus proyectos matrices, Animal Collective.

Ritualz, como el nombre mismo, es un proyecto de un hombre solitario del DF que por las gélidas y mohosas texturas que imprime, bien podría iniciar una secta en donde se ejecuten los cultos más extraños. No queremos espantarlo, al contrario, Ritualz tiene una vibra -sí- muy obscura, pero profunda, parecida al sonido de Crystal Castles (cuando tocan en serio), que saciará su hambre ante cualquier perversión electrorítmica. Ahí le va:  techno dentro de lo gótico, eso es Ritualz. Por cierto, y por si ocupa, Ritualz se presentará también el 10 de marzo en el Festival Nrmal. Escuche más de Ritualz aquí.

El acto que nos emociona más dentro del espectro electrónico es Nadastrom, un proyecto del ecuatoriano nacido en Estados Unidos, Dave Nada y Matt Nordstrom, pioneros del moombahton. ¿Les suena? Píquele aquí.

Nadastrom se ha convertido en un referente –no directo- de la cultura de nuestro baile caliente, mezclado con los ritmos del dub y el electro más cerdos dentro del público anglosajón y estadounidense. El año pasado se fueron de gira con Skrillex y además han tocado con artistas como Kid Cudi, Deadmau5, Major Lazer y sí… Christina Aguilera.

Y para rematarle chido tampoco se puede perder el DJ Set de Alan Palomo o Neon Indian (que también va a estar bien bueno), y la presentación de nuestros compatriotas Telefunka quienes tocarán el martes 13 en “The Whiskey Room” (ojo, asegúrese de tener más de 21 años). ¡Puro talento nacional, chingao!

Red Bull Music Academy no es más un secreto. Este año la academia de música busca expandir sus horizontes y llegarle a los músicos, productores y DJs que creían que este evento era exclusivo para la gente chula de la artisteada, o mejor dicho gente “con palancas.”

Mire nomás que el 27 y el 28 de febrero en el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) en Chile, se llevaron a cabo dos toquines de la Red Bull Music Academy Sessions en donde se armó la fiesta con ¡ay nomás! Dënver, El Guincho, Francisca Valenzuela y más.

200 personas -entre ellos músicos, productores, vocalistas y DJs- participaron en un taller informativo sobre la RBMA para aclarar cualquier duda sobre la academia musical que ahora le toca irse hasta Nueva York.

El primer día el warm-up estuvo a cargo del DJ chileno Sien Strickly, quien movió la hormona de los interesados más chavitos, para que después el productor Joaquín García, compartiera sus historias de ultratumba con Lucybell y Los Tres.

En la segunda noche El Guincho hizo lo suyo, seguido del anecdotario del alemán Uwe Schmidt (a.k.a. Atom Heart o Señor Coconut). Francisca Valenzuela cerró junto con Dënver, quienes ya se habían presentado el día anterior.

Y como nunca puede faltar un buen anfitrión, Fernando Mujica (director de Radio Zero y de la revista Extravaganza!), estuvo presente durante todo el evento levantando el ánimo de los participantes.

Recuerde que Red Bull Music Academy 2012 cuenta con 60 cupos (¡entre uno de ellos podría estar usted!) para músicos de tooooooodo tipo. Las inscripciones están abiertas hasta el 2 de abril a través de www.redbullmusicacademy.com.

1 . “Jinx” – Dani Shivers

“La nueva bruja del witch house tijuanense,” Danni Shivers pasó de ser la bajista de Ibi Ego, a la hechicera que convierte todo un mundo onírico en un minueto de sintetizador. Sin duda este nuevo tema podría compararse con un trabajo de los mismísimos Washed Out, pero en versión femenina.

2. “La que parece de 17 pero ya tiene 18″ – Juan Cirerol

Si Haciendo Leña, el nuevo LP de Juan Cirerol no le latió tanto como Ofrenda al Mictlán porque “ya no le sonó a lo mismo,” o en su defecto ” le sonó demasiado a lo mismo”, segurísimo con esta rolita recupera simpatía hacia el cantautor. “La que parece de 17 pero ya tiene 18,” tiene picardía, onda y el humor que, en primer lugar, nos hizo voltear los ojos hacia este huerco.

3. “Los necios” – Pau y amigos

Pau y amigos por fin le huyeron al “Bar de Peter Pan” para clavarse en ondas más serias. Después de mucho tiempo, Pau nos sorprende con esta nueva y melancólica sonata, que en un principio ni nos checaba que pertenecía a su proyecto. Nostálgica y sintética, esta balada nos deja con ganas de escuchar aún más de su lado sensible.

4. “Somos del trueno” – Nuevacosta

Aunque no sabemos mucho de Nuevacosta, no pudimos dejar pasar la intrigante “chenchualidad” que le inyectan a su estilo. Aún tenemos dudas del sexo del vocalista, pero suponemos que es mujer. Si le gusta y quiere saber más puede descargar gratis su EP Costabrava desde su página oficial.

5. “Rocío Bustamante” – Yo! Linares

Con el record, de hasta ahora, la rola más corta del compilado con 2:46′, Yo! Linares nos entrega un estreno de los que se vienen y se van bien rápido [ja]. Aquí lo importante es que estos 2:46′’ son suficientes para lograr el efecto: “le pico play hasta el infinito,” o en su defecto, hasta que la cabeza no me estalle. Disfrute de este rush de sana diversión cortesía de un gran proyecto.

Y porque creemos que hay que darle chance a los chavos, y a los no tan chavos también, ahí les van dos revelaciones que lo único (y más importante) que tienen, es que logran el gancho instantáneo que ya muchos -la verdad- quisieran tener.

“Party on the floor” –  Chiquita y Chatarra

“El río” – El Río

Y porque las acciones hablan más que las palabras hay les van una serie de logros que Dávila 666 suma –orgullosamente- a su currículum vítae:

Si creía que el garage y el punk eran material del siglo antepasado y que sólo saben bien al lado de grasosas tablas de patinetas, déjeme contarle que la rolita “Basura” de Dávila 666, apareció en el comercial de la marca de snowboarding The North Face. Taco Bell también le echó el ojo a estos muchachos para utilizar una de sus canciones en su publicidad. (Por si fuera poco ambos productos se trasmitieron durante el Super Bowl) ¡POW!

Resulta que en una de esas ocasionales tocadas que Dávila 666 da para marcas como Vice Records en SXSW, estaba hangueando Kristen Stewart, quien al final de la presentación se acercó para declararse gran fan de su trabajo.

Otra igual de sorprendente es que hace poco Dávila 666 grabó una sesión en vivo para Third Man Records la disquera de -el ahora solista- Jack White. Aunque dijeron no haber quedado tan contentos con el resultado, saben que no todos tienen la oportunidad de que Jack White les produzca un disco.

Lo último y más importante es que Dávila 666 se presentará el 10 de marzo en el festival Nrmal en Monterrey y bueno, supongo que no necesita más razones para ir a verlos. Pero, si usted es uno de esos escépticos sin remedio, les dejamos un gran video de una sesión de Dávila 666 en la estación de radio de Seattle XEXP, prueba de un logro más que los puertoriqueños se han echado al bolsillo. 

Y este año aspiramos que no sea la excepción con la presencia de un cartel de artistas tan prometedor como heterogéneo. De catorce propuestas que han sido anunciadas desde enero, seleccionamos a nuestros recomendados:

Mr. Bleat. Refrescante propuesta de indie rock y electropop que nos llega desde Medellín. Apenas el año pasado nos presentaron su primer larga duración y ya se ganaron el derecho a participar en los carteles de los festivales Altavoz (en su ciudad) y Centro (el pasado enero en Bogotá).

Bambarabanda. Han puesto con honores a la ciudad de Pasto, en el sur, en el mapa rockero del país. Su combinación de sonidos andinos, gitanos y eléctricos ya la tuvimos en nuestro programa 132. Presentando nuevo álbum y nuevo videoclip con un fuerte mensaje social, así están sonando:

Canalón y Ancestros. Dos de las muchas propuestas folclóricas de la costa pacífica que los medios independientes han empezado a prestar merecida atención. Para quienes quieran adentrarse en la riqueza de los sonidos afrocolombianos, que van más allá del Caribe y la cumbia. La percusión cadenciosa y el alegre sonido de la marimba harán presencia en tarima desde la tradición con los primeros y la experimentación con los segundos.

Monsieur Periné. Ya no sabemos qué más decir de este proyecto que ha arropado el veterano swing en las calles bogotanas a punta de una genial puesta en escena y la incorporación de instrumentos tradicionales colombianos. Acá los tenemos tocando en vivo para nuestros amigos de Radiónica.

Y cómo no, también hay que prestar atención en Austin a lo que entre muchas otras propuestas nos mandan desde México Antoine Reverb, Juan Cirerol, Andrea Balency, Lila Downs; desde España Xoel López, Canteca de Macao, Dorian o Vetusta Morla; Quantic desde Inglaterra vía Colombia, Gabriel Santiago Quintet desde Brasil o Sudakaya desde Ecuador.

Lorena Álvarez y su Banda Municipal 

La Cinta

(Sones, 2012)

Podríamos pasar un muy buen rato interpretando la histórica necesidad de vivir en el pasado, y podríamos construir varias hipótesis psicoanalíticas a partir de varios sujetos y canciones. Pero para qué haríamos una cosa tal cuando tenemos una respuesta sencilla e inmediata a la mano: amamos la nostalgia porque reconforta, y ya.

Lorena Álvarez es uno de esos proyectos que se preocupan por jugar en el terreno de ese confort. ¿Que cómo lo sé? Porque, así, sin muchas etiquetas, la primera ocasión que me enfrenté a una de sus canciones, algo de mi nostalgia heredada fue estimulado. Me pasó con ”Ya no me acuerdo de ti”, y, hay que decirlo, reconocí ahí algo de ese pasado que no es mío pero que comparto, como habrán de hacerlo, en México, algunos otros nietos de españoles con sus abuelos. Porque esa es la gente a la que le pertenecían ese tipo de canciones. Mi abuela es de esos y además le encanta cantar, así que algo me sembró de esa España añeja, que para ella es la única que existe. Así como Lorena Álvarez mi abuela se quedó en ese pasado; en una España que ya no es tan así, la España de las coplas, las jotas, los chotis, los pasos dobles, los romances y las verbenas. Esa –lo quiero entender así– es la España que parece que Lorena quiere mostrarnos también, y qué bueno. La crítica española le celebra ese retorno exhaustivo a las raíces ibéricas, acá se lo agradecemos.

Lorena Álvarez y su Banda Municipal acaba de editar un cassette con 7 canciones que actualizan ese paisaje regresivo de la música española, y repetimos que están en cassette, para poner énfasis en lo que parece hacer de la nostalgia un discurso estético contundente: con una edición limitada, de confección artesanal, que incluye un reproductor Walkman, un libreto con las tablaturas de las canciones y un estuche elaborado a mano, y desde luego el cassette. Todo eso en conjunto es un lanzamiento de la disquera Sones que lleva por nombre La Cinta.

De ese cassette resalta el humor españolete, irónico por demás, que varios disfrutamos con picardía en la música que nos llega de allá. Para muestra habrá que escuchar “Muchas Gracias” o “Novias”, por ejemplo.  La conjunción es agridulce, un tratamiento posmo, cuasi-hipster (por no decirlo con todas sus letras) de un amor desencantado y del desamado que se entrega con acidez y total sinceridad frente al inevitable despecho. Pero también habrá paisajes bucólicos, de donde salen las más inocentes criaturas que dejan una impronta de enseñanza. En pocas palabras, la musicalidad, en conjunto con sus letras son algo que no estamos acostumbrados a escuchar a estas alturas, en el 2012, y así pues, a ojo de buen cubero, vaya la mención: es una extraordinaria curiosidad, ya sabremos luego qué opinan nuestros abuelos de ella.

Acá dejamos un video en el que encontramos a Lorena Álvarez en una interpretación de una vieja canción sefaradí que no está incluida en el álbum, pero para escuchar las 7 canciones de La Cinta pueden visitar su Soundcloud aquí.

LORENA ÁLVAREZ – EN EL KAFÉ D’AMANESER from WAAAU.TV on Vimeo.

¡Qué bonito empezar el día con esta noticia! Bueno tal vez a estas alturas no comenzar como tal, pero sí comenzar lo que sea que se vaya a hacer pues. La cosa es que una de nuestras consentidas por excelencia (además de Amanda Miguel, por supuesto) Lido Pimienta -la chica con los rizos más cheveres de toda Colombia y Canadá-, se metió ¿al estudio? A colaborar con el proyecto de electrónica hidrocálido Capullo. El resultado: “A quien amas en realidad es a mi,” una obra que fue lanzada hace poco más de un mes y que aunque no es la oda de la sabrosura, sí le pega durísimo a los grandes temas de las pistas de baile ¡pero de las meras meras!

Y lo que es todavía un mejor detalle es que nos enteramos de esta colaboración mediante la página NPR music  (Nacional Public Radio) la página de radio nacional de Estados Unidos.

La canción empieza con un ritmo similar al detonador mueve pompas de toda fiesta, “Que bello” de la Sonora Tropicana, para después dar un giro súper tierno -pero rico- muy al estilo de la señorita Pimienta. “A quien amas en realidad es a mí, es a mí”  “Todo lo que tenía puesto era de segunda pero mi ropa interior sí era nueva” es una probadita de la lírica cortesía de la unión de estas cuatro cabezas guapachosas y muy coquetas.

Y si a estas alturas del post no le ha dado play es que de plano usted tiene que irse a checar con el doctor Simi. ¡púchele!  (y bueno haga espacio en su cubículo porque con el ritmazo de “A quien amas en realidad es a mí” sabemos que no podrá quedarse quieto.

“Súbito sonido punzante”, frase de su propia cepa que sirve muy bien para describir este nuevo álbum de la chilena Anita Tijoux. Y claro, todo inicia con un rítmico y marcial sonido de balazos que auncia el gran regreso combativo de Anita, demostrando además una sorprendente madurez lírica, sonora y militante. Lo último no es gratuito si recordamos su nacimiento en medio del desarraigo al que obligó esa infame dictadura que aún es defendida y añorada por algunos dentro y fuera de su país.

Y qué mejor para esa postura titularse con aquel símbolo de represión y violencia: la bala.

Y en cuanto a lo sonoro, no hay más que sentarse a oir este sincero y directo álbum de sonidos contemporáneos con un fuerte beat callejero. Estamos ante una producción en diez cortes que llegan a parecernos pocos luego del banquete que hemos recibido. Pero como una bala, transcurrió rápido, certero y llegó de modo fulminante al corazón.

Y con las líricas, sólo hay que esperar que nuestra Tijoux arranque a pronunciar uno tras otro un mundo de frases tan certeras como ingeniosas acerca de esta vida de nuestros países: ”Se derramó la primera gota ya por la sien“, “La bala suspendida bailaba un asesinato girando“, “El ángel le suplica al Coronel” en esa teatral y profunda apertura que es “La bala”; “No permitiremos más tu doctrina del shock“ o ”todo este económico modelo condenado de dinosaurios“, en ese encendido manifiesto titulado “Shock”; “Soy el último eslabón de la pirámide… en el limbo quizás fracasé” en ese rap a la desazón del individuo que es ”Desclasificado”; “Liberarse de todo el pudor, no tomar las riendas, no rendirse al opresor” (“Sacar la voz”); “Todos esperan y todos quieren el trono, aquel trono gastado por años de codicia…” en “El rey solo”, una increíble radiografía a la voracidad del poder.

Esa es la honesta y la urgente poesía que piden a gritos nuestras violentas sociedades, la cual se remata en ese serio llamado a “Las cosas por su nombre” donde ridiculiza la cantaleta de algunos: “Que tenga cuidado, que se me van a cerrar las puertas… pero seamos claros: nunca estuvieron abiertas“.

Otro grato detalle de este álbum son las sorpresivas compañías que también a pulso se han dado un ilustre lugar en los sonidos latinoamericanos: una maravillosa declamación rapera a cargo del maestro uruguayo Jorge Drexler, las lecturas brasileñas del hip hop que nos trae Curumin, la sorpresa bilingüe en la voz de Mónica Blaire, la subida de revoluciones con la potencia cubana de Los Aldeanos, la posiblidad de que entre los sonidos callejeros se conozcan a dos nuevos talentos chilenos: el prolífico cantautor Javier Barria y el alegre beat de Solo di Medina.

Al terminar el último corte queda una sentencia clara que no nos cansamos de repetir en este tiempo ¡Vivan las propuestas alterlatinas que hace Chile! Y cómo viven con el talento de Anita…

PS: Y recuerden que el primer single de La bala, ya lo tenemos en nuestro programa 181.

Aquí, en Perú y hasta en Francia, una de las características que nos unen como humanidad es que todos nos resignamos diciendo la misma cosa: C’est la vie o así es la vida. Y es que, ¿cómo no llegar a esta declaración cuando se trata de escoger una novia vestida con un traje de baño amarillo y una gran colección de vinilos mientras… “bebes vodka”? Pues esto es lo que canta Chico Unicornio en “C’est La Vie” una colaboración que hace junto con tres artistas que participaron en la última emisión de Red Bull Music Academy, Madrid de nombre Danish Robin Hannibal, Cha Cha y Anenon.

¿Dónde puede encontrar esta ironía vivencial? “C’est La Vie” viene incluída en el último compilado Various Assets, el disco que los estudiantes de la Academia de Red Bull realizan en conjunto -y con mucho cariño-  cada año. Este no está a la venta, pero puede escucharlo desde la página oficial.

Y como nunca está de más, aprovechamos para darle algunos anuncios parroquiales: todavía está a tiempo de inscribirse en la nueva emisión de Red Bull Music Academy, Nueva York 2012. Acuérdese que la Academia Red Bull acepta… (tome aire:) productores, vocalistas, instrumentalistas y DJs de todo los géneros habidos y por haber. Que no le gane la hueva, todo el papeleo, formularios y bla bla bla, lo puede checar justo aquí.

 ¡Ánimo! Digo, más pierde el que no intenta.

Tras poco más de veinte años de contar con la agrupación oriunda de Guadalajara, Jalisco, en la escena rockera mexicana, ahora para el fin del mundo y demás debrayes, La Lupita hace una nueva reflexión sobre el amor –a propósito del 14 de Febrero– en un nuevo sencillo que rescata el tradicional estilo con el que la banda tiende a ironizar sobre este sentimiento tan elemental y común para los mortales.

“Maldito Amor” es la melodía que marca el regreso discográfico de la tan querida y recordada agrupación, que tras varios años de separación, y repentinas y esporádicas reuniones, ya tiene un nuevo trabajo de estudio que se llamará Te Odio, con el cual pisarán, una vez más, el territorio del Vive Latino para su edición de este año, a celebrarse el mes de Marzo (específicamente el día 25).

Sin lugar a dudas, hay un estilo muy rastreable que apunta y nos proyecta hacia los noventa en el reciente sonido de La Lupita, aunque con tintes un poco más oscuros que lo habitual. Es justo decir que, de la alineación original, para ésta ocasión sólo quedan el vocalista Héctor Quijada y el guitarrista Lino Nava, quienes han incorporado a un par de músicos nuevos para éste segundo aire musical, que posiblemente pueda aportar un cambio relevante a la banda.

Échenle una escuchada a esta canción y estén atentos de lo que suceda pronto con este grupo legendario, que esperemos escriba nuevas y gratas páginas en nuestra escena rockera local otra vez.

Fotos: Ernesto Barria.

El 11 de febrero del 2012 ocurrió la 3ª edición. Y se antoja para algo perdurable y es que tocó todas las bases que dan a respetar a un festival. Si lo permiten, esta reseña está larguita, pero pretende poner en palabras e imágenes una serie de vivencias e impresiones recopiladas durante casi una semana de estancia de su servidor, Uriel Waizel, en Panamá. Nomás que escribiré en plural, en representación del equipo de Red Bull Panamérika, ilustrado a manera de un photobook, con imágenes tomadas por  Ernesto Barria.

• La locación muy priti (como dicen los panameños), en la Ciudad del Saber: Antes complejo militar estadounidense para controlar las acciones en el “Comando Sur”. Hoy, lugar de fácil acceso, en un lugar de eterna primavera, cercano al Canal de Panamá (Miraflores), adecuado ahora para escuelas, artes, deportes, ONG’s y para el simple esparcimiento de quien quiera gozar del pasto, que en este caso lo hubo y muy verde.

Pa’lante! Al darle espacio a iniciativas eco-friendly en el recinto del festival y convivir igualmente con marcas, para hacer posible un evento sustentable y equilibrado. Daba gusto pasearse entre el mobiliario construído con materiales residuales de cajas de madera y contenedores (abundantes en el Canal de Panamá), entre plantas exóticas, con artistas pintando en vivo, boutiques de ropa vintage o stands para involucrarse en la cultura pro-cuidado de las tortugas -Tortuguías- o bien, toparse con la quijotesca pareja mexicana de Omar y Karina, alias Rodando Viajando, quienes ya van en camino desde Querétaro (MEX) hasta Ushuaia (ARG), a bordo de una Combi 70era tuneada y adecuada con energía solar, llamada La Generala. Y además, son fans de Panamérika desde que lo escuchaban en RMX Querétaro ¡mientras andaban en paseos nocturnos en bicicleta, llamados “Saca la bici”! Todo esto “verde” que ocurrió en la periferia del festival es francamente inspirador.

• Más-menos 2,000 personas disfrutaron del festival, sin que faltara agüita, cerveza, redbúles y comida: Ahí nos tocó probar un delicioso gyro de pescao. ¡Yum! Eso sí, había más público de la “yeyesada” (niños bien y hippiechicks), que “raka-trakas” (la-banda, la raza): y al igual que el Vive Latino, en México, se antoja que edición tras edición, el festival se vaya democratizando y ampliando su oferta, para llegar a diferentes estratos, gustos y orientaciones. Sólo que en Panamá, el rock y el indie son gustos minoritarios, donde es más popular el reggae, reggaetón, merengue, cantautores o pop. Ya se irá equilibrando y abriendo al pasado, presente y a la otredad musical.

  

• De regreso a lo chido: los conciertos… todos a tiempo, con buen sonido y gran visibilidad.  Además, los grabamos para Panamérika y pronto mostraremos los mejores momentos en el programa de FM y en un MixCloud por acá. Estén chequeando…

  ¿Qué más? ¿Quién nos gustó?

• Llevarte a Marte: Power rock panameño con mucha actitud sobre el escenario, ataviados con máscaras de Anonymous.

  

• Alfonso Espriella: Músico colombiano, estoico y profundamente honesto. Sensibilidad de rock en español con rastas, en una vena que nos recordó igualmente a Superlitio que a Trent Reznor (si saliera solo al escenario, con guitarra y pedales).

• La Tribu: Rock de raíces Kuna, con guitarras, kenas y toda la fuerza guerrera que pueda transmitir su cultura – igualmente festiva que resistente–, en una semana especial para los pueblos originarios, quienes en Panamá lucharon por detener una mina a cielo abierto, a punto de construirse en sus territorios. No es Avatar, pero sí es similar al caso de Wirikuta, en México.

• Señor Loop: Veteranos de la escena panameña, con tres álbumes editados y una mezcla sui generis de música guapachosa, loops y una languidez melancólica, con estallidos pink-floydeanos, de la mano de quien pinta para ser un frontman icónico -Lilo Sánchez-, quien también aprovechó para hacer sus propias consignas sobre la importancia de parar la explotación minera y respetar el tejido verde del planeta. Al público no le latió tanto que Sr. Loop fuera programado tan temprano: su trayectoria merecía cerrar el cartel, al menos por parte de los actos locales ¿Le interesa escuchar al Sr. Loop por primera vez? Mire aquí la canción “Daigoro”, en un show que se grabó en el Ateneo de la Ciudad del Saber, hace pocos meses.

  

• Los Yegüeros: el acto panameño más alto en el cartel (al menos en cuanto a horarios se refiere).  Publicitados como “La mejor (y única) banda de country en Panamá”, su música no falla en hacer las referencias galopantes al rockabilly y a Johnny Cash e incluso, un poquín, a The National. Suenan fresco y se la pasan divertidos sobre el escenario. Se antojarían más visuales y atuendos, para completar las intenciones vaqueriles.

• Hello Seahorse!: Enormes. Ya son una banda grande, con experiencia acumulada en giras (venían de tocar en Colombia, dos noches antes). Versátiles con sus propias canciones e instrumentos: desde el intercambio de roles en el grupo, como Bonnz, que cede el espacio a Oro de Neta en la batería durante algunas canciones; hasta Lo Blondo experimentando con su voz -y Oro de Neta haciendo lo mismo con la voz de ella, a través de post-efectos en el sinte-. Momentum: La onda tétrica del Bestia, emancipada por unos visuales de calaveras y búhos, tomados de las caricaturas de Merry Melodies. Tampoco olvidaremos cuando Lo Blondo tomó una bandera panameña y una mexicana, y se las amarró a los costados de la cintura, en símbolo de hermandad.

  

• Babasónicos: ¿deberíamos comentarlos? Entregan un show profesional. Y punto. De “Putita” a “Microdancing”, no les falla una secuencia ni un coro. Un claro dominio de la canción pop alternativa, al cumplir la banda dos décadas de existencia.

  

Y ná más.

PS. Me voy de Panamá súper contento por el recibimiento y la panza llena de yuca frita, el cuello torcido de ver tantos rascacielos y una gran sonrisa por todas las actividades que salieron buco bien: El Infosession en El Sótano, para convocar a la Red Bull Music Academy en Nueva York, el Pecha Kucha 9 –donde tocó exponer la compleja misión y visión estética de Panamérika en 6:20 minutos y 20 slides– y la cobertura del festival, ¡que salió to’o bien!

Y la gente! Desde Cienfue y Nina, organizadores del #FVCM y cabezas de Radio 10 Panamá (casa de Panamérika); hasta los escuchas más curiosos que encontramos en el camino, como Auri Dea, pareja del músico y gestor cultura Yigo Sugasti, quien escucha nuestro programa en la oficina de su agencia de viajes (!).  En el corazón me llevo también a Talles Lopez, visionario de Brasil y a Álvaro Abitia, quien está detrás de la Feria Internacional de la Música en Guadalajara (FIM).

Abrazo especial al Mónica Isaza, Ana María Rozo y el equipo de Red Bull en Panamá: Humberto, Maritza, el gran chafirete callejero Melvin y #laswiiings: Ari, Annette, Kathy, Ale Souza et al. Espero verlos pronto, team.

La Ciudad de Panamá se ha erigido gracias al beneficio del cruce inevitable de comercio entre un lado y el otro del mundo. Para el turista incauto que espera el paisaje de una “banana republic”, el skyline de Panamá inmediatamente da una cachetada con guante blanco, para situar de inmediato al visitante en una convulsiva ciudad, crucial -textualmente- en el mapa geopolítico del S.XXI.

Un nodo de esta importancia no podía quedarse sin expresar la cultura, música e ideas de quienes la habitan y se agradece que un evento como el Festival Verde de Cultura Musical, sea un pretexto para voltear los ojos hacia Panamá.

Ya en su tercera edición en este 2012, el festival muestra varias ambiciones aprendidas de los mejores festivales vecinos: El desfile bien equilibrado de actos locales, alter-latinos e internacionales -cual Vive Latino o Rock al Parque-, o la idea de combinar las artes, el hedonismo, en un terreno verde -como el festival de Coachella-para inspirar a la conciencia ecológica. Más aún, el festival se nutre cual feria de la música -LAMC o SXSW- al incluir actividades culturales como PechaKucha (noche lúdica para exposición de ideas avanzadas) o el Infosession con instrucciones para que los músicos locales apliquen al próximo Red Bull Music Academy en Nueva York.

Enmarcado por La Ciudad del Saber, un antiguo complejo logístico utilizado por los Estados Unidos para salvaguardar el Canal de Panamá -hoy, convertido en un espacio de cultura que remite a la zona de Presidio, en Golden Gate Park, San Francisco-, el entorno aparece ideal para vivir un festival con la propuesta original de ser montado y decorado con materiales reciclados de las impresionantes operaciones de comercio fluvial y ferroviario en el Canal de Panamá: Así, por ejemplo, las bardas del evento están levantadas con plaquetas de madera intervenidas artísticamente -utilizadas originalmente para montar contenedores-.

¿La música? Destacan, obvio, los actos internacionales: Omar Rodríguez López Group, Hello Seahorse! y Babasónicos, quienes pondrán a prueba su obra ante el público local. Lo intresante será dejarse sorprender por la oferta panameña: Los Yegueros y su manera de hacer surf vaquero (los mostramos en el No.136 Panananá), los experimentados Señor Loop, los folk-autores Javier Medina o Carlos Méndez y nuevos talentos como Llevarte a Marte. Hay expectativa también por ver al colombiano Alfonso Espriella en una presentación solista. Ya los contaremos nuestras impresiones en un reporte posterior. Pero esto pinta que va a estar buco de bueno! Esperemos no terminar muy fokot!

Aquí les dejamos el cartel. btw, Las Robertas cancelaron…

Bixiga es un barrio de harta tradición musical en  São Paulo, cuna de la samba según las sentencias de los conocedores. Ahí se alberga el estudio de 10 músicos preocupados por generar discursos cosmopolitas, actualizados, sobre la música brasileña y la música en Brasil. Bixiga 70 es el nombre de la banda en cuestión, que refiere en todo momento la rica influencia del África Occidental en el país verdeamarela.  Una vez más, Brasil responde y embiste la cultura africana desde el lugar que le corresponde: una médula que constituye una buena parte del ADN latinoamericano. Bixiga 70 es un estudio meticuloso sobre las aristas de la música afrobrasileña que esta vez bordea entre el afrobeat, la samba, el highlife, y la música malinké, todas en un sólo paquete de tremendo, tremendo, agasajo. El primer disco de esta banda puede ser descargado gratuitamente en formato digital desde la página oficial del proyecto. Y también pueden encontrarla en el Music Alliance Pact del mes de enero, recomendada por Meio Desligado, el blog representante de Brasil en nuestra alianza.

No se pierdan “CI (Devil Town)” por Los Punsetes o “Big Bussines Monkey” por Odio París.

Algunos miembros de la comunidad “panamerikana” creen que el 2011 fue el año en el que las cenizas de My Bloody Valentine y The Jesus and Mary Chain emergieron y contagiaron a más de un chaval obsesionado con la reverberación. Nacional o internacionalmente el abuso de eco se imprimió en un tiraje especial de poco más de un año que se repartió hasta en los lugares más recónditos e inimaginables. La cosa no acaba aquí y es que el 2012, todavía sin un rumbo definido, aún se arrastran las migajitas de este atascón musical, que no se crea, a nosotros también nos encanta.

El ejemplo perfecto es Granit, una banda nueva que nomás con la salida de un tema, lograron una expectación tremenda hacia lo que vendría siendo su EP debut en su país. De Barcelona, Alba Blasi (Extrapelo, Albaialeix) y Cristina Checa (participó en Pop Negro de El Guincho), movieron la emoción de fin de año –la época más difícil de conmover- con “Aresta,” una canción melancólica al estilo Chromatics, con bellos sampleos y voz interestelar.

El EP ya está disponible y déjeme decirle que las cuatro canciones que lo componen no son ninguna decepción, es más, que gusto que aunque tarde, las muchachas llegaron con una versión light de lo que pensábamos un estilo bien machorrin.

El EP puede comprarlo desde su Bandcamp, y si de veras  le gusta háganselos saber y ordene el EP de 10’’ en granitgrup@gmail.com (ay luego se arregla con ellas para aquello de los gastos de envio).

Con una sensacional actuación de los teloneros Little Ethiopia que dejó a varias chicas babeando, el jueves pasado el teatro Fru Fru vio la primera presentación completamente exitosa del Guincho en México. En sus propias palabras, en ocasiones pasadas él se encontraba enfermo o hubo mala planeación, siempre salía algo mal, pero esta vez hizo corear a decenas de fans que se sabían todas las letras y agradeció al público esta especial ocasión. Aquí las imágenes:

 “Lo más probable es que no te guste porque no estás en onda y nunca escuchaste Super Vato,” es lo que dice el final del brief de la presentación del nuevo EP de Tony Gallardo II, Líder Juvenil. Y sí, nosotros más que nadie sabemos lo difícil que es seguirle el paso a los ‘chiavos’ modernos que cantan sobre mangos sudorosos que se tocan entre sí. La realidad es que, por lo menos en este país, no traemos la costumbre, en el oído pues, de escuchar sonidos cuambiancheros tan abstractos y “sin orden aparente” que seguramente harían que a un bigotón de esos que enseña “flauta dulce” en el pre-escolar, le reviente la cabeza.

Mejor tómelo con calma e imagine que Líder Juvenil suena a un viaje ácido acompañado por techno house guarachero revolucionado en un mundo de psicodélica y placer, mientras un enano le hace manicure con los colores más extraños.

Qué viva la experimentación. Descargue el EP de Tony Gallardo II Líder Juvenil aquí.

El Mañana, joven banda defeña, llevan ya un par de años con distintas alineaciones y recientemente han presentando su EP en una corta gira con Maps & Atlases y como teloneros de Carla Morrison. Su bella mezcla de estilos que refleja una gran madurez musical de sus integrantes, ya que algunos de ellos conformaban Lua (Con miembros de 3 Dudes and a Mullet) y Polen.

El fotógrafo y director Enrique Favela (Ex Un Teni), presenta una sesión de la banda tocando su tema “Rave” en vivo desde Estudios Rumor en la Ciudad de México, un plano secuencia con largas partes instrumentales que demuestra el poder e intensidad de ejecución en vivo de estos chicos.

Vale mucho la pena escuchar el disco entero que además se encuentra disponible para descarga gratuita en la página de Discos Cuchillo. Como dato curioso, la voz femenina que escuchamos en él es de la guitarrista de Ruido Rosa, amiga de la banda.

El Mañana – Rave (sesión en vivo) from Enrique Fabela on Vimeo.

Con este nuevo sencillo, el dueto panameño nos rapea en inglés, sin perder su gran esencia latina. Además, con ellos aparece E-40, un ya legendario rapero y productor afroamericano que en su escena se le conoce también como “the Ambassador of the Bay”. El encuentro entre las dos misiones diplomáticas se convirtió en este sencillo editado para Panabay Twist 3, un mixtape con trovadores de la Bay Area que estará disponible para este 2012.

El lanzamiento viene poco después de su celebrado álbum Chancletas y camisetas bordada (LLC, 2011). Y luego de esta noticia, se vienen pronto más novedades de Los Rakas: el Día de San Valentín se lanzará Raka Love, un EP donde nuestro héroes del ghetto incursionarán en el Rythm & Blues. En febrero les informaremos sobre este apasionado amor rakataka.

Dancing Strangers surgió en Tijuana de un día para el otro, a las maquetas de Astronauta Jackson en teclados y voces se le sumaron las guitarras y el drum machine de Eric Curiel de Shantelle, dando como resultado música obscura y elegante.

Aarón Soto, director conocido en PanamériKa por “Unámonos” de Shantelle, hizo para esta canción un video mucho más frio, con imágenes loopeadas y sobrepuestas en blanco y negro. Si para “Unámonos” alguien comentó en Youtube el parecido con “Bombay” de El Guincho, producido por Canadá, en este caso es inevitable pensar en la estética de las fotografías de Anton Corbijn, una mezcla entre el ritmo de “Atmosphere” de Joy Division con las sensuales mujeres de “All These Things that I´ve Done” de The Killers (Con un toque de Susan Sarandon en Thelma y Louise).

Cruza entre Bauhaus y The Jesus and Mary Chain, en “Sleep Deprivation” es obvia la inmediata comparación con Joy Division, tal vez por la voz, pero en su Soundcloud podemos encontrar otros temas con influencias más claras del kraut rock.

Si las guitarras de Tony Danza cobraran vida seguramente serían asiduas fans de la literatura de Oscar Wilde y de las películas de acción japonesas, pero como no queremos quebrarnos la cabeza con suposiciones creepys, algo que sí podemos asegurarle es que Tony Danza es un joven proyecto que últimamente ha estado muy presente en la escena under mexicana.

Voz aguardientosa que convoca los mismitos diablos del estilo de Black Rebel Motorcycle Club o el mismo Kurt Vile. Ay nomás: imagine que Tony Danza combina la negrura de Danni Shivers, con la furia de Mentira Mentira y la inocencia de Lorelle Meets The Obsolete, ¿cómo ve? Por algo estas bandas son tan amigas. Tony Danza es un menjurje musical no apto para débiles del estómago.

Hace poco la banda capitalina se presentó en la quinta sesión de Mercado Negro en el Imperial, además recientemente se anunció que tocarán, por primera vez, en el festival Nrmal de Monterrey el 10 de marzo. Y mientras esperamos su segundo EP, que aún no tiene fecha de salida pero ya es un hecho, lo dejamos con All The People Singing, un material que acuérdese tiene que escuchar, apretando juerte juerte.

Pueden comprar una de las exclusivas 350 copias del vinilo acá.

Escúchenlo aquí (vía Está Pasando).

Bengala estrena el video para “16”, un drama popero que suma los episodios de una tragedia amorosa, y cuya fuerza recae en la repetición de la culpa. Al igual que la canción, el clip se basa en este sentimiento y no es en realidad una historia, aunque uno podría esperar al final un giro que le dé sentido. Como vimos en el teaser, el video recarga su peso en el papel de las actrices, siendo el llanto el elemento que trabajan más, así como el trabajo del fotógrafo Damián García es clave en este collage de imágenes: con suaves movimientos de cámara en mano, foco selectivo de efecto cinematográfico y bellas composiciones y colores, este es el delicado dispositivo que rompe la monotonía de la idea original.

Un trío que desvaría entre las olas de la inconsciencia y las instrumentaciones sombrías; Capitán hace gala de su nacionalidad desde el acento, pero su estilo musical se acerca –más allá de las latitudes- a los espacios temporales en que iniciaban los ochenta en Reino Unido. El trío se conforma por Adrián, Cacho y Pau, -ex integrantes de conjuntos como Don The Tiger y Bestia Férida, Extraperlo y Beach Beach, respectivamente- y quienes han dado mucho de qué hablar gracias a una exitosa actuación en el San Miguel Primavera Club. Fue a partir de ésta que Discoteca Océano les puso atención y decidió firmarlos para editar su primer álbum. Al momento, ya son tres los cortes con los que Capitán comienza a hacer olas.

El primero de estos ejemplos es “Portugal”; cuatro minutos de notas acompasadas con percusiones de bajo perfil, sintetizadores con intenciones ambientales y una voz desesperada, un acercamiento futurista al shoegaze que llegó 25 años tarde… aunque aún a tiempo para ser valorada. “Birmania” es el sonido nebuloso del abandono y la comprensión de la pérdida, ubicado en un lugar nunca conocido que logró conectar con el inconsciente de Cacho: ésta es también la promesa más sólida del trío para alcanzar el reconocimiento en las esferas de culto para los géneros musicales oscuros. Actualmente, promueven la que completa esta trilogía, bajo el nombre “Maquina de los Sueños”. A diferencia de los primeros dos ejemplos, aquí presentan un video malintencionado e incómodo en el que reflejan el hurto de sueños y la desesperación por no querer perderlos.

Capitán – Portugal by discotecaoceano

Aún es muy temprano para especular sobre el éxito que pueden alcanzar estos españoles, pero la consistencia de su primer triada provoca hambre para conocer más trabajo suyo. Aunque sin título o fecha de lanzamiento determinados aún, se espera que sea 2012 el año en que aparezca la primera entrega oficial del trío. Sin gustan de las melodías fáciles, las letras sencillas de aprender y gustan dormir con una sonrisa en la cara, absténganse de Capitán… aunque se perderían de una buena propuesta para el supuesto “fin del mundo”.

Máquina de los sueños. Capitán from Lauradedíaz on Vimeo.

No sabemos si había algo en sus uvas, o si son fans de la catástrofe Maya, pero lo que es un hecho es que el 2012 pinta a ser un año un “poquitín” dramático por los temas que algunos artistas recientemente han develado. “El Desorden” de Andrea Balency, “Barba Azul” de Torreblanca y ahora “Lover” –la canción que da nombre a la nueva producción de la artista franco mexicana– se une a esta lista de melodías para un rompimiento súper trágico.

En “Lover” Andrea Balency no recurre a fórmulas nuevas, es más continua con su clásica entonación, eso sí, re bonita de las vocales de arriba pa’ abajo. La diferencia es que ésta posee una especie de hechizo que si no le saca un escalofrío para después salir a buscar a alguien con quien vivir una tragedia amorosa, se debe a que tanto estupefaciente le ha quitado sensibilidad.

El toque de una flor de Japón, un acordeón francés y una voz de ensueños, hacen de “Lover” una de las obras mejor aterrizadas de Andrea Balency. Prepárese para un EP que sacará ese lado sensible que no sentía desde que se enamoró por primera vez de la señorita enfermera del preescolar.

02 – Andrea Balency Trio – Lover by 1plus1bpm

Hace unos meses Red Bull Chile se encargó de la organización de un showcase especial On The Floor protagonizado por el dúo chileno Dënver en el Suka Club Monticello en Santiago. La tocada, que esta vez presentaba a la banda en forma de quinteto, quedó plasmada en audio con un set brillante de una hora donde repasaron en su mayoría temas de su exitoso LP Música, Gramática, Gimnasia (Sello Cazador, 2010), sumados a un gran cover de “Hawaii Bombay” de Mecano y un par de tracks como “De explosiones y delitos” y “Miedo de toparme contigo” los cuales sólo aparecen en recopilaciones.
Dënver demuestra un gran crecimiento en el escenario al matizar perfecto pop adolescente con ritmos disco clásicos. “Los Bikers”, a la mitad del set, afirma que también pueden hacerte mover al ritmo de un tema tranquilo y emotivo sin perder la intensidad.

Para escucharlo completo pueden visitar el sitio de la Red Bull Music Academy Radio

Setlist

01 Los Adolescentes
02 De explosiones y delitos
03 Diane Keaton
04 Miedo de toparme contigo
05 Los Bikers
06 Lo que quieras
07 Mi primer oro
08 En medio de una fiesta
09 Hawaii Bombay (cover de Mecano)
10 Olas Gigantes

Minimalista y orgánico, Chico Unicornio es un crío del Perú que a raíz de sus pininos dio a luz un concepto de nombre “neo-folk.” Este subgénero recurre a elementos muy básicos e instrumentos simples, como la charanga y los silbidos, que unidos con el espíritu correcto logran un sonido freído en luminosidad tropical.

Es más, el experimento de Chico Unicornio funcionó tan bien que fue seleccionado para participar en la última edición de la Red Bull Music Academy, en Madrid, como representante de Perú.

“Triunfo” es el título de su nuevo sencillo: fiel al discurso simplista que lo ha caracterizado, el tema habla del amor al pambol y la “bebida de cebada”. “Triunfo” suena al grupo español Airbag cuando cantaban sobre cómics y visitas al acuario, y también al soundtrack que podría musicalizar la película de los Súper Campeones (si es que algún día llegara a existir una versión peruana).

En fin, rebeldía y futbol garantizados, Chico Unicornio con este tema esquiva exitosamente la defensa y mete un golazo justo en el centro de la portería enemiga. ¡Goooooooooool Chico!

Juan Cirerol 

Haciendo Leña 

(Intolerancia/ValeVergas Discos, 2012)

Apenas ha pasado poco más de un mes de que Haciendo Leña fue presentado y ya pululan las reseñas y entrevistas en torno a este disco. Algo nunca visto en el panorama del periodismo musical mexicano de años atrás, que, excepto por un par de buenos blogs, siempre optó por el camino malinchista de hacer malas traducciones de Pitchfork antes que celebrar la maravillosa escena independiente del país. Lo más impresionante de todo esto es que la prensa que habla de Cirerol en la actualidad es bastante coherente y atinada; tanto como el discurso de él mismo.

Sumemos que, aunque disponible en stream, Haciendo Leña es dificil de descargar “ilegalmente” al día de hoy,  Juan logra vender su música en una amplia región acostumbrada a no pagar y logra hacer respetar de forma totalmente natural su creciente culto. He ahí el fuerte de este LP –que ya se siente histórico a su cortísima edad– y el de su autor, que nos ha dado para creer en el renacimiento y reinvención del folclore mexicano.

Por todo esto, no hay mucho que yo pueda decir aquí que ustedes no sean capaces de captar en una presentación en vivo o dando un par de escuchadas a este material. Puedo contarles, por ejemplo, de la experiencia de ver trabajar a Juan Cirerol y a Martín del Prado juntos, previo a este lanzamiento: veías ahí a dos tipos verdaderamente sumergidos en real trabajo de campo exhaustivo para llevar sus melodías y composiciones a niveles superiores; ávidos investigadores de su instrumento y estudiosos natos de géneros inexplorados en la dinámica musical mexicana. De Leadbelly al Flaco Jiménez a Motown Records y todo el camino de vuelta.

Puedo añadir también la observación de que Haciendo Leña no es tan puro como Ofrenda al Mictlán; sin duda lo es en contenido, pero, en cuanto a producción, no puedo evitar esa imagen mental que muestra a tres personas del otro lado de la cabina pidiendo otra toma. Quizá sea el precio de que alguien lo produzca. Por supuesto está el lado positivo de que gracias a Intolerancia, hoy Juan tiene fechas en eventos masivos como el Vive Latino y está atrayendo una audiencia cada día más abierta y confiada en su voz.

Es remarcable también que clásicos instantáneos como “Trucha porque no hay tiempo”, “Corrido chicalor”, “Noches de prisa”, “Tabaco guapo”, “Varado en Guadalajara” o “Nomás sirvo pa cantar” no formen parte de este conjunto de canciones. Supongo que sólo los grandes compositores se pueden dar el lujo de dejar tal puñado de excelentes temas fuera de su nuevo material.

Haciendo leña, o algo así como “pateando traseros”, es un A Hard Day’s Night contemporáneo. Jamás olvidaré la sensación que me invadió cuando escuché en vivo “Metanfeta” por primera vez.

Escúchalo completo: (vía Círculo Mixup)

Juan Cirerol by Circulo Mixup

Del acetato a los medios digitales, los influyentes sonidos del caribe colombiano han resucitado en esta recopilación a cargo de Quantic, destacado DJ radicado en Medellín que más de una vez nos ha sorprendido con su amor por los ritmos latinos. En esta ocasión nos ha traído una recopilación de esas que la memoria histórica pide a gritos pero que, torpemente, no son los sellos colombianos los que las promueven.

Así, con un gran olfato de curador, Quantic nos ha traído una selección de temas grabados entre 1948 y 1979, la era en la que estos sonidos campesinos navegaron Magdalena arriba para escalar al gusto citadino (en la Costa y los Andes), a los estudios de grabación y a la élite del repertorio sonoro de Colombia. Por entonces y lentamente, también vendría la internacionalización de los aires cumbieros por todo el continente.

Tan históricas grabaciones requerían de un cartel de lujo cuyo legado en el desarrollo de la cumbia fue fundamental: el saxofonista Rufo Garrido, grandes acordeoneros como Andrés Landero, Aníbal Velásquez, Aniceto Molina, Carlos Román (el del “Very Very Well”) y el Rey Vallenato Alberto Pacheco, los sonidos sabaneros de Santader Flores, la gran orquesta de Pedro Salcedo (donde nacería “La pollera colorá”), el juglar y gaitero Toño Fernández, los aún adolescentes Hermanos Ferreira (quienes en los sesenta llevarían la cumbia a Estados Unidos), junto con imprescindibles difusores del folclor como el conjunto Cumbia Soledeña, la cantaora Celia Estremor o hasta una grabación titulada “El niño llora”, a cargo de un conjunto desconocido de gaitas campesinas.

A la impresionante lista se suma el trabajo de compositores históricos cuyo repertorio lo encontramos en numerosos cantantes y orquestas, pero cuyas grabaciones propias no son tan conocidas por el gran público: Chico Cervantes, Crescencio Salcedo (a quien el mexicano Tony Camargo debe su célebre “Año Viejo”) o el pionero en eso de divulgar la cumbia por el mundo José María Peñaranda. Con el álbum, vale la pena conocer artistas que el tiempo olvidó pero que también ayudaron a la heroica tarea difusora: Gastón (mejor conocido como bolerista al lado de Los Isleños), Los Indígenas evocando la tradición aborigen de La Guajira, Betopey cantando a los cumbieros del exterior o la 11 de Enero en representación de las incontables bandas de viento sabaneras que hace un siglo darían forma al ritmo del porro.

Este apreciable esfuerzo viene a sumarse a otros trabajos de reciente aparición como Afrosounds of Colombia (Vampisoul, 2010) o Palenque Palenque (Soundway, 2010), donde se han rescatado del vinilo las joyas que han dado origen a este impresionante y variado movimiento cultural que ya hoy cautiva a oídos subterráneos del mundo entero. Y este álbum cuenta con la gran virtud de reunirnos las grabaciones más remotas en el tiempo que dan cuenta de la gestación de ese milagro.

El cuarteto de Post Punk aguerrido, oriundo de Nuevo León, posteó ayer en su página de Facebook un link de Mediafire (publicación que fue removida a minutos de postear esto) con un tema de lo que pasará a ser parte de su siguiente disco (incluso mencionaron la palabra “discos”). El tema que lleva por título tentativo “Rocinante” es un adelanto con guitarrillas y tambores épicos combinados con gritos desquebrajados, especial para todos aquellos que nos hemos quedado con ganas de oir más de ellos desde su anterior LP titulado El Disco; uno de los grandes discos mexicanos del pasado año y que fue editado únicamente en digital por el sello Happy-Fi.

Acá escuchan el avance de “Rocinante” por Yo! Linares:

Yo! Linares – Rocinante (advance) by PanamériKa

Update: A petición de la banda el track tuvo que ser removido. Nos vemos en febrero, cuando lo estrenen.

Una escena que no se celebra a sí misma es una escena inexistente. Como manifiesto de que existe una sólida comunidad musical en Costa Rica –no tan diversa pero sí congruente– está esta recopilación grabada a finales de 2011 de forma totalmente análoga con una grabadora de cassette de cuatro canales. La compilación documenta con frescura los dotes de 9 bandas diferentes a través de 18 temas interpretados, muchos de ellos, totalmente en vivo: desde las ya conocidas Robertas, pasando por los emergentes Monte y mostrando al mundo otras poco conocidas como Niño Koi y Zòpilot!. El trabajo de producción e idea general corrió a cargo de Vito Petruzzelli, originario de New Jersey, quien quedó maravillado con el trabajo de estas bandas en alguna visita que hizo a San José y armó este proyecto que bien puede hacerle honor a las históricas recopilaciones de Matador Records o “No New York, curada por Brian Eno.

Sí San José es un documento importante para inmortalizar una escena de la cual podemos esperar mucho más shoegaze, lofi, stoner, experimental y que afortunadamente viene acompañada de un documental a cargo de Doyle Club (por Diego Arias) que saldrá próximamente en video para mejorar la experiencia.

Acá el trailer del documental:

Descarguen gratis la recopilación acá.

Uvilov – El Desprendimiento from siempreviva on Vimeo.

“El desprendimiento es el momento en el que un ser lo sabe todo porque puede mirar de frente a
la unica verdad, porque ya no esta dentro del universo, lo observa desde fuera”
- Uvilov

Aquí unas palabras del Guincho sobre la canción: ”Sigo a Javiera desde ‘Esquemas Juveniles’. Creo que nos conocimos hace un par de años o así en Barcelona, en el Clandestino. Tocó unas canciones en un showcase junto a Gepe y otros músicos chilenos. Cuando salió ella era como estar viendo una estrella. El sitio es pequeño, estaba lleno y sonaba horrible pero ahí estábamos todos, atentos a lo que cantaba, un poco hipnotizados. Su voz es muy profunda, de esas voces de mujer grave que cuando entona te crees todo lo que dice. Me encanta el giro que toma “Novias” en esta versión. Con ella es más canción. El estribillo se entiende mejor, menos afectado. Ojalá nos podamos juntar ahora en Chile y se suba a cantarla.”

Agradecemos a Borja Prieto por la información.

El Guincho & Javiera Mena “Novias” by Está Pasando

Por Claudia Jiménez y Uriel Waizel.

Y lo que me hizo mover el mouse histéricamente en busca de más información sobre este proyecto, fue el toque inocente, sí, aún más inocente, que logró imprimirle a este tema. Digamos que Reflejo de Un Alma Multicolor suena al hermano menor de Cheky, el hermanito que experimenta con sonidos y texturas juguetonas y que además transmite una especie de ilusión infantil, como al abrir los regalos que mágicamente aparecieron bajo el árbol en Navidad.

Y al no encontrar más que un Bandcamp de Perú, decidí preguntarle personalmente de que iba su proyecto. Esto fue lo que respondió:

“Reflejo De Un Alma Multicolor nace en julio del 2010 con experimentos y muchas guitarras en delay que grabé junto con beats de pop chicloso que terminaron siendo parte del concepto sonoro. Después a cada maqueta que componía le asignaba un color que era el que me latía cuando cada detalle revelaba el mensaje. De ahí viene el nombre y el concepto.

Lancé esta pequeña muestra en busca de feedback y para ver si el proyecto recibía una buena acogida.

Lo que viene son muchos tracks y un concepto visual que termine de reflejar a Reflejo de un alma multicolor.”

Pues ahí lo tienen, Reflejo de un alma multicolor podría ser la rebanada de un pastel de tutifruti servido por el Gato de Cheshire del cuento de Alicia, o el soundtrack que musicalizaría los sueños de toda una fábrica de animales de peluche.

¡Pop esponjoso servido para llevar!

Ocurre que sucede que en nuestro recuento de los mejores sencillos del año, nuestra reseña incluía la fantasía de sincronizar uno de los tracks del Futura Vía, de Bam Bam, con el capítulo ‘Jupiter and Beyond the Infinite’ de 2001: Odisea del Espacio y chin, que nos la cumplieron. Los muchachoides aprovecharon sus vacaciones para considerar este deseo enviado con globo a la estratósfera. Y así, para saciar el pachecósmico gusto de todos ustedes, los Reyes Magos nos han traído esta sincronización de “Pare de Sufrir” de Bam Bam contra las imágenes de Kubrick. Póngase sus gogles infrarrojos y -aunque sea- una cacerola como casco, que vamos a viajaaaaaaaarrr.

Uriel Waizel y Claudia Jiménez

Ahora dejo mis 12 conciertos favoritos del 2011, porque si algo hice este año fue ir a ver bandas. Estuve en el Vive Latino, el Corona Capital; el sobrio Personal Fest, en Buenos Aires, y en el mejor de todos, con todo y su gran modestia: El Nrmal Fest, en Monterrey. Las presentaciones que enumero no sólo fueron demostraciones de gran nivel musical e ideológico sino que transformaron algo en mí con su manera de adueñarse del momento.

12. 107 Faunos (Personal Fest, Buenos Aires, Argentina)

Cualquiera que haya estado ahí y vea que puse esta presentación de los Faunos, argumentará que el sonido fue una total basura, y tendría razón; Un festival masivo de una compañía de celulares importante no puede poner un escenario en una bodega que más bien parecía el gimnasio de un equipo de basketball de bajo presupuesto. Aún así, esta fue mi primer aproximación a la esencia de esta banda de La Plata, temas gritados a toda potencia que tienen mucho de rock colegial y pop y que para muchos son verdaderos himnos ahora. Bueno, ahora también son himnos para mí.

11. Fok Electrochongo (Guebara Bar, Buenos Aires, Argentina)

Algo queda claro: este tipo musculoso tiene el gusto musical de una chica de 15 años en 1991. Tecnopop muy bien estructurado y gran despliegue físico hacen que su show, el cual vi apenas ayer, entre de golpe en este top. Hay un momento en el que Juanpi queda en calzoncillos cantando cosas como “Soy un mamarracho” o “Sólo sos un buen polvo”, y créanme, es lo contrario a perder la fe en el universo. No me pude resistir a comprarle un disco y a invitarlo a México a hacerse millonario haciendo su show en despedidas de soltera.

10. Mogwai (Corona Capital, DF)

Un grupo de escoceses que se juntan a emborracharse y a subir sus guitarras al máximo volumen no podrían decepcionarnos. Sumemos a estos irascibles temas un sol de media tarde y la compañía de grandes amigos. Ahí tienen, un show formidable.

09. Quiero Club (Vive Latino, DF)

Aunque los Quiero Club ya estaban radicados en DF hacia tiempo, creo que este episodio fue el que los consolidó ante el público chilango. Me atrevo a decir que “Música” e “It´s all about Dun-Dun” sonaron como nadie las había escuchado antes.

(la foto es de La Pola)

08. Illya Kuryaki & The Valderramas (Alcorta y Pampa, Buenos Aires, Argentina)

A este evento gratuito llegué tarde porque cerraron la ruta del colectivo que me dejaba justo enfrente. De haber llegado temprano, seguro estaría algunos puestos más arriba. Mientras me acercaba apresurado sonaba el comienzo de “Jennifer del Stero”, y para cuando me metí entre la multitud pude disfrutar unos 3, 4 temas más como los clásicos “Abarajame” y “Remisero”.
Una gran banda latinoamericana que me faltaba por ver en vivo está ahora tachada de la lista.
(disculpen la horrible foto, fue la única que encontré)

07. Pipe Llorens (Nrmal, Mty, México)

Más que musical fue todo un show cómico, no pude dejar de reir desde el momento que Pipe pisó el escenario. En el Nrmal del 2011 todas las bandas dieron su mejor presentación hasta la fecha, y eso lo convirtió en un clásico instantáneo. Aparte de estrenar los temas de su reciente LP, frases como “Abajo del puente atirantado me siento bien atarantado”, o el beso que se dió con Chelo Gamboa antes de “Dame un besito” hicieron carcajearse a más de uno.

06. Natalia Lafourcade (Vive Latino, DF)

Pueden llamarme marica, pero este show fue simplemente hermoso. Una gran banda acompañaba a Natalia, (mi gran amiga y colaboradora Marian Ruzzi se hizo cargo de las guitarras), un fondo twee pop grandiosamente orquestado y el cameo con Meme del Real en “Casa” llegaron a tocar fibras intimas de cualquiera que estuviera atento o bien, pasando de fondo.

05 Mala Rodriguez (Vive Latino, DF)

Estaba ahí parado, con resaca, ante un sol despiadado a las cuatro, cinco de la tarde y pensando: “¿Qué rayos estoy haciendo aquí?” cuando se hizo presente la Mala con un atuendo café y una actitud indomable a salvar la tarde. Los temas de su grandioso LP Dirty Bailarina mandaron a la mierda el calor y la resaca. Una verdadera reanimadora.

04 D.D.A (Atenas 32, DF)

Una gran sorpresa porque realmente iba a ver a Mentira Mentira y a Bam Bam. “Déficit de atención” se convirtió en mi banda favorita del DF rápidamente. 4 jóvenes de corta edad haciendo acordes andantes y disonancias de forma magistral. Espero escuchemos hablar bastante de ellos próximamente.

03. Las Robertas (Nrmal, Mty)

Todos sabemos que ahí hubo magia. Alguien lanzo una gran pelota de playa y rebotó esquivando a Mercedes. Todos sentimos que nuestro hogar eran esas guitarras, estábamos expuestos a algo que daba tanto placer como miedo, algo inmortal.

02. Juan Cirerol y Martín del Prado Jr (London Café, CUU, México)

La segunda presentación de Juan Cirerol en Chihuahua, esta vez certeramente acompañado por Martín del Prado Jr, no fue detenida ni por la lluvia. En esa ciudad todos pegamos buena onda con Juan y él lo agradeció con un set de unos 25 temas, con todo y riesgo de electrocusión. “Trucha porque no hay tiempo” paró la lluvia y el tiempo esa noche.

(la foto es de LemonMaple y es de la primer tocada, fue tan buena que no la pude dejar pasar)

01. Portishead (Corona Capital, DF)

No hubo falla, y los mejores visuales que he visto en mi vida. Inmaculado, perfecto. No tengo palabras. En el top 3 de mi vida.

(para el post tomé varias fotos y no sé de quién son, disculpen la falta de créditos en las mismas).

El sello español Elefant Records empieza el año sin demoras. Esta semana muchos no han parado de hablar del nuevo video del trío de Pamplona. Este tema de Kokoshca, que ya había sido lanzado hace dos años por Birra y Perdiz en una versión medio enclenque, suena esta vez rabioso, a garage pop sin destilar, y no ha faltado quien mencione a Germán Coppini, de Siniestro Total y Golpes Bajos, a la hora de reseñar la canción –aunque Elefant la compara más con el sonido de Los Bravos. El video de “La Fuerza” no escatima en referencias a Jesús y la Virgen María, las cuales no resultan burlonas, pero tampoco cursis, sólo entretenidas, dignas de Kokoshca, sobre todo a partir del 2’19”. Ya salió a la venta el single digital, que inclye otras tres canciones, menos poderosas, pero igualmente refrescantes.

La idea es dar inicio a una serie de recopilatorios decembrinos y anuales bajo el título Navidades con Etoro, donde en formato digital se presenta una rica recopilación sonora para estas fiestas. La primera edición cuenta con la selección musical de nuestra consentidísima Isa GT, con el gancho de que el track 12 “La cumbia”, está disponible para descarga gratuita (el tema es de Isa, remezclado por el DJ Chief Boima).

Escúchelo en soundcloud, descargue el regalote del Niño Dios, antójese y adquiéralo.
Etor003 Navidades con Etoro 2011 by etoro

Feliz 2012 para todos.

Ahora sí que Dënver nos madrugó a todos con el estreno de su álbum Música, gramática, gimnásia, la banda chilena estuvo del tingo al tango. El siete de diciembre, esta condenada dupla integrada por Milton Mahan y Mariana Montenegro, se presentó en el escenario de Suka Monticello Grand Casino en una capítulo más de la serie 100% original de Red Bull Music Academy: On The Floor.

Acompañados del “baterista estrella del momento” Lego Moustache, Dënver rifó como los grandes y hasta se echaron un cover, de– según Milton “la banda más sugerente y ardiente de los 80–: Mecano”, para cerrar con la acaramelada “Olas Gigantes”.

¿Cómo la ve? Aquí le dejamos el espectáculo completito y no queda más que esperar que el 2012 trate igual de bien a estos apuestos muchachos…. Pues, ¡a lo que te truje!

“Juanita bonita” es una pegajosa composición de Pietro Rodano que se haría famosa en el Caribe gracias una versión de la Billo’s Caracas Boys lanzada en 1973 (y sí que hemos estado pendientes de covers de la Billo’s, que lo diga Andrea Echeverri). Su éxito temprano y sus versiones que florecen por todo el hemisferio, son ejemplos de como las fronteras musicales saltan desde antes de que los cumbieros del mundo se comunicaran entre sí, como suelen acostumbrar ahora.

La popularidad de nuestra Juanita la ha hecho pasar también por las voces del bolerista caleño Raúl López, de El Super Estrella (leyenda de la cumbia regia), del aun más legendario director de orquesta Edmundo Arias, del argentino Leo Mattioli o hasta del estereotípico cantante José Luis Rodríguez. Y ojo, que el primer coqueteo de Juanita con el reggae se lo debemos al DJ inglés Will Holland (The Quantic Soul Orchestra) en una más de sus tantas influencias latinas.

Así que de nuevo el espíritu de nuestra Juanita sigue dando vueltas por los estudios y como en su letra, enamorando oyentes cada vez que la encuentren. Ahora son los caballeros de Providencia los que se inspiran en ella.

Y por supuesto, no podemos irnos sin dejarles la maravillosa versión de la Billo’s.

Formaditos que llegó el WOW 2011: Como cada año Discos Tormento recopila las propuestas musicales más finas de su entorno, con el único objetivo de promover música sencillita pero re-mona y de calidad .

Le advierto que aquí no encontrará pretensiones, al contrario, Discos Tormento se preocupa por que cada track sea interesante y único pa’ que lleguen calientitos a oídos de usté y de la escena nacional e internacional.

Sírvase de este ponche mezclado por Alex Dorfsman en la fotografía, Maru Aguzzi en el diseño y Gabo Reyna de RecPlay en el master.

Lo bueno no se olvida, si les gustó el compilado,  aquí les dejamos el link para que descarguen el compilado anterior, WOW 2010. 

Compilado WOW 2011 by Discos Tormento

Su debut Welcome to the Ritmo Machine, ya está disponible. En él personalidades como Sen Dog de Cypress Hill, Chali 2na de Jurassic 5, Sick Jacken de Psycho Realm, Mix Master Mike de los Beastie Boys, Money Mark, Ana Tijoux y Pato Machete, aportaron ingredientes para la preparación del suculento postre multicultural.

Para celebrar este gran lanzamiento Ritmo Machine regala el tema con el que se dieron a conocer.

¡¡¡Enhorabuena Ritmo Machine!!!

¿Y usté? ¿Ya la caló? A la flechita de Download, píquele (si tiene Prodigy) o nomás púshele (si es de Monterrey), para agregarla a su coletzión de rolitas que se bailan de a botas picudas ¡Es gratis!

3ballMTY – Ritmo Alterado by LATINPOWERMUSIC

“Ritmo Alterado” es el segundo sencillo del álbum Inténtalo (el primero es el track homónimo) que editó este año el súper candente colectivo regio 3ball MTY de la mano de Toy Selectah, quien nos habla del gusto que les da que este arroz por fin se haya cocido:

Un esfuerzo que cierra la primera etapa de casi 2 años de trabajo desde que los muchachos llegaron a mi estudio por primera vez y después de mas de 6 meses de trabajar hombro con hombro con el equipo de PENCA RECORDS y LATIN POWER MUSIC.

 Y ya si se clavan, durante la semana corriente se pueden bajar, también gratis y en iTunes, el video de “Inténtalo”, primer sencillo de este álbum.

En continuidad con nuestros recuentos de lo más destacado del año, acá están las 30 canciones iberoamericanas que más cantamos en la regadera y bailamos en los fregaderos. El orden de las canciones es alfabético.

Adrianigual – “Arde Santiago”

Hace mucho que el término agridulce no encontraba una posición tan correcta como al describir el proyecto de Adrianigual. Música tiránicamente bailable que transgrede cuerpos aluzados por un inexplicable culto a los 80 y 90. Mientras se expresan los más profundos rencores hacia las urbes modernas, se dilucida un pop de extraordinaria confección en su estructura. Adrianigual es una ironía en toda su extensión, uno de esos locos o excéntricos que habrá que sacralizar antes que sean encapsulados por incomprendidos. “Arde Santiago” es el expediente que habrá que abrir al canonizar al baile.
Arde Santiago by adrianigual

Alex Anwandter – “Cómo puedes vivir contigo mismo”

Anwandter ostenta una certera habilidad para conformar hits instantáneos de sus canciones y flechar al escucha en una áspera atmósfera techno-pop- rockera que bien sabe a los Pet Shop Boys o a los cortos circuitos de Giorgio Moroder. “Cómo puedes vivir contigo mismo” es el track que abre la caja de pandora personal que resultó su álbum Rebeldes, un manifiesto profundamente pegajoso y bailable sobre amor, sexualidad y autodeterminación. El que no baile con ésta, no tiene pies.

Antoine Reverb – “You as a Fish”

¿Qué escucharía la pandilla de Scooby-Doo dentro del Mystery Machine? Probablemente el Everything is a Foreign Language to Me de Antoine Reverb. “You as a Fish” logra ser retro, espeluznante, divertida y ponedora. No sabemos si a Daphne y a Fred les latería, pero Wilma encontraría referencias a la voz de Thurston Moore y la instrumentación dream-barroca-chamber-pop de Broadcast; mientras que Shaggy y Scooby aullarían con el yodeling que reverbera al final. Pet Sounds y Scooby Snacks.

Astro – “Ciervos”

Los Niños Perdidos de Nunca Jamás envidiarían a Astro por haber crecido sin perder su infancia esencial. “Ciervos” fue el sencillo que vaticinaba un álbum más maduro, de melodías profundas y capas complejas… y se nos cumplió: el corte es parte de un álbum desbordado de giros psicotrópicos, líneas musicales pachecósmicas y letras onomatopéyicas defendidas con pueril ingenuidad. Bienaventurados los incautos que se atrevan a apreciar el increíble universo de Astro.

Bam Bam – “Hipnódromo”

El “Astronomy Domine” del Futura Vía. Así como se puede escuchar el Dark Side of the Moon contra escenas de El Mago de Oz para obtener un soundtrack alterno, se antojaría encontrar usos paralelos del Futura Vía, para ver 2001: Odisea Espacial. En el capítulo ‘“Jupiter and Beyond the Infinite”, el astronauta Dave Bowman trasciende esta dimensión a través de túneles de luces psicodélicas intensificadas por una ominosa pieza de György Ligeti. ¿Y si ponemos algunas piezas de Bam Bam? La sola mención de vórtices, tiempo condensado e inmortalidad, no hace sino remitir al viaje trans-astral de la novela/película y aquella frase pronunciada por el astronauta, cuando llega al final del infinito: “My God, it’s full of stars”.

Candy – “El Entierro”

El Horror-Trio más poderoso del Chopo, el Circo Volador y allende las fronteras del DF, ya prepara su sophomore álbum, producido por Joselo Tacvba. Para matar el blood-thirst entre discos, nos regalaron este pre-sencillo pseudo-gótico en pleno verano chilango (cual darkie vestido en terciopelo, afuera del Metro Zapata). Aquí, la Lily Munster del grupo –Valentina– cede el micrófono al Herman de la banda –Michael– (léase como en Gorbachov). El resultado: una épica de cuellos con olanes, pelucas que parecen estar hechas de rulos-de-flautas-con-crema y caras maquilladas dignas de los Volturi en Twilight.

El Columpio Asesino – “Toro”

Tomar el carro y manejar a Berlín toda la noche: carretera y espíd. Compañeros en fuga, coincidían en los baños, amantes en el precipicio. Son Bonnie & Clyde. O Bowie & Sarandon en El Ansia, montados en una road movie de yonquis. Álbaro con una voz atascada de pastas; ella, con una voz tiritante de cold-turkey. Los vascos de El Columpio Asesino tomaron las mejores ideas de “Ghost Rider” (Suicide), para convertirla en una balada industrial, que contagió demencialmente al 2011 y que nos regaló la frase con la que bautizamos al Panamérika No.129 “Gafas negras en la noche”.

DiscoRuido! – “Go Twisters”

Nueve minutos de canción atormentada, machacante, casi perturbadora, que se queda en la memoria de muchas personas y reproductores de MP3 este año gracias a bases rítmicas y arreglos difíciles de pasar desapercibidos. “Go Twisters” es como un after emocional –¿un huracán?– que parece no tener fin, y en el que súbitamente se aparece en la puerta una Jeanette cyberpunk.

The Echocentrics – “O Elefante (ft. Tita Lima)”

“O Elefante (ft. Tita Lima)” es la interpretación libre de una canción tradicional infantil verdeamarela, o una de las piezas avivadas por el fuego místico del ocote chicano del señor Adrián Quesada. Se desprende del álbum Sunshadows resultado del experimento más pop de su carrera: The Echocentrics. “O Elefante”, igual que el álbum, emprende una multicrómatica travesía desde la psicodelia peruana hacia la más coqueta esquina de la tropicalia brasilera sin dejar de lado el desértico sabor del sur estadounidense, mientras pasa una planta rodadora.

The Echocentrics- O Elefante ft. Tita Lima by iRieFicus

Los Esquizitos – “Chiggy Pop”

Los granfaders del púnk, garaje, surf –y todo lo que use máscaras de luchador y camisas floreadas– sentencian a sus hordas con un: Tú quieres ser como yo, larga duración que, cual regreso de Los Muppets, pone a prueba el entendimiento de los chicuelos, en busca de conseguir el revamp generacional. La rola, con un guiño a Iggy Pop en el título, marca un call and response entre Brisa –la Maureen Tucker del grupo, que muestra que toca la bateria y canta; y bonito– en papel de enfermera buenota, a dúo con el Güili Damage, quien encarna a un personaje Robert Crumb-esco, como un loco encamado que fantasea con que la enfermera le ponga Merthiolate en sus heriditas y Viagra en su juguito de zanahoria. Esquizito Delirium tremens.
Chiggy Pop by losesquizitos

Francisca Valenzuela – “Quiero Verte Más”

Que se preparen Angélica María, Lucerito, Libertad Lamarque y el resto de las “novias de América”. Puede ser que pronto el título le acomode mejor a esta estadounidense de padres chilenos que en 2011 sonó en varios países de América con “Quiero Verte Más”, un tema con mucho corazón del discazo Buen soldado.
Quiero Verte Mas by franciscavalenzuelamusic

Helado Negro – “Lechuguilla”

Imagínese en su posición predilecta en una noche pasional, mire a los ojos de su amante y establezca un juego fonético-visual entre la frase “Let you guide me”, la más profunda cueva en Estados Unidos y sus divagaciones eróticas (las más tiernas de ellas, claro). Ahora intente componer una canción bajo esa atmósfera sonora. Si no le convence el resultado, Helado Negro le regala “Lechuguilla”.

Instituto Mexicano del Sonido – “El Jefe”

Ya en el 2010, Camilo Lara realizó Suave Patria para musicalizar un segmento del desfile conmemorativo del Bicentenario. Las obras por encargo continúan y, parecería que, el Instituto Mexicano del Sonido ha encontrado una raison d’être al resignificar la música de los mayores emblemas patrios. Ahora, el canal A&E ha producido una serie llamada “El Luchador”, una suerte de docu-reality que retrata la vida tras-bambalinas de los enmascarados del Ring. Vengan los loops cha-cha-go-gó, sello de la casa desde el Méjico Mágico, para sacarle una sonrisa hasta al más rudo o cursi. Ya se nos cuecen las habas por escuchar Político, el 4º en la discografía del “Mexican Institutou del Sonidou”.
Instituto Mexicano del Sonido – El Jefe by Tape Music

Juan Cirerol y Martín del Prado – “Nomás sirvo pa’cantar”

Honesta declaración de principios de un bajacaliforniano que no ha cumplido los 25 años y que lo mismo toca su polka norteña en el Metro de la Ciudad de México que en una sala de conciertos como El Imperial, acompañado únicamente por su guitarra y, en el caso de este tema de sabia auto aceptación, también por Martín del Prado. Ambos se divierten, tosen y se dan aliento en una canción de auténtico punk que al principio parece triste.
02 nomas sirvo pa cantar by J.C y M.D.P

Kali Mutsa – “Jauja”

Kali Mutsa está loca como una llama andina. Su cuerpo está poseído por María Callas, Yma Sumac, Asha Bhosle, Anita Tijoux, Björk, M.I.A, La Tigresa de Oriente y Wendy Sulca, simultáneamente. La Diosa Kali tenía ocho brazos, por si saber esto sirve de algo. “La Gata Negra del Pachacuti” –como también se hace llamar la actriz gitana-chilena Celine Reymond– ha capitalizado de modo promiscuo el kitsch, el trash y el high-cult, la paganería y la alta espiritualidad en una comedia psicodélica del tercer mundo que suena a cobre y ayahuasca, a un corset de alpaca, charango, bombo y chicle-bomba.
Jauja by kalimutsa

Mexican Dubwiser – “Trouble in my Soul”

Sorprendente primer sencillo de su álbum de estudio, el cual contó con la voz de la leyenda viva Artwork Jamal. Un afortunado ejemplo de la integración sonora, cultural, generacional, nacional y étnica que puede dar Los Ángeles, ahora caminando entre el blues, la regional mexicana y la electrónica.
MEXICAN DUBWISER – TROUBLE IN MY SOUL by MexicanDubwiser

Mongosaurio – “Me gustan las hipsters”

“Folk pop de habitación”, según su sello Belafonte Melodías. Espejito generacional con forma de canción, según muchas personas que de pronto se identificaron con este himno a la frustración al estilo Woody Allen: “no sé ni madres de diseño y la Cineteca me da sueño, y no soy interesante, nadie importante”, con una melodía memorable y redonda. Más canciones así, por favor.
Mongosaurio – Me gustan las hipsters by Mongosaurio

Los Mundos – “Ni un segundo más sin música”

Del disco homónimo de Los Mundos, este track de cadencia dreampopera resume la propuesta del proyecto alterno de Chivo (En Ventura) y Luis (Piyama Party), como parte del reciente movimiento shoegazero con influencias de The Velvet Underground que viene del norte del país ¡Y lo mejor es que el álbum entero se encuentra disponible para descarga gratuita Aquí!

Los Músicos de José – “Sesiones de Azotea (Beat Buffet Remix)”

No importa cómo sonaban las originales de Los Músicos de José (eternos pandro-funkeros instrumentales-sureños-chilangos). La onda es que sacaron un álbum doble, el Different Sounds (Remixes), en el cual prestaron los elementos de sus rolas a una sarta de productores y DJs, para que “hicieran con ellas un papalote”, como dicen por ahí. La compilación acabó por funcionar como una foto de generación para los activos de la escena, por ejemplo Dapuntobeat, Sánchez Dub, Play + Movil Project, Mood Fu, Dr. Zupreeme y hasta un talentoso rimador, de nombre Charlot. En Panamérika nos súper-latió la versión de Beat Buffet, un trío de DJ’s que no sólo le mash-upean, sino demuestran que sobre los sampleos que comienzan por sonar a la música de cantina de Star Wars y terminan por ser una salsita de Miami, se sacan de la manga un flow chabacano con una labia geek-hoppera, que ablandaría a cualquier hipsterette. Malabaristas del choro seductor y del software para cortar-pegar un buffet de beats chiditos.
Los Músicos de Jose – Sesiones de Azotea (Beat Buffet Remix) by Beat Buffet

Neon Indian – “Polish Girl”

El cuero regio Alan Palomo, fue exportado a Texas a los cinco años. Su proyecto Neon
Indian logró gran apreciación de la crítica anglo, mérito que se aplaude; al final es
de sangre tricolor. “Polish Girl” suena al periodo más sintético de los 80 con ácidas
fórmulas bien clonadas. El video cuenta como “se crea la chica polaca perfecta” en un híbrido que combina Weird Science, con la película de ciencia ficción tipo Nortec, Sleep Dealer.
Neon Indian – Polish Girl by artsandcraftsmx

Oddó – “Déjame dormir”

Chileno de 24 años con un trabajo que, como sugieren sus ojos, difícilmente lo deja dormir: salir de gira con Francisca Valenzuela. Cuando tiene tiempo se dedica a su nuevo proyecto personal que ha gestado como primer producto el disco Déjame dormir. ¡Que no lo dejen dormir! Dan ganas de escuchar más de este pop sudamericano, noventero, poderoso y frontal.
Déjame Dormir by Oddo

Odio París – “Cuando nadie pone un disco”

Pop en castellano que parece shoegaze en inglés que parece un cover de Los Planetas que en realidad es una adaptación musical de un poema de Pedro Casariego. Bravo por el primer sencillo de esta banda barcelonesa que llevaba años antojándonos un disco.
Odio París – Cuando nadie pone un disco by El Genio Equivocado

Pablo Malaurie – “Tripa Corazón”

Qué bonita canción de voz y ukulele con la que empieza El festival del beso, como de contratenor que llora, como de juglar posmoderno, como de berrinche tiki recubierto de argentinidad. En el futuro sabrán que así sonaba el folk sudamericano en 2011. Sepámoslo también nosotros.

Pedro Piedra – “Vacaciones en el más allá”

El cantautor, ídolo indie, soft rockstar y showman, Pedro Subercaseaux, o Pedro Piedra, consigue un tema bien producido, con acordes mayores, neurótico, casi festivo y que rima “set” con “mes”. El sonido fresquito de la guitarra y la voz inconfundible le terminan de conferir a “Vacaciones en el más allá” una aureola de clásico.
Pedropiedra – Vacaciones en el más allá by quemasucabeza

Quiero Club – “Qué hacer en caso de oír voces”

Una de las canciones más histéricas del año plantea conflictos y soluciones no demasiado importantes en torno al insomnio. El resultado es frenético, a pesar del ritmo moderado. La melodía dulzona de los versos y la potencia del coro quedan bien, o como dirían en Monterrey, “machan”. Rápidamente se convirtió en una de las más coreadas en los conciertos, con más ánimo entre las chicas del público que entre Priscila y Marcela, que cantan desganadas y sin sonrisas, pero con la fuerza que se necesita.
Que Hacer En Caso De Oir Voces by Quiero Club by Happy-Fi

Sidestepper – “Justicia”

Regresó un hito de la electrónica colombiana para celebrar sus quince años. Mensaje indigenista bajo la batuta de Richard Blair y destacadas figuras que han dado vida a este proyecto (Teto Ocampo, Lia Samantha y Goyo de Chocquibtown). Un paso más en la lectura global del folclor colombiano.

Skip & Die – “La Cumbia Dictadura”

Ya no es una diáspora del cumbé sino una epidemia de alcance global disfrazada de mumbatón o ñü-cumbia, miles de bedroom producers le juegan al perreo y al güiro, en busca del siguiente corte que logre iniciar las hostilidades sobre el dancefloor. Sin embargo, es muy fácil perder el rumbo en SoundCloud y acabar por encontrar oro de los tontos. Si hemos de nombrar una rola tropi-tremendista como anthem cumbioso, será el de Skip & Die, inesperado coloso proveniente de Holanda (¡quihúbole!), producto de la colaboración entre el productor Jori Collignon y la vocalista sudafricana Cata.Pirata. Tan dubstepera como cadenciosa, esta røla sí juega en una liga aparte al mezclar la cachondëría antillana con el siempre incendiario rollo anti-dictadura. Manu Chao y Diplo: A ver si ya se ponen a chambear, que estos holandeses les van a partir el queso…
La Cumbia Dictadura – Skip&Die by Skip & Die

Torreblanca – “Sí”

Resulta sencillo decirle “sí” a esta canción, sobre todo en los conciertos, en los que destaca por ser la más soleada, alentadora. Gustan la voz en segunda persona, el pianito, los coros de Andrea Balency. Como dice el coro: “¿Qué más puedes pedir?”. “Sí” tiene cara de tema memorable, como esas canciones que años más tarde escuchas en la fonda y te hacen darte cuenta lo rápido que ha pasado el tiempo. Sí, así como pasó con Julieta Venegas, otra que decidió decir “sí”.
Torreblanca – Sí [Album Version] by TorreblancaMX

Toy Selectah feat. Isa GT – “No pasma”

“¿Que no te gusta el parche? Pues andáte pa’la casa”: algo tienen las rimas de Isa GT, que en actitud confrontativa, ponen en evidencia a la alta sociedad cuando se va de rumba. Que si no bailan, que si ya no hay hombres, que están mal acostumbrados. Fue en este año que el Don de la cumbia electrónica, lanzó su Mex Machine en el sello Mad Decent, “No Pasma” destaca justo por ser vanguardista y dejar atrás los clichés de la ñü-cumbia: llámele ‘ravertón’ (reggaetón-raver) o mumbatón, este corte dibuja un interesante polígono de migraciones musicales entre Londres, Medellín, Monterrey y doquiera que ande el Toy, en su constante polinización cumbiera-transglobal.
Toy Selectah ft Isa GT – No Pasma by etoro

Wachiturros – “Tírate un paso”

Esta es la boyband villera que Mad Decent ha de estar envidiando. Reggaetón de la más aguda confección, desde Argentina para el mundo. Los Wachiturros son ñeros y con una dote de originalidad, grandes pasos, frases pegajosas y cachonderias puerco-agresivas. Dinamita para construir la más infalible bomba a explotar en cualquier fiesta en su etapa avanzada. Turro, dame látigo y tírate un paso.
Los Wachiturros – Tirate Un Paso (2011Edit) by DjKevinVTPeru

Con textos de: Felipe Arias, Almendra Hernández, Rodrigo Jardón, Claudia Jiménez, Jorge Pedro Uribe y Uriel Waizel. Arte de Óscar Reyes.